Les avis de - sebastien01

Pour peu que l’on soit un lecteur de comics en quête d’histoires riches et subtiles, la lecture de l’arc de Greg Rucka sur Wolverine n’est pas franchement recommandée et, dans ce registre, ce second album parvient à faire pire que le premier (Wolverine 2003, #12-19).

L’horrible couverture annonce la couleur : les muscles seyants et le torse nu, ce T2 est un concentré d’action bête et méchante tout du long des sept épisodes que constituent son intrigue principale. L’histoire se résumerait à Wolverine vs. Dent-de-sabre vs. l’Indigène (une "jungle girl" caricaturale, plutôt bestiale et pas très futée en prime). Les alliances se font et se défont au fil des épisodes sans véritable surprise ni intérêt de ma part. Contrairement au premier volume, il n’y a absolument rien à sauver et même les lecteurs les plus indulgents et habitués à ces bêtises devraient être déçus. Quant au dessin, c’est toujours Darick Robertson et c’est donc toujours aussi peu joli à voir.

Pour les amateurs, les deux arcs suivants, scénarisés par Mark Millar et illustrés par John Romita Jr., sont à retrouver dans l’album Wolverine : Ennemi d’Etat.

J’ai entamé la lecture de l’arc de Greg Rucka sur Wolverine avec l’espoir d’y découvrir une caractérisation du personnage un peu moins super-héroïque qu’à l’accoutumée. S’il ne porte certes pas son costume et ne côtoie pas non plus les X-Men, je n’y ai finalement découvert que l’animal, la bête féroce et stupide qui se cache derrière l’homme. Comme s’il était impossible de lui scénariser des aventures en solitaire un tant soit peu mesurées et intelligentes (Wolverine 2003, #1-11).

Les deux premières histoires recueillies dans ce T1 concernent la traite d’êtres humains – des esclaves sexuelles puis des migrants mexicains – et pareille thématique, sombre et adulte comme le dit l’introduction, aurait pu, voire dû, donner lieu à quelques recherches et réflexions bienvenues. Mais c’est un comics bourrin ; ainsi, Wolverine se contente de traquer des adversaires caricaturaux au possible et de défoncer tous ceux qui entravent sa route. Les quelques mots de bon sens sont rapidement expédiés, les dialogues vont à l’essentiel et, de façon générale, l’accent est sans surprise mis sur l’action. Heureusement qu’il y a cet agent de police obsédé par Wolverine qui, de temps à autre, relève un peu le niveau.

Je n’ai pas non plus aimé le dessin de Darick Robertson puis de Leandro Fernández que je trouve grossier (surtout celui du premier). Ce Wolverine à l’allure bestiale et vulgaire n’est décidément pas le mien et, forcément, cela n’aide pas à apprécier la lecture. Et il ne faut pas se fier à la jolie couverture d’Esad Ribic, l’artiste n’illustre qu’une poignée d’entre-elles.

Si l’on fait abstraction du verbiage imbitable de Scott Snyder et de la flopée de scénaristes associés à cet event, le premier tome pouvait se résumer aux retrouvailles des super-héros dispersés dans un univers qui leur est hostile. Mais dans ce deuxième tome, l’intrigue n’avance que très peu ; il ne contient en effet qu’un seul épisode de la mini-série principale (Dark Nights: Death Metal - Trinity Crisis 2020, #1, Dark Nights: Death Metal - Speed Metal 2020, #1, Dark Nights: Death Metal - Multiverse’s End 2020, #1, Dark Nights: Death Metal 2020, #4, Dark Nights: Death Metal - Robin King 2020, #1 et Dark Nights: Death Metal - Rise of the New God 2020, #1).

Et c’est justement par ce quatrième épisode que j’ai commencé ma lecture. Au vu de la grosse ellipse narrative, on sent tout de suite que les trois ties-in qui précédaient avaient leur utilité mais ils ne sont pas pour autant indispensables (et c’est heureux pour ceux qui auraient cédé aux sirènes du marketing et ses éditions spéciales au doux prix de 10 € la vingtaine de pages). Au final, ce T2 n’est pas plus intelligible que le T1 mais ça va beaucoup mieux dès lors que l’on cesse de vouloir absolument tout comprendre. Après tout, on nage déjà depuis le début dans une terminologie absconse…

Par exemple, il est sympathique de voir convoquer certaines crises passées – Crisis on Infinite Earths (1985) / Infinite Crisis (2005) / Final Crisis (2008) –, même si l’on ne comprend pas vraiment ce qu’elles viennent faire là. Le tie-in relatif au Roi Robin m’a également plu. Certes, il ne sert pas à grand-chose mais il développe ce nouveau personnage, déjà rencontré au détour d’un autre tie-in dans le T1, et est superbement illustré par Riley Rossmo au trait si reconnaissable.

J’en arrive à penser qu’il faut prendre Batman : Death Metal comme une lecture récréative que personne ne comprendra jamais en totalité mais où chacun peut cependant trouver un fragment, un tie-in, qui lui plaira.

Pour faire bonne figure – mais sans grand enthousiasme, je dois bien l’avouer – et aussi pour mettre toutes les chances de mon côté, j’ai relu les trois tomes de Batman : Metal avant d’entamer sa suite : Batman : Death Metal. Cela n’aura cependant pas été d’un grand secours et l’imbitable multivers noir de Scott Snyder m’a largué au bout de seulement quelques pages (Dark Nights: Death Metal 2020, #1-3, Dark Nights: Death Metal - Legends of the Dark Knights 2020, #1 et Dark Nights: Death Metal Guidebook 2020, #1).

Ce premier tome débute par une double-page listant les albums qu’il faudrait avoir lu pour comprendre le cheminement de Snyder entre son Batman-qui-rit et sa Justice League. Mais plutôt que des conseils de lecture, c’est une véritable introduction en termes clairs qu’il eut fallu proposer au vu de la complexité du sujet. A défaut, on plonge dès les premières pages, et durant les trois premiers épisodes de la mini-série principale, dans un flot ininterrompu d’explications incompréhensibles sur le multivers noir. Je saisie évidemment le gros de l’intrigue mais les personnages et les scènes s’enchainent et les pages se tournent avec indifférence. Même le dessin de Greg Capullo m’indiffère. S’il est comme à son habitude au top, le défilé de super-héros accoutrés comme s’ils se rendaient à une soirée déguisée de Batman – jusqu’au dinosaure et aux véhicules… – ne m’inspire qu’un sentiment d’overdose (alors que les Batmen maléfiques constituaient l’idée originale du premier opus).

Parmi la multitude de ties-in réalisés par une multitude d’auteurs, deux d’entre eux concluent ce T1 et apportent heureusement leur lot d’histoires courtes, légères et plus aisées à suivre. Je retiendrais celle du Batmanhattan / Darkest Knight (bien que je me sois demandé ce que le Dr Manhattan venait faire dans cette galère si ce n’est pour le jeu de mots), celle du Roi Robin et, plus anecdotique, celle du Bébé Batman. Le "manuel" propose aussi, sans être indispensable, un bon résumé de la chute de la Terre face à d’autres Batmen maléfiques.

J’avais beaucoup apprécié la vague de titres estampillés "Marvel Noir" sortis il y a une dizaine d’années, en particulier ceux consacrés aux personnages de Daredevil et de Spider-Man, et c’est donc avec un certain plaisir que j’ai découvert cette troisième saison du tisseur plongé dans les années 30 (Spider-Man Noir 2020, #1-5).

A la différence des deux premières itérations de Spider-Man Noir par Hine, Sapolsky et Di Giandomenico (rééditées en Deluxe l’année dernière), cette histoire délaisse rapidement les rues de New York pour nous faire voyager tambour battant en Europe puis au Moyen-Orient. On y retrouve donc un peu moins l’ambiance urbaine de la Grande Dépression et du film noir mais heureusement le costume, l’enquête et le dessin plus sombre qu’à l’accoutumée sont toujours au rendez-vous.

Cette fois-ci Spider-Man, bien aidé de quelques compagnons de voyage, enquête sur un meurtre qui le conduit sur la trace d’une mystérieuse breloque byzantine convoitée par les nazis (la période du récit le justifie mais, voilà, encore eux…). Le scénario de Margaret Stohl n’est pas sans rappeler une aventure d’Indiana Jones, notamment ses courses-poursuites à distance, jusqu’à son final entre fantastique et ésotérique (une fin assez éloignée du film noir qui m’a toutefois un peu déçu).

Le dessin de Juan Ferreyra est très bon et ses couleurs tout en nuances de gris avec une touche de rouge (comme la très belle couverture de Dave Rapoza) participent pleinement à installer l’ambiance.

A l’image du premier volume des aventures de Wonder Woman scénarisées par G. Willow Wilson, le second continue d’opter pour une tonalité légère voire superficielle. Sa lecture ne m’a jamais vraiment intéressée, ça n’est même pas très enthousiasmant à regarder et j’ai fini par expédier les derniers chapitres (Wonder Woman 2016, #73-83 et #750 "The Wild Hunt - Finale").

Deux histoires sont au programme de ce T2. Dans la première, Wonder Woman et ses copines sont de retour sur l’île de Themyscira par le biais d’une brèche temporelle qui ressemble beaucoup à une astuce scénaristique un peu trop commode. Et quelques coups d’épée plus tard (indolores, comme toujours), tout le monde a retrouvé la place qui était la sienne.
Puis arrive la période "Year of the Villain", en VO, au cours de laquelle les super-vilains furent à l’honneur. Dans le cas présent, il s’agit sans surprise de Barbara Ann Minerva, alias Cheetah, l’ennemie jurée habituelle de la princesse amazone. Encouragée par Luthor, elle enragera, jalousera et affrontera son adversaire – jusqu’à brièvement endosser son costume – durant un trop long mano a mano. Les deux protagonistes multiplient les acrobaties épée à la main mais cela ne créé pas pour autant une dramaturgie suffisante. L’issue de ce long combat ne fait aucun doute, on ne ressent aucune véritable mise en danger de l’héroïne et il est donc difficile de porter un quelconque intérêt à cette seconde histoire.

Plus nombreux encore que sur le premier volume, pas moins d’une dizaine de dessinateurs se relaient sur presque autant d’épisodes. L’ensemble est cependant cohérent puisqu’il s’agit d’un dessin standardisé, très typé "comics de super-héros" ; un travail correct mais presque sans saveur, dont Xermánico et Jesús Merino se sortent un peu mieux que les autres.

Après le run de Greg Rucka puis, un cran en-deçà, de James Robinson, tous deux publiés dans la série Wonder Woman Rebirth, voici une nouvelle série, en deux épais volumes de près de 300 pages, compilant la suite des aventures de la princesse amazone par G. Willow Wilson. Les belles couvertures par Jenny Frison font le lien entre les deux séries alors que ce genre de saucissonnage devient monnaie courante en VF lorsque le scénario change de main ou lorsque la tomaison s’accroit (Wonder Woman 2016, #58-72).

Plusieurs histoires se succèdent durant les quinze premiers épisodes de ce T1 et, d’une manière générale, je les ai toutes trouvées très légères voire superficielles. Il n’y a surtout aucun enjeu durable ; en effet, chacune des tentatives pour mettre un tant soit peu Wonder Woman en danger est désamorcée en quelques pages. A l’instar de sa dispute avec le dieu de la guerre Arès à qui il suffit d’un chuchotement au creux de l’oreille pour lui faire rendre les armes. Ou à l’instar de sa dispute suivante avec la femme d’affaires Veronica Cale à qui il suffit d’une accolade pour la faire fondre en larmes.

Les épisodes de transition sont navrants et oscillent entre le comique lourdingue avec un cheval ailé, un minotaure et un satyre et le grandiloquent avec un combat de géants. C’est à se demander si cette série n’est en fait pas à destination de jeunes adolescents. Il n’y a que la dernière histoire, dans laquelle il est question d’amour et qui met en scène Atlantiade, un personnage hermaphrodite – non-binaire dirions-nous aujourd’hui –, qui m’a paru relever un peu le niveau.

Plusieurs dessinateurs se succèdent en raison du rythme de parution bimensuel en VO et, s’il y a évidemment du bon et du moins bon, dans l’ensemble, le dessin est correct et homogène. Si je ne devais retenir qu’un artiste, ce serait assurément le très bon Xermánico.

On connait tous l’histoire d’Harley Quinn et, avant même d’ouvrir cet album, on sait donc comment celle-ci va se terminer. Son visage taché de sang en couverture ne laisse d’ailleurs guère de doute sur cette tragique issue. Pour autant, cette lecture fut très intéressante ; je dirai même qu’il s’agit de ce que j’ai lu de plus intelligent sur ce personnage qui n’a pas été épargné par le grand n’importe quoi ces dernières années (Harleen 2019, #1-3).

Dans l’esprit, sa caractérisation par Stjepan Sejic est à rapprocher de celle de Mad Love (Paul Dini et Bruce Timm) ou de Batman: White Knight (Sean G. Murphy). Et c’est heureux ; ses origines sont respectées et l’on est à mille lieues de son alter ego débile et racoleur des périodes "The New 52" et "DC Rebirth" scénarisées par Amanda Conner et Jimmy Palmiotti.

Ici, Harleen Quinzel n’est pas encore devenue Harley Quinn. C’est une jeune psychiatre en blouse blanche passionnée de criminologie et persuadée que l’on peut soigner les internés de l’asile d’Arkham (assurément un établissement de choix pour une première expérience professionnelle…). Evidemment, cette douce naïveté fait un peu sourire mais le lecteur est amené avec sérieux sur le terrain de la psychologie criminelle et on a envie d’y croire. Les entretiens débutent avec Zsasz, Poison Ivy, Killer Croc et consorts mais le Joker devient rapidement l’objet d’étude très particulier du Dr Quinzel.
Le développement du personnage et sa corruption progressive constituent le cœur de l’intrigue et sont donc très approfondies. On aurait même totalement pu se passer de Batman et de Double-Face qui n’ont que des rôles de figuration. Seul petit bémol, cette inflexion de sa personnalité est un peu rapide par moments ; mais il s’agit après tout d’un comics en trois épisodes et non d’un roman.

En ce qui concerne le dessin, il est de toute beauté. J’ai eu envie de reconnaitre en Harleen Quinzel l’une des deux filles de Sunstone, du même auteur, avant de me raviser… La conception du personnage montre en tout cas qu’il n’est nullement nécessaire de l’accoutrer de bas ou de collants, comme ce fut trop souvent le cas ces dernières années, pour qu’elle soit réussie.

Une grosse dizaine d’années après Superman : Identité secrète, Kurt Buziek interroge à nouveau notre rapport aux super-héros en s’emparant cette fois-ci du Chevalier noir dans un récit aux multiples points de comparaison avec le premier (Batman: Creature of the Night 2017, #1-4).

D’un garçon qui passe rapidement de l’adolescence à l’âge adulte, de son homonymie et de ses autres ressemblances – plus ou moins marquées – avec les super-héros, du détournement du comics "de super-héros" pour en faire quelque chose de plus réfléchi, du chapitrage et jusqu’au style de dessin, on sent que le scénariste a voulu réitérer avec Batman ce qu’il avait réussi avec Superman des années auparavant. Même Urban Comics ajoute au parallèle entre les deux albums avec le choix de cette couverture. Il ne s’agit pas pour autant d’une redite, Busiek a bien saisi la différence entre les deux personnages et la tonalité des deux albums s’en ressent.

Cette histoire est celle de Bruce Wainwright, un garçon dont l’enfance va tragiquement basculer et le destin prendre une tournure qui rappellera étrangement celle de Batman dont il lit les comics depuis son plus jeune âge. Celle-ci est sombre et ses réflexions mélancoliques voire carrément tristes par moments. A l’inverse de bien des comics ou films, elle montre à quel point il n’est pas si aisé de se remettre d’un traumatisme. Et comme avec l’histoire précédente, il ne s’agit pas vraiment d’une histoire de Batman mais de ce qu’il aurait pu être dans le monde réel, violent et corrompu. Un Batman actuel, très "grim and gritty", dans la lignée de ce que propose la bande-annonce du film de Matt Reeves à venir en 2022.

Si l’histoire est très prenante, elle est aussi superbement accompagnée du dessin de John Paul Leon. L’auteur, récemment décédé, livre ici une dernière prestation comme je les adore avec son trait brut, gras et très encré qui correspond parfaitement à l’ambiance du récit.

Pas de super-héros, ni de super-vilain. Pas d’aventure cosmique, ni de menace extraterrestre. Il ne s’agit ici que de la vie d’un homme – presque – ordinaire. Bref, ce n’est pas une histoire de Superman et c’est peut-être justement en cela qu’elle est aussi belle (Superman: Secret Identity 2004, #1-4).

J’ai toujours préféré Batman à Superman dont la quasi invincibilité me parait être un frein à la mise en place de véritables enjeux dramatiques. Bien que le gros titre rouge en couverture puisse laisser penser le contraire, il n’est cependant pas question de Superman dans cet album mais d’un adolescent ordinaire, Clark Kent, homonyme du super-héros et originaire comme lui du Kansas (mais pas de Smallville, la ressemblance a ses limites). Objet de taquineries voire de moqueries de la part de ses camarades et de ses proches, il se découvre par hasard des super-pouvoirs qui vont changer sa vie.

Comme il l’avait déjà fait avec Marvels dix ans auparavant, Kurt Busiek raconte dans cet album une histoire à hauteur d’homme et encrée dans notre quotidien. L’adolescent en viendra, comme un clin d’œil, à enfiler le costume du super-héros et à agir en tant que tel mais l’histoire se concentre sur son parcours d’homme en suivant quatre périodes importantes de sa vie (l’adolescence, le monde du travail, la paternité, la retraite). Si quelques séquences d’action parsèment inévitablement l’album, il est surtout question d’introspection et, bien accompagné du superbe dessin de Stuart Immonen, même de poésie. En refermant l’album, on a, comme rarement, le sentiment d’avoir lu un comics "de super-héros" intelligent.

Par le même scénariste et interrogeant notre rapport aux super-héros en usant des mêmes ficelles, la lecture de Batman : Créature de la nuit est évidemment recommandée.

Cela débute comme une enquête classique avant de basculer rapidement dans l’horreur puis le surnaturel et enfin le fantastique. Le tout dans le contexte complexe de l’Irak au sortir de la dernière guerre où s’enchevêtrent les intérêts des compagnies pétrolières, des sociétés militaires privées, des groupes terroristes et, bien sûr, des irakiens (Burning Fields 2015, #1-8).

Se déroulant durant l’immédiat après-guerre, l’ambiance du récit m’a tout de suite fait penser à Thumbprint (Ciaramella & Malhotra) ou à Sheriff of Babylon (King & Gerads). Dans le scénario de Michael Moreci et Tim Daniel, deux auteurs que je ne connaissais pas, une ex-militaire américaine revient en Irak, dans le privé cette fois-ci, pour enquêter sur une série de meurtres atroces aux allures de rituel satanique. Rien à voir évidemment avec les versets sataniques du Coran – l’histoire a beau se dérouler au Moyen-Orient, la religion est curieusement absente –, les protagonistes n’auront affaire qu’au satanisme mainstream que l’on rencontre un peu partout.

La mise en place est très prenante, les personnages sont un chouia caricaturaux mais leurs interactions fonctionnent et le contexte d’alors est bien décrit. Et le dessin de Colin Lorimer, que je ne connaissais pas davantage, m’a bien plu quoique sa colorisation me paraisse trop sombre. En revanche, j’ai été beaucoup moins emballé par la seconde moitié du comics : l’enquête vire au survival, les zombies font leur apparition et l’histoire perd à cette occasion toute forme d’intelligence. J’ai le sentiment que les auteurs avaient une idée de départ et n’ont su où l’amener autrement qu’en enchainant les scènes d’action. Dommage.

Cet album est un très court hors-série, d’une soixantaine de planches seulement, présenté comme une nouvelle se déroulant dans l’univers de Criminal (My Heroes Have Always Been Junkies, 2018).

Son lien avec la série-mère est toutefois mince et seuls les lecteurs les plus attentifs reconnaitront son héroïne (un indice : on l’a aperçue en mauvaise posture dans le premier tome). Pour le reste, le titre est suffisamment parlant et Ellie fantasme ainsi sur les drogués. La drogue libèrerait les artistes, musicaux en particulier ; une réflexion douteuse étalée tout du long, sans véritable contrepoint, pas même émanant de celui qui l’accompagne dans sa fuite du centre de désintoxication. Ne serait-ce que pour écrire des comics, heureusement qu’il existe encore des travailleurs honnêtes dans ce monde…

Si Criminal reste ma série préférée de l’indéfectible duo formé d’Ed Brubaker et de Sean Phillips (avec désormais le fils de ce dernier, Jacob Phillips, aux couleurs), cet album ne m’a en revanche pas emballé. Une lecture correcte mais trop en décalage avec les épisodes précédents et suivants, pas vraiment dans l’esprit polar et qui n’est surtout pas d’une grande utilité pour la compréhension de l’ensemble.

Les amateurs de la série peuvent donc faire l’impasse sur cet achat et passer directement à la cinquième saison, publiée sous forme de deux "romans graphiques" – parce que ça faisait plus chic que d’en faire les tomes 8 et 9 ? – avec les albums Sale week-end puis sa suite, sortie récemment en VF, Un été cruel.

Plunge est l’un des tous premiers albums de la nouvelle collection horrifique Hill House Comics de DC Comics. Au programme de celui-ci, des personnages un brin caricaturaux mais bien amenés, le dépaysement de la haute mer et de l’Arctique, un navire – et son équipage ! – qui refont mystérieusement surface et évidemment une petite touche d’horreur qui va crescendo au fil des épisodes. Bref, l’histoire scénarisée par Joe Hill débutait parfaitement (Plunge 2020, #1-6).

Certes, elle n’est pas follement originale et certains de ses ingrédients ont un air de déjà-vu – les livres ou les films exploitant ce registre étant nombreux, The Thing notamment dont la filiation est revendiquée par les auteurs – mais elle est tout de même très prenante et divertissante. Proche du survival fantastique avec un côté série B assumé, je rangerais Plunge entre Sanctuaire (Christophe Bec) pour la BD franco-belge, et The Wake (Scott Snyder) pour les comics. L’album bénéficie du dessin de Stuart Immonen et c’est un régal pour les yeux. Quelques grandes cases en pleine page auraient toutefois été la bienvenue pour décrire l’ambiance polaire que l’on voit finalement assez peu.

Malheureusement, la fin arrive trop rapidement et n’est pas des plus subtiles. J’en aurais volontiers pris pour quelques épisodes supplémentaires, jusqu’au double s’il le fallait, si cela avait permis au scénariste d’expliquer cette lubie pour les mathématiques, le fonctionnement des trois artéfacts et peut-être sortir la carte des Grands Anciens de Lovecraft avec plus de finesse. Il y a là matière à un bon téléfilm mais pas davantage. Cela avait si bien commencé, dommage.

Oh, et puisque l’on n’a pas tous choisi russe LV2 au collège, il eut été utile de traduire, ne serait-ce qu’en appendice, les dialogues en cyrillique aux deux pages concernées, блин !

J’ai donné cinq étoiles au premier tome, puis quatre, puis trois et, en refermant le septième, il m’est impossible de lui donner une meilleure note malgré tout l’intérêt que je porte à la série. Depuis ses débuts il y a près de huit ans, Lazarus a toujours adopté un rythme lent, tant en ce qui concerne le déroulement de son intrigue que la parution de ses épisodes, mais désormais il serait temps que Greg Rucka en arrive à la conclusion (Lazarus: Risen 2019, #1-3).

Ce T7 constitue le début de la seconde saison de Lazarus, la série ayant été relancée après un épilogue en deux parties centré sur Jonah Carlyle (constitué des épisodes 27 et 28, inédits en VF). A l’exception de son format, rien ne change et on retrouve donc les mêmes ingrédients que dans les tomes précédents : les combats très chorégraphiés, les discussions familiales et/ou politiques nébuleuses et, par petites touches, le développement de l’héroïne et, récemment, de sa sœur. Mais au fond, il n’y a pas de nouvel enjeu et l’intrigue n’avance guère. Il s’agit presque d’un tome pour rien et je n’en retiendrai qu’une seule chose : Forever s’est coupée les cheveux. C’est dire…

Malgré cela, et alors que la collection Glénat Comics périclite et puisse raisonnablement faire craindre aux lecteurs pour la suite de la publication en VF, je continue à suivre la série. Un peu par habitude de complétiste, un peu aussi pour le dessin de Michael Lark que j’apprécie toujours autant. Mais on sent que la série ronronne, que l’intérêt s’essouffle ; pourvu l’on n’en vienne pas à s’ennuyer et que les auteurs aient assez rapidement une véritable conclusion à proposer.

En attendant la sortie du film Venom 2 : Let There Be Carnage, qui devrait être centré sur le rejeton meurtrier de Venom, je me suis convaincu de lire l’une des rares séries en solo consacrée au personnage de Carnage. Et c’est malheureusement aussi mauvais que je ne l’imaginais (All-New, All-Different Marvel Point One 2015, #1 (II) et Carnage 2016, #1-16).

