Les avis de - -chris-

Encore un album où Léo s'éclate au niveau du bestiaire. Pour le reste, je le trouve un peu moins bon que les précédents car on observe un net ralentissement de l'intrigue. Et puis certaines planches de dialogues comme les pages 37 et 47 sont très figées, avec des cases presque copiées-collées les unes par rapport aux autres. Un petit relâchement un peu dommage donc mais j'ai quand même pris beaucoup de plaisir à la lecture, et la fin est très bonne : le moment ou Alexa prend les choses en main est quasiment jouissif.

Encore un très bel album, cette fois largement centré sur les rapports entre les membres du groupe de rescapés. Je comprends que certains puissent être lassés par cet aspect relationnel qui repousse continuellement l'heure des révélations dans une série qui compte treize tomes déjà, mais ce n'est pas mon cas. J'apprécie de voir arriver de nouveaux personnages et j'aime suivre leurs interactions. Le groupe d'Antarès diffère, par l'apport de sang neuf, de celui de Bételgeuse comme celui de Bételgeuse différait de celui d'Aldébaran. Et puis l'histoire avance quand même un peu avec une présence discrète mais bien connue et un grand événement à la fin de l'album.

Peut-être l'album le plus sombre de la série, avec un climat de tension très bien amené durant le vol interstellaire. Je continue à m'interroger sur l'intérêt du chapitrage que Léo emploie dans certains albums, mais au-delà d'un tel détail, ce second tome est de très bonne facture et renoue avec une action qui avait été moins présente dans le tome d'exposition. Je trouve le personnage du sous-commandant Scott intéressant, car il s'agit pour une fois d'une figure qui ne semble appartenir ni au camp des gentils ni à celui des vilains vraiment très vilains. Le plaisir de lecture est toujours bien présent et comme d'habitude, on ne repose pas l'album avant de l'avoir lu jusqu'à la dernière page.

"Antarès" commence fort avec de très gros changements dans la vie de Kim. On voit que Léo avait pensé ces rebondissements depuis "Bételgeuse", et ça donne un scénario qui fonctionne vraiment bien. J'ai aussi bien aimé les quelques éléments sur la vie terrestre, tout en références lorsque Kim et son amie finissent une soirée devant "2001 l'odyssée de l'espace". Alors ce n'est certes pas l'album le plus mouvementé de l'oeuvre de Léo, mais ce tome d'exposition est quand même ponctué de quelques scènes complétant le bestiaire pour notre plus grand plaisir, et l'on sait que la suite des aventures de Kim s'annonce palpitante... et redoutable.

Il est rare qu'une deuxième saison soit à la hauteur de la première. Léo relève parfaitement ce défi, "Bételgeuse" étant toujours aussi passionnant et assurant très bien la relève après le formidable "Aldébaran". Le personnage de Kim prend encore de l'ampleur et s'affirme comme l'une des héroïnes les plus réussies de la bande dessinée des dernières années. L'intrigue n'est pas fondamentalement différente de celle présentée dans "Aldébaran", mais l'ambiance est différente et l'auteur ose de nouvelles réponses et de superbes rebondissements.

"Aldébaran" est certainement ma bande dessinée préférée. Relue à maintes et maintes reprises, je ne me lasse pas du dessin de Léo, de ses très belles couleurs, et surtout de son scénario à couper le souffle. Les personnages sont extrêmement attachants, leurs rapports bien développés. Le bestiaire est tout simplement incroyable. Il n'y a quasiment jamais de baisse de rythme, alors qu'au contraire l'histoire est ponctuée de révélations incroyables et toutes plus inattendues les unes que les autres. La tension monte jusqu'à ce superbe dernier album dans la zone des marécages, où la situation devient vraiment très critique. L'intrigue autour de la mantrisse, cette créature hors du commun et diablement intrigante, clôt le cycle de fort belle manière.
Une réussite absolue, une bande dessinée hors du commun. Que ceux qui ne l'ont pas lue se ruent dessus, ils ne se rendent pas encore compte de la chance qu'ils ont de pouvoir encore découvrir l'incroyable "Aldébaran".

J'ai toujours gardé en mémoire mon ressenti, lorsque j'ai ouvert pour la première fois ce tome d'ouverture des "Passagers du vent" et que j'ai découvert le dessin de François Bourgeon. Parce qu'il y a dans ce dessin quelque chose d'à la fois fort laid et très beau, provoquant chez le lecteur un mélange de répulsion et d'irrésistible attraction. Pour un dessin qui semble si laid de prime abord, il présente l'étrange qualité de savoir parfaitement sublimer le personnage d'Isa et ses formes féminines. Ce dessin, on en vient à l'aimer au fil des pages. Il est si caractéristique, parfois même choquant dans le traitement des personnages, mais on s'y habitue vite et il nous permet d'apprécier pleinement l'histoire.
Et quelle histoire ! L'horreur de l'histoire d'Isa, sa relation naissante avec Hoël, et à nouveau l'horreur, celle de la bataille navale, sanglante et sans pitié. Le scénario est excellent, les personnages bien construits. La relation ambiguë entre Isa et Agnès est très bien traitée. Le tout est servi par un ensemble de dialogues très percutants. Au niveau de la forme, les textes sont certes un peu maladroitement calligraphiés (la taille se réduit d'ailleurs au fil des pages et finira par se stabiliser dès le second album), mais ce n'est vraiment qu'un reproche minime à faire à cet album.
Non, vraiment, dans l'ensemble, une bande dessinée impressionnante.

J'ai pris du plaisir à relire ce premier album des aventures de Lefranc, mais il faut bien reconnaître que celui-ci a pris un sacré coup de vieux. Les textes sont presque à déchiffrer à la loupe, et c'est d'autant plus dommage que l'album est extrêmement bavard : chaque scène d'action est racontée deux fois - une fois dans le dessin et une fois par les encadrés.
Mais rendons à Jacques Martin ce qui lui est dû : il s'agit là d'un grand classique de la bande dessinée des années 1950. On fera donc fi des incohérences, telle que la présence de Jeanjean toujours en première ligne sans que cela ne choque personne. Après tout, il faut bien un personnage auquel le jeune lectorat puisse s'identifier directement. Non, on préférera se concentrer sur la qualité du dessin, ainsi que sur la force du scénario qui propose de la grande action et du suspens à revendre.

La fin du premier tome avait brutalement sorti les personnages et le lecteur du charmant tableau de l'enfance. Le second volet en est la conséquence directe : nous voilà transporté dans des problématiques plus adultes concernant l'évolution des relations de ces amis d'autrefois. Tous ressentent encore l'attachement qui les liait vingt ans auparavant et sont prêts à se lancer dans une grande aventure pour soutenir celle dont les trois garçons ont toujours été un peu amoureux.
Peut-être un tout petit peu moins fort émotionnellement, ce second album conserve malgré tout les qualités esthétiques du premier, bien qu'Olivier Pont semblait s'amuser plus avec les expressions des enfants qu'avec celles des adultes. Mais la tension est tout de même bien présente et l'album brille par son scénario : les éléments fantastiques amenés au début de l'histoire sont superbement résolus, l'histoire est bouclée d'une main de maître sans que rien ne soit oublié. Tout trouve sa place à merveille jusqu'à la fin, où la parole est donnée au dernier des quatre à ne pas encore l'avoir eue, montrant le lien unissant les personnages au travers leurs différentes vies, et pour cette histoire, jusque dans leur rôle de narrateur. Le plongeon reprend la dernière des scènes paisibles du premier album, bouclant la boucle et illustrant cet éternel recommencement de la vie, si riche, si fort et chaque fois si différent.
"Où le regard ne porte pas" est à mon goût l'un des chefs-d'oeuvre absolus de la bande dessinée.