Je ne retiendrais de cet album qu’un seul aspect positif : le dessin de Mike Perkins. J’avais déjà vu son travail çà et là, notamment sur Captain America, mais jamais sur la durée. C’est enfin le cas avec cette série puisqu’il se trouve seul aux commandes des seize épisodes. Paradoxalement, il me parait plus à l’aise avec les humains qu’avec les symbiotes mais ça reste malgré tout du très bon travail. Dommage cependant que la colorisation ne soit pas au niveau ; l’essentiel de l’histoire se déroule de nuit, sous terre ou dans des ambiances très sombres qui masquent le trait de Perkins.

Mais c’est surtout le scénario téléphoné et sans originalité de Gerry Conway qui m’a ennuyé. En résumé, une équipe d’agents du FBI localise Carnage / Cletus Kasady et projette de l’arrêter mais à aucun moment on ne sent qu’elle a le moindre espoir d’y parvenir. On ne s’attache pas aux protagonistes, bons ou mauvais, qui se succèdent et finissent tôt ou tard en chair à Carnage. Les quelques autres monstres croisés en chemin n’ont d’autre rôle que de réveiller le lecteur et ne représentent aucune réelle menace pour le symbiote, ou son hôte, qui sortent indemnes de toutes les situations. Et le tout est saupoudré d’une obscure prophétie pour laquelle je n’ai eu d’intérêt tout du long. Même Eddie Brock, ici dans le costume ridicule de Toxine, n’est pas particulièrement intéressant.

Bref, comme on pouvait s’y attendre, c’est très moyen. Je lirai probablement Absolute Carnage un de ces jours, mais sans grand enthousiasme.

Deux étoiles. Cela peut paraitre sévère pour une histoire de Batman aussi culte que celle-ci. Une question de génération sans doute puisque son scénario et son dessin mais aussi, d’une manière générale, les comics des années 80 ou 90, voire plus anciens encore, ne m’ont jamais vraiment enthousiasmé (Batman 1940, #426-430).

La première chose qui me déplait n’est pas tant le dessin de Jim Aparo que la couleur. Je comprends évidemment que les techniques de colorisation et d’impression d’alors, qui devaient allier rapidité d’exécution et bas coûts, ne permettaient que ce résultat grossier et criard. Mais à la même époque, voire une décennie auparavant, la BD franco-belge produisait déjà de superbes planches de Bob Morane, de Bruno Brazil ou de XIII avec une définition et un nuancier dans les couleurs d’un niveau infiniment supérieur. De ce fait, et malgré leur ancienneté, ces albums sont encore aujourd’hui accessibles sans difficulté, par une nouvelle génération de lecteurs. La différence entre l’artisanat de la BD et l’industrie des comics ? Avec l’édition Semic, on a parfois l’impression d’avoir affaire à des coloriages d’enfants à la craie grasse…

Publié en 1988, je reconnais à ce récit l’originalité d’illustrer – quoique de façon simpliste – les relations tendues qu’entretenaient les Etats-Unis et l'Iran (jusqu’à en dépeindre l'ayatollah Khomeini en allié du Joker). Mais, trop habitué aux super-vilains de Gotham que l’on peut tabasser sans trop se soucier des conséquences, Batman parait dépassé par la politique étrangère. Le scénario de Jim Starlin n’est pas beaucoup plus subtil et accumule les coïncidences entre la recherche de la mère de Robin et les actions terroristes du Joker au point où cela en devient risible. Et la narration est lourdingue à prendre ainsi le lecteur par la main entre les résumés de plusieurs pages au début de chaque chapitre et les ribambelles de récitatifs pour le moindre mouvement ou la moindre pensée de Batman ou consorts. Bref, ça n’a vraiment pas bien vieilli.

Du travail de Dustin Nguyen, je ne connaissais jusqu’alors que sa collaboration avec Paul Dini sur Batman (à retrouver dans les tomes 2 et 3 de la série Paul Dini présente Batman) et, plus récemment, sa série avec Jeff Lemire (Descender et sa suite, Ascender). De par son titre et sa représentation des personnages en version "chibi" – qui leur confère une bonne dose de mignonitude –, Little Gotham m’avait toujours paru destiné aux enfants. Cependant, si ces aquarelles et ces histoires sont effectivement légères, il s’agit d’une lecture aussi divertissante pour les adultes (Batman: Li'l Gotham 2013, #1-12).

Accompagné au scénario de Derek Fridolfs, un encreur de formation, Nguyen propose ici vingt-quatre histoires courtes, d’une dizaine de pages, rythmées par le calendrier américain. Au fil des saisons et des fêtes – plus ou moins connues des européens – d’Halloween, de Thanksgiving, de la Saint-Patrick, du Jour de l’Indépendance, de la Comic-Con, etc., les histoires s’enchainent gaiement. Chacune d’entre elles sert surtout de prétexte pour voir Batman et Robin aller à la rencontre de toute la galerie de héros et de vilains que compte le Batverse, d’enchainer par quelques acrobaties et de conclure imperturbablement dans la bonne humeur.

Il ne faut pas attendre de cet album autre chose qu’un divertissement léger mais les connaisseurs prendront plaisir à y déceler quelques références bien trouvées aux comics ou aux dessins animés. Et ceux qui ont aimé l’idée peuvent désormais jeter un œil à sa suite sortie récemment : Batman : Les contes de Gotham.

Voilà un récit de Wonder Woman qui rebutera, ou à tout le moins étonnera, les lecteurs habitués aux scénarii de Greg Rucka, de James Robinson ou, plus récemment, de G. Willow Wilson et à l’esthétique classique que l’on y associe. La princesse amazone se retrouve en effet plongée dans un monde post-apocalyptique où tout le monde semble partir en vrille, y compris elle-même, et on a vraiment peine à la reconnaitre (Wonder Woman: Dead Earth 2020, #1-4).

Jusqu’alors, je ne connaissais pas le travail de Daniel Warren Johnson, l’auteur complet de cet album. Il est sans doute appréciable qu’un éditeur puisse permettre à d’autres auteurs que ceux habituellement attachés aux séries régulières de proposer une autre version de leurs super-héros favoris, la collection DC Black Label étant destinée à cela après tout (et non à devenir un fourre-tout de rééditions…). Mais au contraire de Wonder Woman : Terre-Un, cette réinterprétation va trop loin à mon goût.

Physiquement, Wonder Woman est plutôt trapue, a le nez d’un boxeur, les cheveux en pagaille et est habillée en haillons. Pour un personnage dont la plastique a souvent été primordiale dans les comics, cela surprend mais passe encore ; le type dessin brut, gras et relâché étant alors en accord. Mais c’est surtout le caractère de l’héroïne que je ne reconnais pas : Wonder Woman se bat constamment, manie l’épée avec la fureur de Conan le Barbare et déploie une violence – graphique – que je ne lui connaissais pas. Fallait-il par exemple nécessairement qu’elle arrache la colonne vertébrale de Superman ? Au-delà du personnage, le scénario en fait trop, notamment avec Cheetah et les Amazones transformés en de vulgaires monstres, et se conclut de la façon la plus bourrine qui soit. Très déçu de la proposition en somme ; si l’objectif était d’appuyer le côté guerrier du personnage, il y avait assurément des moyens plus finauds d’y parvenir.

La brève introduction en début d’ouvrage cite Jason Bourne, le héros des romans d’espionnage de Robert Ludlum, interprété par Matt Damon durant quelques films qui ont précédé la sortie de ce comics. Et elle ne s’y trompe pas tant il s’agit du même sujet, de la même géographie et du même rythme (Who is Jake Ellis? 2011, #1-5).

L’histoire, scénarisée par Nathan Edmondson, est menée tambour battant et pourrait se résumer à une scène d’action, en l’occurrence une longue chasse à l’homme à travers l’Europe et, en particulier, la France. Jon, notre héros, y fuit de mystérieux individus à sa poursuite avec une étonnante facilité. Il faut dire qu’il est aidé en cela par Jake, qui le guide dans chacun de ses mouvements et le prévient de chacune des menaces. Dans un film, Jake serait la voix omnisciente dans l’oreillette. Mais dans ce comics, il parait bien plus réel, on penserait presque à un dédoublement de la personnalité, et c’est tout l’objet de l’intrigue.

Malheureusement, on ne saura rien, ou si peu, de Jake et pas davantage de Jon, encore moins des expériences qu’ils auraient tous deux subi et le rebondissement final n’est qu’une pirouette destinée à vendre la suite (inédite en VF, Where is Jake Ellis?). En fait, on ne saurait répondre à la question posée par le titre en refermant l’album. Le dessin de Tonci Zonjic convient tout à fait au genre mais est trop peu détaillé pour que l’on prenne véritablement le temps de s’y arrêter. En somme, si c’est un comics correct, il se lit bien trop rapidement et ne parait faire office que d’introduction à un récit plus large.

Si Criminal reste ma série préférée de l’infatigable duo formé depuis près d’une vingtaine d’années d’Ed Brubaker et de Sean Phillips, Fondu au noir figure aussi en bonne place parmi mes indispensables. C’est en entendant de nouveau parler de l’affaire Weinstein que j’ai eu l’envie de ressortir cet album de ma bibliothèque. En effet, bien que le comics se déroule à la fin des années 40, les agissements qui y sont décrits paraissent encore tristement actuels, notamment l’emprise exercée par des hommes de pouvoir sur de jeunes actrices (The Fade Out 2014, #1-12).

Il s’agit d’un polar situé en 1948 au cœur du cinéma hollywoodien. Après la mort suspecte d’une actrice, deux amis scénaristes commencent à s’interroger et à enquêter sur leur milieu et sur les personnages qui y gravitent tel un panier de crabes. Outre une enquête plutôt classique, sans détour et donc facile à suivre où se mêlent alcool, sexe et gabardine, plusieurs thèmes propres à l’univers cinématographique y sont abordés, comme l’écriture ou plutôt la réécriture incessante d’un film, le fonctionnement infernal d’un studio ou encore la liste noire de Hollywood au temps du maccarthysme naissant.

Le scénario de Brubaker est très prenant, intéressant de bout en bout et on ne s’ennuie pas instant. Le dessin de Phillips est sombre à souhait et participe pleinement à créer l’ambiance de polar. L’édition est également soignée : au lieu d’être inutilement saucissonnés en plusieurs volumes, les douze épisodes sont ici réunis en une intégrale et forment un bel objet comme cela devrait toujours être le cas en VF pour les mini-séries.

Il n’est jamais évident de réitérer un grand succès – les deux piètres suites de The Dark Knight Returns peuvent en témoigner – et, pourtant, cette suite directe à Batman : White Knight est toujours aussi excellente. Il n’y a certes plus le même effet de nouveauté mais le talent de Sean G. Murphy, au scénario comme au dessin, est inchangé (Batman: Curse of the White Knight 2019, #1-8 et Batman: White Knight presents Von Freeze 2020, #1).

Parce qu’il m’a agacé, j’entamerais cet avis par le seul reproche que je ferai à cet album : l’interlude consacré à Mr. Freeze. Murphy y raconte les origines de ce personnage, bien qu’il soit absent de cette suite, en puisant de manière fort peu originale dans la source intarissable du nazisme. En plus de n’avoir rien à faire là – ce que le scénariste reconnait lui-même dans la postface –, cet épisode m’a coupé dans mon élan de façon très désagréable de par son positionnement malvenu entre les chapitres 6 et 7. Et illustré sans grand talent par Klaus Janson, un encreur de formation, il n’est même pas plaisant à lire.

A cette exception près, cet album est excellent. Bien que le scénario ne soit plus aussi politique que le précédent (il reste toutefois quelques idées relatives à la mainmise des riches et à l’anonymat et la responsabilité des super-héros), il est toujours aussi intelligent, sombre et prenant. L’intrigue opte désormais pour une tonalité historique et remonte jusqu’au XVIIe siècle pour raconter les origines obscures de Gotham et de la famille Wayne. Avec à la clé une bonne enquête, un duo d’antagonistes qui fonctionne – le Joker et Azraël –, plusieurs rebondissements et des conséquences durables pour cet univers. Et Murphy effectue encore une fois un très bon travail avec les habituels à-côtés (Harley Quinn, la Bat-family, le commissaire Gordon, les Batmobiles ou les références classiques du Chevalier noir).

En somme, cette suite constitue un très bon et beau moment de lecture comme j’en ai trop rarement l’occasion d’en lire à ce niveau sur Batman. Un troisième volume est attendu avec impatience ; dans l’intervalle, la sortie d’un spin-off est prévue prochainement (Batman: White Knight presents Harley Quinn).

Je ne connaissais ni le terme, ni la pratique du "shangaïage" – qui consistait à kidnapper une personne, fût-elle ou non marin, et à la faire embarquer de force comme main d’œuvre sur un navire, fût-il ou non en partance pour Shanghai – et j’ai donc mis un petit moment à comprendre le titre de cet album. Mais, à l’exception de cette légère incompréhension, il s’agit d’une très belle découverte (Shanghai Red 2019, #1-5).

Cette histoire suit le retour à Portland de Molly, dit Red en raison de sa rousseur, "shangaïée" et avide de vengeance après une dernière traversée du Pacifique au cours de laquelle elle a subi de multiples épreuves et dont elle parait sortir traumatisée. Partant à la recherche de ceux qui l’ont kidnappé, elle se lance dans un terrible cycle de violence.
Au-delà de l’héroïne badass qui joue facilement du flingue ou du couteau, l’intrigue de Christopher Sebela s’attache à l’identité de Red. Celle-ci répond en effet également au nom de Jack depuis qu’elle a pris l’habitude d’opter pour une apparence masculine afin d’exercer des métiers réservés aux hommes et ainsi subvenir aux besoins de sa famille. L’histoire effleure en cela le sujet de la transidentité, notamment à la fin où l’héroïne conserve son prénom et son apparence masculine une fois sa quête achevée, sans pour autant que ce ne soit trop marqué.

Bref, c’est un comics plutôt sombre, une longue et sanglante vengeance, superbement illustrée par Josh Hixson dont le trait brut, gras et très encré me fait penser à Sean Phillips. Le registre du polar lui conviendrait parfaitement.

Après avoir brièvement collaboré sur le personnage de Thor avec J. M. Straczynski, en 2007, puis Matt Fraction, en 2011, Olivier Coipel remet le couvert avec Jason Aaron, déjà aux manettes de la série principale, dans une mini-série se déroulant au cours de la période où le Dieu du Tonnerre était indigne de porter son marteau et avait passé la main à Jane Foster (The Unworthy Thor 2017, #1-5).

Ceux qui attendaient une grande explication à ce changement d’identité ont dû être déçus. Celui-ci trouvait son origine en 2014 dans un simple murmure grâce auquel Nick Fury parvint à se débarrasser de Thor au cours de l’event Original Sin. Il coïncidait aussi avec la fin du premier run d’Aaron (cf. "Thor : Dieu du Tonnerre" en deux Marvel Deluxe). Trois ans plus tard, cette mini-série apporte enfin une explication qui tient plus de la pirouette que de la véritable justification. En un mince dialogue entre Thor et son partenaire Beta Ray Bill, l’affaire est expédiée. On peut comprendre la frustration des lecteurs et, dans le même temps, souligner la réussite de ce joli coup éditorial qui aura fait parler de lui bien au-delà du petit monde des comics.

Hormis cette affaire, cette mini-série raconte surtout l’histoire de Thor se cherchant un marteau (et une dignité). Aidé d’un bouc et d’un chien, il part en quête d’un second marteau qu’il aura tôt fait de disputer au Collectionneur et à Proxima Minuit et Black Swan, deux sous-fifres de Thanos (et donc pas à Thanos lui-même comme la couverture pourrait le laisser penser).

C’est une histoire correcte et, en son temps, elle aura sûrement ravi les fans heureux de retrouver le véritable Thor et non son "imposteur". Sa grande force est surtout d’être superbement illustrée par Coipel (mais qui pour finir ses cinq épisodes aura eu besoin de l’assistance de plusieurs autres dessinateurs). Elle méritait sûrement d’être rééditée dans ce format Deluxe mais on trouve encore facilement en occasion le kiosque Marvel Saga pour près de trois moins cher.

Si le premier tome était une réussite, il n’en va malheureusement pas de même pour le second. De la pauvreté des deux scénarii de Jason Aaron à la succession de piètres dessinateurs, la série sombre alors qu’elle avait si bien débuté (Thor: God of Thunder 2013, #12-25).

D’une part, alors le super-vilain du T1 – Gorr, le Massacreur de Dieux – était bien travaillé, le premier adversaire que rencontre Thor dans ce T2, Malekith, parait caricatural au possible voire lourdingue par moments. On a peine à croire que c’est un scénariste professionnel et non un simple amateur de fantasy qui a imaginé cet elfe noir / bleu. Je n’ai même pas réussi à aller jusqu’au bout.
Je zappe l’épisode intermédiaire, plus léger et uniquement destiné à offrir une respiration au lecteur et faire souffler le(s) dessinateur(s) attitré(s), pour aller directement à la deuxième intrigue dans laquelle Thor affronte… le PDG d’une multinationale !?!! Evidemment, c’est un méchant homme d’affaires à lunettes noires qui veut détruire l’environnement pour y installer ses usines ; où comment détourner un comics de super-héros pour y propager des clichés d’extrême-gauche…

D’autre part, Esad Ribic, qui par son dessin participait pleinement à la réussite du T1, n’illustre plus que la seconde moitié des épisodes de ce T2. Difficile dans ces conditions d’apprécier la lecture d’intrigues moyennes voire mauvaises. D’autant plus qu’on ne puisse pas vraiment dire que les autres dessinateurs soient au niveau, il n’y a qu’à voir la grossière couverture de Ron Garney pour s’en convaincre (alors qu’il y en avait tant d’autres de Ribic).

En conclusion, une grosse déception et je ne lirai pas la suite de sitôt. Si cette série s’arrête avec le vingt-cinquième épisode, Aaron n’en a pas pour autant terminé avec le personnage. Loin de là ! Comme le tease les dernières pages, son run se poursuivra tout d’abord avec Jane Foster dans le rôle-titre (à retrouver en VF dans les séries Mighty Thor, All-New Thor et Thor Legacy), un changement consécutif à l’event Original Sin, du même scénariste, mais surtout un coup éditorial remarqué qui durera plus de trois ans et demi. Il s’achèvera enfin en 2019, après que le porteur habituel ait retrouvé son marteau.

J’ai toujours eu un peu mal avec le personnage de Thor. Qu’il s’agisse des runs de J. M. Straczynski (2007-09), de Kieron Gillen (2009-10) ou, plus récemment, de Matt Fraction (2010-12), cet univers qui marie la mythologie nordique et la fantasy Marvel me parait compliqué – en fait, surtout le dernier aspect –, presque inaccessible à suivre pour peu que l’on préfère les histoires plus rationnelles. La chronologie de ses publications est également malaisée. Mon intérêt ne portait véritablement que sur le dessin d’Olivier Coipel, surtout présent sur les premiers épisodes, et finissait par décroitre péniblement. Après une pause de plusieurs années, et alors que la série Loki débarque sur Disney+, voyons ce que nous réserve le run de Jason Aaron aux débuts de la période Marvel Now! (Thor: God of Thunder 2013, #1-11).

Et surprise, ce premier tome est une réussite. Avec Gorr, le Massacreur de Dieux, le scénariste créé un nouvel adversaire à la hauteur de Thor (un adversaire à retrouver semble-t-il en 2022 dans le quatrième film Thor: Love and Thunder). Son design, sa motivation antithéiste, sa férocité, sa pugnacité et son très long développement – en onze épisodes tout de même – sont fort appréciables et montrent une nouvelle fois qu’un bon méchant peut à lui seul sauver un scénario passable. Celui-ci ne se résume en effet qu’à un long mano a mano avec Thor dont la seule originalité réside dans les itérations passées, présentes et futures du personnage.

Bref, un bon moment de lecture, conclut comme il se doit, au vu du sujet, dans une grande bagarre (mention spéciale pour Thor enveloppé de "noirceur" sur la fin). Il faut bien sûr également mettre ce moment agréable au crédit d’Esad Ribic, et de son coloriste, Ive Svorcina, pour ce dessin fin et ces couleurs douces et souligner leur régularité tout au long de cette intrigue.

Malheureusement, le second tome n’est pas du même acabit…

S’il est encore trop tôt pour découvrir sur Netflix l’adaptation de ce second tome (le premier film étant sorti l’année dernière), il ne fait aucun doute que son scénariste, Greg Rucka, l’envisage tant il recycle les éléments-clés du premier : l’ultra-violence banalisée, les allers-retours avec l’Histoire et le rapide traitement d’un sujet de société (dans le T1, l’homophobie ; dans le T2, la traite d'êtres humains). Si l’histoire est un peu plus dense que la précédente, elle n’en est pas pour autant plus intéressante (The Old Guard: Force Multiplied 2019, #1-5).

A défaut d’une véritable nouvelle mission, le scénariste développe ses personnages et notamment leur romance. Ainsi, l’héroïne voit le retour de sa bien-aimée après plusieurs siècles d’abandon et, à chaque nouvel épisode, tous deux jouent une partition de type "Je t'aime, moi non plus" entre déclarations d’amour et fusillades. Et dans le même temps, la nouvelle recrue s’éprend d’un policier (qui, forcément, enquête sur ce petit groupe…).

Si la personnalité des uns et des autres est développée, on n’apprend en revanche absolument rien de leur origine ou de leur rôle ; ils sont immortels et il faut faire avec. En somme, Rucka a eu une idée et a brodé autour. Beaucoup de remplissage donc et un dessin correct mais sans plus de Leandro Fernández pour l’accompagner. Bref, très déçu par ces deux volumes ; ceux qui aiment ce registre, les héroïnes badass et ces deux auteurs lui préfèreront Queen & Country en trois belles intégrales chez Akileos.

Pour une fois, j’aurais vu le film avant de lire le comics. The Old Guard est un film d’action sans grand intérêt, sorti en 2020 sur Netflix, dans lequel s’enchainent les fusillades. Malgré son succès, je ne le recommanderais pas à moins d’avoir épuisé le catalogue du genre ou d’être un inconditionnel de Charlize Theron (bien que sa performance y soit très en-deçà d’Atomic Blonde dans le même registre). Plus qu’une adaptation, il s’agit d’une véritable transposition, par son propre scénariste, du comics sur grand écran. Sans une once d’originalité – à l’exception de la romance de l’héroïne, développée dans le T2 –, on y retrouve donc le même schéma narratif et les mêmes scènes. Sa lecture achevée, le matériel de base, par Greg Rucka et Leandro Fernández, s’avère avoir un dernier point commun avec le film : il est également très décevant (The Old Guard 2017, #1-5).

C’est l’histoire d’un petit groupe d’immortels, ou presque, dont on ne saura rien d’autre qu’ils combattent de par le monde depuis la nuit des temps. Aucune explication quant à leur origine, leur rôle ou leur motivation ne sera donnée au lecteur. Il faudra se contenter de brèves scènes à différentes périodes de l’Histoire et supposer que les deux arcs qui suivent apporteront quelques réponses. Son existence dévoilée, le groupe part en chasse d’un adversaire caricatural au possible dans un déchainement de violence ininterrompu jusqu’au dernier épisode.

L’album se lit très rapidement, ce n’est pas très subtil et on est plus proche du pitch que du véritable scénario. Rucka aurait su faire tellement mieux, mais il avait déjà probablement son film d’action en tête. Le dessin de Fernández est tout juste correct mais la colorisation très vive le dessert (à l’image de la couverture rose sur laquelle l’éditeur a cru bon de laisser le nom du lettreur de la VO).

A l’exception de Blueberry, je connais fort peu le travail de Jean Giraud. Et, sous le pseudonyme de Moebius, je n’ai dans ma bibliothèque qu’un seul de ses albums : Silver Surfer : Parabole, scénarisé par Stan Lee. A en croire la préface et les quelques bonus présents en fin d’ouvrage, le scénariste et le dessinateur paraissent tous deux aussi ravis qu’impressionnés d’avoir eu cette occasion de travailler ensemble. De cette rencontre, naitra ce très court récit d’une cinquantaine de pages dans lequel le Surfeur d’Argent et Galactus discutent et s’écharpent autour du lien qui unit les hommes à la religion (Silver Surfer 1988, #1-2).

Entre le super-héros et le demi-dieu, la discussion philosophique – somme toute relativement simpliste – tourne court et les deux en viennent rapidement à se battre. L’histoire se veut toutefois un peu plus intelligente que la moyenne des comics et les mots finiront par l’emporter sur les poings. Une histoire brève mais sympathique dont l’intérêt réside surtout dans son dessin. S’il ne s’agit assurément pas du meilleur de Moebius, la lecture est plaisante et le dessin d’un niveau bien supérieur à celui des comics de la même époque.

C’est en feuilletant en librairie la réédition en très grand format, publiée par Panini Comics en 2018, que l’envie m’est venue de relire la précédente édition en ma possession (publiée quatre ans plus tôt). La différence entre ces deux éditions est frappante : les couleurs originales, douces et pastel, de Moebius et John Wellington ont été refaites numériquement. Elles sont aujourd’hui signées Claire Champenois (une variante orthographique de Claire Champeval ?) pour un résultat criard et surchargé qui ne dissuade cependant pas l’éditeur de vendre l’album le double du prix original…

Je ne suis d’ordinaire pas un très grand fan du personnage de Green Lantern et je n’ai quasiment rien lu de ses aventures intergalactiques excepté le début du run de Geoff Johns il y a une quinzaine d’années. Et pourtant, cet album m’a étonnamment beaucoup plu. Je l’ai initialement emprunté pour son auteur, Gabriel Hardman, dont j’avais déjà apprécié le dessin sur Invisible Republic ou plus récemment Aliens : Cendres, et ce fut un réel plaisir d’y retrouver le même style (Green Lantern: Earth One 2018, Vol. 1).

Débuté en 2010 avec Superman puis poursuivi avec Batman, les Teen Titans, Wonder Woman et donc Green Lantern, le concept des albums estampillés "Terre-Un" est simple : réécrire les origines de ces super-héros sous un angle moderne et réaliste. Sa publication prend la forme d’une trilogie de courts romans graphiques (ce que l’éditeur parait avoir oublié en ce qui concerne Superman…), il s’agit donc d’un excellent moyen de redécouvrir ce personnage que je connaissais très peu.

Le scénario de Corinna Bechko prend le lecteur par la main et la découverte de Hal Jordan et de l’univers du Corps des Green Lantern est très progressive. Je lui reprocherais juste d’avoir un peu rapidement cédé aux scènes d’action mais ça reste un comics de super-héros après tout. La principale qualité de cette histoire reste cependant son dessin brut et sombre qui, accompagné de couleurs également très réussies, participe grandement à lui procurer son caractère réaliste. Au final, un album avec un cachet très différent et en même temps bien plus qualitatif qu’une grande majorité de comics.

Etonnamment, je n’avais encore jamais lu Secret War. Et c’est en lisant récemment Secret Wars, par Hickman et Ribic, sorti dix ans après, que je me suis décidé. Les deux récits n’ont toutefois rien en commun – et pas davantage avec Les guerres secrètes de Shooter et Zeck – si ce n’est de partager un titre similaire au demeurant bien plus indiqué pour cette intrigue dont Nick Fury et d’autres agents du S.H.I.E.L.D. sont les personnages principaux (Secret War 2004, #1-5 et Secret War: From the Files of Nick Fury 2005, #1).

Le scénario de Brian M. Bendis commence très bien et l’on navigue entre les évènements passés et leurs conséquences présentes sans voir, pour l’instant, le lien qui les unis. On assiste au recrutement d’une poignée de super-héros, sous l’égide de Fury, pour une mission gardée secrète jusqu’au bout. Et quelques extraits de la base données du S.H.I.E.L.D. s’intercalent entre chaque épisode pour documenter le renseignement de cette mission secrète et renforcer l’immersion du lecteur.

Si le début de l’histoire m’a plu, le dernier épisode m’a en revanche déçu. Raser le château de Fatalis en Latvérie ne me parait pas être la réponse la plus subtile au problème rencontré et la motivation de Fury – digne de la "guerre contre le terrorisme" menée par les Etats-Unis – est expédiée en une page. Bref, il y a de l’idée mais il n’y a plus personne quand il s’agit de l’assumer (même Fury se carapate). Enfin, il est barbant de finir cette lecture sur une nouvelle fournée d’une cinquantaine de pages de documentation secrète…

Le dessin est entièrement assuré par Gabriele Dell'Otto et, bien que je pense que sa peinture convienne mieux à des couvertures variantes qu’aux pages intérieures d’un comics, il faut bien reconnaitre que cela a du style. J’ai lu cette histoire dans l’intégrale Marvel par Dell'Otto, dans la collection Marvel Absolute, et ce grand format est un régal pour les yeux au point d’en faire oublier les scénarios très moyens pour lesquels l’artiste a œuvré.

Pour la suite de ce récit, il faudra lire Secret Warriors d’Hickman en trois volumes dans la collection Marvel Deluxe.

Je poursuis la lecture de quelques comics ayant inspiré des films de super-héros et, cette semaine, c’est après avoir revu "X-Men : Le Commencement", réalisé par Matthew Vaughn et sorti en 2011, que je me suis replongé dans ce comics (X-Men: Magneto Testament 2008, #1-5).

Seule la scène d’ouverture, où l’on découvre le jeune Magnéto emmené dans le camp de concentration d’Auschwitz, est ici considérée et il s’agit de l’unique référence que le film fera à ce comics. Sur un scénario de Greg Pak et un joli dessin de Carmine Di Giandomenico (dont le trait m’a fait penser à celui d’Yslaire), le comics opte en effet pour quelque chose de très différent : il suit la fuite à travers l’Europe d’un jeune juif, Max Eisenhardt, et de sa famille, jusqu’à sa déportation dans l’enfer d’Auschwitz et ce qu’il doit y endurer pour survivre à tout prix.

Autant le dire d’entrée de jeu : il ne s’agit pas d’un comics de super-héros. Si l’on excepte le nom de famille du personnage principal – que seuls les germanophones comprendront – et le collier de pâtes en morceaux de ferraille que celui-ci offre à sa copine, il n’y a même rien qui puisse faire penser au personnage de Magnéto. Et cette histoire n’éclaire pas non plus davantage son avenir de super-vilain.

Il est toujours délicat d’avoir une opinion négative sur un sujet aussi dramatique mais je trouve que le titre de l’album est trompeur ; je ne l’aurais probablement jamais ouvert sans ce titre et ce logo Marvel en couverture. Il y a tant de bandes dessinées européennes traitant plus subtilement de ce sujet (par exemple, Auschwitz de Pascal Croci). Toutefois, pour le lecteur américain habitué aux aventures tonitruantes des X-Men, ce comics aura au moins eu le mérite de l’exercice du devoir de mémoire et de proposer une lecture différente de l’ordinaire.

C’est après avoir revu le film "Wolverine : Le Combat de l'immortel", réalisé par James Mangold et sorti en 2013, que je me suis replongé dans les deux comics qui l’ont inspiré. Le film est surtout inspiré de la première aventure en solo de Wolverine au Japon par Chris Claremont et Frank Miller en 1982 (rééditée récemment avec une très jolie couverture de Mathieu Lauffray à l’occasion des 20 ans de Panini Comics). Mais les quelques scènes se déroulant pendant la Seconde Guerre mondiale paraissent inspirées de cet album (Logan 2008, #1-3).

Ainsi, Wolverine est prisonnier de guerre, s’échappe bien évidemment, s’entiche brièvement d’une japonaise peu farouche, se dispute avec son compagnon d’infortune aux étranges pouvoirs et les deux en viennent rapidement à s’affronter sous le soleil ardent d’Hiroshima…

Le scénario de Brian K. Vaughan est basique même si l’on sent une petite volonté de faire plus intelligent que les aventures ordinaires du mutant (il faut bien mériter un minimum la collection Marvel Graphic Novels). De toutes façons, sur trois épisodes pour un total d’une grosse soixantaine de pages – dont près d’un tiers passé à se battre –, il n’y avait guère la place pour développer l’intrigue ou la personnalité de Wolverine. Ça se lit en dix minutes, quinze si l’on s’attarde un peu sur le dessin si particulier d’Eduardo Risso, et c’est très moyen.

N’étant pas un très grand fan des récits super-héroïques tapageurs, je regarde les events et crossovers Marvel d’un œil méfiant. Le crossover Secret Wars, scénarisé par Jonathan Hickman et illustré par Esad Ribic, ne me disait donc rien qui vaille avec son titre racoleur, son sujet qui n’est rien de moins que de la collision du Multivers et sa publication via une flopée de titres en kiosque puis en librairie. Pourtant, je me suis enfin décidé à lire au moins la mini-série principale – près de 300 pages tout de même dans la collection Marvel Now! – et je dois bien reconnaitre que ce fut un bon gros moment de lecture (FCBD: Secret Wars 2015, #1 et Secret Wars 2015, #1-9).

Tout d’abord, il faut savoir qu’il est presque impératif d’avoir lu Avengers : Time Runs Out – réunissant la fin du run d’Hickman sur les séries Avengers et New Avengers – avant d’entamer la lecture de ce crossover. L’album contient certes une petite introduction mais celle-ci est clairement insuffisante pour en comprendre le contexte (sauf à accepter d’en débuter la lecture alors que la collision du Multivers est quasiment achevée).

Si l’on excepte cette entrée en matière quelque peu abrupte, les deux-tiers de l’album sont étonnamment très calmes et plaisants à lire. La jolie couverture d’Alex Ross est donc assez peu représentative de son contenu ; les personnages passent en effet l’essentiel de leur temps à discuter et à parcourir leur nouvelle planète, subtilement intitulée Battleworld, où Fatalis a réuni des morceaux des différents univers Marvel et règne désormais en maitre. L’affrontement bourrin et le tour de passe-passe qui servent de conclusion sont en revanche plus discutables.

Le dessin tout en finesse de Ribic, et constant sur les neuf épisodes, est un des points forts de l’album. Et il faut souligner le travail d’Ive Svorcina : ses couleurs ne sont pas trop vives et ses noirs pas trop profonds. C’en est presque reposant pour les yeux. En somme, agréablement surpris par ce crossover (du moins sa mini-série principale, je n’ai pas lu et ne suis pas intéressé par toutes ses séries annexes).

Pour célébrer comme il se doit les 70 ans de Marvel Comics, Ed Brubaker et Steve Epting revenaient en 2009 sur les origines des super-héros. Bien que le titre de leur mini-série fasse référence à celle de Kurt Busiek publiée quinze ans auparavant (Marvels et sa suite Marvels: Eye of the Camera), elle a toutefois peu de rapport avec cette dernière et se présente comme un récit d’action et d’espionnage sur fond d’entrée des Etats-Unis dans la Seconde Guerre mondiale (The Marvels Project 2009, #1-8).

Le récit se déroule ainsi au début des années 1940 alors que les Etats-Unis s’apprêtent à entrer en guerre. Comme son sous-titre l’indique, il raconte la naissance des super-héros dans un monde qui en était alors dépourvu. L’Histoire se mêle à l’histoire de l’éditeur et le résultat est un peu moins tumultueux et super-héroïque que l’ordinaire des comics (et c’est heureux !).

Tout du long de l’album, le lecteur est accompagné de l’inlassable narration d’Angel. Il assistera et participera même un peu à l’émergence des premiers héros costumés – des citoyens ordinaires sans super-pouvoirs – avant d’être témoin des premières apparitions des véritables super-héros tel que nous les connaissons aujourd’hui (Namor, la Torche humaine et Captain America entre autres). L’histoire se veut réaliste, elle dégage une ambiance de polar noir et sa trame principale orientée vers l’espionnage rappellent immanquablement les débuts du run de Brubaker sur Captain America. Le personnage est d’ailleurs omniprésent dans la seconde moitié de l’album et le dessin d’Epting ne fait que renforcer ce constat.

Au rang des aspects qui m’ont en revanche moins plu, il y a ces éternels méchants nazis, quelques nécessaires redites sur les origines des uns et des autres et le lecteur est quand même un peu trop pris par la main par la voix off. Mais il s’agit malgré tout d’un bel hommage et d’une bonne relecture.

Dans ce second tome, la suite et, déjà, la fin de cette nouvelle série poursuivant le run d’Ed Brubaker sur Captain America. Et cet album n’est pas meilleur que le premier, ils sont d’ailleurs tous deux construits de la même manière : une première intrigue correcte et plutôt sérieuse aussitôt suivie d’une seconde totalement en roue libre (Captain America 2011, #11-19).

La première histoire se veut donc sérieuse de bien des manières. Elle introduit Scourge, un "patriote" empruntant son design et ses armes au Punisher – et manifestement pas là pour jouer les sparring-partners –, manipulé et convaincu que le système est corrompu et qu’il faut abattre son meilleur représentant en la personne de Captain America. Comme souvent dans les comics de super-héros, on sait balancer quelques idées mais on passe surtout l’essentiel de son temps à se battre ; cette histoire ne fait pas exception et, entre deux réflexions douteuses sur le système et le gouvernement, Scourge, Captain America et quelques autres s’en mettent plein la gueule. Une histoire bourrine à la tonalité plutôt sombre bien aidée par le joli dessin de Patrick Zircher.

Mais passons maintenant à la seconde histoire. Comme dans le premier Deluxe (soit dit en passant, encore un petit Deluxe d’environ 200 pages…), son dessin, par Scot Eaton, est mauvais et son scénario nullissime. Ainsi, des extraterrestres à la peau bleue attaquent la Terre tandis que l’Hydra manigance et ricane avant de se joindre au combat. L’histoire se résume donc à une immense et interminable bagarre à l’issue de laquelle Captain America triomphe bien entendu. A croire que le scénariste alterne volontairement les bonnes histoires plutôt réalistes et les mauvaises plutôt fantaisistes. Désolant.

L’album se conclut heureusement de la plus belle des manières : un ultime épisode mettant en scène William Burnside et Steve Rogers, deux personnages ayant porté à tour de rôle – voire en même temps – le costume de Captain America. Superbement illustré par Steve Epting, cet épisode est à la fois un souvenir et un hommage au personnage et ramène le lecteur aux plus belles heures du run de Brubaker.

J’avais beaucoup apprécié la première partie du run d’Ed Brubaker sur Captain America. Entamée en 2004 et s’étalant sur près de 70 épisodes (compilés au format Marvel Deluxe dans les tomes 2 à 8 de la précédente série), le scénariste avait su installer sur le long terme le personnage de Bucky Barnes et des adversaires à la hauteur tels Aleksander Lukin et Crâne rouge. Surtout, la tonalité de son run était beaucoup plus sérieuse, sombre et emprunte de polar que la drouille ordinaire des super-héros ; aussi, le dessin de Steve Epting, Mike Perkins et consorts était dans la même veine. Il s’agissait indiscutablement de la meilleure période de ce personnage et c’est donc avec un certain regret que j’ai achevé la lecture de ce relaunch d’un niveau très en-deçà des épisodes précédents (Captain America 2011, #1-10).

Ce relaunch était, d’une part, motivé par la sortie du film "Captain America: The First Avenger" en 2011 et, d’autre part, offrait une bonne occasion de réintroduire pleinement et entièrement Steve Rogers dans le costume de Captain America. Toujours scénarisée par Brubaker, cette nouvelle série présente cependant un style très différent de la première partie de son run : le scénario est désormais relégué au second plan, il n’y a plus d’enjeux majeurs, l’action prédomine clairement et l’aspect polar a disparu.

La première intrigue reste toutefois correcte : un nouvel adversaire, tout droit sorti de la Seconde Guerre mondiale, attaque Captain America sans même prendre le temps de se présenter, un petit artifice scénaristique est créé pour expliquer les sauts temporels et le dessin de Steve McNiven est assez agréable à regarder. Mais, dès la seconde histoire, la série devient imbitable. Déjà, le dessin d’Alan Davis est impersonnel, indigne d’un comics de ce rang et n’invite absolument pas à poursuivre la lecture. Quant au scénario, c’est du grand n’importe quoi : une bombe qui rend fou et des pages et des pages d’affrontements interminables entre, d’un côté, Captain America, le Faucon et Hawkeye et, de l’autre, Cobra – cet adversaire au costume ridicule – et de nouveaux membres de l’Hydra tout aussi lamentables. Décevant.

Dix après leur travail sur Joker, Brian Azzarello et Lee Bermejo se retrouvaient en 2018 pour une nouvelle collaboration autour de l’univers de ce personnage (sans qu’il ne s’agisse pour autant de sa suite). L’album inaugura une nouvelle collection, "DC Black Label", au sein de laquelle les auteurs disposent d’une plus grande liberté artistique pour y proposer des récits plus matures qu’à l’ordinaire (du moins avant d’être parasitée par une multitude de rééditions) et celui-ci y trouve toute sa place par la noirceur de certaines séquences ou de son dessin (Batman: Damned 2018, #1-3).

Certes, le Joker n’est plus au cœur au l’intrigue mais sa mort en est le point de départ. Batman mène l’enquête – de façon assez sommaire – mais l’histoire touche au fond à son enfance, au souvenir de ses parents et au traumatisme de leur mort. C’est un thème qui m’a toujours beaucoup plu et qui offre mille manières de raconter sa motivation future à devenir le personnage que l’on connait. Ainsi, Azzarello choisit ici le créneau de l’occulte et de la magie. Je préfère habituellement les scénarios plus pragmatiques mais il fonctionne plutôt bien. Par contre, sur le forme, l’histoire aurait pu s’intituler "Batman rencontre la Justice League Dark" tant ses membres y défilent avec plus ou moins d’opportunisme (John Constantine, Zatanna, Etrigan, Enchanteresse, etc.). Ce n’est pas non plus trop mon truc mais ça colle bien avec le thème.

J’aurais volontiers attribué une étoile supplémentaire à cette lecture si les auteurs s’étaient abstenus de deux scènes vulgaires : il n’y avait nul besoin d’une polémique sur le Bat-Zizi et Harley Quinn n’avait nul besoin de monter de la sorte sur Batman. Ces scènes n’apportent rien à l’histoire et il n’était pas utile d’en arriver là pour mériter sa place dans cette collection. L’album contient d’ailleurs d’autres scènes bien plus fortes et symboliques qui, elles, participent pleinement au déroulé et à l’ambiance du récit.

J’ai emprunté cet album à la bibliothèque après avoir vu 47 Ronin avec Keanu Reeves. Le film est bien sûr sans rapport avec le comics si ce n’est de se situer au Japon féodal du XVIIe siècle où Wolverine, Hulk, le Punisher, Psylocke et Deadpool sont ici transposés. Cependant, il ne faut absolument pas s’attendre à lire une histoire de super-héros classique ; les cinq histoires courtes mettent en effet en scène ces personnages dans leur vie civile, sans jamais les nommer et surtout sans les artifices habituellement associés aux super-héros (5 Ronin 2011, #1-5).

C’en est d’ailleurs un peu déroutant au début car c’est à peine si on les reconnait. Une coupe de cheveux pour Wolverine, un gros fusil pour le Punisher ou un tatouage pour Psylocke, un détail graphique, une attitude ou une personnalité que les amateurs de comics reconnaitront mais qui n’est pas d’une grande évidence. Si je n’avais pas lu l’introduction, je n’aurais probablement pas reconnu Hulk ou Deadpool par exemple. Je comprends la volonté de Peter Milligan de raconter une histoire de super-héros réaliste mais cela ne devrait pas être au détriment de l’identification des personnages. En ce sens, l’univers alternatif de Marvel Noir était bien plus réussi.

A ce détail près, c’est une histoire de vengeance assez classique, dans laquelle on y retrouve tous les clichés sur le Japon médiéval et ses samouraïs, mais bien racontée. Cinq dessinateurs se relaient sur les cinq numéros ; Tomm Coker (Daredevil Noir, Black Monday Murders) et Laurence Campbell (Deadpool Pulp, B.P.R.D.), dans leur superbe style noir, sortent clairement du lot tandis que les trois autres sont plus oubliables. Bref, un album correct mais qui ne méritait sans doute pas d’être édité sous pas moins de six couvertures différentes.

En 2018, DC Comics s’alliait avec Walmart, une enseigne américaine de la grande distribution, pour sortir des comics exclusifs à celle-ci dans l’idée d’y dénicher de nouveaux lecteurs. L’idée a fait long feu et les comics ont rapidement regagné les rayons des boutiques spécialisées. Parmi ces comics, une aventure de Batman par Brian M. Bendis et une autre de Superman par Tom King, deux auteurs habituellement en charge de la destinée du personnage de l’autre. Lecture du Superman pour poursuivre (Superman: Up in the Sky 2019, #1-6 + Action Comics 1938, #1000 "Of Tomorrow").

Une fillette est enlevée par des extraterrestres et Superman part à sa recherche ; voilà pour le pitch. Mais il ne s’agit en réalité que d’un prétexte pour faire découvrir à de nouveaux lecteurs toutes les facettes de la vie de Superman. Ainsi, le scénario saute d’un sujet à l’autre (Superman défonce des monstres, pratique la boxe, se remémore la Seconde Guerre Mondiale, travaille au Daily Planet, fait la course avec The Flash, sauve un chaton, etc.) et essaye, avec plus ou moins de réussite, de raccrocher ces différentes séquences à l’enquête en cours.

Le découpage en douze chapitres rend le procédé un peu répétitif à la longue et, pour peu que l’on ait déjà lu quelques aventures du personnage, ce n’est pas très original. Cependant, il s’agit d’une bonne introduction (je le rappelle, destinée initialement aux clients des supermarchés et non aux fans de comics), d’une bonne écriture (mais il faut apprécier les effets de répétition et de rappel, un tic de Tom King dont il s’agissait de la première incursion sur le personnage) et qui bénéficie en plus du très bon dessin d’Andy Kubert (et ça, c’est l’occasion d’en mettre souvent plein la vue !).

L’album se conclut avec une histoire tirée d’Action Comics #1000. Tom King et Clay Mann racontent les adieux de Superman à la Terre ; c’est aussi bref que beau et sensible, une belle conclusion pour cet album en somme.

En 2018, DC Comics s’alliait avec Walmart, une enseigne américaine de la grande distribution, pour sortir des comics exclusifs à celle-ci dans l’idée d’y dénicher de nouveaux lecteurs. L’idée a fait long feu et les comics ont rapidement regagné les rayons des boutiques spécialisées. Parmi ces comics, une aventure de Batman par Brian M. Bendis et une autre de Superman par Tom King, deux auteurs habituellement en charge de la destinée du personnage de l’autre. Lecture du Batman pour commencer (Batman: Universe 2019, #1-6 + The Batman Chronicles 1995, #21 "Citizen Wayne" + Detective Comics 1937, #1000 "I Know").

J’attendais avec une certaine excitation de voir Bendis sur Batman depuis son arrivée chez DC Comics en 2018. Je voulais retrouver l’ambiance de son run sur Daredevil et la voir quasiment dupliquée à Batman. Malheureusement, ce n’est pas du tout ce que propose cet album. D’une part, l’ambiance est plutôt comique et colorée, loin du ton sale et sombre que j’affectionne pour ce personnage. D’autre part, si le scénario partait sur de bonnes bases (une enquête classique sur un cambriolage du Sphinx), il vire rapidement au voyage spatio-temporel fantastique et multiplie les rencontres exotiques (Vandal Savage, Gorilla Grodd, Jonah Hex, les Green Lanterns, etc.). J’ai même voulu abandonner la lecture lorsque Batman s’est retrouvé avec cette ridicule armure de White Lantern sur le dos. Et le trait de Nick Derington ne m’a pas non plus emballé. Bref, ce n’était clairement pas "mon" Batman.

L’album se conclut avec deux brèves histoires toujours scénarisées par Bendis. La première est un hommage à Citizen Kane et est illustrée par Michael Gaydos (Alias, Jessica Jones) ; la seconde est tirée de Detective Comics #1000, raconte comment le Pingouin a découvert l’identité secrète de Batman et est illustrée par Alex Maleev (Daredevil, Leviathan). Je ne serai pas objectif s’agissant de deux dessinateurs que j’apprécie beaucoup mais cela offre au moins une belle conclusion à l’album.

Après "Empereur Pingouin" et "Jours de colère", Urban Comics continue de publier en librairie la série Detective Comics qui couvrait la période New 52. Il est toujours un peu étonnant de revoir sortir aussi tardivement en librairie des épisodes de cette époque, qui plus est au rythme d’un volume par an et vendus sous la forme de récits complets alors qu’ils n’en sont pas réellement. Mais pourquoi pas, c’était du bon Batman après tout (Detective Comics 2011, #30-34, Annual #3 et #37-40).

Dans cet album, John Layman laisse sa place au duo formé par Francis Manapul et Brian Buccellato (tous deux en provenance de la série The Flash). Et le premier changement d’importance que l’on observe concerne la partie graphique : on s’éloigne du style super-héroïque habituel (fort encrage, colorisation numérique et effets spéciaux) pour un aspect plus traditionnel faisant penser à de la peinture. C’est vachement beau (les scènes sous la neige tout particulièrement), ça se démarque clairement du reste de la production et cela offre surtout une lecture moins tonitruante et plus paisible que sur les deux premiers volumes.

Même l’histoire et les personnages mis en scène sont plus calmes que précédemment. Exit le défilé des super-vilains du T1, exit ce bourrin de Wrath du T2, place à deux enquêtes plus terre-à-terre ; la première à propos d’un trafic de drogue, la seconde à propos d’un anarchiste qui a trop regardé V pour Vendetta, le tout le fond de relation toujours assez tendue entre le lieutenant Bullock et le Chevalier noir.

En conclusion, on sent que les scénaristes / dessinateurs sont en phase, c’est un très bon album de Batman et je lui aurai donné une meilleure note si le scénario avait réussi à échapper à cette systématique dose d’action réglementaire à chaque nouvel épisode. Pourquoi faut-il toujours en passer par là pour parvenir au dénouement…

Ce second Deluxe consacré à l’event Avengers vs. X-Men réunit trois mini-séries de complément à l’intérêt variable. D’une part, en raison de leur contenu précisé plus bas et pour moitié servant de ties-in ; d’autre part, en raison de leur exécution par un très très grand nombre d’artistes (AvX: VS 2012, #1-6, AvX: Infinite 2012, #1, 6 et 10 et AvX: Consequences 2012, #1-5).