J'ai eu énormément de plaisir à redécouvrir cette bande dessinée que j'avais tant aimée à sa sortie il y a une dizaine d'années. Le dessin et les couleurs sont magnifiques. Les positions des personnages sont très expressives, le trait de l'encrage sert magnifiquement le dessin, les expressions sont extrêmement justes, tout est là pour permettre au lecteur de se plonger dans le scénario avec plaisir.
Et celui-ci n'est pas en reste, puisqu'il est réellement passionnant, entre l'insouciance des enfants et la tension qui règne entre les adultes de ce petit village italien si fermé sur lui-même. On passe d'une émotion à l'autre, tout en conservant une sorte de mystère fantastique, aspect de l'histoire dont on ne sait pas encore du tout où il va nous mener. Ces "autres vies", les pages rouges, sont elles aussi splendides.
La narration est superbement maîtrisée, on passe d'ailleurs au sein des encadrés de la voix d'un enfant à celle d'un autre sans que cela pose le moindre problème de compréhension.
Le tout finit dans une dimension tragique parfaitement amenée, refermant très bien ce volet tout en annonçant avec brio la deuxième moitié du diptyque.

Jirô Taniguchi prouve une nouvelle fois sa capacité à faire de belles histoires de quotidiens pourtant simples et sans rebondissements extraordinaires. Le récit d'une vie devient alors une lecture agréable et reposante, en partie grâce au dessin toujours fidèle à lui-même de l'auteur.
"Elle s'appelait Tomoji" m'a malgré tout moins touché que d'autres récits tels que "Le journal de mon père" ou "Un zoo en hiver", eux aussi dépourvus d'éléments fantastiques. Le scénario y est à mon avis un peu plus plat, et l'émotion moins présente au fil de cette succession de deuils. Mais cette lecture ne m'a pas non plus déplu et elle a le mérite de permettre la découverte du japon au début du vingtième siècle. La thématique de mariage arrangé mais potentiellement heureux m'a également fait réfléchir.

L'histoire d'un début de vie et de passion, à nouveau présentée d'une main de maître par Taniguchi. Un très beau manga.

Comme souvent, Jirô Taniguchi donne l'impression de mettre beaucoup de lui-même dans ce manga et le résultat en est très réussi, avec un parfum d'authenticité et une sensibilité très bien développée tout au long du récit. Le dessin est fidèle à lui-même et il s'agit ici d'un très bel album, certes dénué de l'aspect fantastique qui fait partiellement le succès de "Quartier Lointain", mais cela permet à l'histoire d'être peut-être encore un peu plus humaine.

Esthétiquement parlant, cet album est une sacrée claque. Jean-Claude Servais nous livre un nouveau chef-d'oeuvre, parfaitement secondé par les belles couleurs de Raives. Le dessinateur excelle dans la représentation de paysages et de monuments. Ici, tout y est, des alpes suisses au Mont Saint-Michel en passant par la Grand-Place de Bruxelles. Servais innove même techniquement en abandonnant l'encrage pour des couleurs appliquées directement sur un crayonné foncé. Le résultat est époustouflant.
En revanche, le scénario supporte assez mal les interminables explications sur divers domaines en rapport avec l'alchimie et la fabrication de la bière. Le lecteur se perd dans des détails du plus technique au plus poétique, reléguant l'action au second plan. Ce ne sont à mon avis pas des conditions idéales pour introduire les nombreux personnages qui s'en vont parcourir les chemins de Saint-Jacques. On frôle parfois l'ennui et le tout donne une impression d'éparpillement tout juste sauvée par la réussite esthétique de l'album.

Comme pour le dernier Kenya, le gros de l'intrigue avait déjà été expliqué dans les tomes précédents. Au final, l'histoire de la secte religieuse est bottée en touche. L'ensemble du scénario est cohérent mais manque d'ambition comme d'émotion. Je ne suivrai pas le troisième cycle.

Je n'aime plus ni les couleurs ni le dessin de cette série. Les personnages de Kenya sont méconnaissables et même Kathy est devenue franchement laide. Son histoire d'amour sort quasiment de nulle part. A aucun moment cet album ne m'a fait véritablement vibrer.

Je suis de moins en moins convaincu par cette série. Le dessin de Bertrand Marchal me plaît définitivement moins que celui de Leo, et je trouve que les visages des personnages sont de moins en moins beaux au fil des albums. Le scénario s'empêtre dans une confusion d'apparitions et d'hallucinations, n'offrant pas beaucoup de pistes concrètes pour permettre au lecteur de s'y retrouver.

On avance tranquillement avec quelques découvertes et toujours pas mal de questions. Je ne suis pas vraiment convaincu par les personnages mais il règne indéniablement un certain suspens.

A l'instar du premier Kenya, cet album entraîne Kathy Austin en terre africaine pour une enquête sur un certain nombre de phénomènes surnaturels. Je suis un peu moins emballé par ce tome d'ouverture, qui ne présente rien d'aussi excitant que l'immense herbivore du début de Kenya. Toujours en comparaison avec la série-mère, la narration est ici très linéaire. Le personnage du major Browley fait un peu penser à John Remmington, mais avec un côté plus cliché. Une part essentielle des dialogues est centrée sur les thèmes du sexisme et du racisme, mais sans amener grand chose de drôle ou d'intéressant. De même le trait si caractéristique de Leo m'a-t-il manqué suite à ce changement de dessinateur.
Cela-dit, le scénario présente un bon nombre de phénomènes intrigants et on se réjouit de voir comment tout cela va évoluer, d'autant que les auteurs vont être obligés d'aller un peu plus loin après les extraterrestres de la série précédente. Les questions sont bien posées, vivement les réponses.

Kenya se termine de plutôt belle manière avec ce dernier tome. Les réponses ont été apportées et l'ensemble du scénario nous aura fait passer un bon moment. Dommage en revanche que le suspens qui régnait au début de la série se soit un peu évanoui au fil des pages. Ici, l'intrigue est résolue dès le discours de Lord Balmer, et les dernières pages servent de conclusion de façon réussie mais avec moins d'enjeu. La mort de Remmington fait un peu mélodrame, le personnage avait pourtant été bien développé, mais pas assez pour que l'on s'attache réellement à lui. Je suis resté un peu indifférent à cette scène qui aurait pourtant dû être un sommet d'émotion dans la série.
En bref, Kenya est pour moi à ranger parmi les meilleures séries que j'aie lues, bien que n'ayant jamais atteint le niveau des cycles d'Aldébaran de Leo. Mais il faut savoir éviter les comparaisons systématiques et profiter d'une oeuvre pour ce qu'elle est. En l'occurrence, un bon moment de bande dessinée.

Action et progression de l'intrigue, on touche au but avec une série qui fonctionne. Malgré un ou deux défauts je suis un grand partisan du dessin de Leo.

Cet album me plaît un peu moins que le précédent, avec un rythme qui retombe un peu mais quand même pas mal de rebondissements. Je n'aime pas spécialement le personnage du comte Di Broglie, peut-être un peu trop fantasque et décalé à mon goût. En revanche, j'aime bien la relation qui évolue entre Remmington et Kathy, toute en franchise et en provocation. Et l'on avance tranquillement vers le dénouement d'une belle série à grand suspens.

Ce deuxième album fait avancer les choses de façon considérable avec une bonne dose d'action et quelques rebondissements bien trouvés. J'avais peur qu'il ne s'empêtre, par exemple en faisant traîner en longueur les prises de bec entre les deux collègues de Kathy qui occupaient déjà une place considérable dans le premier tome. Il n'en est heureusement rien et les relations entre les personnages évoluent de façon intéressante. Mieux encore, la force de cet album réside dans la découverte des étranges animaux observés durant les expéditions, permettant à Leo de faire une nouvelle fois preuve de son talent dans la réalisation de bestiaires plus ou moins délirants. Le coup du chien constitue par exemple une idée formidablement bien exploitée, amenant un suspens que l'on retrouve d'ailleurs dans tout l'album, jusqu'à la réplique de fin que je trouve elle aussi spécialement marquante.

Ce premier album met parfaitement en place une intrigue qui s'annonce passionnante, avec de nombreuses questions auxquelles le lecteur se réjouit de recevoir des réponses. Il sert également à présenter toute une galerie de personnages tous très convaincants et déjà bien caractérisés. Les auteurs se donnent avec ce tome d'exposition toutes les clés pour réussir une grande série, reste maintenant à savoir s'ils sauront exploiter celles-ci judicieusement.

Je n'ai pas suivi l'ensemble de la série mais cet album se lit aussi bien pour lui-même et j'ai pris du plaisir à sa lecture. Les stratégies mises en place par cet elfe assassin et la façon dont elles sont représentées sont très intéressantes. J'aime bien les scènes comme celles de la taverne et du temple au début de l'album. Mais plus encore que par le scénario, dont la fin ne brille pas forcément par son originalité, je suis surtout convaincu par le dessin et les couleurs. Les ambiances sont variées et le final très impressionnant.
Peut-être me faudra-t-il m'intéresser de plus près à cette série qui semble fort prometteuse.

La série se poursuit à bon rythme et avec qualité, ainsi qu'un dessin et des couleurs qui fonctionnent. Dommage en revanche d'avoir fait la couverture de la scène où Lady S se ballade - encore ! - en sous-vêtements sur les toits. C'est symptomatique de l'envie de vendre son héroïne sexy, mais pas franchement nécessaire pour les lecteurs qui suivent la série de près et n'apprécient pas forcément cet aspect très "premier degré".

Lady S. s'impose vraiment comme une bonne série, bien que ne révolutionnant pas vraiment le genre. Cet album constitue un tournant scénaristique en développant les différents éléments mis en place dans les précédents. Il n'est pas le plus original mais la série se poursuit avec cohérence et intelligence.

Bien servi par un dessin et une couleur de très bonnes factures, "La palette et l'épée" a le mérite de faire revisiter aux amateurs d'histoire de l'art un bon nombres des célèbres toiles du Caravage. L'angle abordé, celui de la réalisation des œuvres et des séances de pose, est intéressement traité. Et sans aller jusqu'à la comparaison que propose la préface entre un auteur de bande dessinée et un grand maître dont le travail a survécu à quatre siècles d'histoire, il va sans dire que le talent de Milo Manara est indéniable. Le crépuscule de la scène d'amorce est magnifique, le décor de la prison très fort, et les femmes sont d'une grande beauté.
Dommage en revanche qu'on n'aille pas vraiment plus loin dans le développement de la psychologie des personnages. Manara accorde une grande place à l'aspect "brutal" de son scénario, notamment avec cette idée du châtiment corporel subit par la femme qui revient avec récurrence, peut-être au détriment du reste. Cette obsession de l'auteur n'est pas inintéressante à mon goût mais peut-être amenée ici avec trop d'insistance. Je découvre en fin d'album que Milo Manara est également le dessinateur de "L'art de la fessée". Mais cet art a-t-il vraiment besoin d'être à ce point associé à celui du Caravage ?

J'avais lu "Quartier lointain" à l'âge de douze ou treize ans, et j'en avais gardé un souvenir très positif. Mais ce n'est qu'à la relecture, dix ans plus tard, que je me rends compte à quel point cette oeuvre m'avait profondément, et presque inconsciemment, marqué.
L'idée du retour en enfance, tout d'abord, est d'une force redoutable. Je pense que le fantasme de revivre des situations du passé avec nos moyens d'aujourd'hui est présent chez beaucoup d'entre nous, si ce n'est tous. "Quartier lointain" nous permet de le réaliser par procuration, et les réussites successives d'Hiroshi ont quelque chose de purement exaltant. Mais certains événements de la vie ont lieu pour des raisons indéniables. L'inéluctable existe (d'ailleurs, il ne sera jamais question pour Hiroshi de sauver son ami motard, Masao), ce qui peut en revanche être changé, c'est la compréhension et l'acceptation de ces événements.
Le scénario brillant et empreint d'une extrême tendresse est servi par un dessin superbe, une maîtrise du noir et blanc parfaite, une régularité qui ne sombre pas dans l'ennuyeux. Le rythme est excellent. On prend le temps d'apprécier jusqu'à la fin, également très forte, qui nous laisse rassasiés. Certes, on en redemanderait, comme toujours avec les très belles œuvres, mais il n'y a pas de déception, pas de désagréable impression de "trop vite" ou de "trop court".
Enfin, plus que tout, "Quartier lointain" est un livre qui fait du bien, une réponse à ceux qui s'interrogent encore sur l'utilité de l'art. Plus que du plaisir, ce qui est déjà une très belle chose, Jirô Taniguchi m'apporte ici du bonheur. La fin de son manga donne envie d'aller bouffer la vie à pleines dents. Parce que si aujourd'hui, je me dis que j'aimerais revivre mon enfance, qu'est-ce-qui me dis que dans quelques années, je ne souhaiterai pas revenir à aujourd'hui ?

Dans la continuité du précédent, Manu Larcenet prouve encore avec ce second tome son talent artistique et narratif. Le rythme est excellemment bien maîtrisé, et certaines scènes sont dotées d'une force hors du commun. Du beau travail autour de ce personnage marginal, étrange et dangereusement complexe.

Les Tuniques Bleues restent une valeur sûre de la bande dessinée jeunesse. L'expérience du duo Lambil-Cauvin permet un album d'une grande lisibilité et sans fausse note. Reste que si la situation initiale est originale et prête à sourire, on ne sort pas moins de la lecture de cette histoire avec une question simple : "tout ça pour ça ?" Peu d'action, pas de grande chute, heureusement qu'il reste les personnages, si efficaces, pour sauver un peu les meubles.

Blast fait partie de ces œuvres qui passionnent ou irritent, mais ne laissent personne indifférent. Chez moi, ça marche plutôt bien. Manu Larcenet manie la pleine page à merveille, rythmant ainsi un album qui frappe. Très fort. L'efficacité est de mise. L'agonie du père, la première nuit en forêt, et surtout, surtout, le Blast, que l'on se met à attendre, presque autant que l'ami Polza. L'utilisation des dessins d'enfants, c'est une grande idée. De la couleur dans tout ce gris, ça fonctionne toujours bien. Le personnage quant à lui est grand de laideur et de décalage. On part loin tout en conservant quelque part un ancrage terrestre : je n'ai pas décroché.

Le dessin de Morris est plutôt bien imité, mais quel dommage d'insérer certains lettrages informatiques, et, pire, des photomontages dans les cadres de la maison Dalton. Cela dénature l'esthétique d'un album qui se veut fidèle à l'époque... Sinon, au niveau scénaristique, le moins que l'on puisse dire est que les gags et références s'enchaînent à grand rythme. Peut-être un peu trop même, d'autant que c'est de niveau très inégal. je ne suis pas convaincu.

Meilleur que les trois précédents, ce quatrième tome nous fait entrer un peu plus loin dans l'univers de l'espionnage. C'est également un album charnière, avec pas mal de réponses apportées aux questions ouvertes depuis le début de la série. L'idée des espions retraités nous place sur la frontière entre le ridicule et le bien pensé, mais cela me convient au final assez bien et permettra probablement d'amener une touche d'originalité. En bref, il s'agit d'un scénario bien ficelé pour une série qui donne envie d'être suivie.