Le nom de la première mini-série, "AvX: VS", n’annonce rien de très finaud ; à juste titre, puisque celle-ci est exclusivement dédiée aux combats singuliers entre quelques membres des Avengers et des X-Men. A l’exception du petit plaisir de voir son héros favori se mettre sur la gueule, sa lecture est clairement dispensable si l’on a déjà achevé les douze numéros de la trame principale. Pour rendre la chose digeste, il eut fallu lire ces ties-in par petites doses et en parallèle du premier Deluxe. S’y replonger est fastidieux et n’apporte aucun éclaircissement à un affrontement déjà bien trop long à mon goût. D’autant plus que tous ces combats se terminent plus ou moins en matchs nuls sans la moindre conséquence durable pour aucun des protagonistes.

"AvX: Infinite" n’est pas à proprement parler une mini-série mais trois brèves séquences qui s’intercalent dans la trame principale. Pour bien faire, il eut fallu proposer leur lecture dans le premier Deluxe. Il n’était d’aucune utilité, si ce n’est à faire des allers-retours, de les inclure dans le second.

Nous en sommes déjà à la moitié de l’album lorsque débute la mini-série "AvX: Consequences". Si l’on excepte quelques scènes d’échanges fraternels, l’intrigue scénarisée par Kieron Gillen nous montre surtout l’entrée – et la sortie – de prison de Cyclope (devenu le Phénix Noir, l’antagoniste principal de l’event en question). Il s’agit donc seulement d’un épilogue, l’event en lui-même n’ayant aucune conséquence durable. C’est aussi une manière de ramener en douceur une forme de statu quo et de préparer les nouvelles équipes des X-Men pour la période Marvel Now!. Bref, la seule lecture intéressante de l’album.

Lorsque l’on n’a guère apprécié DCeased, on ne devrait pas s’infliger la lecture de son premier spin-off. Si le concept reste inchangé – les héros DC Comics s’entredévorent joyeusement –, l’envergure donnée à cette histoire est en revanche drastiquement revue à la baisse, à tel point que celle-ci s’en trouve presque dénuée de tout intérêt (DCeased: Unkillables 2020, #1-3).

Alors que DCeased cherchait à donner un temps d’exposition équitable aux principaux super-héros et super-vilains de l’univers DC Comics, ce spin-off se concentre sur une poignée de second couteaux (Deathstroke, Red Hood, Ravager, le Maitre des Miroirs, etc.). Il faut donc vraiment être mordu de zombies pour y trouver un quelconque intérêt. D’autant plus, qu’au fond, le scénario de Tom Taylor n’apporte aucun élément nouveau à la trame principale. Il s’agit juste d’observer ce petit groupe de héros / vilains, de second rang je le répète, sauver un orphelinat et s’entredévorer sur trois petits épisodes.

Bref, ça se lit en un quart d’heure et ça s’oublie aussi vite. Les lecteurs qui auraient apprécié DCeased pourraient sans regret faire l’impasse sur cet album, ainsi que sur le second spin-off à venir en avril, et attendre patiemment sa véritable suite : DCeased: Dead Planet (dont la sortie en VF est probablement prévue pour la fin 2021).

Seul point positif, le trait de Karl Mostert, qui m’était inconnu avant cette lecture et qui, par sa finesse, ressemble fortement à celui de Frank Quitely. Il n’a peut-être pas encore la même aisance sur les visages et les décors sont un peu légers mais la ressemblance est frappante.

D’ordinaire, j’apprécie beaucoup le travail de Tom King ; un auteur à la production prolifique ces dernières années chez DC Comics et dont je retiendrai Sheriff of Babylon, les débuts de son run sur Batman et Miracle Miracle. Encore aujourd’hui, il mène trois séries de front (Strange Adventures, Rorschach et Batman/Catwoman). Mais je n’ai jamais vraiment été attiré par son space opera (DC Sneak Peek: The Omega Men 2015 et The Omega Men 2015, #1-12).

On y suit les aventures d’une improbable équipe de rebelles de l’espace – les Omega –, aux habilités et aux origines diverses, réunis pour l’occasion dans l’objectif de faire tomber un régime autoritaire – les Alpha. J’admets ne pas du tout connaitre l’équipe originelle, imaginée par Marv Wolfman et Joe Staton au début des années 80, mais celle-ci ressemble franchement aux Gardiens de la Galaxie en moins drôle.

On sent bien qu’il y a eu un petit travail pour créer le design, la personnalité et un minimum de background pour chacun des membres de l’équipe mais, à l’exception du Green Lantern, ils m’apparaissent trop caricaturaux et antipathiques pour vraiment s’y attacher. Et bien le scénario progresse de manière homogène sur douze numéros et est bien foutu, il a recours un peu trop fréquemment aux séquences d’action et les menaces interplanétaires m’apparaissent un peu trop lointaines pour m’y intéresser.

Pourtant, le dessin de Barnaby Bagenda est très bon et, surtout, la mise en couleurs est très réussie. Excepté le format de l’album et l’usage un peu trop systématique du gaufrier à neuf cases (la mise en page de prédilection de Tom King), on aurait même parfois plus l’impression de lire une BD franco-belge qu’un comics et c’est heureux d’en voir un se démarquer du reste de la production. Dommage que je ne sois pas le public visé ; cet album devrait par contre plaire aux fans de Star Wars.

Les lecteurs de comics connaissent probablement le couple formé par Kathryn et Stuart Immonen – pour ma part, surtout ce dernier, récemment retraité – pour leurs travaux chez DC ou Marvel. C’est donc une petite surprise de les voir collaborer sur un titre aussi éloigné de leur registre super-héroïque habituel, d’autant plus que le nom de ces deux auteurs est à peine visible sur la couverture (Russian Olive to Red King, 2015).

C’est l’histoire d’une séparation qui ne dit pas vraiment son nom et dont on met un certain temps à comprendre le véritable objet. On ne saura trop rien de la relation qui unissait Olive et Red et l’on nous montre seulement quelle forme peut prendre l’attente et l’espoir de retrouver l’être aimé, mais aussi le courage de s’en libérer et d’autres sentiments traversés en pareille période et sur lesquels on ne met pas nécessairement de mots. Elle, se bat et cite Tchekhov et Shakespeare au milieu du Grand Nord tandis que lui, s’enferme, s’abandonne graduellement et laisse son répondeur parler à sa place.

Leur histoire est racontée avec une économie de mots et illustrée avec un trait épuré, c’est une belle lecture pour peu que l’on se montre ouvert à cette mélancolie et que l’on ait un minimum de culture littéraire classique. Le dernier chapitre est cependant plus déconcertant car il ne s’agit plus de bande dessinée mais d’un texte, peut-être extrait d’un journal intime, que je suppose écrit par Red à l’attention d’Olive. Son auteur a manifestement du mal à exprimer son ressenti et se perd dans des considérations décousues qui me font dire que je suis peut-être passé à côté du sens caché de ce dernier chapitre.

Si j’ai emprunté cet album à la bibliothèque, ce n’est pas pour son sujet mais pour son auteur, Gabriel Hardman, dont j’avais beaucoup apprécié le style brut et sombre sur Invisible Republic ou, plus récemment, sur Green Lantern : Terre-Un. Car, qu’il s’agisse ici d’Aliens ou ailleurs de Star Wars, l’exploitation à outrance dans les comics de vieilles licences cinématographiques – ce qui semble être le fonds de commerce de cet l’éditeur – ne m’a jamais intéressé ; mais l’on peut faire une exception (Aliens: Dust to Dust 2018, #1-4).

Et c’est finalement une déception. D’une part, il ne s’agit pas du travail le plus abouti d’Hardman. Le style graphique me plait toujours mais l’on a parfois l’impression d’un travail un peu brouillon et pas aussi élaboré que sur les deux titres cités plus haut. D’autre part, le scénario est particulièrement mince ; si l’on peut parler de scénario tant cela ressemble surtout à une scène d’action étirée en longueur. L’histoire se résume à une interminable course-poursuite avec des Aliens. Il n’y a pas de temps mort, pas de réflexion, juste quatre-vingt pages durant lesquelles un petit garçon réchappe miraculeusement des xénomorphes tandis que tout son entourage se fait attraper les uns après les autres.

Pour un avis complet, il faut, je pense, aussi évoquer la forme de cet album : un format broché, plus petit (16 × 23 cm) que le standard actuel des comics, une couverture souple, seulement 80 planches, le tout vendu 15 €. Un album qui ressemble donc à un magazine de Panini Comics, sauf qu’il est vendu en librairie, qu’il contient moins de pages et qu’il est beaucoup plus cher. J’ajouterais qu’il n’y a ni chapitrage, ni pagination et mais que l’éditeur a tout de même cru bon d’ajouter des pages de publicité bardées de gros titres en fin d’ouvrage… Bref, une édition d’une qualité médiocre à l’image de son contenu.

La première série ayant probablement beaucoup marché auprès des enfants – sincèrement, je ne vois pas d’autre cible pour ce genre d’âneries –, celle-ci a aussitôt été gratifiée d’une suite plus longue et plus décevante encore (Monsters Unleashed 2017 - Vol. 3, #1-12).

Car, même en faisant un petit effort pour la lire rapidement mais en entier, le compte n’y est pas. Si le concept reste inchangé, Kei Kawade et une chasseuse de monstres dessine, pour l’un, et dézingue, pour l’autre, de grosses bébêtes à longueur d’épisodes, l’envergure donnée aux différentes histoires a clairement été revue à la baisse.
D’une part, il n’y a plus aucun super-héros Marvel au programme. Je n’exagère même pas ; s’ils figuraient tous au casting de la première mini-série, ils sont tous absents de la seconde et l’on navigue entre des personnes méconnus ou créés pour l’occasion. D’autre part, le scénario fait s’affronter les monstres en marge du monde et joue beaucoup plus la carte de l’humour. Le peu d’enjeu qui existait auparavant a donc disparu et toute l’histoire tourne autour de ce jeune garçon dont on se contrefout, de la bimbo qui l’accompagne et d’adversaires clichés et idiots.

A mi-parcours, même le scénariste d’origine, Cullen Bunn, s’en va. La suite est décousue et la série se termine par des épisodes individuels sans queue ni tête une fois encore illustrés par des dessinateurs différents à chaque numéro (ce qui n’est jamais bon signe pour un comics).

En refermant cet album, on a véritablement l’impression d’avoir lu une suite ratée. Du comics de série B. Comme, lorsqu’au cinéma, un film au faible scénario, au faible casting et au faible budget prêtant prendre la suite d’un film à succès. En résumé, les monstres n’attaquent désormais plus grand-chose.

Les monstres attaquent !, le titre à lui seul, le point d’exclamation en prime, annonçait déjà la couleur. Et il n’y a pas d’erreur, c’est lourdingue du début à la fin et l’histoire se résume à une overdose d’affrontements titanesques. Cela s’étale tout de même sur près de 400 pages et ce n’est même pas joli à voir. Bref, une lecture affligeante (Monsters Unleashed 2017 - Vol. 2, #1-5 et ses huit ties-in : Avengers 2017, #1.MU, Spider-Man/Deadpool 2016, #1.MU, All-New X-Men 2016, #1.MU, Uncanny Inhumans 2015, #1.MU, Doctor Strange 2015, #1.MU, Champions 2016, #1.MU, Totally Awesome Hulk 2016, #1.MU et Guardians of the Galaxy 2016, #1.MU).

Tout le concept de la mini-série repose sur les kaijus, ces monstres sortis de nulle part qui détruisent tout sur leur passage remis au goût du jour grâce au film Pacific Rim en 2013. Ici, point de mechas géants pour leur barrer la route mais toute la galerie des super-héros Marvel, des plus connus aux plus anecdotiques. Chacun y va de sa réplique bien sentie, nous gratifie brièvement de ses formidables capacités au combat face à ces grosses bébêtes et se trouve aussitôt éclipsé par le suivant. Il n’y a évidemment ni suspense ni tension dans le déroulé des évènements et on sent bien que cela a été écrit et dessiné pour un très jeune public (à titre de comparaison, le dessin animé "Avengers Rassemblement" sur France 4 était meilleur).

Sans trop rien dévoiler de la seule idée intéressante de l’album, le pouvoir du jeune garçon – Kei Kawade, si subtilement surnommé Kid Kaiju – m’a rappelé une histoire lue étant plus jeune qui, après quelques recherches, s’intitule Emilie et le crayon magique d’Henriette Bichonnier (1979). De là à dire qu’il n’y a vraiment rien d’original dans le scénario de Cullen Bunn…

Tous les épisodes, y compris ceux de la mini-série principale, sont illustrés par des dessinateurs différents, ce qui en soi a déjà le don de m’agacer. Mais en plus, malgré quelques auteurs de renom, ils oscillent entre le passable et le franchement mauvais et chacun se sent pour l’occasion obligé d’en faire des tonnes, de multiplier les pleines pages et de faire du comics bourrin à grand spectacle. Blasé, j’ai zappé les derniers ties-in pour en finir au plus vite et je pense n’avoir rien manqué.

Suite, ou réel début c’est selon, de ce petit event, toujours inutilement entrecoupé de plusieurs épisodes d’Action Comics (DC’s Year of the Villain Special 2019, #1 "Leviathan", Action Comics 1938, #1012-1016 et Event Leviathan 2019, #1-6).

Le premier tome ne constituait qu’une vaste mise en place et pouvait se résumer à la disparition de la plupart des organisations secrètes par l’action d’un mystérieux personnage : Leviathan. J’attendais donc des réponses de ce second tome. Malheureusement, le scénariste ne sème aucun indice, ses personnages progressent dans l’enquête aussi difficilement que le lecteur et il faut attendre les toutes dernières pages du dernier épisode pour découvrir son identité et ses motivations. Rien ne pouvait permettre de les deviner et il n’y a aucune surprise, et au contraire une grande déception, lorsque ceux-ci sont enfin révélés.

Pourtant, depuis leur run sur Daredevil, Brian M. Bendis et Alex Maleev constituent l’un de mes duos préférés et c’est une lecture que j’entamais avec un certain enthousiasme. Mais le scénario fait clairement un flop et je n’en retiendrais que l’art du dialogue de Bendis et le trait brut, sombre et réaliste de Maleev. Et le petit plaisir de les voir mettre en scène Batman.

Je suis surtout persuadé que le découpage de cet event en deux tomes est une erreur. Les dix épisodes traitant de l’enquête de Superman et de Lois Lane avaient clairement leur place dans la série Clark Kent : Superman – en particulier ceux du second tome traitant de Brume pourpre, de l’Epine ou de Naomi –, il n’y avait nul besoin d’imposer leur lecture et une brève introduction en début d’ouvrage aurait suffi à les résumer (quitte à renvoyer les fans de Superman vers leur série favorite pour plus de détails). D’ailleurs, tous les épisodes du cœur de l’event débutent par un énième rappel des faits…

Une suite, Event Leviathan: Checkmate, par les mêmes auteurs, était attendue mais celle-ci parait à ce jour reportée indéfiniment et seul un one-shot, Leviathan Dawn, servant de pont entre les deux séries est sorti début 2020.

Leviathan est un petit event scénarisé par Brian M. Bendis peu après son arrivée chez DC Comics en 2018. A la différence de la plupart des events chez DC ou Marvel, celui-ci se veut davantage anticipé et construit sur la durée. Il tire ainsi ses origines d’une menace initiée plusieurs mois auparavant dans les pages de la série régulière Action Comics également scénarisée par Bendis. Et c’est probablement pour cette raison, à regret à mon sens, qu’Urban Comics nous impose la lecture d’une dizaine d’épisodes de cette série en complément du cœur de l’intrigue (Action Comics 1938, #1007-1011 et Superman: Leviathan Rising Special 2019, #1).

Le premier tome n’est autre qu’une longue introduction sur laquelle il serait donc tout à fait possible de faire l’impasse pour aller directement à l’essentiel. Dans celle-ci, plusieurs organisations d'espionnage et de contre-espionnage, tant amies qu’ennemies – Kobra, A.R.G.U.S., D.E.U.S., Task Force X, Spyral –, sont tour à tour prises pour cibles par une mystérieuse organisation secrète dénommée Leviathan. L’enquête de Superman et de Lois Lane est plutôt efficace et le complot, à la tonalité assez sombre, est bien mis en place. Mais on ne saura trop rien à ce stade de ce nouvel adversaire et ces premiers épisodes semblent surtout avoir pour rôle de faire s’interroger le lecteur sur son identité tout en faisant lentement monter la tension. Les lecteurs les plus impatients, ou nostalgiques, peuvent toutefois déjà en apprendre plus sur le retour de cet ancien adversaire dans le tome 7 "Batman Incorporated" de la série Grant Morrison présente Batman.

A l’exception du numéro spécial illustré par Yanick Paquette et le très bon Mike Perkins, les épisodes de la série Action Comics sont illustrés par Steve Epting. Sans être forcément mon style préféré, il faut reconnaitre que c’est très pro et propre.

Enfin, sans aller jusqu’à retirer une étoile à ma note, je dois dire que je suis fort déçu de la couverture sélectionnée par Urban Comics pour ce tome 1. D’une part, celle-ci est tirée d’un épisode qui ne sera présent que dans le tome 2. D’autre part, celle-ci met en avant Batman alors qu’il n’est ici, au contraire de Superman, qu’un personnage mineur voire absent. Enfin, son auteur, Alex Maleev, dont les couvertures sont certes bien meilleures que celles d’Epting, ne dessine pas la moindre planche de ce premier tome. Une pratique commerciale trompeuse que j’abhorre et malheureusement trop courante dans l’industrie du comics.

Cet album est une anthologie rendant hommage aux quarante-neuf victimes de l’attentat d’Orlando en 2016. Plus d’une centaine d’auteurs de comics – mais aussi plusieurs auteurs extérieurs à ce milieu – écrivent et illustrent en une ou deux planche(s) leur perception de ce tragique événement. De par la nature de l’exercice, l’album est immanquablement traversé par une vaste palette de sentiments, des plus intimes et personnels aux plus objectifs et distanciés. Mais, que ce soit sous la forme d’une courte bande dessinée ou d’une illustration, chacun veille surtout à se ranger à sa manière derrière le slogan Love is love / L’Amour c’est l’amour.

Il faut d’abord saluer Bliss Comics pour l’édition française de cet album enrichie de la contribution d’une vingtaine d’auteurs français par rapport à la VO et pour en avoir maintenu son caractère caritatif. Initié par Marc Andreyko et soutenu par IDW et DC Comics, on ne s’étonnera donc pas d’y retrouver de-ci de-là quelques figures super-héroïques bien connues (au premier rang desquels Batwoman et Poison Ivy). Sur 160 pages, on y découvre nécessairement des auteurs plus ou moins reconnus – et, il faut aussi le dire, plus ou moins inspirés – mais chacun y garde son style, voire essaye d’y refléter son actualité (Liam Sharp sur Wonder Woman, Tom King et Mitch Gerads sur Batman, Guillem March sur Karmen, etc.). On pourra cependant regretter l’absence de Marvel Comics sur un sujet qui aurait dû transcender les clivages éditoriaux.

Bien que je comprenne naturellement l’objectif d’honorer la mémoire des victimes et de permettre à ces auteurs de mettre leur art au service d’une œuvre caritative en faveur du mouvement LGBT+, j’ai refermé cet album avec un sentiment d’inachevé. En effet, s’il est permis d’émettre une critique malgré la noblesse de cette initiative, le propos général de Love is love m’a paru finalement tiède et mièvre au regard de l’enjeu. Si chacun reconnaitra qu’il faudrait plus d’amour dans ce monde, il est malheureusement des sujets, tels l’homophobie, pour lesquels cela est très insuffisant. Rares sont les auteurs de cet ouvrage à oser prendre position, à oser entrer sur le terrain de la politique, des armes ou de la religion pourtant indissociable de cet attentat. Pour ne pas dévier de l’exercice, pour ne pas s’engager sur des sujets de société et, peut-être aussi, pour ne pas froisser leur lectorat.

Une quinzaine d’années après les séries Marvel Zombies ou The Walking Dead, toutes deux scénarisées par Robert Kirkman, DC Comics adapte à son tour le concept à son univers. Les morts-vivants ne sont malheureusement pas devenus plus intéressants ou intelligents entre temps et, bien que je m’y attendais quand même un peu en empruntant l’album, il doit s’agir d’une de mes lectures les plus faibles de 2020 (DCeased 2019, #1-6 et DCeased: A Good Day To Die 2019, #1).

Tout d’abord, l’idée d’un virus qui se transmet au travers d’internet et des réseaux sociaux ressemble de très près au pitch du roman "Cellulaire" de Stephen King. Mais, au fond, ça n’a guère d’importance tant le scénario de Tom Taylor accorde peu d’intérêt à la justification de l’épidémie (un truc incompréhensible et évacué en quelques pages à propos de l’équation d’anti-vie de Darkseid). Ainsi, le scénario se contente de dérouler des scènes violentes et gores et de jongler avec le temps de présence d’une multitude de super-héros tout en ponctuant l’ensemble de quelques jolies scènes d’émotion notamment avec Robin ou Superboy.

Ce n’est bien évidemment pas très étonnant au vu la thématique mais il ne me semblait pas nécessaire d’en faire une guerre totale et un minimum de finesse aurait été apprécié (mais à quoi s’attendre d’autre de la part de l’auteur d’Injustice…). Finalement, il n’y a que le titre – DCeased / DCédés – qui m’apparait bien pensé. Et comme autre point positif, je retiens le dessin de Trevor Hairsine. S’il n’est pas exceptionnel, il est tout à fait correct et constant sur les six épisodes ; dommage qu’il soit parfois secondé d’autres dessinateurs qui n’ont pas son niveau.

En conclusion, c’est nul, ça ne renouvelle pas le genre mais c’est divertissant (n’est-ce pas là l’essentiel après tout ?). Et ça se vend apparemment très bien puisqu’Urban Comics a jugé bon d’éditer cet album sous pas moins de sept couvertures différentes et que deux spin-off (DCeased: Unkillables et DCeased: Hope at World's End) et une suite (DCeased: Dead Planet) ont depuis vu le jour.

A l’occasion de la sortie du film Joker de Todd Phillips, Urban Comics réédita plusieurs albums mettant en scène l’illustre adversaire de Batman : on retrouva ainsi en librairie les variations sur ce personnage par Alan Moore, par Brian Azzarello, par Greg Rucka et Ed Brubaker et plus récemment par Scott Snyder. Concernant ce dernier, cet album propose une intégrale des deux arcs tirés de son run sur Batman, soit les tomes 3 et 7 de la série du même nom (Batman 2011, #13-17, #35-40 et Annual #3).

Dans la lignée des premiers numéros du Batman de Snyder, le premier arc de cet album est très bon ("Le deuil de la famille"). L’entrée en matière du Joker est lugubre à souhait, la menace qu’il fait peser sur la Bat-family est bien amenée, les back-up par James Tynion IV et Jock sont bons et la conclusion a juste ce qu’il faut de grotesque. On pardonnera à Snyder d’avoir trompé son monde avec son titre en forme de clin d’œil, c’était bien joué.
L’histoire est si bonne qu’il m’aurait paru plus intéressant, quitte à rééditer une histoire du Joker relativement récente, de rééditer le tome 3 accompagné de l’ensemble des numéros complémentaires à l’event en question ("The Joker: Death of the Family" en VO). Malheureusement, il ne s’agit ici que d’une réédition sans plus-value pour les lecteurs de la première heure dont je fais partie.

Le second arc est en revanche nettement en deçà ("Fini de jouer"). D’une part, je n’ai pas apprécié ce Batman en armure combattant la Ligue de Justice durant un numéro entier (prémisse au Bat-lapin de l’arc suivant ?). D’autre part, ce virus transformant les habitants de Gotham en zombies grimaçants me parait vraiment grossier. Heureusement, la caractérisation du Joker et la mythologie sous-jacente à l’histoire sont plutôt bien écrites et il reste le superbe dessin de Greg Capullo pour sauver n’importe quelle lecture.

Bref, un album en demi-teinte et une simple réédition pour surfer sur l’actualité.

Je ne suis qu’occasionnellement client de comics en kiosque, essentiellement pour de courts récits complets dont l’éventuelle parution ultérieure en librairie – et à un coût plus élevé évidemment – ne me paraitrait pas mériter l’achat. Et l’un de ces récits complets fut donc "DC Univers Rebirth", un hors-série du défunt magazine Justice League : Récit complet. Ce numéro spécial, destiné à lancer la nouvelle ligne éditoriale de DC Comics, a également été publié en librairie, au même moment, accompagné de vingt-et-un autres numéros spéciaux "Rebirth" dédiés aux séries régulières relancées en 2016 (DC Universe Rebirth 2016, #1 et autres).