C'est haut en couleur, mouvementé, violent, dégoûtant, gras, facile mais drôle quand même... On aime ou on n'aime pas mais les Trolls restent fidèles à eux-mêmes, avec des scénarios prétextes aux enchaînements de gags et de références. Un tantinet moins bon que le précédent à mon goût, cet album se lit bien malgré tout. Je ne me ferais pas les dix-neuf volumes d'un coup, histoire d'éviter l'overdose d'anus de pétaures, mais un album par an, ça se lit vite et ça détend.

L'histoire entamée dans le tome précédent se clôt ici dans la plus pure tradition western. Ces deux derniers albums sont à mon goût un peu moins bons et originaux que les sept premiers. Le ton a changé et on a perdu de l'émotion et de l'attachement aux personnages. D'ailleurs, quelqu'un chez Dupuis a peut-être été du même avis que moi, puisqu'il n'y a jamais eu de suite et que la série semble définitivement suspendue. Nous resterons donc sur notre faim et n’assisterons probablement jamais aux retrouvailles entre Chinaman et Ada... Ce qui est dommage, car "Chinaman" se sera malgré tout démarqué comme un tout bon cru de ces dernières années. Je recommande cette série à tous, et donc tout particulièrement les sept premiers tomes, qui, avec des sommets comme "La Montagne d'or" et "Affrontements à Blue Hill", se seront systématiquement renouvelés dans l'excellence.

Ce huitième tome est à mon goût synonyme d'une baisse de niveau dans la série, peut-être principalement parce que j'ai de la peine avec le passage des précédents à celui-ci. D'habitude, les albums de "Chinaman" proposaient toujours une fin. C'est donc ici la première fois que les auteurs optent pour une aventure prolongée en diptyque, et ce changement de rythme se fait sentir. J'ai trouvé le contenu bien plus pauvre que dans les tomes précédents. D'autant que Chinaman est moins présent dans cette histoire, il est un peu relégué au rôle de témoin, ce qui est dommage puisqu'il s'agit d'un vrai bel héros de bande dessinée qu'on a plaisir à voir évoluer. Ici, il est éclipsé par des personnages à caractère plutôt humoristique, comme Zed et Wild Catty, qui provoquent un changement de ton assez surprenant au sein de la série... Peut-être les auteurs avaient-ils besoin de passer à quelque chose de moins dramatique après les terribles et sanglants "Affrontements à Blue Hill". On notera d'ailleurs qu'outre Chinaman, les personnages chinois sont totalement évacués des "Pendus", ce qui ramène l'album à un genre de western bien plus classique. Pas sûr que ces changements soient faits pour me plaire.
Ce qui ne change heureusement pas, c'est le très beau travail de dessin et de couleur, comme on le voit par exemple avec la double page 14-15. Qu'on ne s'y trompe pas : malgré ma légère déception à la lecture de cet album, je reste un amateur de la série.

Cet album entre réellement dans le vif du sujet de l'intégration des chinois au sein des communautés blanches. L'escalade de la violence est très bien rendue et il y a une véritable tension au fil des pages, une angoisse ressentie pour des personnages que nous avons appris à aimer en quelques albums. L'originalité réside dans le croisement entre ce fil scénaristique et celui du maître d'arts martiaux qui décide de s'affirmer en venant défier Chinaman avec ses élèves. Au résultat, on a droit à tout une série de combats, comme d'habitude très bien dessinés par TaDuc. Enfin, la chute est déjà vue mais toujours efficace.
Un album qui est à mon avis une sorte de point culminant dans cette très belle série.

Cet album vient en quelque sorte fermer les filons non épuisés des deux premiers tomes. C'est donc avec joie que l'on voit d'anciens personnages resurgir dans la série pour mettre encore plus d'action dans la vie de Chinaman. Le scénario, avec la manipulation orchestrée par Hopper, fait d'ailleurs un peu penser au premier tome, bien que je le trouve légèrement moins clair et moins efficace. Le dessin se poursuit dans son excellence et les coloristes changent mais la qualité reste constante, c'est-à-dire très bonne.
J'ai donc bien aimé cet album, que je trouve malgré tout un peu moins savoureux que les précédents.

J'apprécie toujours autant le rythme et les ambiances de cette belle série, qui continue à se renouveler. Cette aventure arrive à point nommé pour faire cohabiter violence et tendresse. En quelques scènes, la relation entre Chinaman et Ada se développe sans sombrer non plus dans le kitsch complet. Au niveau du dessin, c'est toujours aussi bon, et la nouvelle coloriste à fait du très bon travail sur ces deux derniers albums.
Une réussite de plus.

Après avoir fait interagir Chinaman avec des communautés de blancs pendant les deux derniers tomes, celui-ci nous ramène à une microsociété chinoise. En plus de son originalité, la série se distingue par sa variété. Chaque album a sa couleur et tous se produisent dans des univers distincts. Celui-ci présente à nouveau une bonne dose de scènes d'action magistrales, dont le très marquant duel dans les paniers. Encore un bel album.

Ce troisième tome propose une histoire très humaine, avec des personnages tous plus réussis les uns que les autres. Je trouve le rôle des deux épouses très touchant. Les décors enneigés permettent au dessinateur et aux coloristes de se diversifier dans leur excellent travail, comme ils l'ont fait depuis le début de la série ("La Montagne d'or" était un album plutôt ensoleillé tandis que la pluie était à l'honneur dans "A Armes égales").
Une bonne série véritablement bien lancée.

Jirô Taniguchi nous propose ici un recueil d'histoires très variées, avec une alternance entre le grand nord et un univers plus local. Les émotions sont également changeantes et intenses, servies par un dessin toujours magnifique. "Retour à la mer" dégage une véritable puissance, "Les Appartements Shôkarô" ont un côté authentique, une touche de personnel qui me plait beaucoup... Par dessus tout, j'aime "Le Grand Ouest blanc", chef-d'oeuvre de tension, excellemment réalisé à mon avis. Toutes ces histoires pourraient devenir faciles et naïves si elles nous étaient contées par un autre, mais Taniguchi garde une direction sûre, renforcée par une sorte d'honnêteté artistique. Jamais il ne tente de faire passer son travail pour ce qu'il n'est pas, la relative naïveté est assumée au fil des pages et se transforme en véritable tendresse. Il serait dommage de passer à côté.

C'est avec une grande tendresse que Jirô Taniguchi évoque ici nos rapports avec nos animaux et nos propres congénères. Pas de fantaisie scénaristique mais un ton juste au possible pour ces petits morceaux de vérité et d'émotion. "Terre de rêves" évite la peur de l'insignifiance pour mieux nous toucher. Chaque anecdote à sa place ici, parfaitement transcrite par le dessin d'un grand monsieur qui prouve une nouvelle fois son talent, notamment dans la représentation des animaux. Le dernier récit vient rompre l'ensemble formé par les quatre premiers, mais il me semble gagner sa place puisqu'il véhicule toujours la même émotion.

Si l'action est certes plus convenue que dans le tome précédent, l'album n'en reste pas moins une réussite. Le dessin comme la couleur sont très bons et l'histoire est passionnante, on est dans du tout bon western. En toile de fond, la confrontation entre deux cultures continue à être exposée, accompagnée cette fois-ci d'un nouveau thème : le désir de liberté et de découverte du personnage principal.

Il est rare de voir un tome d'ouverture aussi réussi. En 48 pages, les auteurs font entrer des scènes de combat redoutables, de très belles couleurs, des personnages bien présentés, une bonne dose d'émotion, un scénario bien construit et une véritable tension pour la suite de la série. Le tout dans un univers original et attrayant, celui de l'immigration chinoise aux Etats-Unis durant le 19ème siècle. La voix du personnage principal en cartouches fonctionne bien, comme par exemple dans les deux scènes d'action finale, qui sont de petites merveilles d'efficacité. Je pense notamment à la bataille de la mine, qui m'a profondément marqué, à l'instar de l'ensemble de ce très bel album.

Difficile de continuer à maintenir le niveau de la série alors que l'équipe en charge de l'univers de Thorgal est soumise à certains changements importants, ce qui implique des passages de flambeaux toujours difficiles à gérer. Cet album souffre visiblement du départ acté du scénariste Yves Sente, mais également de l'absence de Graza aux couleurs. Cette-dernière était présente dans la série depuis 1993 et assurait une cohérence aux différents cycles, quel que soit le dessinateur. Giulio de Vita en profite d'ailleurs pour imposer son propre style, qui gagne en netteté mais s'éloigne définitivement de celui du Rosinski de l'époque. Tous ces changements d'un coup, ça fait beaucoup à avaler. En fait, pour la première fois, je me dis qu'on a véritablement perdu l'univers Thorgal. Du coup, j'ai lu "Rouge comme le Raheborg" avec une certaine distance. Ce n'est certes pas mauvais, mais le plaisir de lecture est incomparable avec celui des heures de gloire de la série.

J'aime bien ce projet de faire se rejoindre les différentes séries de l'univers Thorgal, ça a l'air vraiment bien pensé. Cet album en est le fruit et je l'ai trouvé plutôt bon. Les puissants déplacent leurs pions sur l'échiquier et cela annonce une suite de grande ampleur. Intégrer la christianisation des terres nordiques au scénario est également une riche idée. Plusieurs personnages bien développés, comme les gouverneurs, sont maintenant rassemblés, ce qui laisse présager de belles possibilités.

J'apprécie les nombreux liens établis entre la série-mère et celle-ci, de même que le déroulement général de l'album. Il présente en revanche, à mes yeux, en plus de l'imprécision du dessin sur les plans larges, plusieurs faiblesses scénaristiques sur lesquelles il est difficile de faire l'impasse... La relation entre Kriss et Hildebrün est développée sans émotion, et la fin de la condamnation de Kriss, de même que son accession au trône, se font vraiment trop facilement. Je n'aurai vraiment jamais apprécié cette histoire de Walkyries, avec l'impression qu'il s'agit d'un détour employé faute de mieux pour ramener Kriss au monde des vivants. En revanche, je pense que le roi guérisseur a du potentiel pour la suite de la série, et la case finale de l'album me plait bien. Les anagrammes, c'est toujours sympa. Reste à savoir si la suite permettra réellement de redresser la barre après ce relatif faux pas.

J'ai un avis très mitigé sur le premier album de la série. Mais autant je reste sur celui-ci en ce qui concerne l'histoire du tribunal des Walkyries et la résurrection de Kriss, autant j'ai été convaincu par le retour sur les origines du personnage. Après la souffrance du premier tome, celui-ci sonne l'heure de la vengeance et de la violence, de façon d'ailleurs plutôt efficace. De plus, le scénario colle parfaitement à celui de la série-mère, avec un véritable souci de cohérence. C'est également le cas du dessin de Giulio de Vita, qui nous offre des pages pleines dignes des "Archers" de Rosinski, et surtout une très belle Kriss de Valnor, déclinée dans un grand nombre d'expressions.
Cette série parallèle semble donc bien lancée, mais le plus périlleux reste à venir, puisqu'il faut maintenant se coordonner avec la série-mère sans faire crier les amateurs de Thorgal au scandale.

Malgré la déception à l'idée de voir Kriss jouer les prolongations, alors que Jean van Hamme avait à mon avis fermé l'histoire de ce personnage avec brio, je n'ai pu résister à l'envie de me lancer dans cette série parallèle. La première question était de savoir s'il était possible de faire revenir Kriss de façon convaincante, une mission à mon avis impossible, à laquelle Yves Sente répond par un petit jugement dernier personnel pour la belle guerrière. La parade peut paraître un peu grossière et facile, mais elle à le mérite d'être efficace. Soit.
Ensuite, j'ai craint le pire dans les premières pages de l'album. Du malheur à outrance pour un enfant dont les difficultés viennent expliquer l'attitude de méchant en tant qu'adulte. C'est tellement déjà vu que c'en devient pathétique. D'autant que la série-mère a déjà fait le tour du thème de la cruauté des villageois. Heureusement que le dessin compense un peu par sa fluidité et sa qualité, ces traits aigus correspondant bien au personnage de Kriss.
Et puis, il va sans dire que la deuxième partie de l'album est bien meilleure, puisqu'elle établit cette fois une connexion intéressante avec la série-mère. On observe donc avec plaisir l'apparition de Pied d'Arbre, et surtout le retour sur le passé de Sigwald, car il s'agit là d'un personnage qui avait marqué, mais que la rapide disparition avait laissé auréolé d'un aspect énigmatique.
Au final, l'album se laisse lire sans être à mes yeux véritablement digne de la série originale.

J'ai un peu moins apprécié cet album, en comparaison avec les précédents. Il est plus largement centré sur l'émotion, mais je trouve que notre Lady S tombe un peu vite amoureuse, et qu'elle se met un peu facilement à divulguer des informations top secrètes. Pour le reste, ça continue à se laisser lire et les dessins sont plutôt convaincants, comme pour les personnages par exemple (il est d'ailleurs amusant d'observer qu'Anton est le parfait sosie du Blueberry de Giraud).
Un bon album, sans grand plus.

Après un premier tome qui nous présentait le parcours tortueux de Lady S, celui-ci vient clore le diptyque en entrant dans le vif du sujet, bien que la fin semble nous prouver que cette aventure sans grands enjeux n'est qu'une introduction à la série. On pourrait d'ailleurs reprocher à cette scène finale, ainsi qu'à l'ensemble de l'album d'ailleurs, de ne rien faire pour éviter les poncifs du genre. On relèverait alors une intrigue qui se résout par une simple discussion sur un banc public, ou une évasion de notre belle héroïne en sous-vêtements par les toits... Mais ce serait nier l'efficacité d'un scénario qui remplit ses fonctions premières : faire aimer un nouveau personnage principal et faire passer un bon moment de détente au lecteur.

Je ne suis pas un suiveur de la série, mais la lecture de cet album m'a laissé la même impression que lorsque j'allais me coucher satisfait après un bon policier du dimanche soir à la télé il y a quelques années. Il n'y a pas de quoi être transporté, les rouages sont connus, mais c'est une aventure inédite et bien montée, captivante et dotée d'une certaine dose d'émotion. Le scénario propose une alternance entre temps présent et analepses, avec des questions intelligemment soulevées et résolues, et ce jusque dans la narration, puisqu'on se demande au début qui du père ou du fils assume la voix des encadrés lors des flash-backs. Il n'y a pas de quoi vraiment s'émerveiller sur le dessin ou la couleur, mais tout est plutôt bon du début à la fin.
Je ne me prononce pas sur la place de l'album au sein de la série, et il y aurait certainement des choses à dire pour un vingt-quatrième tome, mais en tant que tel, il vaut le détour.

En tout cas, il est certain que les auteurs se sont donnés les moyens de leurs ambitions avec ce tome 4. Il ne s'agit pas d'une simple conclusion qui déroule un scénario préalablement établi, mais plutôt d'une véritable relance de l'intrigue, dans toute sa complexité, ce qui en fait un album par moments très bavard, voire même trop. J'aime beaucoup la façon dont l'évolution de la perception du corps humain par la médecine est représentée. Je ne suis en revanche pas certain d'avoir saisi tous les tenants et aboutissants de l'histoire des primordiaux, calquée sur des fils bibliques et mythologiques. Un album sur lequel il faudra donc que je me penche à nouveau, à tête reposée, dans quelques temps. Après tout, c'est toujours plus agréable quand c'est aussi beau...