Avant d’évoquer l’histoire principale en elle-même, je voudrais dire le peu d'intérêt que je vois à regrouper tous ces épisodes introductifs en un même album. D'une part, aucun amateur de comics n'a une lecture exhaustive d'un univers (DC ou Marvel, peu importe). Et nombreux sont ceux qui, même assidus, n'auront d’intérêt pour Blue Beetle, Supergirl ou Cyborg. La publication intégrale revendiquée par l'éditeur est d'ailleurs toute relative puisqu'il manque les numéros spéciaux de la seconde vague "Rebirth" (Batwoman et Justice League of America). D’autre part, la nature même de ces histoires, bien qu’autosuffisantes pour certaines d’entre elles, oblige à poursuivre la lecture de la série régulière ; l’éditeur ponctuant à juste titre celles-ci par la formule "Fin… et nouveau départ". C'est ainsi que la plupart de ces numéros spéciaux se retrouvent également au sommaire du premier tome des séries de la collection DC Rebirth. En doublon donc pour ceux qui auraient fait l’acquisition de cet album.

Bref, avec près de 600 pages (pour 35 €), la découverte est un peu trop volumineuse (et chère payée) à mon goût. Mieux valait privilégier le hors-série à 4.50 €, piocher en librairie les séries dont on pense être vraiment lecteur et se contenter de la bibliothèque pour les lectures annexes.

Quant à l'histoire principale scénarisée par Geoff Johns (et essentiellement illustrée par Gary Frank), elle pourrait se résumer à un second Flashpoint. Le Flash, Wally West, en est encore le personnage central et il s'efforce sur une soixantaine de pages de prévenir tous les autres super-héros de sa mystérieuse découverte. L’épisode a donc immanquablement des allures de catalogue et, bien que je reconnaisse l’effort de justifier le relaunch du point de vue éditorial, il s’avère trop complexe, imbriqué dans de multiples séries que je n'ai pas lu – et que je ne lirai jamais – et présente peu d'intérêt lorsque l’on s’intéresse surtout, comme moi, au Batverse. Même le bref teasing créant ce lien saugrenu avec l’univers de Watchmen n'aura été que tardivement concrétisé dans Doomsday Clock, des mêmes auteurs, et dans nulle autre série régulière.

Au début de sa carrière, Sean G. Murphy travailla sur deux mini-séries de complément aux séries Hellblazer et American Vampire. Étonnement, alors que l’auteur n’était pas encore la star qu’il est aujourd’hui, ces mini-séries furent parmi les premières publiées par Urban Comics en 2012 et sorties avant même une réédition de leurs grandes sœurs. L’album qui nous intéresse ici est donc American Vampire : Sélection naturelle, une histoire au cours de laquelle Felicia Book et Cash McCogan partent à la chasse aux vampires nazis (American Vampire: Survival of the Fittest 2011, #1-5).

Le scénario de Scott Snyder est léger, assez peu original, presqu’exclusivement tourné vers l’action et l’aventure et repose entièrement sur des vampires nazis bêtes et méchants. Il s’agit donc d’une énième histoire dont le fonds de commerce est le nazisme et les sciences occultes ; bon nombre de scénaristes de bande dessinée devraient remercier l’Histoire de nous avoir offert cette pétillante période… Cette réflexion mise de côté, cet album n’en reste pas moins un bon et rapide divertissement ; un spin-off intégré récemment par Urban Comics au deuxième tome de l’intégrale chronologique d’American Vampire.

L’intérêt premier de cet album réside surtout, selon moi, dans le dessin de Murphy. Comme sur le spin-off d’Hellblazer, son trait était encore un peu anguleux à ses débuts mais était déjà très élégant et est parvenu à créer une ambiance sombre et froide parfaitement adaptée au ton de l’histoire (des nazis dans les montagnes enneigées des Carpates). Pour les amateurs de l’auteur, le mois d’octobre 2020 aura été un sommet : outre l’intégrale évoquée plus haut, sont également sortis une quadruple édition de Batman : Curse of the White Knight, une double édition de l’intégrale de Tokyo Ghost et une réédition de Punk Rock Jesus. Chez Urban Comics, on a manifestement choisi de capitaliser dessus !

Comme son titre l’indique, cette histoire est vaguement inspirée de L’Art de la guerre de Sun Tzu. Mais il ne faudrait pas s’y tromper, il s’agit avant tout d’un comics de Deadpool et non d’une analyse du traité. Pour qui l’aurait lu – et il n’est pas certain que le scénariste en fasse partie –, il ne faut donc s’attendre à rien de très sérieux et seuls quelques extraits des treize chapitres sont repris de-ci de-là pour justifier certaines des scènes ou des gags de cet album (Deadpool's Art of War 2014, #1-4).

En résumé (mais le scénario n’est guère plus développé), Deadpool incite Loki à attaquer la Terre sous un prétexte fallacieux, tous les super-héros se joignent à la bagarre et, à l’issue de l’habituelle bataille finale, tout est bien qui finit bien. En 4 petits numéros, soit 80 pages, le scénario de Peter David n’offre à lire que de rares lignes de texte tandis qu’au contraire les scènes d’action bourrine s’enchainent agrémentées d’une toute petite dose d’humour à la Deadpool. Bref, ça se lit en un quart d’heure et ça s’oublie aussi vite, c’est du comics jetable comme il en existe tant avec ce personnage.

Le dessin de Scott Koblish, un habitué du personnage, est correct mais ses planches sont surchargées et les couleurs un peu ternes. De toutes façons, on ne lit pas ces one-shot de Deadpool pour leurs qualités graphiques. En revanche, ses quatre couvertures inspirées par la peinture traditionnelle chinoise sont très réussies.

Enfin, l’éditeur a cru bon de rajouter en fin d’ouvrage une petite histoire de Deadpool insignifiante et sans rapport avec la précédente. Il lui fallait bien au moins atteindre les 96 pages (ou 88 planches) pour justifier de vendre ça aujourd’hui à 16 €…

Si, au fond, cette histoire ne constitue qu’une itération de plus aux origines possibles de Deadpool (et de Cable sans rien spoiler…), elle présente un style si radicalement différent des aventures ordinaires du personnage que ses lecteurs réguliers ne l’y reconnaitraient pas. Finalement, le meilleur Deadpool que j’ai lu jusqu’à présent est peut-être celui qui s’en éloigne le plus (Deadpool: Pulp 2010, #1-4).

Cet album se rangerait aux côtés de Spider-Man Noir ou de Daredevil Noir et, si l’histoire ne se déroulait pas durant les années 50 au lieu des années 30, il aurait assurément pris pour titre "Deadpool Noir" (et pour collection Marvel Noir, au lieu de Max Comics). Dans la même collection, presque contemporaine, les scénaristes Adam Glass et Mike Benson auront d’ailleurs travaillé sur Luke Cage Noir. Car, ni le titre, ni cette vilaine couverture jaune de Jae Lee, ne rendent vraiment compte du contenu de l’album. Dans celui-ci, Wade Wilson n’est pas encore Deadpool mais un militaire traumatisé par sa détention et sa torture par les japonais durant la guerre et qui se voit confier une impossible mission : une fois de plus, sauver le monde.

Entre de multiples flash-backs, une dose de romance et évidemment quelques coups de sabre, le ton est sombre et plutôt sérieux même s’il y a encore de rares touches d’humour. Le dessin de Laurence Campbell est à l’avenant ; assez détaillé, brut, très encré, bref un choix judicieux au vu du ton de l’histoire. Mon seul regret ira à la résolution de l’intrigue, trop simple et trop rapide. Le méchant de l’histoire aurait mérité d’être moins caricatural, d’être amené plus en finesse et la fin plus développée. Mais c’est le format de la collection après tout, il fallait bien mériter l’appellation "pulp".

Il est des histoires de Deadpool où les auteurs s’investissent sur un temps long (Daniel Way ou Gerry Duggan pour ne citer que les plus récents). Que l’on aime ou non le personnage, on est alors forcé de reconnaitre que l’intrigue est réfléchie, construite sur plusieurs années et que la caractérisation du héros progresse. Mais, de l’autre côté du spectre, il y a ces innombrables one-shot ou séries limitées, en quatre ou cinq épisodes, sans envergure, se résumant parfois à Deadpool vs. Machin et qui surfent sur le concept du héros cool avec qui l’on peut faire n’importe quoi pourvu qu’il y ait des lecteurs débiles pour les collectionner.

Malheureusement, Il faut soigner le soldat Wilson est clairement de celles-là (Deadpool: Wade Wilson’s War 2010, #1-4). Le scénario de Duane Swierczynski narre une énième variation sur les origines du personnage, cette fois-ci en compagnie de Bullseye, de Silver Sable et de Domino. On navigue en permanence entre l’autodérision, l’humour potache, l’action bourrine et le dialogue avec le lecteur. C’est du Deadpool pur jus, sans queue ni tête et ce n’est pas le twist de la dernière page qui changera mon impression d’ensemble (les histoires à chute ont plutôt tendance à m’agacer). Même le dessin de Jason Pearson est tout juste moyen. Je ne demande pas nécessairement à tous les comics de développer une réflexion à la hauteur de La Ligue des Gentlemen Extraordinaires, ou d’autres récits d’Alan Moore, mais on vole ici vraiment trop bas.

Toutefois, il s’agit très probablement d’une bonne porte d’entrée pour de jeunes lecteurs qui souhaiteraient découvrir le personnage. Les multiples rééditions que l’album aura connu en près de dix ans semblent d’ailleurs aller en ce sens. Elles sont aussi l’occasion de rappeler que, durant cette période, l’album sera passé de 10 € à 18 €, soit une augmentation de 80%. Si le prix n’est pas systématiquement un critère d’achat, avait-on vraiment besoin d’un Deluxe quand un hors-série en kiosque à 5.50 €, comme il se faisait encore il y a quelques années, aurait suffi ?

Dans une variation dystopique du XXIe siècle où dominent l’intelligence artificielle et la technologie bionique, un samouraï, ou plus spécifiquement un rônin, se retrouve réincarné dans le corps d’un estropié et se lance à la poursuite du démon qui a tué son maitre des siècles auparavant (Ronin 1983, #1-6).

Premier récit de Frank Miller dont il est le créateur (à la différence de ses reprises de super-héros chez Marvel ou DC) et en tant qu’auteur complet, Ronin reprend des idées amorcées avec la création du personnage d’Elektra (un personnage taiseux, une femme forte, du combat au sabre) et préfigure un style graphique que l’on retrouvera, plus abouti, quelques années plus tard dans The Dark Knight Returns.

Difficile pour moi d’apprécier, plus de trente ans après sa publication et lorsque l’on n’a pas été lecteur de comics durant les années 80, l’apport véritable de cet album à son Art. La préface de son éditrice d’alors cite pêle-mêle le manga (assurément), la BD franco-belge, la qualité d’impression et de fabrication des comics ou encore la propriété des œuvres ou le droit d’auteur. Pour ma part, je retiendrais surtout une mise en page et un cadrage qui paraissent très étudiés, en tout cas plus inventifs et moins académiques que d’autres titres qui lui sont contemporains. Malgré quelques concepts abscons tel le "biocircuit", l’univers est bien développé, l’histoire progresse à bon rythme – il ne faut pas se fier aux 6 numéros, l’album compte plus de 300 pages – et la lecture est fluide et aisément compréhensible.

J’ai en revanche eu un peu de mal avec la partie graphique. Bien sûr, Miller est, en 1983, encore au début de sa carrière et le dessin n’a pas encore la radicalité de Sin City ou de 300. Mais autant je trouve innovants et réussis le découpage, le cadrage, les aplats de noir, l’esthétique de la violence ou la représentation de la technologie, autant le trait en lui-même, lorsqu’il s’agit parfois de dessiner des visages ou des scènes toutes simples, parait peu assuré voire tremblant. Aussi, la colorisation de Lynn Varley est franchement datée. Certes, les techniques de colorisation et d’impression de l’époque ont pu conduire à des résultats moins nuancés qu’ils ne le seraient aujourd’hui ; mais il s’agit ici manifestement d’un choix et ces couleurs sont par endroits si grossières et criardes qu’elles ne rendent pas service au dessin.

Thumbprint est un petit thriller, basé sur une nouvelle de l’écrivain Joe Hill mais scénarisé par Jason Ciaramella, ayant pour toile de fond le scandale d'Abou Ghraib (Joe Hill’s Thumbprint 2012, #1-3).

L’histoire est très brève et raconte le harcèlement et l’intimidation dont est victime une militaire américaine de retour au pays ainsi que sa difficile réintégration à la vie civile après avoir participé à des abus commis à la prison d'Abou Ghraib lors de son séjour en Irak. Les auteurs ne prennent pas position et entretiennent au contraire une certaine ambiguïté sur la légitimité de ces violences ou la sincérité du repentir de son personnage. Il ne faudrait toutefois pas surinterpréter leurs propos, il s’agit après tout seulement d’un bon petit thriller tendu, malsain et très efficace et qui aurait mérité d’être davantage développé.

Quant au dessinateur, Vic Malhotra, je ne le connaissais pas du tout avant d’ouvrir cet album. Son trait assez gras, très encré et malgré tout plutôt précis m’a immédiatement plu et me fait penser au travail de John Paul Leon ou de Paul Azaceta. Sa fiche-auteur est désespérément vide, il gagnerait pourtant à être plus connu.

Les trois numéros, totalisant une soixantaine de pages, sont très justement complétés du texte original "Empreintes de pouces" de Hill sur une vingtaine de pages (et qui présente d’ailleurs quelques différences notables avec son adaptation en comics), des habituelles quelques pages de croquis mais aussi d’un autre petit comics, "Kodiak", racontant l’histoire d’un ours au Moyen-Age. Également scénarisé par Hill et Ciaramella, on se serait volontiers passé de cette histoire qui n’a aucun rapport avec la première et qui n’est clairement pas au niveau tant en ce qui concerne le scénario que le dessin. Mais sans doute fallait-il gonfler la faible pagination de l’album pour en justifier son prix.

Lorsque la collection "DC Black Label" ne sert pas de fourre-tout à Urban Comics pour y rééditer les classiques de leur catalogue, elle accueille, comme elle aurait dû s’y cantonner depuis le début, des récits inédits, hors continuité et souvent plus matures pour lesquels leurs auteurs ont une plus grande liberté créative (White Knight, Damned, Harleen, etc.). Cet album de Batman est de ceux-là mais il montre aussi qu’une trop grande liberté laissée aux auteurs peut conduire à un grand n’importe quoi (Batman: Last Knight on Earth 2019, #1-3).

A première vue, il était alléchant de retrouver Scott Snyder et Greg Capullo (et leurs encreur et coloriste attitrés), le duo qui a œuvré sans discontinuer et avec une certaine réussite sur le titre phare Batman durant cinq ans. Puis on se souvient que leur dernière collaboration avait mené à l’imbuvable Dark Nights: Metal et sa palanquée de ties-in. Si Capullo restait au top, Snyder y laissait lui libre cours à ses délires dont je n’étais alors plus du tout client.

Mais Last Knight on Earth débute au contraire plutôt très bien. Sur les vingt premières pages, le scénariste tient une bien belle idée : Batman serait fou et vivrait toutes ses aventures dans sa tête. L’idée est d’autant plus séduisante que le rêve et l’imaginaire sont des échappatoires à l’enfermement ou à l’internement. Mais passée cette longue introduction, le scénario prend soudainement un virage post-apocalyptique, punk et cosmique à la fois et commence à égrener ses idées imbitables sur la fin du monde dans la droite lignée du précédent opus. Le lecteur s’y perd et même Batman n’y comprend plus rien. Puis vient l’ultime combat contre Oméga, le boss de fin, bourrin à souhait, et parsemé comme il se doit dans les comics d’explications / révélations – inintelligibles pour ne pas changer –, dont Batman ressort vainqueur (évidemment me direz-vous…), et l’on se dit alors, à mesure que les pages défilent, qu’un dernier retournement de situation va venir éclairer toute cette histoire. Que l’on va enfin revenir à un propos plus terre-à-terre et à l’asile d’Arkham où tout ce bazar avait débuté. Et bien non, rien de tout ça, un bébé Superman tombe du ciel de façon inexplicable et c’est déjà fini.

Je peine à croire que l’on puisse reconnaitre le véritable Batman dans ce genre d’histoire, ce n’est du moins pas ma conception du personnage. Tout comme je doute qu’il y ait beaucoup d’acheteurs, autres que des spéculateurs, pour la version luxueuse "Urban Limited", à paraitre prochainement, de ce si pauvre album. Mais je peux me tromper ; après tout, les auteurs ont récemment remis le couvert avec Dark Nights: Death Metal à grand renfort de numéros spéciaux. Il doit donc y avoir des inconditionnels, mais quelle tristesse.

Et pour finir cette première saison des aventures de Kick-Ass et Hit-Girl, un troisième Deluxe, invariablement scénarisé par Mark Millar et illustré par John Romita Jr., dont le ton est assez éloigné, voire en rupture, avec les deux précédents et ce ne pouvait être qu’une bonne chose pour renouveler la série (Kick-Ass 3 2013, #1-8).

Tout d’abord, le scénario est un poil plus développé et moins loufoque que sur les deux précédentes mini-séries. Bien sûr, Kick-Ass reste un comics pour se reposer le cerveau mais j’ai apprécié suivre cette petite guerre des gangs, l’arrivée d’un nouvel adversaire un brin caricatural, le retour d’un ancien adversaire bien mal en point et cette tonalité générale plus sombre. Ensuite, Dave Lizewski a enfin grandi et a fini par comprendre que les filles valaient mieux que les super-héros. Après avoir fait passer tous les lecteurs de comics pour des puceaux, il était temps ! Il remise ainsi, provisoirement, son costume de Kick-Ass durant une grande partie de l’histoire et, bien que l’on se serait volontiers passé de ces scènes de sexe à répétition, il est plutôt plaisant de voir le personnage évoluer. Enfin, Mindy McCready est en prison durant les trois-quarts de l’album ; exit donc les pirouettes et massacres à la Hit-Girl et place à une séquence plus psychologique au cours de laquelle il est question de sa mère, de son enfance et de son initiation.

Mine de rien, ces quelques éléments mis bout à bout réduisent grandement le nombre de planches où il est question de trucider tout ce qui bouge. L’ensemble est ainsi plus digeste et aurait presque mérité d’être noté d’une deuxième étoile (et presque mérité un troisième film). Il n’y a véritablement que le dernier épisode – le massacre final justifiant l’argent investit sur ce dernier volume par les fidèles lecteurs de Kick-Ass – où l’on retrouve nos deux héros ordinaires dans les costumes et fonctions que nous leurs connaissions jusqu’alors.

Tout est bien qui finit bien, Millar et Romita Jr. apparaissent très contents d’eux-mêmes dans les remerciements en fin d’ouvrage (eux qui avaient déjà collaboré quelques années plus tôt sur le fort bourrin et oubliable "Wolverine : Ennemi d'Etat"). Promis, ce devait être la fin mais, dix ans plus tard, voilà que Kick-Ass et Hit-Girl font leur retour dans de nouvelles aventures. Les mêmes auteurs sont aux manettes, du moins sur les premiers numéros, pour quel résultat ? A suivre.

Un second volume de Kick-Ass au format Deluxe qu’il faudrait précéder, pour redécouvrir cette première saison de manière exhaustive, de la lecture de la mini-série Hit-Girl, également scénarisée par Mark Millar et illustrée par John Romita Jr. Il est toutefois possible de faire l’impasse sur ce spin-off sans rien perdre de l’intrigue et c’est le choix que j’ai fait (Kick-Ass 2 2010, #1-7).

A l’instar du volume précédent, l’histoire débutait plutôt pas mal avec l’émulation créée par Kick-Ass, les nouveaux héros ordinaires costumés, leurs motivations et leurs alliances parodiant gentiment les véritables super-héros des comics. Ce début me plaisait d’autant plus que les personnages de Dave et de Mindy, leurs parents et leurs copains, paraissaient plus apaisés et le ton de la série moins violent.

Du moins jusqu’à ce que l’on nous offre le spectacle, en double-page s’il vous plait sinon ce n’est pas drôle, d’un chien refermant sa gueule sur l’entrejambe d’un des nombreux antagonistes… Mes minces espoirs s’envolent alors et les épisodes suivants ne sont plus qu’une litanie de tabassages, de viols et de meurtres en tous genres. Les auteurs se complaisent dans cette violence gratuite et gâchent les quelques propos intéressants, mais trop peu développés – la douleur de Dave, les doutes de Mindy –, sous une tonne de scènes gores. Avait-on vraiment besoin d’une pleine page montrant une fillette de 11 ans pratiquer une décapitation ? Même sans prendre l’histoire au premier degré, cette ultra-violence continuelle est proprement ridicule.

Je n’avais pas du tout ce souvenir de l’adaptation du comics au cinéma alors j’ai revu dernièrement Kick-Ass de Matthew Vaughn sorti en 2010. Et c’est triste à écrire mais le film est nettement supérieur à son matériel de base. L’intrigue est bien plus développée, les personnages mieux caractérisés, l’histoire équilibrée entre sérieux et humour, les dialogues et la musique sont bons et surtout la violence est chorégraphiée et esthétisée. On sent bien d’ailleurs que la première moitié du film suit fidèlement la trame du comics avant de s’en éloigner progressivement sur la seconde moitié. Comme si Millar avait eu une idée, avait su la développer sur quelques numéros avant de se perdre dans un grand n’importe quoi. Dommage quand on sait que le projet fut dès le départ développé en parallèle sur les deux médias. Mais pas si étonnant lorsque l’on voit, en fin d’ouvrage des tomes 1 et 2, que les scènes de tabassage constitueraient les "meilleurs moments" du comics. En revanche, la suite au cinéma par Jeff Wadlow, Kick-Ass 2, sortie en 2013, en voulant reconstituer scrupuleusement chacune des scènes du comics, me parait ratée ou n’a du moins pas la même saveur que le premier opus.

Kick-Ass est un des tous premiers titres de Mark Millar à être publié en indépendant ; ou presque en indépendant puisque celui-ci fut initialement publié chez Icon Comics, propriété de Marvel Comics, avant d’être rapatrié chez Image Comics (Kick-Ass 2008, #1-8).

On pourrait voir dans ce premier Deluxe les prémisses de ce qui deviendra le Millarworld mais sans la qualité globale de ses titres les plus récents (Reborn, Chrononauts, Huck ou The Magic Order). L‘idée de départ me paraissait pourtant plutôt bonne : un adolescent enfile un costume et s’essaie tant bien que mal à jouer les super-héros à la manière des personnages de comics qu’il affectionne. Le pitch n’est même pas complètement absurde puisque le phénomène des "real life superheroes" existe vraiment. En revanche, je n’ai pas du tout aimé son développement : l’histoire mise tout sur la grossièreté et la violence de l’ensemble de ses personnages, enfants et adolescents compris, sans que cela ne serve la moindre réflexion.

Et il y avait pourtant matière à s’interroger sur le vigilantisme ou sur la sempiternelle violence graphique des comics et leur influence auprès des plus jeunes. Mais, une fois passées les quelques bonnes premières pages au sujet des super-héros, la suite n’offre plus qu’une succession de combats plus sanglants les uns que les autres. Bref, un comics décérébré à l’image des lecteurs qui y sont dépeints. Et dire que cet album a eu un succès tel qu’il a fallu en faire trois suites (regroupées aujourd’hui en VO sous le titre "Kick-Ass : The Dave Lizewski Years") et même deux films… Sur une thématique proche – les super-héros de papier et la découverte par un adolescent de leur pendant dans la vraie vie –, mais sans grossièreté ni violence et au contraire avec subtilité et parfois poésie, je recommanderais de lire "Superman : Identité secrète" et "Batman : Créature de la nuit", tous deux scénarisés par Kurt Busiek.

Quant au dessin de John Romita Jr., je le trouve moche et cela ne m’a bien sûr pas aidé à apprécier l’histoire. Je reconnais que le qualificatif est un peu abrupt mais je n’ai jamais compris comment ce dessinateur pouvait perdurer dans ce métier depuis les années 80 avec un tel manque de talent. Il y a même des albums que je me refuse d’acheter dès lors que cet auteur y est crédité (et pourtant certains sont excellents, au premier rang desquels "Daredevil : The Man Without Fear"). Son trait est grossier, il manque de finesse et de détail, tous ses personnages se ressemblent et leurs visages carrés sont tout simplement ratés. S’il débutait, on pourrait l’excuser mais cela fait près de quarante ans qu’il dessine ainsi sans s’améliorer. Sans doute y a-t-il quelques inconditionnels et il rend probablement ses planches dans les temps – en tout cas pas pour Kick-Ass où il lui a fallu deux ans pour rendre les huit épisodes –, c’est à peu près tout ce qui doit importer aux yeux de ses éditeurs. Je lui reconnais d’avoir trouvé son propre style et d’avoir illustré avec constance les quatre mini-séries Kick-Ass et Hit-Girl mais c’est tout.

Et pour conclure cette très bonne série, quatre nouvelles enquêtes mettant notamment en avant Poison Ivy, Robin (plusieurs fois, mais est-ce le vrai ?) et Captain Marvel (Gotham Central 2003, #32-40 et les back-up de Detective Comics 1937 #770-772 et #784).