Ce troisième tome de "La Licorne" occupe une place particulière dans la série à mes yeux. Parce qu'alors que les deux premiers faisaient la part belle aux ambiances nocturnes, celui-ci commence en plein jour, avec une explosion de couleurs et de lumières, ainsi qu'une grande variété dans les ambiances, pour un véritable chef-d'oeuvre esthétique. Parce qu'après avoir visité Paris et Milan, c'est cette fois-ci à Venise que nos amis médecins se rendent, ville à la saveur toute particulière et très bien rendue, comme dans la superbe page 9. Et enfin, parce que le bestiaire des primordiaux est étendu avec superbe, dépassant même de très loin la qualité des représentations de personnages humains, d'autant que les deux dernières pages de l'album laissent penser qu'Anthony Jean a, comme beaucoup d'autres auteurs, de la peine à dessiner les visages féminins de façon réussie.
Reste donc à savoir si le dernier album va finir en prolongation inutile ou en apogée de cette belle série. Pour celui-ci, en tout cas, je signe !

Ce deuxième tome présente de nombreux points forts. Esthétiquement toujours aussi bon, il a également l'avantage de recadrer le scénario en faisant avancer efficacement l'intrigue, tout en évitant à la narration de s'éparpiller autant que dans le premier album. Ajoutons à cela quelques idées bien trouvées, comme les tapisseries-énigmes, les très impressionnants primordiaux de plus en plus développés, les réinterprétations des travaux de Léonard de Vinci, et on obtient une très belle réussite... A laquelle il manque peut-être malgré tout un peu d'émotion, d'empathie pour les personnages provoquée chez le lecteur.

C'est un bel univers qui nous est proposé avec ce premier tome, original, attrayant et bien illustré. Il n'empêche qu'il n'est pas simple d'entrer dans cette histoire. Le lecteur est plongé dans l'action dès la première page, et le manque de contrastes dans les couleurs de cette scène nocturne contribue à la désorientation. Les choses se décantent heureusement au fil du récit, et malgré quelques allers-retours entre les pages pour savoir qui est qui au sein de cette galerie de nombreux personnages, on finit bel et bien accroché. L'action est maîtrisée, comme par exemple avec la bataille dans le laboratoire aux pages 16-17. Au final, un album qui se révèle être un beau mélange entre histoire, gore et fantasy.

Servais finit de dérouler le fil introduit par l'album précédent, sans véritable rebondissement mais tout en maîtrise, notamment du point de vue esthétique, comme d'habitude. Peut-être aurait-on aimé être surpris par la fin de ce diptyque, ou peut-être le personnage de Manon n'est-il pas assez développé pour prendre une réelle ampleur en tant que pendant positif de sa mère. Toujours est-il qu'il me semble manquer un petit quelque chose à cette histoire, pourtant pas dénuée de charme et d'action.

Cet album nous plonge cette fois-ci au XVIIIe siècle, avec un dessin toujours aussi soigné, qui donne vie à un personnage féminin dont Servais s'offre à maintes reprises le plaisir de dévoiler les formes. La sexualité joue en effet un rôle majeur, et elle est couplée avec un autre thème plus obscur, celui des meurtres en série. L'intrigue cède la place à cette débauche de violence, mais l'esthétique de l'album s'en accommode bien. Il ne s'agit pas du meilleur Servais du point de vue scénaristique, mais il présente en tout cas certains attraits.

J'avais évoqué la série "Tendre Violette" dans mon avis sur le premier volet des "seins de café". Ce second album donne encore plus de sens au parallèle entre les deux séries, puisqu'il s'agit tout bonnement d'une reformulation partielle du meilleur tome de la série de Dewamme et Servais, "l'Alsacien". L'auteur ne s'en cache d'ailleurs pas, puisque le personnage de la vieille Berthe n'est autre qu'un double de Lucye, tandis que le Grand Noir est directement tiré de l'Alsacien. Les deux méchants ont tout en commun, jusqu'à leur fin.
Cette reprise, une décennie plus tard, de l'un de ses anciens albums, me fait penser qu'il est dommage que Servais ne se renouvelle pas un peu plus. Mais en même temps, "les seins de café" ont leurs propres personnages, eux-mêmes très réussis, pour un scénario finalement inédit malgré tout. Dans mon esprit, les villageois de cette série rachètent presque ceux de "Tendre Violette", en montrant à Victor la reconnaissance qui lui est due.
A l'arrivée, il s'agit sans aucun doute d'un superbe diptyque, chef-d'oeuvre d'aventure où la forêt à un rôle prépondérant à jouer. Dans toutes ses couleurs. Dans toute sa beauté.

Il m'a suffit de quelques pages des "seins de café" pour comprendre pourquoi je n'avais pas aimé "la hache et le fusil". A commencer par la couleur, car c'est un vrai plaisir pour moi qui avais beaucoup aimé "Tendre Violette" de retrouver Raives au pinceau. Les saisons défilent et la forêt est superbement représentée. Viennent ensuite les personnages. Ici, il y a de la tendresse, du charme, de l'humain à revendre. Mais la tension est palpable au sein de cette douceur : le "Grand Noir" est un personnage absolument redoutable. On en vient finalement à la fin de l'album, avec une scène dramatique parfaitement maîtrisée. Maintenant, on a fini de jouer. Toujours servi par son dessin et son sens du découpage et de la narration extraordinaires, Jean-Claude Servais nous livre ici un album magistral.

Non, je n'aurai définitivement pas accroché à "la hache et le fusil". Il y a pourtant du mieux dans ce second tome, avec une temporalité enfin fixée et un certain nombre de réponses données au lecteur. Mais les étranges personnages et la froideur du récit sont autant de freins qui m'empêchent d'entrer réellement dans l'histoire.

Un drôle d'album que celui-ci, et en tout cas pas le meilleur Servais. Le dessin est certes au rendez-vous, mais le scénario manque à mon avis de point d'ancrages. Peut-être parce que la mise en place du récit me semble lente et pénible, ou bien parce que le lecteur ne peut se fixer à cause d'une temporalité trop fractionnée. Et il y a toujours cette volonté chez l'auteur de présenter la vie de l'époque à la campagne, mais ici, c'est fait sans nuances, sous forme d'amoncellement d'un certain nombre de scènes plus dures les unes que les autres. Impossible dans tout cela de s'attacher à un personnage, et l'arrivée d'un simple d'esprit supplémentaire, à la fin, m'a laissé comme perdu dans cette étrange histoire. Peut-être le second volet me permettra-t-il de m'y retrouver.

Un dernier tome qui clôt "I.N.R.I" en apothéose. Malgré tous les reproches que je peux faire à la série, par exemple au sujet d'une baisse de rythme sur les tomes 2 et 3, d'un certain nombre de répétitions, ou encore d'un dessin difficilement supportable, il est clair que je ne peux lui retirer l'essentiel : l'excellente qualité de son scénario, mené de main de maître par un Didier Convard loin d'être à court d'idées. Une très belle chute pour une série finalement convaincante.

La série se poursuit comme elle a commencé, c'est-à-dire de façon plutôt passionnante. Il y a malheureusement quelques fautes de phylactères assez étonnantes, mais ces erreurs sont compensées par le développement efficace de l'intrigue, ainsi que de certains personnages, comme le redoutable tueur à la hache. Espérons que la fin de l'histoire, au prochain tome, permette de clore en beauté cette série plutôt réussie.

Ce deuxième tome baisse un peu au niveau du rythme, maintenant que les éléments introduisant le scénario ont été amenés. C'est un peu dommage, d'autant que je ne me fais toujours pas aux dessins des personnages de Denis Falque. Et c'est encore pire lorsqu'il s'agit d'enfants... La tronche d'Emeline en page 35 est tout simplement atroce. Heureusement que je reste intéressé par le scénario qui se développe.

Je ne suis pas un grand amateur du dessin, et en particulier des visages des personnages médiévaux, mais le fait est que ce premier tome se déroule sur un très gros rythme et avec beaucoup de bonnes idées. Les enjeux semblent de taille et je me suis laissé captiver par ce bel album.

Quand une série fonctionne et que les auteurs décident de compléter l'univers, c'est souvent pour le meilleur ou pour le pire. Ici (en toute subjectivité), l'un et l'autre s'alternent dans un album d'histoires courtes, dont certaines sont de très belles réussites esthétiques ("le corps de l’œil"), et d'autres, des catastrophes manquant cruellement de fluidité ("Nävis console"). Ce n'est en tout cas pas la variété qui fait défaut.
Sympa pour les fans de Sillage qui obtiennent un peu de rab' à grignoter, à éviter pour les autres qui ne s'y retrouveront probablement pas.

La couverture annonce la couleur : "grands froids" nous ramène sur les lieux d'"engrenages", le tome qui reste à mon avis le tout meilleur de la série. De quoi nous mettre l'eau à la bouche, mais aussi une certaine prise de risque, puisqu'il y a à craindre que cet album ne soit qu'un décevant recyclage.
Ce n'est heureusement pas le cas, mais force est de reconnaître malgré tout que le scénario qui accompagne les superbes dessins de Philippe Buchet n'est pas d'une densité folle. Ce n'est pas qu'il se passe rien, et l'album se lit avec plaisir, mais plutôt que quasiment tous les éléments restent en suspension, et qu'on n'a donc pas grand chose à se mettre sous la dent dans l'immédiat.
Promesse d'un tome 18 du tonnerre ou début d'essoufflement de la série ? Réponse dans une année...

Je dois être le seul à penser cela, mais je range sans hésiter cet album parmi les chefs-d’œuvre de la bande dessinée pour enfants.
Le dessin de Munuera est toujours excellent, mais ce tome-ci à l'avantage de me plaire plus que les deux premiers pour ses couleurs, avec une fois de plus une grande variété dans les ambiances, mais des choix qui me paraissent mieux maîtrisés et assumés.
Au niveau scénaristique, il y a une grande progression par rapport au tome 2, qui traitait peut-être un sujet trop ambitieux pour la série. Ici, on part d'une petite chose, presque d'une anecdote, et cela permet une histoire complète, originale et rafraîchissante.
Les personnages sont très sympas, à commencer par Tori. Les dialogues sont bons, bien que peut-être un peu longs pour les plus jeunes à la fin, alors que l'album leur semble destiné en premier lieu. Mais cela reste amusant de voir Nävis se former à l'expression orale, caractéristique essentielle de celle qui deviendra l'héroïne de Sillage.
Je recommande donc cet album à chacun, pour vous comme pour vos enfants.

Ce second tome vise un jeune lectorat de façon encore plus nette que le précédent, ce qui n'est pas un mal en soi, mais qui a pour résultat de l'éloigner un peu de moi... Le ton est très naïf et parfois un peu facile, voire peut-être même trop direct, comme sur la double chute des dernières pages.
Heureusement que je peux me retrouver dans le dessin de Munuera, très beau, tout à fait de circonstance, et servi par quelques bonnes idées comme la grande case de la page 29 ou les visages enchaînés de la page 42. Les lecteurs de Sillage se retrouveront d'ailleurs dans le superbe travail effectué sur le bestiaire. Les Nhondinns sont extraordinaires dans toutes leurs déclinaisons.
En somme, il s'agit à mon goût d'un bel album, mais dont le scénario manque de profondeur et traite la question des genres sans parvenir à éviter quelques très gros clichés, comme avec la scène de la mare fermentée par exemple. Un peu dommage.

Un fois le choc visuel passé au sujet des fonds en aplats un peu violents, on passe un bon moment de lecture avec ce premier tome d'une série parallèle. C'est une bonne idée que de raconter la jeunesse de Nävis en s'adressant à un lectorat lui aussi plus jeune, cela permet de trouver une autre dynamique... Et Jean-David Morvan reste fidèle à lui-même avec un scénario bien ficelé, ainsi que que quelques jolies séquences, comme les quatre cases copiées-collées au sommet de la page 23.
Une chouette série jeunesse en préparation.

Cette seconde partie de l'histoire amorcée dans le tome précédent n'apporte pas de grands rebondissements, elle s'inscrit tout simplement dans la suite de l'histoire, finissant de dérouler fluidement un scénario agréable. J'ai personnellement trouvé la dernière page un peu kitsch. Mais sans être à mon goût le meilleur de la série (les sommets ont été selon moi atteints avec le tome 4), cet album clôt de belle manière le second souffle que Jean-Claude Servais a insufflé à sa Tendre Violette, une série qui lui aura permis de mettre en valeur son grand talent, avec des illustrations superbes et des découpages intelligents, comme le prouve ici la double-page 22-23... On en redemanderait bien.

Cette histoire en deux tomes permet à Servais de ne pas se presser sur la mise en place du scénario, proposant de par ce fait un album très doux qui tranche un peu avec l'aspect dramatique des précédents. Mais tout n'est bien évidemment pas rose et l'atmosphère d'après-guerre est très bien développée. Encore un bel album donc pour la série d'un très grand dessinateur.

La série a vieilli de 20 ans depuis le dernier tome, mais Violette n'a pas pris une ride ! Cet album aborde la passionnante question des origines de l'héroïne, mais tout reste dans les non-dits, avec un scénario bien construit et subtilement développé. On est certes un ton en-dessous du tome précédent, et peut-être les 20 pages en moins se font-elles également sentir, mais la prise des commandes par Jean-Claude Servais se fait tout en douceur. L'album aurait été signé Dewamme que je n'aurais pas crié à la supercherie.
Dommage en revanche que la couverture soit moins belle que ce à quoi la série nous avait habitués. A ce niveau-là, on sent malgré tout une rupture entre les anciens albums, bien que récemment colorisés, et les nouveaux, qui présentent des fonds aux couleurs agressives... Mais c'est peut-être là le seul reproche d'ordre esthétique que je ferai jamais à la série, car le dessinateur comme le coloriste se surpassent une fois de plus pour ce cinquième tome. Le jeu nuit/jour entre les pages 12-13 et 14-15 est magnifique.
En résumé, voici encore un bel album pour cette série unique qui sait si bien marier le charme au drame.

Cet album ne présente aucun des défauts que je reprochais au précédent. On y retrouve du rythme, des rebondissements, et comme d'habitude dans la série, une atmosphère parfaitement rendue. C'est d'autant plus vrai pour ce tome 4, alors que la tension devient collective et ne concerne donc plus que la seule Violette. Le climat de répression permet à la jeune femme éprise de liberté de briller encore plus. J'ai également beaucoup aimé que ses liens avec la vieille Lucye soient développés. Le plus beau personnage secondaire de la série obtient la place qu'elle mérite. Gérard Dewamme signe un coup de maître pour son dernier "Tendre Violette", parfaitement secondé par l'excellent Jean-Claude Servais.