A nouveau, le meilleur réside dans ce final sans le moindre super-vilains, sans même la présence furtive de Batman, juste dans l’aboutissement des tensions créées au sein de cette unité des crimes majeurs depuis une quarantaine d’épisodes. Un excellent final qui clôt idéalement la série avant qu’elle ne ronronne. Une série sombre, mature, à recommander autant à ceux qui lisent habituellement du polar qu’à ceux qui aiment les super-héros (mais sans l’action bourrine qui va trop souvent avec).

Je finirais sur un léger bémol au sujet des couvertures. Il m’aurait semblé plus judicieux, à défaut des couvertures originales, d’agrandir une case montrant une scène de crime ou un des inspecteurs du G.C.P.D. Car, les personnages choisis par Urban Comics – Double-Face, le Joker, le Hibou et Batman –, bien qu’au cœur des enquêtes de Gotham Central, ne sont que des personnages mineurs dans leur développement et donc assez peu représentatifs du contenu des albums. Ainsi, plutôt que de mettre en avant l’aspect super-héroïque somme toute mineur de cette série, il eut été préférable de valoriser son côté polar. D’autant plus lorsque ces vignettes ne sont pas issues des épisodes contenus dans les albums respectifs ou que Michael Lark n’assure pas le dessin jusqu’au terme de la série…

Pour ceux qui souhaiteraient retrouver une ambiance similaire à cette série, lire le troisième tome de la série "Paul Dini présente Batman" qui regroupe les épisodes scénarisés par l’auteur tirés de la série Batman: Streets of Gotham (2009). Ceux-ci sont en plus illustrés, mais pas aquarellés malheureusement, par Dustin Nguyen. Et dans un style proche, lire également "Batman : New Gotham" ou "Batman : Meurtrier et fugitif" (tous deux en trois tomes chez Urban Comics).

Au programme de ce troisième volume de Gotham Central, quatre nouvelles enquêtes, par Greg Rucka et Ed Brubaker, qui vont mettre aux prises les inspecteurs du G.C.P.D. à l’Araignée noire, Batman, Catwoman et le Docteur Alchimie (Gotham Central 2003, #23-31 et les back-up de Detective Comics 1937 #763-769).

Comme cela était déjà le cas pour les deux précédents volumes, mon intérêt est allé davantage aux relations construites entre les différents personnages qu’à la résolution des enquêtes. Non pas que celles-ci soient mauvaises, bien au contraire, mais la série adopte le rythme d’une série télévisée et son fil rouge – la vie du commissariat et des hôtes – est plus intéressant que les crimes rapidement résolus qui se déroulent en ville. L’album débute à ce titre très bien avec un policier ripoux qui va pourrir l’ambiance de l’unité des crimes majeurs sur le long terme et un épisode centré sur le Bat-signal et la défiance de la police vis-à-vis du Chevalier noir.

Si l’on continue sur ces premiers épisodes à retrouver Michael Lark au dessin, il passe ensuite définitivement la main, non sans regret bien que leurs styles se rapprochent du sien, à Stefano Gaudiano et Jason Alexander.

La nouveauté de ce troisième volume tient surtout en la présence des back-up de Detective Comics en fin d’ouvrage. Quelques pages qui, mises bout à bout sur une dizaine d’épisodes, vont nous raconter les débuts de Josie Mac au G.C.P.D. Ceux-ci ont été écrits avant Gotham Central et ne sont donc pas indispensables à sa compréhension, ils n’ont d’ailleurs que peu de lien avec la série. Il s’agit cependant d’un bon complément, dont la présence ici est plutôt pertinente et où l’on retrouve une des enquêtrices, son pouvoir / intuition et l’ambiance du commissariat central de Gotham. Son histoire se conclura dans le quatrième et dernier volume.

J’ai découvert ce WE en librairie une réédition de P.T.S.D. pour les 15 ans d’Ankama et, après l’avoir rapidement feuilleté, le dessin m’a tout de suite plu alors je me suis décidé à le lire aussitôt rentré.

Rangé parmi les comics, le dessin me parait plutôt être inspiré du dessin animé ou du manga, type shônen, avec ce trait rond, ses personnages aux drôles de proportions, ses expressions sur les visages un peu exagérées, ses grands yeux et ses mains à quatre doigts. Mais contrairement au manga en général, le dessin m’a ici beaucoup plus. En particulier, j’ai aimé ce trait qui a un je-ne-sais-quoi de tremblotant et ces couleurs à l’aquarelle lumineuses et en même temps assez douces. Guillaume Singelin dit avoir vécu à Tokyo et cela se ressent, il a effectivement bien retranscrit l’ambiance des quartiers pauvres des villes asiatiques, leurs immeubles bardés de climatiseurs, leurs ruelles étroites et la vie qui y grouille. Bref, la partie graphique est excellente et l’auteur maitrise vraiment son style.

En revanche, je suis bien moins enthousiasmé par le scénario (son héroïne, Jun, une ex-tireur d’élite, effectue un difficile retour à la vie civile et se lance dans une vendetta contre un gang trafiquant des médicaments). Sensé traiter des troubles de stress post-traumatique, le scénario ne fait qu’effleurer le sujet et le résume à l’isolement de son personnage principal et à sa constante quête d’antalgiques. On ne saura rien, ou si peu, de son traumatisme et sa guérison en fin d’album apparait aussi miraculeuse qu’improbable. Clairement, l’auteur a fait le choix d’axer son scénario sur l’action au détriment de la caractérisation des personnages ; ce qui est un peu dommage sur près de 200 pages. Quelque part, l’histoire me fait penser au premier Rambo de 1982 et ce n’est pas un compliment.

Mais, le dessin m’ayant vraiment plu, j’en serai pour Mutafukaz' Loba Loca, le second spin-off de Mutafukaz et son dernier travail en date.

Dans ce deuxième volume de Gotham Central, Ed Brubaker et Greg Rucka continuent, au gré de trois nouvelles enquêtes, à développer les relations de camaraderie et d’inimitié entre les différents inspecteurs du G.C.P.D. mais aussi leurs rapports, étonnamment plutôt froids, avec Batman (Gotham Central 2002, #11-22).

Cette fois-ci, le casting réunit le Joker, Huntress, le Chapelier fou et le Pingouin mais, à l’instar du tome précédent, leur présence dans les pages de Gotham Central est secondaire. Ces personnages constituent en effet surtout un leitmotiv récurrent dans la construction de chacune des enquêtes. Par exemple, si Batman n’apparait que furtivement de-ci de-là, sa présence – ou son absence en l’occurrence – ne fait que renforcer l’excitation du lecteur telle une ombre qui plane littéralement sur la police de Gotham. Et il en va donc de même avec ces super-vilains que l’on rencontre au détour d’une planche.

Depuis le premier épisode, il est par ailleurs très intéressant de découvrir cette relation d’attirance autant que de défiance entre la police de Gotham et Batman ; une relation à mon sens assez proche de celle qu’elle serait si le Chevalier noir existait vraiment. Les super-vilains sont eux aussi montrés sous un jour plus réaliste, presque à la vie civile et sans super-pouvoirs. Même l’image de police est ici plus nuancée qu’à l’accoutumée et, en cela, la série offre pour l’instant un point de vue assez éloigné de l’incompétence et de la corruptibilité du G.C.P.D. auxquelles Detective Comics nous a par exemple habitué.

Un mot sur le dessin. Bien qu’il finisse malheureusement par être secondé – puis finalement remplacé aux deux-tiers de la série –, les deux premiers volumes sont encore majoritairement le fruit du travail de Michael Lark. Son style très sombre, très encré, très gras, convient parfaitement à l’ambiance typée polar de la série. Je dirais même que c’est avant tout pour son trait, que j’avais déjà bien apprécié sur Daredevil ou Lazarus, que j’ai relu Gotham Central. Si deux autres dessinateurs, Stefano Gaudiano et Greg Scott, le secondent, leur style se fond toutefois très bien avec le sien pour produire un ensemble homogène.

Gotham Central est une série policière. Elle est certes légèrement teintée de super-vilains et d’apparitions – fugaces – de Batman (il faut bien justifier le logo DC en couverture…), mais elle est avant tout centrée sur le travail d’enquête, les relations personnelles et les bisbilles entre services de la police de Gotham. Elle dénote clairement dans le paysage des comics de super-héros et mériterait d’ailleurs de s’appeler Detective Comics si ce titre n’était pas déjà accolé à une autre série bien connue du grand public surtout orientée vers l’action et le Batverse (Gotham Central 2002, #1-10).

La série aura d’abord connu une première publication en VF assez chaotique : débutée chez Semic en 2004, elle est ensuite reprise par Panini en 2006 – là où elle s’était arrêtée, il faut quand même le souligner – mais dans des volumes aux formats inégaux publiés dans des collections distinctes. Comme souvent, l’arrivée d’Urban Comics en 2012 aura été l’occasion de remettre un peu d’ordre dans certaines publications et de rendre disponibles et abordables des albums absents de longue date des librairies. La série ressort donc en 2014 et, coïncidence ou non, la série télévisée "Gotham" de Bruno Heller et Danny Cannon débute à la même période. Bien que n’ayant pas de rapport direct, le comics et la série partagent cependant une même ambiance au sein du commissariat central de Gotham.

Sur deux à cinq épisodes scénarisés par Ed Brubaker et Greg Rucka et illustrés par Michael Lark, Gotham Central nous fait suivre les enquêtes du G.C.P.D. et plus particulièrement celles de l’unité des crimes majeurs. Il faut comprendre par-là celles consacrées aux meurtres commis par toute la bande de super-vilains qui sévit de façon routinière à Gotham et l’on découvrira ainsi dans ce premier volume des enquêtes impliquant Mister Freeze, Firebug et Double-Face. Il ne s’agit cependant que d’un subtil prétexte pour attirer le lecteur habitué à lire du Batman car le principal intérêt de la série réside plutôt dans la découverte du quotidien de ce service de police après le départ de Gordon et de Bullock suite à l’event No Man's Land. En un sens, avec son ambiance sombre, son découpage par enquêtes et son fil rouge de relations interpersonnelles, ce comics fait me penser aux séries télévisées procédurières "New York : Police Judiciaire / Unité Spéciale / Section Criminelle".

C’est après avoir entamé la lecture du run de Chip Zdarsky sur la série Daredevil que j’ai voulu découvrir ce qu’il avait scénarisé auparavant. Rien de notable en vérité si ce n’est peut-être Sex Criminals et plus récemment une série secondaire de Spider-Man. Et c’est sûrement à la suite de cette dernière qu’est née l’idée de l’homme-araignée prenant de l’âge tout du long de ses aventures (Spider-Man: Life Story 2019, #1-6).

L’idée est plutôt originale même si Peter Parker a déjà vieilli avec ses lecteurs (du collège au lycée, de son mariage à sa paternité avortés, etc.) et que d’autres super-héros avant lui ont connu un alter ego plus âgé. De plus, cette idée cadrait bien en 2019 avec les quatre-vingt ans de Marvel. Seulement, l’exploitation qui est faite de celle-ci m’a un peu déçu. Le scénario concentre soixante ans d’aventures en six épisodes, il va à tout allure, se focalise sur quelques périodes marquantes – le Bouffon vert, Kraven, le Docteur Octopus, la Saga du Clone, Civil War, Venom, Miles Morales – et enchaine donc les scènes d’action toutes les deux pages. Rares sont les réflexions sur le temps qui passe, sur ces combats sans fin ou sur la postérité, ce n’est finalement qu’un comics comme un autre. Ainsi, s’il a assurément vieilli, Peter Parker n’a pas vraiment mûrit. Mais, n’étant pas un gros lecteur de Spider-Man, je suis sans doute passé à côté de quelques références ou clins d’œil qui apportent ce petit plus à la lecture.

La mini-série est illustrée par Mark Bagley, un dessinateur ayant officié de longue date sur plusieurs séries relatives au tisseur et notamment Ultimate Spider-Man avec Brian M. Bendis. Il s’en trouve à ce titre plus légitime que son scénariste pour parler de la vie de Spider-Man ; peut-être aurait-il fallu embaucher Dan Slott pour cet hommage ? Si sa légitimité n’est pas en cause, j’ai tout de même eu du mal à apprécier son travail. Je reconnais que c’est détaillé, propre, dynamique et efficace, soit probablement ce que le lecteur moyen attend d’un comics. Mais le style me parait impersonnel et je n’y trouve pas la patte de l’artiste.

L’album s’étant sûrement très bien vendu, Panini Comics l’a réédité sous pas moins de six couvertures différentes (une par décennie). Qu’il y ait parfois une couverture variante pour un événement ou une librairie en particulier, ok. Mais six ? Pour de la VF ? Et pour une réédition ? L’éditeur avait déjà eu cette pratique mercantile lors de la sortie de 5 Ronin. Les acheteurs de la première heure, qui demandent avant tout des albums abordables et disponibles en librairie, apprécieront ce sens des priorités…

Dans ce deuxième tome d’Outcast, nous continuons à suivre Barnes et Anderson, leurs amours, leurs emmerdes et leur connaissance, un peu plus grande à chaque nouvel épisode, de la menace démoniaque latente qui se dessine dans leur petite communauté (Outcast by Kirkman & Azaceta 2014, #7-12).

D’autres lecteurs l’auront signalé avant moi, le rythme de la série est constant et donc une nouvelle fois assez lent. On ne s’ennuie pas pour autant et le mode de publication en VO assure son lot de scènes à suspense. Mais on sent bien que la découverte des facultés du personnage principal – le "banni" – et des motivations des possédés – la "fusion" – va prendre du temps. La relation de deux personnages centraux est elle-même encore balbutiante au terme de ce deuxième tome. Une impression de longueur qui se fait cependant moins sentir en relisant tous les albums d’une seule traite.

Je ne vais pas commenter l’ensemble des albums car j’en viendrai à me répéter ; la série est d’une qualité égale tout du long et montre que Kirkman ne limite pas à aux séries à rallonge comme The Walking Dead ou Invincible. Je finirai par conseiller aux lecteurs potentiellement désenchantés par le rythme des premiers albums de persévérer car les réponses arrivent (et nul besoin d’attendre une trentaine de tomes pour cela…).

Outre son scénario maitrisé, concis et qui se tient sur la durée, le dessin de Paul Azaceta m’a également beaucoup plu et il faut souligner sa régularité sur cinq ans, soit sur l’ensemble de la série. Il m’a fait penser à celui de John Paul Leon, de Gabriel Hardman ou encore de Tommy Lee Edwards. Son trait est plutôt gras, ses planches très encrées et les couleurs sombres d’Elizabeth Breitweiser correspondent parfaitement à l’ambiance de l’histoire. Ceux qui ont aimé cet artiste ne devraient pas manquer de lire un de ses premiers travaux, "Le jardin des souvenirs", sur un scénario Mark Waid, publié ces dernières années en VF chez le même éditeur.

Alors que la série publiée par Image Comics doit prochainement connaitre son dénouement en VO (retardé de quelques mois pour cause de Covid-19), je relis en un WE les sept volumes d’Outcast parus à ce jour chez Delcourt avant la sortie du dernier tome début 2021. Une histoire de possession, de démonologie et d’exorcisme traitée de façon simple, familiale et intime, en tout cas à taille humaine, où les relations entre les différents personnages sont plus importantes que les quelques séquences ésotériques indissociables de cette thématique. Un style d’écriture que ne renierait sans doute pas Stephen King (Outcast by Kirkman & Azaceta 2014, #1-6).

Je ne suis habituellement pourtant pas un grand fan des histoires plaçant l’occulte au cœur de leur sujet mais le scénario de Robert Kirkman se concentre surtout sur quelques tranches de vie et sur l’existence morne de ses personnages. Sur deux d’entre eux en particulier. Le premier, Kyle Barnes, a vécu une enfance traumatisante et sa vie d’adulte prend le même chemin. Le second, le révérend Anderson, lutte avec ferveur au sein de la paroisse locale contre les forces du Mal qui semblent hanter sa petite communauté. C’est lorsque les deux vont faire équipe qu’ils vont, très progressivement, prendre conscience d’une menace plus prégnante et insidieuse qu’ils ne l’avaient imaginée.

Il faut admettre que la principale critique de cette série, son rythme, est justifiée. Celui-ci est en effet assez lent, voire très lent, sur les premiers épisodes ; c’est finalement celui d’une série télévisée qui prendrait vraiment le temps de s’installer (le comics a d’ailleurs été porté à l’écran, sans grand succès, par Cinemax). Ainsi, l’on referme ce premier tome avec plus de questions que de réponses. Et parmi elles, on ne sait, à ce stade, toujours pas pourquoi le personnage principal est banni ni même ce que cela recouvre. Il faudra persévérer encore un tome ou deux pour commencer à le comprendre…

Initialement conçue par Frank Miller en 1981 comme un personnage secondaire de la série Daredevil, Elektra a fini par s’en émanciper – un peu, le personnage restant malgré tout en marge des super-héros traditionnels – et avoir droit à ses propres aventures. Cet album recueille probablement son histoire la plus connue mais, paradoxalement, aussi la plus difficile d’accès (Elektra Assassin 1986, #1-8).

Le pitch était pourtant relativement simple à la base : Elektra est manipulée à distance par une mystérieuse organisation criminelle sur fond d’élection présidentielle américaine et se retrouve tour-à-tour en position d’être chassée ou chasseuse jusqu’à remonter à l’origine de cette machination. Là où il faut sérieusement s’accrocher, c’est dans la construction du récit. Dès les premières pages, on se perd dans le montage des scènes, les ellipses, les visions troubles des personnages, la voix off omniprésente ou le positionnement hasardeux des phylactères.

Inutilement compliquée ou exigeante, la lecture est en tout cas loin d’être aisée et ce n’est pas le dessin de Bill Sienkiewicz qui la facilitera. Davantage connu aujourd’hui pour ses couvertures variantes ou sa participation sporadique à quelques séries, Sienkiewicz a illustré à la même époque – et toujours sur un scénario de Miller – le roman graphique Daredevil: Love and War. Ses planches ne ressemblent ici à rien auquel le comics nous a habitué, il s’agit plus de peintures et de collages (pour un résultat proche de celui de David Mack), avec une très grande liberté artistique, à mille lieux du travail besogneux de l’ordinaire des dessinateurs de comics.

Alors nécessairement, sur un peu moins de 250 pages et pour peu que l’on ne soit pas rebuté par le dessin, on finit par s’y perdre un peu et parfois devoir revenir en arrière d’une page ou deux. D’autant plus que l’histoire intègre volontiers quelques scènes surnaturelles, absurdes ou caricaturales. J’ai relu mon édition intégrale publiée par Delcourt il y a près de vingt ans de cela mais les deux récits évoqués ont récemment été réédités par Panini Comics dans sa collection Marvel Icons accompagnés d’autres épisodes de ces deux personnages.

Dernier album de la "trilogie" des polars noirs de Brian M. Bendis (secondé pour l’occasion par Marc Andreyko qui reprendra plus tard la suite de Sam & Twitch scénarisée par Bendis), Torso se distingue des deux précédents en étant, d’une part, inspiré de faits réels et, d’autre part et à l’inverse de Goldfish ou de Jinx, en partageant essentiellement le point de vue de la police (Torso 1998, #1-6).

Tout juste auréolé de sa victoire à Chicago contre Al Capone, Eliot Ness prend ses nouvelles fonctions à Cleveland (ville natale des deux scénaristes où s’étaient déjà déroulés les précédents récits). Outre son statut d’"incorruptible", son dévouement au travail et le délitement de sa vie de couple, il s’agit surtout dans cet album de suivre la traque dans les années 30 du "meurtrier aux torses", un des premiers tueurs en série américains identifié comme tel. Le scénario prend la forme d’une enquête relativement classique où la police patine, coincée entre la presse, la politique et la criminalistique balbutiante, avant de finalement tenir une piste sérieuse.

A l’instar des deux précédents albums, on retrouve ici le goût de Bendis pour les dialogues très parlés, les inserts d’images d’archive (issues du journal local où Bendis travaillait durant sa jeunesse) et une mise en page assez travaillée. Sans ellipse, Torse se lit très facilement et constitue sans doute le plus facile d’accès des trois titres. Bref, un bon album, mais classiquement encore une fois, dont la nomination au prix du meilleur scénario à Angoulême en 2003 peut surprendre.

En résumé, trois récits qui devraient plaire aux amateurs de polars et en particulier aux fidèles lecteurs d’Ed Brubaker et de Sean Phillips. Aux amateurs de Frank Miller également tant le noir et blanc de Bendis rappelle son style. Publiés en VF chez Semic puis chez Delcourt en 2002, 2003 et 2006 (dans le désordre mais dans des éditions homogènes), il est étonnant qu’aucun éditeur ne les aient récemment réédités. Bendis est-il aujourd’hui trop catalogué super-héros ? Ou le polar constitue-il une niche du comics ? La collection "Dark Night" du même éditeur a par exemple été abandonnée il y a quelques années. Il aurait pourtant une réédition à tenter en lien l’édition de titres plus récents du label Jinxworld encore inédit en VF tel que Pearl (avec Michael Gaydos), Scarlet (avec Alex Maleev) ou Cover (avec David Mack).

Deuxième album de la "trilogie" des polars noirs de Brian M. Bendis, Jinx se présente comme un préquel de Goldfish. L’histoire fut tout d’abord publiée en VO en deux mini-séries : la première chez Caliber Comics en 1996, immédiatement suivie d’une seconde chez Image Comics en 1997. Séries aujourd’hui réunies en VF chez Delcourt en un seul épais volume à couverture souple et papier mat, au format roman graphique sans donc que ni la distinction, ni le chapitrage, n’apparaissent (Jinx 1996, #1-7 et Jinx 1997, #1-5).

Bendis transpose à Cleveland peu ou prou l’intrigue du film "Le Bon, la Brute et le Truand" de Sergio Leone dans l’univers du polar. C’est ainsi que l’on retrouve dans cette équipée incertaine, outre le personnage de Goldfish rencontré précédemment, Columbia (sous les traits de Bendis, un autre petit escroc mais un tantinet plus violent que son comparse) et Juliet Alameda dit Jinx (une chasseuse de primes un peu paumée et personnage principal de ce second acte). La bande est à la recherche d’un magot caché et, à l’instar du film, chacun devra bon gré mal gré collaborer pour mettre la main dessus.
L’histoire est plus facile d’accès que la précédente et parait également plus aboutie en se concentrant, sans trop en dévier, sur cette quête tout en prenant le temps de bien caractériser les relations complexes entre ces trois personnages. On n’évite cependant pas quelques longueurs (comme lorsque l’on est inutilement attablé avec plusieurs clients du supermarché…) et, avec un bavard comme Bendis aux manettes sur près de 400 pages, il faut au moins autant de temps pour lire cet album que pour revoir le film dont il s’inspire.

Bendis est donc également aux dessins et cela est aussi plaisant que sur Goldfish même si l’on sent qu’il a tout de même bien fait de privilégier une carrière de scénariste. Et il y a cette fois-ci moins de protagonistes et donc par conséquent moins de risque pour le lecteur de s’y tromper. En revanche, l’utilisation du roman photo pour illustrer les longs flash-back ne sont pas du meilleur effet et rompt avec le reste des planches. A noter, qu’il y a 8 planches du journal intime de Jinx illustrées par Michael Gaydos, non crédité dans l’album, avec qui Bendis collaborera plus tard sur la série Alias (dont le personnage de Jessica Jones rappellera d’ailleurs celui de Jinx).

Aujourd’hui essentiellement connu – et reconnu – comme l’un des plus grands scénaristes de comics de super-héros, travaillant longtemps pour Marvel Comics puis, dernièrement, pour DC Comics, Brian M. Bendis a débuté sa carrière dans le rayonnage opposé de cette industrie. Celui-ci débute en effet comme auteur complet, durant les années 90, sur une série de polars noirs publiés chez des éditeurs indépendants. On peut notamment citer Fire (1993), Goldfish (1994), Jinx (1996-97) et Torso (1998), réunis en VO au sein de l’épais "Crime Noir Omnibus". Le premier de ces titres est toujours inédit en VF, il faut donc se tourner vers la VO, ou vers internet, pour le lire ; toutefois, s’agissant de la plus faible et courte histoire des quatre, on peut également très bien faire l’impasse dessus. La véritable "trilogie" commence ainsi pour moi avec Goldfish, l’histoire d’un petit escroc sur le retour (A.K.A. Goldfish 1994, #1-5).

Dès la première planche et il y a déjà plus de vingt-cinq ans de cela, on retrouve le goût de Bendis pour les dialogues. Ses personnages n’arrêtent pas de bavarder tout au long de l’album, dans un style très familier et souvent pour ne rien dire de très utile à l’intrigue. Mais ces échanges contribuent à créer une ambiance et une tension au récit et c’est surtout de cela dont il va être question sur un peu plus de 250 pages. On entre dans l’histoire sans en saisir immédiatement tous les enjeux, le rythme est lent (une partie de cartes durera, par exemple, une douzaine de pages…), il y a peu d’action et il faut être patient pour comprendre la motivation entourant le retour à Cleveland du personnage principal, David Gold dit Goldfish, son passé et les liens qui l’unissent aux autres protagonistes. Il ne s’agit assurément pas d’un des romans graphiques noirs les plus accessibles, ni des plus transcendants d’ailleurs, mais cela reste cependant une histoire correcte très bien racontée.

Bendis en est donc également l’illustrateur et son trait, qui combine le dessin et la photographie retouchée, le tout en noir et blanc, est plutôt plaisant et le cadrage et la mise en scène sont variés. Il y a en revanche quelques visages qui auraient mérités d’être plus travaillés pour être plus reconnaissables, les trames dignes d’un vieux logiciel Paint auraient pu être évitées et, pour un auteur qui affectionne autant les dialogues, les phylactères sont particulièrement basiques. Quant à l’édition de Semic, elle est très bonne – couverture souple et papier mat – et tient la route encore quinze ans après sa sortie (en tout cas pour l’exemplaire que j’ai trouvé en occasion).

Scène de Crime est un petit polar sympathique par Ed Brubaker et Michael Lark, qui, bien que présentant une bonne – mais omniprésente – narration n’offre cependant pas de grande surprise. Je ne vois donc vraiment pas ce que Brian M. Bendis, dans son introduction, lui trouve de si génial (Scene of the Crime 1999, #1-4 et Vertigo: Winter's Edge 1998, #2 "God and Sinners").

Il s’agit là d’un de premiers scénarios de Brubaker, alors publié sous le label Vertigo, et sa première collaboration avec Lark. Sean Phillips, devenu entre-temps son indissociable partenaire dans des polars de plus grande envergure (notamment Criminal, Fatale, Fondu au noir ou Kill or be killed) et dont il s’agit également de la première collaboration, n’est crédité qu’à l’encrage. En un sens, et bien qu’il ne soit publié qu’en 2013 par Delcourt, cet album a son importance en ce qu’il se place chronologiquement en tête de la bibliographie respective de chacun de ces auteurs.

Mais si l’on s’en tient à l’histoire, l’enquête menée par ce détective privé un peu paumé n’est pas transcendante. Il est mis sur le cas d’une personne disparue puis, lorsque cette dernière est assassinée, découvre qu’il s’est fait berner et décide de mener l’enquête pour son propre compte et sa tranquillité d’esprit. La lecture reste plaisante mais ne présente pas de réelle surprise pour qui aurait déjà lu quelques romans policiers. Quant au dessin de Lark, il est correct mais est encore très loin du niveau qu’il atteindra quelques années plus tard sur Gotham Central, Daredevil ou Lazarus (avec Brubaker et/ou Rucka d’ailleurs). A vrai dire, sur un peu moins d’une centaine de pages et au vu des très nombreux récitatifs, il aurait été probablement plus intéressant pour Brubaker de faire de cette intrigue une nouvelle plutôt qu’un comics.

Je ne connaissais aucun de ces deux jeunes auteurs et c’est en feuilletant par hasard l’album à la bibliothèque – un des tous premiers édités par HiComics début 2018 – que j’en suis venu à le lire. Il faut dire que son dessin, qui détonne de la production habituelle des comics, mêmes indépendants, m’a immédiatement attiré (The Few 2017, #1-6).

Le dessin de Hayden Sherman constitue en effet le principal, si ce n’est le seul, intérêt de cette mini-série en six épisodes (d’une quarantaine de pages chacun tout de même). Souvent plus proche du crayonné que du dessin véritablement abouti, il offre un résultat original, volontairement grossier, brut voire sale. Il donne à première vue le sentiment d’avoir été peu travaillé alors qu’il y a au contraire un bel effort de mise en scène et de cadrage. L’histoire étant par ailleurs essentiellement orientée vers l’action, le dessin va à l’essentiel et se trouve donc parfaitement en accord. Et la couleur, plutôt froide, appliquée par aplats et par trames dans les tons kaki avec seulement une pointe de rouge de-ci de-là, participe également à l’ambiance apocalyptique du récit. A la réflexion, ce type de dessin me faisait un peu penser au trait de Yoji Shinkawa ou d’Ashley Wood sur Metal Gear Solid.

Mais, au-delà de cette partie graphique remarquable, le scénario de Sean Lewis est malheureusement assez faible. Dans un futur proche dystopique, plusieurs factions armées se font la guerre : le Palace (ce qu’il reste des Etats-Unis devenus un Etat totalitaire), les Etats reliquats d’Amérique (les rebelles) et les fous de dieu d’Herrod (les terroristes). Au milieu de cette barbarie à laquelle tout le monde participe joyeusement, une jeune militaire se découvre soudainement une conscience lorsqu’on lui confie un bébé et décide alors de rejoindre la rébellion. Bien que la caractérisation de l’héroïne et les relations entre les protagonistes soient bien travaillées, l’histoire en reste là et ne fait qu’effleurer son sujet. A ce rythme, il eut fallu au moins le double d’épisodes pour raconter quelque chose. Même la morale de l’histoire m’a paru abscons : finalement, même les bonnes âmes finissent par épouser le terrorisme ?

La bibliothèque municipale a ça de bien en ce qu’elle permet d’emprunter des comics que l’on n’aurait même pas pensé feuilleter en librairie. Et, en ce qui me concerne, ce titre était de ceux-là. Je suis plutôt un lecteur de Batman – à Gotham, en solo et dans ses habits de « plus grand détective du monde » (ou du moins lorsqu’il s’y essaie durant quelques pages…) – et le voir évoluer en binôme dans un univers fantastique ne me disait a priori rien qui vaille (The Brave and the Bold: Batman and Wonder Woman 2018, #1-6).

Clairement, l’histoire semble avant tout destinée aux lecteurs de Wonder Woman déjà familiarisés avec la mythologie et la magie (ainsi, contrairement à la VO, Urban Comics ne s’y est pas trompé en faisant figurer son nom en premier). C’est le dessin de Liam Sharp – également scénariste pour l’occasion, une première ? – qui m’a toutefois fait emprunter cet album. Celui-ci avait déjà récemment illustré des épisodes de la série régulière consacrée à l’Amazone et c’était déjà très beau à l’époque. Ça l’est à nouveau tout autant, c’est très détaillé, varié dans le cadrage, un effort a été fait dans les enluminures pour immerger le lecteur dans l’univers celtique dont il est ici question et les couleurs sont également très réussies.

Mais en dehors de ses qualités graphiques évidentes, je n’ai pas vraiment été convaincu par l’histoire. L’auteur a manifestement travaillé son sujet mais, à la première lecture, je me suis perdu dans toute cette terminologie celte. Et même en relisant l’album une seconde fois, les motivations des protagonistes n’apparaissent pas des plus claires. Cela reste cependant sympathique de voir Batman enquêter dans un univers qui lui est étranger. Enfin, bien qu’il s’agisse d’un one-shot, il est à parier que la fin ouverte augure d’un second volume lorsque l’auteur en aura terminé avec la seconde saison de son Green Lantern écrite par Grant Morrison.

Après vingt-huit très bons numéros, la série Alias arrivait à son terme. Le personnage de Jessica Jones reprenait toutefois aussitôt du service dans une nouvelle série – toujours scénarisée par Brian M. Bendis et intitulée The Pulse – dans laquelle l’héroïne troqua ses habits de détective privée et sa vie décousue pour intégrer la feuille de chou locale et mener à bien sa grossesse avec son compagnon. La caractérisation du personnage, tant psychologique que graphique, évolue fortement à cette occasion au point d’en devenir par moments méconnaissable et d’ôter presque tout intérêt à cette seconde saison (The Pulse 2004, #1-14 et New Avengers 2005, Annual #1).

Tout d’abord, comment peut-on passer des superbes collages et aquarelles de David Mack à ces couvertures informatiques et aseptisées ?!? Ensuite, la première moitié de l’ouvrage est illustrée par Mark Bagley et Brent Anderson et leur dessin n’est pas du tout à la hauteur de celui de Michael Gaydos sur la première série. Le scénario du premier arc n’est pas non plus en reste puisque Jessica Jones est reléguée au rang de personnage secondaire et il est davantage question de Spider-Man et du Bouffon Vert que de la principale concernée. L’arc suivant ne vaut guère mieux, malgré la présence au dessin de Michael Lark, puisqu’il ne s’agit que d’épisodes complémentaires à l’event "Secret War", du même scénariste, dont la lecture au préalable, ou en parallèle, est obligatoire au risque de ne rien y comprendre. La chose se répète ensuite avec un épisode tie-in à l’event "House of M", toujours du même scénariste. Et si l’on y ajoute l’épisode relatif au mariage de Jessica Jones et de Luke Cage, qui n’est en réalité qu’un concentré d’action, alors on peut déjà faire une croix sur les deux tiers de l’album.

Heureusement, il y a un troisième et dernier acte. Michael Gaydos est enfin de retour au dessin et on suit l’accouchement de Jones et les interrogations du couple qu’elle forme avec Cage – le fil rouge de cet album – tandis que Ben Urich enquête brièvement sur un super-héros de seconde zone. Nous retrouvons donc enfin le ton de la première saison mais cela suffit à peine à sauver une étoile de plus à la note finale. Grosse déception en résumé.

Suite et fin dans ce second tome des aventures de Jessica Jones par Brian M. Bendis et Michael Gaydos (Alias 2001, #16-28 et What If? 2005, #1).

La première histoire en six épisodes laisse beaucoup de place à l’investigation et les aspects super-héroïques sont minimes (la détective privée part à la recherche d’une itération de Spider-Woman et se fait aider par une autre, mais guère plus). C’est là le cœur de la série, la caractérisation du personnage progresse et nous offre un très bon moment de lecture. Le second arc en cinq épisodes fait davantage appel aux ressorts super-héroïques classiques (c’est un titre Marvel après tout, on ne peut pas toujours y échapper) mais cela reste plaisant à lire malgré une résolution expéditive et la contribution malvenue d’autres dessinateurs que Gaydos.

En revanche, je n’ai pas été très emballé par les deux épisodes intermédiaires relatifs aux origines de Jessica Jones : trop colorés et éloignés de l’univers du personnage à mon goût – c’est d’ailleurs à peine si l’on y reconnait le style de Gaydos –, de surcroit pour y raconter des débuts relativement conventionnels. Idem en ce qui concerne l’épisode final "What If?" ; ce n’est qu’un exercice de style vu et revu mais le personnage n’est jamais aussi intéressant que lorsqu’il se tient le plus éloigné possible des super-héros, alors lui faire intégrer les Vengeurs me laisse perplexe…

En conclusion, une très bonne maxi-série, dans un ton très différent de ce que propose habituellement l’univers Marvel, plus mature, réaliste et psychologique qu’à l’accoutumée, avec de très belles couvertures par David Mack en prime et qui offre une place de choix aux personnages féminins ; elle plaira sans nul doute aux lecteurs de Daredevil (du moins, ceux de la période Bendis / Maleev).

La suite de ses aventures est à retrouver dans la série "Jessica Jones : The Pulse" également rééditée par Panini Comics à l’occasion de la diffusion de la série télévisée du même nom sur Netflix. Et les amateurs du duo Bendis / Gaydos pourront également découvrir la mini-série "Pearl" publiée récemment au sein du label Jinxworld (tout comme "Scarlet" avec Alex Maleev ou "Cover" avec David Mack, il est d’ailleurs surprenant que ces trois séries n’aient pas encore fait l’objet d’une publication en VF).

Brian M. Bendis crée le personnage de Jessica Jones à la fin 2001, période au cours de laquelle il reprendra également les rênes de la série Daredevil. Il amènera à ces deux personnages une tonalité mature permise par les labels sous lesquels ces deux séries sont alors publiées : Max Comics (pour la série Alias) et Marvel Knights (pour la série Daredevil). Étonnamment cependant, Jessica Jones et Matt Murdock n’interagiront qu’en de très rares occasions alors que l’aspect urbain de leurs histoires et leurs activités à la vie civile – détective privée pour l’une et avocat pour l’autre – avaient pourtant un potentiel scénaristique intéressant (Alias 2001, #1-15).

Jessica Jones est une ancienne super-héroïne, qui ne s’épanchera jamais véritablement sur son passé, aujourd’hui reconvertie en détective privée dont le cabinet répond au nom d’Alias Investigations. Les trois histoires réunies dans ce premier volume l’amèneront toutes à la recherche de personnes disparues (une femme prise dans un complot, un mythomane qui a lu trop de comics et une adolescente en fuite). Leur construction obéit, jusque dans le découpage de Michael Gaydos, à une trame similaire : l’entretien initial et très dialogué avec le client, la recherche du disparu sur internet puis sur le terrain et la petite dose d’action réglementaire agrémentée d’une légère touche super-héroïque.

La série est ainsi plus proche du polar noir que du comics de super-héros habituel – il pourrait presque ne pas s’agir d’un titre publié par Marvel – et le dessin très encré et brut de Gaydos participe pleinement à l’immersion dans cet univers. En quelque sorte, le scénariste retrouve là ses premiers amours (Fire, Goldfish, Jinx, Torso). Mais l’intérêt premier de la série réside selon moi dans la psychologie de son personnage principal : le traumatisme de son passé de super-héroïne, l’alcool, le sexe, le cynisme et son moral dans les chaussettes en font un personnage complexe et intéressant à suivre. Enfin, il est à noter que le titre met en lumière des femmes comme protagonistes principaux, elles qui sont rarement mises en avant dans les comics.

Cette série, plutôt orientée fantastique / horreur, ne m’avait jamais vraiment attiré jusque-là et j’ai profité de mes vacances pour l’emprunter à la bibliothèque. Il semblerait que je n’ai pas loupé grand-chose puisque, cinq ans après sa sortie, il n’y a toujours qu’un seul tome de paru. Voilà ce qui arrive lorsque l’on mène plusieurs projets de front (plus lucratifs sans doute, à l’instar du spin-off Le Batman Qui Rit du même duo d’auteurs) ; Urban Comics pourrait presque inscrire au dos de l’album "série à suivre avec une infinie patience". Bref, sa lecture a confirmé mon impression première (Wytches 2014, #1-6).

Les "sorcyaires" dont il est ici question n’ont en réalité que bien peu à voir avec celles auxquelles nous sommes habitués : exception faite de leur marmite, il s’agirait en effet plutôt de créatures filiformes, nues, voûtées, à deux paires d’yeux, assoiffées de sang, terrées au plus profond de leur forêt et qui n’ont assurément rien d’humain (elles me font un peu penser aux créatures imaginées par Bec et Raffaele dans la bande dessinée Sarah). Quant au scénario, la relation père-fille est bien fichue mais cela m’a tout l’air d’être le mythe de Faust revisité dans lequel un personnage vend – ou, en l’occurrence, promet – son âme au diable (voir Bazaar de Stephen King pour ceux qui aiment le concept).

Plus que son scénario et son final de série B aspergé de "jus de promesse", ce sont surtout les couleurs de Matt Hollingsworth qui me rebutaient. Jock a assurément un style bien à lui et contribue à l’ambiance horrifique, voire un tantinet gore par moments, du récit. En revanche, son coloriste abuse des taches de couleurs jusqu’à en mettre dans toutes les scènes, même les plus quelconques, alors qu’il eut fallu les réserver aux plus intenses. Dommage de surcharger ainsi ces planches. Enfin, bon point que l’ajout des textes de Scott Snyder en fin d’ouvrage ; cela permet d’en savoir un peu plus sur le processus créatif et l’implication de l’auteur dans son histoire.

Lu en VO à l’époque et relu en VF ce dimanche (et, ce, deux fois pour être sûr de n’avoir rien loupé de l’intrigue construite de façon assez décousue), et j’ai au final un avis mitigé. Il y a une très bonne idée de départ – les troubles de stress post-traumatique chez les super-héros – mais il y aurait eu matière à raconter une histoire plus simple et intéressante que celle-ci (Heroes in Crisis 2018, #1-9).

De longue date, Tom King accorde un intérêt prononcé à la psychologie troublée de ses personnages (Sheriff of Babylon, son run du Batman) et met en scène ses super-héros dans un registre plus intime qu’à l’accoutumée (La Vision, Mister Miracle et la relation entre Batman et Catwoman). Et Heroes in Crisis est dans cette lignée. En dépit de son titre, il ne s’agit nullement d’une crise au sens historique du terme chez DC Comics, mais plutôt d’une enquête à la manière d’Identity Crisis doublée d’une réflexion sur l’anxiété des super-héros. Et avec tout ce qu’ils traversent à longueur d’épisodes, ressortant indemnes de chacune de leurs confrontations et ne paraissant rien ressentir sous le masque ou la cape, cela aurait pu constituer une excellente mini-série. D’autant plus que le dessin, à mettre majoritairement au crédit de Clay Mann, est très bon et homogène entre les différents artistes.

Mais au lieu de ça, le thème est expédié en un discours de Superman et illustré par une litanie de confessions face caméra plus ou moins intéressantes. Faire de ces gaufriers la marque de fabrique de l’histoire était une bonne idée, rappelant au passage la patte du scénariste, mais il n’était pas utile d’en abuser. On finit par se lasser de cette ribambelle de personnages secondaires, voire inconnus pour les non-initiés, et l’histoire aurait sûrement gagné à avoir un casting principal plus relevé que Booster Gold, Harley Quinn, Blue Beetle et Batgirl. Enfin, la conclusion m’a déçu, je ne suis même pas certain d’avoir saisi le voyage dans le temps sensé solutionner le problème de Wally West…

J’ai profité d’un WE nuageux pour découvrir la biographie illustrée d’Alan Moore par Gary Spencer Millidge, avant de relire dans la foulée The Killing Joke. Tout lecteur de comics qui se respecte aura lu cette histoire au moins une fois et, contrairement à l’avis général, je n’ai été que moyennement emballé par cette brève relecture (Batman: The Killing Joke, 1988).

Il était sans doute bon de permettre à Alan Moore d’écrire une histoire de Batman tant les deux, Moore comme Batman, ont marqué leur industrie. Mais plus de trente ans après sa première publication, celle-ci parait avoir pris un sacré coup de vieux.

Graphiquement d’une part, bien que les couleurs de Brian Bolland soient plus sobres et moins psychédéliques que celles de John Higgins vingt ans auparavant, le design de Batman, son allure, sa voiture ou les scènes de combat paraissent datés. Le scénario, d’autre part, n’est pas non plus folichon. Sur moins d’une cinquantaine de pages, nous découvrons la transformation – un peu trop rapide pour être vraisemblable – d’un homme, une variante parmi tant d’autres des origines du Joker et son pas de deux habituel avec Batman. L’aspect grand-guignolesque du cirque n’est également pas particulièrement finaud. Peut-être la violence infligée à Barbara Gordon était-elle marquante à l’époque ; ou peut-être que le Joker n’était encore pas utilisé à toutes les sauces comme il l’est aujourd’hui… Quoi qu’il en soit, si l’on s’en tient à l’histoire, ce n’est pas The Killing Joke que l’on retiendra de l’impressionnante carrière de Moore.

En revanche, il me parait y avoir un réel intérêt à découvrir la dernière édition d’Urban Comics. Les deux colorisations y sont proposées successivement, permettant à chacun de mesurer l’évolution des goûts et de la technique. Mais le point fort réside surtout dans le script illustré et le cahier graphique proposés à la suite. Avec sa couverture vierge de tout titre et un prix raisonnable, c’est une édition qui remplacera avantageusement la précédente, pauvre en bonus, de Panini Comics.

Débuté en 1993, le travail du duo formé de Jeph Loeb et de Tim Sale sur l’univers de Batman aura duré près d’une décennie et leurs aventures sont aujourd’hui réunies par Urban Comics dans la trilogie constituée des albums "Des ombres dans la nuit", "Un long Halloween" et "Amère victoire". Celui qui m’intéresse dans le cas présent est le premier travail d’ampleur de ce duo (Batman: The Long Halloween 1996, #1-13).

L’histoire se classerait davantage du côté du polar que du comics de super-héros puisque son sujet principal est la traque d’un mystérieux tueur en série – surnommé Holiday – qui sévit entre les familles mafieuses des Falcone et des Maroni. Nous avons évidemment droit au défilé de quelques-uns des principaux super-vilains de Gotham mais l’intrigue se concentre surtout sur le travail d’enquête de Batman, du commissaire James Gordon et du procureur Harvey Dent.

L’histoire se lit très facilement, ne nécessite aucune connaissance préalable et progresse agréablement au rythme des événements qui ponctuent le calendrier, des meurtres et des fausses pistes. Bien que Tim Sale ne soit pas mon dessinateur favori, il faut reconnaître qu’il a su développer un style qui lui est propre et que les aplats sont bien maîtrisés par le coloriste. Les amoureux du duo Loeb / Sale pourront poursuivre, chez l’éditeur concurrent, avec leurs mini-séries thématiques consacrées à Daredevil, Spider-Man, Hulk et Captain America.

Après Dark Knight et Silence, cet album est le troisième et dernier Deluxe consacré au personnage de Batman qu’éditera, en 2011, Panini Comics peu avant qu’un nouvel éditeur ne vienne les déloger. Et, bien que l’on puisse leur reprocher maintes choses à commencer par le travail d’édition ou la politique tarifaire, il faut aussi reconnaître que ces Deluxe ont plus fière allure dans une bibliothèque que les dos noirs et ternes d’Urban Comics.

A la fin des années 1980, Frank Miller navigue entre Marvel et DC sur divers projets mettant en scène tantôt Daredevil, tantôt Batman, des personnages qui ont en commun d’avoir une part d’ombre que l’auteur va se charger de remettre en avant dans des récits plus matures tel Born Again ou The Dark Knight Returns. J’ai revu "Batman v Superman : L’Aube de la Justice" de Zack Snyder et, dans la foulée, relu cet album dont le film est grandement inspiré (Batman: The Dark Knight Returns 1986, #1-4).

Dans son introduction, Miller fustige la Comics Code Authority et les restrictions que l’organisation ferait peser sur les artistes. Pourtant, si la tonalité de son histoire est résolument adulte, seul le vocabulaire pas bien finaud du gang des mutants m’apparaitrait encore aujourd’hui à déconseiller aux enfants. Et c’est oublier un peu vite que d’autres récits tout aussi bons que celui-ci ont vu le jour à la même période (Legends of the Dark Knight / The Killing Joke / Gotham by Gaslight / Arkham Asylum). Trente ans après, les mentalités ont évolué et il n’y a bien que sa critique de la télévision qui apparait, à l’heure des chaines d’information en continu et de leur défilé d’experts, toujours d’actualité.

Les deux premiers épisodes sont excellents, aussi bien en ce qui concerne la progression de l’intrigue que son dessin à gaufrier de seize cases. Ils reviennent sur les origines et la mythologie de Batman (mention spéciale à la scène du meurtre de ses parents), expliquent son retour dans le costume de justicier, dressent le portrait d’une ville de Gotham en proie à une explosion de violence et égrènent, au travers des journaux télévisés, les forces et faiblesses du vigilantisme. La seconde moitié est par contre décevante : Bruno est une néo-nazi vulgaire et ridicule (comme le sont d’ailleurs ces mutants punks), la scène de la fête foraine est bien trop longue et les motivations de cet affrontement final entre Batman et Superman sont floues. D’ailleurs, ni ses suites – The Dark Knight Strikes Again et The Dark Knight III –, ni ses numéros spéciaux – The Last Crusade et The Golden Child –, n’arriveront à retrouver le talent des deux premiers épisodes.

J’ai relu l’édition de Panini Comics de 2009 et, une fois n’est pas coutume, il faut reconnaitre qu’elle est de bonne facture et offre une soixantaine de pages de bonus divers en fin d’album (à la différence des deux autres Deluxe de l’éditeur consacrés au personnage de Batman : Silence et Un long Halloween).

Cette histoire est régulièrement listée parmi celles offrant, pour les débutants, une des meilleures entrées en matière possibles dans l’univers du Chevalier noir. Et en effet, elle en reprend toutes les bases : les Wayne, l’enfance de Batman, la tragédie qu’il a connu, sa personnalité, son costume, ses gadgets, etc. Mais surtout, c’est la construction même de l’intrigue qui la rend aussi aisée à suivre par le plus grand nombre : Batman traque un mystérieux individu de la première à la dernière page et rencontre opportunément en chemin ses alliés et ses adversaires les plus emblématiques (Batman 1940, #608-619).

En revanche, pour un lecteur de longue date, le scénario de Jeph Loeb paraitra affreusement linéaire ; il réduit le travail d’enquête du "plus grand détective du monde" à sa plus simple expression et est essentiellement orienté vers l’action. Sur douze chapitres, le défilé de tous ces personnages ne surprend même plus et donne l’impression d’une construction redondante et artificielle. Quant au suspense, il s’amoindrit à mesure que l’on insiste sur cet ami d’enfance...

Il n’en demeure pas moins qu’il s’agit d’un très bon point de départ dont l’autre atout est assurément son dessin. En 2002, Jim Lee est arrivé depuis peu chez DC Comics et ce run constitue son premier travail d’ampleur (bientôt suivi par Superman : Pour demain). Encore aujourd’hui, il reste un des meilleurs dessinateurs de comics et c’est un plaisir de parcourir ses planches, notamment celles à l’aquarelle pour les scènes de flash-back. Si bien que c’est surtout pour lui que j’ai relu cet album. Certes, il a une légère propension à dessiner les hommes avec un peu trop de muscles – et dans des postures viriles – et les femmes avec un peu trop de courbes – et dans des postures aguicheuses – mais cela reste du comics de super-héros pour le grand public et il faut savoir composer avec ces stéréotypes.

En 2008, après Batman/Deathblow puis Luthor, la troisième collaboration entre Brian Azzarello et Lee Bermejo prend la forme d’un roman graphique (ou "graphic novel" en VO, comprendre par là une grosse centaine de pages de comics livrées en une seule fois sans l’artifice du découpage mensuel). Et comme son titre l’indique, celui-ci traitera d’un personnage que tous les auteurs de comics rêvent d’écrire, le plus ancien et le plus emblématique adversaire de Batman : le Joker.

L’histoire nous est racontée du point de vue de Jonny Frost, un petit voyou sans envergure qui se propose un jour de raccompagner le Joker à sa sortie de l’asile d’Arkham. A compter de cet instant, sa proximité avec le Clown Prince du Crime va lui permettre de mener enfin la vie d’un vrai gangster tel qu’il la rêvait et lui ouvrir les portes du gotha de la pègre (Killer Croc, Harley Quinn, le Pingouin, Double-Face ou encore le Sphinx). Pour un temps seulement car il va rapidement déchanter et découvrir que le Joker est sans limite dans sa folie criminelle.

A défaut d’une véritable intrigue, il s’agit surtout de suivre l’évolution de la relation entre ces deux personnages, de leur première rencontre jusqu’à leur séparation sur le pont de Gotham. J’ai trouvé l’écriture du Joker juste mais finalement assez conforme à ce que l’on est en droit d’attendre du personnage. Et s’il s’agit d’une bonne contribution à son mythe par deux auteurs de renom, elle reste malgré tout sans surprise. Aussi, quelques scènes m’ont paru inutilement crues (si ce n’est de justifier la mention "Pour lecteurs avertis" inscrite au dos de l’album).

Pour peu que l’on aime cette ambiance poisseuse et ces visages torturés, on trouvera le dessin de Bermejo, reconnaissable entre mille, très bon mais surtout parfaitement adapté au ton de l’histoire. Il est dommage cependant que deux encrages différents cohabitent (l’encrage classique de Mick Gray et, par séquences, celui au lavis de Bermejo). Enfin, concernant l’édition, il eut été judicieux qu’Urban Comics utilise la couverture façon mug shot pour faire la paire avec celle utilisée pour Luthor.

Avant que l’argent liquide ne disparaisse et que le gouvernement américain ne contrôle les pensées de ses citoyens, une bande de truands aussi violents que décadents monte un dernier casse scénarisé par Rick Remender et illustré par Greg Tocchini (The Last Days of American Crime 2009, #1-3).

Aujourd’hui omniprésent sur le marché du comics indépendant avec des titres tel que Black Science, Deadly Class, Low (de nouveau avec Tocchini), Tokyo Ghost ou plus récemment Seven to Eternity, Remender s’y trouve généralement bien meilleur que lorsqu’il scénarise ses comics de super-héros vite oubliés. Ici cependant, il ne s’appesantit malheureusement pas sur la bonne idée à l’origine de son intrigue, ni sur le chaos qui parait régner aux Etats-Unis et se contente de nous présenter les préparatifs très, voire trop, mouvementés du casse. Les relations entre les personnages sont intéressantes à suivre – quoiqu’un peu caricaturales (le mec ténébreux, la fille facile, le salaud) –, mais on perd parfois le fil de l’histoire à cause de ce trop-plein d’action et de violence gratuite.

Le dessin est Tocchini est très bon, brut, très dynamique, un peu surchargé par moments, mais étonnement coloré, chaleureux et sexy pour ce registre, le polar, qui est d’ordinaire sombre et froid.

Si j’ai relu cet album, c’est en apprenant par hasard son adaptation prochaine au cinéma, pour Netflix, par Olivier Megaton. J’ai relu l’édition de Jungle! qui, en plus de son prix excessif à l’époque, aurait mérité d’avoir pour couverture une des magnifiques illustrations d’Alex Maleev plutôt que celle – bien ratée – d’un illustre inconnu. Mais surtout je découvre à cette occasion qu’il existait une édition précédente par EP Editions. Comment cet ex-éditeur a-t-il pu avoir l’idée, d’une part, de publier à l’unité un floppy à peine plus épais que la normale et, d’autre part, de le vendre 15 € ? Un prix qui grimpe à 50 € accompagné d’un coffret en carton ! C’est vraiment prendre les lecteurs de comics pour des pigeons...

A l’instar du T1, ce deuxième tome se révèle assez volumineux avec ses huit épisodes cumulant plus de deux-cents pages de comics ; il regroupe en effet tout le crossover "Drowned Earth" entre les séries Justice League et Aquaman accompagné de ses quelques ties-in (Justice League (2018) #10-12, Justice League/Aquaman: Drowned Earth (2018) #1, Aquaman/Justice League: Drowned Earth (2019) #1, Aquaman (2016) #41-42 et Titans (2016) #28).

Il y a fort à parier que, si le personnage d’Aquaman est ainsi mis en avant, c’est essentiellement pour profiter de l’exposition que lui confère le film de James Wan sorti à la fin 2018. L’histoire n’a cependant rien à voir avec celui-ci et l’intrigue proposée par Scott Snyder, James Tynion IV et Dan Abnett tourne autour d’une lutte relativement basique entre la Ligue de Justice et le "Triumvirat des dieux de la mer" (de puissants adversaires ayant pour projet de noyer la planète et de transformer ses habitants en hommes-poissons, rien que ça...). Si le titre garde son côté éminemment blockbuster, l’histoire est cependant bien plus facile d’accès que la précédente et se résume en un affrontement très classique, soupoudré d’un peu de mythologie atlante et voit l’apparition – surprise ou pas – d’un troisième homme (Black Manta). Les amateurs de ce type de crossover pourront à l’occasion relire le T3 "Le trône d'Atlantide" de la série Justice League (période DC Renaissance).

Crossover oblige, les dessinateurs se relaient dans des styles malheureusement pas toujours en adéquation les uns avec les autres (ainsi les planches au dessin très inhabituel de Frazer Irving croisent le trait presque cartoonesque d’Howard Porter). Mais c’est le jeu de ce genre de production et cela n’en gâche pas ce long moment de lecture.

J’émettrais enfin un dernier et léger bémol quant au choix de la couverture par Urban Comics : si celle-ci, par Jorge Jimenez, est évidemment très belle, elle ne reflète par le contenu de l’album. Hormis Black Manta, la Légion fatale est en effet relativement absente de cet arc.

Après les lectures difficilement intelligibles, voire parfois carrément pénibles, de Batman Metal puis de Justice League : No Justice, j’appréhendais un peu celle de ce relaunch de la Ligue de Justice par Scott Snyder. Et en quelque sorte, je n’ai pas été déçu (Justice League 2018, #1-9).

Sous-titrée "New Justice", la série ne propose rien de réellement nouveau et ne constitue que de la dernière itération en date de la Justice League après les relances de 2011 et de 2016. Alors que nous avions laissé Christopher Priest développer des considérations plus humaines et juridiques qu’à l’accoutumée, Snyder renvoie à toute allure la Ligue dans les étoiles. Et les concepts qu’il développe dans ce T1 se rapportent continuellement à des événements qu’il a lui-même récemment scénarisé, si bien qu’il parait indispensable d’avoir lu – mais aussi compris, faut-il le rappeler ? – les deux titres mentionnés plus haut.

Car, dès le premier épisode, les concepts cosmiques foireux s'enchaînent et il faut s’accrocher pour ne pas être complètement largué entre le Mur source, la Totalité, la Fatalité, le Spectre émotionnel invisible, la Force statique et j’en passe. Même en lisant attentivement cet album, n’importe quel lecteur finira par se perdre face à cette overdose de notions abstraites et grandiloquentes qui se double d’une indigestion de scènes d’action aussi spectaculaires qu’improbables (tel Batman pilotant un vaisseau spatial dans le corps de Superman). Bref, un blockbuster imbitable...

Je laisse malgré tout une étoile à la note. D’une part, pour la bonne caractérisation du Limier martien mais aussi pour le retour de la Légion fatale par James Tynion IV ; la collaboration entre ces super-vilains apparait quelque peu artificielle mais elle reste plus tangible que les délires cosmiques de Snyder et sera amenée à prendre de l’importance avec les events à venir "Year of the Villain" et "Doom War". D’autre part, pour le dessin de Jorge Jimenez ; publication bimensuelle oblige, il n’illustre malheureusement pas les neufs épisodes réunis ici mais ses planches sont très belles, très colorées et hyper dynamiques.

Suite et fin dans ce T2 du premier arc des nouvelles aventures de Batman avec la découverte de l’identité de l’adversaire à la tête de la Cour des hiboux et de son explication finale musclée avec le Chevalier noir (Batman 2011, #8-12 et Annual #1).

Les épisodes réunis ici donnent l’impression d’une résolution de l’intrigue un poil trop portée vers l’action mais la narration n’en oublie pour autant pas de faire des pauses et d’apporter quelques explications au lecteur. C’est à mon avis l’arc le plus réussi de Snyder et tout le crossover Batman: Night of the Owls mériterait d’être édité en VF. La suite sera malheureusement plus décevante, à commencer par la conclusion de The Joker: Death of the Family ; puis on partira sur du franchement trop long (l’An Zéro) voire sur du franchement n’importe quoi (le Bat-Lapin).

L’album est complété par plusieurs histoires secondaires. Il y a tout d’abord les backs-up de Rafael Albuquerque (qui, quelques années après, retrouvera Snyder sur la mini-série All-Star Batman). Ces quelques pages proposées habituellement en fin d’épisode et dont le rôle est de soulager le dessinateur attitré tout en gonflant la pagination de l’épisode, racontent ici une histoire de complément intéressante – mais tout à fait accessoire – sur l’histoire de la famille Wayne, de leurs majordomes successifs et leur lien avec la Cour des hiboux.
Suit un excellent annual consacré à Mr. Freeze superbement illustré par Jason Fabok. Puis un épisode tout à fait oubliable destiné à introduire un nouveau sidekick à Batman en la personne d’Harper Row, alias Bluebird. Un nouveau personnage raté autant dans sa caractérisation que dans son design alors que la Bat-family ne manquait pourtant pas de Robin en tous genres. Un procédé que Snyder répétera quelques temps plus tard, avec la même infortune, en créant le personnage de Duke Thomas, alias The Signal.

Pour finir, la série bénéficie de l’excellent travail d’Urban Comics pour lequel le mot "révolution" ne me semble pas trop fort. Il faut en effet se rappeler qu’à la même époque Panini Comics publiait encore des albums souples de piètre qualité éditoriale et que Batman n’avait droit qu’à de très rares sorties dans les collections DC Big Books ou DC Icons au prix un tantinet excessif... A l’inverse, on retrouve ici une couverture cartonnée, une véritable introduction, une présentation des personnages, des crédits détaillés, un chapitrage, des pages numérotées et divers bonus en fin d’album (couvertures alternatives, crayonnés ou autres). Des pratiques qui auront essaimées puisqu’on les retrouve désormais peu ou prou chez l’ensemble des nombreux éditeurs de comics en VF.

La renaissance de Batman, au sens propre comme au sens éditorial et, ce, des deux côtés de l’Atlantique, passait en 2012 impérativement par cet album. Un premier arc très réussi signé Scott Snyder et Greg Capullo qui paraissent avoir, dès le premier épisode, déjà tout compris du personnage (Batman 2011, #1-7).

S’il ne s’agit pas du tout premier album de Batman publié par Urban Comics – il s’agirait plutôt de "Batman : Sombre reflet" (Batman: The Black Mirror en VO) de Snyder, Jock et Francavilla –, c’est assurément un des plus emblématiques. En témoignent ses multiples rééditions anniversaires, en couleurs ou en noir et blanc, auxquelles il ne manque étonnamment plus que l’édition intégrale (il faut croire que ce T1 se vend encore correctement des années après). En 2012, Batman a en effet bénéficié à la fois d’un reboot inédit de la série en VO (permettant à tout lecteur de recommencer à suivre les aventures de son personnage préféré) et d’un nouvel éditeur en VF (permettant à tout lecteur découragé par le précédent éditeur de donner une chance au nouveau).

Le scénario est signé Snyder, son deuxième donc après celui mentionné ci-dessus, et celui-ci est très facile d’accès. Fort heureusement puisqu’il s’agissait de l’objectif premier de ce reboot : permettre à tout un chacun de débuter la lecture de Batman sans nécessairement avoir en mémoire les 700 épisodes qui ont précédé. Loin de ses divagations actuelles, Snyder envoie Batman sur les traces d’un nouvel adversaire, la Cour des hiboux, crédible et très bien caractérisé, alternant intelligemment les scènes d’enquête et les scènes d’action, avec juste ce qu’il faut de références au passé et de rappels de la mythologie de Batman et de Gotham.

Outre son scénario, l’autre grande force de ce Batman est assurément à mettre au crédit de son illustrateur, Greg Capullo, qui, après des travaux indépendants de très bonne facture – mais plus confidentiels – sur Spawn ou Haunt, passe un cap en signant chez DC Comics. Son dessin est très précis et détaillé, sa mise en page dynamique et l’encrage de Glapion comme les couleurs de Plascencia sont très réussis. C’est très très beau à voir et, chose rare dans les comics, cela dure. La série bénéficiera en effet, sur la cinquantaine d’épisodes qui la composent, de la constance du duo Snyder / Capullo. Ceux-ci se retrouveront par la suite sur les mini-séries Dark Nights: Metal (2017), Batman: Last Knight on Earth (2019) et bientôt Dark Nights: Death Metal (2020).

Faisant suite à Dark Nights: Metal mais aussi à la Justice League de Christopher Priest, cette mini-série en quatre épisodes se révèle fort éprouvante, quoique de lecture rapide, pour le lecteur que je suis, hermétique aux délires cosmiques de Scott Snyder (DC Nation 2018, #0 et Justice League: No Justice 2018, #1-4).

Si Dark Nights: Metal avait introduit de belles idées – notamment les Batmen maléfiques, au premier rang desquels le Batman-Qui-Rit –, il faut bien avouer que sa conclusion demeurait inintelligible pour qui n’avait pas d’intérêt particulier pour l’univers cosmique. Aussi, c’est sans grande surprise que cet album se révèle tout aussi incompréhensible et l’étonnante absence d’introduction n’aide pas à en entamer la lecture.

En résumé, une vingtaine de super-héros et de super-vilains s’allient pour former quatre équipes et contrer quatre gigantesques dieux cosmiques échappés du Mur source. Le seul élément intéressant de toute l’intrigue est la répartition plutôt cohérente de ces personnages en fonction de leurs caractéristiques. Cependant, la menace est trop grande pour être crédible, les échanges entre les différents "escadrons" sont réduits à leur strict minimum et les affrontements sont aussi confus que bourrins. Bref, rares sont les lecteurs qui supporteront ce genre de blockbuster basique sur une centaine de pages.

D’autant plus que le dessin est à l’avenant. Si plusieurs dessinateurs se succèdent, c’est surtout Francis Manapul qui est à l’œuvre dans le plus pur style des comics de super-héros cosmiques : super dynamique, super coloré, super surchargé et super impersonnel. Même Riley Rossmo bâcle son travail.

En conclusion, quand bien même vous seriez toujours intéressés par le run de Snyder sur la Ligue de Justice – la troisième itération de l’équipe en sept ans ; mais bon, pourquoi pas, par curiosité... –, faites l’économie de cet album. Son intrigue est imbitable et ne sert qu’à introduire le retour d’un membre historique, le Limier martien (accompagné de Hawkgirl au passage).

Publié en 2010 par Marvel Comics via son label indépendant Icon, Scarlet est un des rares titres du fameux duo composé de Brian M. Bendis et d’Alex Maleev (Daredevil, Iron Man et Event Leviathan, pour ne citer que les collaborations qui m’ont marquées) à ne pas traiter des super-héros. Et cette jeune anarchiste "indignée" est, dans son discours comme dans ses actes, bien loin de partager leurs nobles valeurs morales (Scarlet 2010, #1-5).

Ce qui frappe d’emblée à la lecture de Scarlet, c’est la manière dont l’héroïne brise le quatrième mur en s’adressant directement à nous. Pas dans un ressort humoristique à la Deadpool ou Harley Quinn, mais afin de prendre le lecteur à témoin et de l’embarquer dans son discours d’extrême-gauche au mieux discutable, au pire irrecevable. L’histoire traite en effet d’une bavure policière puis de la vengeance et du début de rébellion qui s’en suivent. S’il s’agit bien sûr d’une fiction assez divertissante, elle m’apparait malgré tout légitimer le recours à la violence (en l’occurrence le meurtre des policiers corrompus) notamment en l’absence de contre-discours.

Quant au dessin de Maleev, il me plait toujours autant depuis son passage sur Daredevil et convient parfaitement à l’ambiance du récit. Il déplaira cependant comme toujours à ceux qui n’y voient qu’un roman-photo à peine amélioré (un style comparable à celui de Jean-Michel Ponzio pour la BD franco-belge). Cette impression est d’autant plus renforcée sur ce titre qu’il n’y a, à la différence de ses autres travaux, aucun aspect super-héroïque permettant d’atténuer ce photoréalisme. On peut alors comprendre que cela soit par moments perturbant, notamment sur les visages.

Du côté de l’édition, on ne pourra bien évidemment que déplorer l’abandon de Panini Comics et inviter les lecteurs à se tourner vers la VO car l’histoire ne se suffit pas des seuls cinq premiers numéros. Espérons toutefois que le rachat du label Jinxworld par DC Comics en 2018 suivi de la récente publication d’une seconde saison de Scarlet donne l’idée à Urban Comics d’offrir enfin une édition complète de ce titre au public francophone. Et tant que nous y sommes, on peut en espérer de même pour Pearl (avec Michael Gaydos) et Cover (avec David Mack).

Si les événements violents se multiplient dans ce troisième tome, l’intrigue continue cependant à patiner et on n’en voit toujours pas venir le bout (Invisible Republic 2015, #11-15).

Arthur est désormais en prison et nous poursuivons la découverte de son histoire au travers de son autobiographie (impliquant donc de nouveaux et longs récitatifs). Mais il n’est plus qu’un personnage de second rang derrière Maia, la véritable héroïne de cette série, dont nous suivons autant la vie passée (en fuite sur Asan) que présente (en rebelle sur Avalon). Son histoire est très intéressante à suivre, sa force de caractère également et elle passe progressivement dans ce T3 d’une figure de non-violente à celle de combattante.

En revanche, les choses se gâtent en ce qui concerne la trame relative au journaliste Babb. On perd notre temps avec des personnages, des scènes et des dialogues annexes et son absence de rôle actif rend l’histoire inutilement confuse. Il est, comme le lecteur, baladé dans des événements qui le dépassent et il serait appréciable de simplifier cet aspect de l’intrigue pour lui redonner de l’allant.

Au-delà de ce problème de rythme – peut-être pas si anodin –, j’émettrais un dernier bémol concernant l’avenir de cette série. Celle-ci est en effet à l’arrêt en VO depuis mars 2017, soit depuis trois ans, et les auteurs travaillent désormais sur Green Lantern : Terre-Un. Espérons que l’éditeur ait des nouvelles récentes et rassurantes à son sujet et qu’il ne se soit pas contenté de publier une série mort-née.

S’il fallait résumer ce second tome en une phrase simple, je dirais que nous continuons d’y suivre très tranquillement les personnages dont nous avons fait la connaissance dans le tome précédent. Il n’y a malheureusement guère plus à raconter et, si je continue à autant aimer l’ambiance et le déroulement de l’histoire, il faut bien reconnaître que plus d’un lecteur de comics s’arrêtera là (Invisible Republic 2015, #6-10).

D’une part, parce que l’histoire n’avance pas. Je force un peu le trait car, certes, nous progressons dans les premiers pas en politique – et en terrorisme, il faut le noter – d’Arthur et de Maia. Et certes, en parallèle, notre journaliste Babb et sa collègue continuent de mener leur enquête sur la naissance de cette rébellion. Mais, au rythme où leur histoire à tous progresse, il faudra aux scénaristes au moins cinquante numéros pour la conclure... C’est un rythme de série télévisée, il ne me semble pas du tout adapté à la bande dessinée.

D’autre part, Gabriel Hardman et Corinna Bechko continuent d’attacher une très grande importance à la caractérisation de leurs personnages. On passe ainsi plus de temps à les voir échanger sur leur mouvement politique, leurs actions, leur passé et leurs sentiments (ce que d’aucuns qualifieront de verbiage) qu’à assister au développement de l’histoire. La lecture du journal de Maia renforce également ce sentiment, il ne s’agit pas que d’une voix off, elle a écrit un véritable roman (dont on comprend enfin qu’il est à l’origine du titre de la série).

Bref, c’est une série qui prend son temps, à taille humaine et exigeante avec ses lecteurs. J’en serai évidemment pour le troisième – et dernier ? – tome.

N’étant pas particulièrement fan des licences pour les gosses tel les Tortues Ninja ou Rick & Morty, je ne prêtais pas plus attention que ça aux éditions HiComics. Puis, j’ai feuilleté Invisible Republic à la bibliothèque et j’ai immédiatement emprunté et ingurgité les trois tomes dans la foulée. Il faut dire qu’au premier abord le dessin est superbe et, à la lecture, l’histoire devient très vite prenante (Invisible Republic 2015, #1-5).

Celle-ci se déroule sur Avalon, une lune d’Asan, en 2843 et la dictature en place pendant quarante ans vient de tomber ; mais le récit pourrait tout aussi bien se dérouler sur Terre de nos jours tant l’univers dépeint par Gabriel Hardman et Corinna Bechko est proche du nôtre. On y suit un homme et une femme qui, à la suite d’un fâcheux incident, vont voir leur destinée prendre un virage dangereux. Dans le même temps, mais une quarantaine d’année plus tard, on suit un journaliste enquêtant sur ces deux personnages au cœur de la dictature récemment défunte.

Si la narration en parallèle et le coup du journal opportunément sauvé des flammes sont des classiques, il n’en demeure pas moins que l’histoire est très intéressante à suivre. Les scénaristes prennent le temps de bien caractériser leurs personnages mais aussi leur quotidien, ce qui participe au réalisme de cet univers de SF. Forcément, cela a un impact sur le rythme, plutôt lent, de la série et l’on referme ce T1 avec plus de questions que de réponses.

Quant au dessin de Hardman, il correspond au style que je préfère dans les comics : brut, relâché, très encré, sale (dans le sens "noirceur" du terme). Si l’on y ajoute les couleurs de Jordan Boyd, qui oscillent selon les scènes entre le sépia et le gris, cela nous donne une partie graphique superbe qui colle parfaitement à l’univers ici créé. Pour faire le rapprochement avec d’autres artistes, je citerais Alex Maleev, Michael Lark, Tomm Coker ou Sean Phillips. Et pour les amateurs qui rechercheraient des dystopies à pareille ambiance, lisez Lazarus ou DMZ.

Après l’excellent The Magic Order, cette mini-série constitue le second titre de Mark Millar à être publié après le rachat de sa société d’édition, Millarworld, par Netflix. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que l’on est très loin d’y retrouver la qualité du premier (Prodigy 2018, #1-6).

L’histoire est celle d’Edison Crane, un prodige doué depuis l’enfance dans des domaines aussi divers que variés (les arts martiaux, les échecs, l’économie, la médecine, l’aérospatiale et bien d’autres encore), lancé dans une aventure hors-normes pour déjouer un complot sataniste mondial doublé d’une invasion extraterrestre. A la seule écriture de cette phrase, on se rend immédiatement compte de l’invraisemblance du scénario. Et même si Millar est habitué aux personnages atypiques, il en fait ici beaucoup trop.

L’intrigue ne prend pas le temps de la réflexion et se déroule à toute vitesse, l’aventure se résume à passer des requins de l’océan indien aux terroristes de l’Etat islamique, les méchants sont stéréotypés et on alterne les scènes de cascades périlleuses ridicules et celles de déductions sorties de nulle part. Même le personnage de Crane – ce génie milliardaire philanthrope humaniste et sûr de lui – est bien trop lisse pour être intéressant (à l’inverse des super-héros DC ou Marvel qui composent avec leurs failles et leurs émotions). Enfin, le retournement de situation final est cliché au possible et on croirait avoir lu une série B et non une production d’un scénariste majeur de l’industrie du comics.

Si le scénario est extrêmement décevant, il reste néanmoins le dessin de Rafael Albuquerque pour rattraper, un peu, l’ensemble et passer malgré tout un bon, mais rapide, moment de lecture. S’il s’agit là de la seconde collaboration entre Millar et Albuquerque après Huck en 2015, on n’y retrouve cependant ni la jolie colorisation pastel ni le personnage prodigieux mais surtout humain et sensible de leur précédente collaboration.