Le premier album en une seule histoire de la série, un format qui permettra peut-être au scénario de prendre de l'ampleur par la suite. Mais pour ce coup-ci, je trouve que 64 pages, c'est quand même long pour un récit un peu facile et sans véritable suspense. Le changement de rythme est flagrant et un peu déstabilisant. J'ai également été troublé par le retour de Violette parmi les "sorciers", après les événements du premier tome. Et puis elle retourne chez elle comme si de rien n'était, alors que son agresseur, l'ignoble Vanesse, doit toujours rôder dans le coin...

Esthétiquement toujours aussi impeccable, ce deuxième album commence fort bien avec une nouvelle histoire courte et originale. Les trois suivantes font évoluer les mésaventures de Violette à grand rythme, et ça fonctionne très bien. La dernière en revanche n'amène pas grand chose de nouveau, reprenant une idée déjà vue dans l'album précédent. C'est somme toute assez révélateur : ce tome 2 est très beau et vraiment intéressant, mais il me donne quand même l'impression d'avoir en partie perdu de la fraîcheur du premier.

Un premier album en histoires courtes, idéal pour présenter l'univers de "Tendre Violette". Les clés sont données, avec des récits de haine et de rejet, mais aussi d'amour, de joie, et finalement de sorcellerie. Chacune de ces histoires sert la suivante tout en se suffisant quelque part à elle-même, aucune fausse note ne venant troubler cet hymne à la liberté. Le dessin de Jean-Claude Servais est magnifique, les couleurs superbes. Du bonheur.

Après un énième règlement de compte avec une bande de crapules, permettant à Hank et monsieur Step de jouer une dernière fois les héros (quelqu'un a dit déjà-vu?), les choses s'accélèrent et on arrive finalement au dénouement de "Terres lointaines". Impossible de nier une certaine mièvrerie dans ce dernier tome, qui ne me dérange pas forcément dans l'absolu, mais qui ne semblait pas annoncée au début de la série, provoquant de ce fait un côté non assumé. On forme des petits couples histoire que personne ne finisse seul, et tout est bien qui finit bien. S'ajoute à cela la frustration d'une ellipse certes intelligemment placée, car on aurait pu toucher le fond si la rencontre avec les extraterrestres nous avait été montrée, mais pas très habilement présentée. Il y a vraiment un côté "on vous montre, mais non".
Il est quelque part difficile de croire que ce soit la même personne, à la fois auteur de cette série et des cycles d'Aldébaran... Quand on repense au bestiaire par exemple : Leo nous avait habitués à un travail de recherche incroyable... Ici, ce sont plutôt les personnages humains qui ressemblent à des aliens.
Mais en même temps et malgré toutes ces critiques sévères, je ne peux nier que j'ai passé un bon moment avec "Terres lointaines", que j'ai suivi la série jusqu'au bout et que j'ai l'impression de n'avoir perdu ni mon temps, ni mon argent. La conclusion de l'histoire me conforte dans cet avis : elle est empreinte d'une certaine douceur et fonctionne de façon plutôt originale. J'ai bien aimé. Alors oui, je conseille la lecture de cette série, tout en étant incapable de m'ôter de la tête que ç'aurait pu être mieux fait.

Ce quatrième album présente quelques incohérences ("coucou, je suis une mère aimante mais je laisse ma fille jeune ado rester à la maison toute seule pendant trois jours alors qu'une cohorte de tueurs à gages s'y est donné rendez-vous"), quelques redondances (c'est quand même la deuxième fois qu'une crapule un peu minable propose à Paul de l'accompagner aux toilettes), et les dialogues ne sont vraiment pas terribles... Seules les répliques du stepanerk semblent travaillées, avec ce mélange de bon-sens et de naïveté bien assumé par les auteurs. La présence de cet incroyable extra-terrestre remonte d'ailleurs une fois de plus le niveau général de l'album. Parce qu'en ce qui concerne les humains, ils ont tendance à manquer de profondeur, et je les trouve vraiment laids, notamment la mère de Samantha. Quant aux méchants, je sais bien qu'ils ne sont pas sensés être beaux, mais il devrait quand même y avoir des limites !
Heureusement que l'intrigue principale avance et qu'elle semble intelligemment construite... J'attends le dernier tome pour m'exprimer sur ce point.

Il y a clairement du mieux en comparaison avec le tome précédent. Le scénario est plus poussé, malgré le fait qu'il dévie fréquemment sur des scènes annexes sans grand enjeu apparent pour l'intrigue principale. Mais cette fois, Leo réutilise un certain nombre d'éléments des deux premiers albums de façon judicieuse : le personnage de Mary Ann, les talents de créateur holographique de Paul, ... Et on a pour la première fois droit à une vraie chute (la fin du tome 2 m'avait semblé presque maladroite). Finalement, j'aime bien cette série, et je suis prêt à lui pardonner ses quelques défauts, comme la platitude de certaines répliques par exemple.

Pas vraiment d'envolée au niveau du scénario de ce deuxième album. Le stepanerk, qui faisait la force du premier tome, n'apporte quasiment rien de nouveau dans celui-ci. On notera quelques bonnes idées malgré tout, comme la très originale cueillette des perles par exemple. La couleur est également assez belle, avec des ambiances plus variées que dans le premier album. En résumé, je reste accroché sans vraiment m'extasier.

Le nom de Leo associé à une série traitant de la colonisation d'une nouvelle planète m'a fait acheter cet album, bons souvenirs d'Aldébaran oblige.
L'histoire est intéressante, ça se lit bien et j'ai franchement passé un bon moment... Mais je ne suis malheureusement pas très fan du dessin d'Icar. On a de la peine à distinguer les âges des différents personnages, et ils ont tous, hommes comme femmes, des espèces de favoris qui pointent vers les coins de la bouche.
Et puis ce n'est que le premier tome, mais il souffre forcément de la comparaison avec les autres séries de Leo. On retrouve les mêmes principes, une certaine dose d'émotion en moins. Heureusement que le stepanerk vient sauver l'affaire, cette créature hors du commun étant la principale attraction de l'album... Mais il m'en faudra peut-être un peu plus pour continuer à vraiment apprécier la série par la suite.

Sur la lancée des précédents, ce nouvel album est de très bonne facture. L'incroyable bestiaire se développe, de même que le scénario, qui distille les éléments de réponse et développe la cohérence avec les autres cycles de la série de façon très fine et adéquate.
J'aurais certes tendance à reprocher la place prédominante accordée aux relations amoureuses du groupe de survivants, ce "carré" amoureux tendant, comme Djamile le dit d'ailleurs elle-même, à se rapprocher du feuilleton brésilien. Leo avait l'habitude de répartir ce genre de scènes de façon plus discrète au sein de ses albums, et le changement ne me plait pas vraiment, car sept pages d'un coup, c'est quand même beaucoup dans une série à suspense où l'on attend la suite des révélations avec énormément d'impatience. Mais en y repensant en toute sincérité, je ne peux pas non plus dire que cette scène ne m'aie pas plu...
En fait, le seul défaut de la série, et ce n'en est pas vraiment un, c'est qu'elle est trop passionnante, trop accrocheuse, trop haletante. Du coup, je suis presque déprimé à l'idée de devoir attendre deux ans pour tenir le prochain album entre mes mains. Jamais je n'ai autant dévoré une bande dessinée que celles de Leo. Il y a presque de quoi me donner envie de... trouver une zone de perturbation et faire un petit saut dans le temps.

Extraordinaire ! Alors que le premier album était déjà excellent, mais reposant sur des ressors bien connus par les fans d'Aldébaran et suites, celui-ci propose un rebondissement incroyable et justifie sans aucun doute l'existence de ce cycle parallèle. Et puis, on retrouve toujours cette simplicité dans le récit des rapports humains, qui fait du bien au vu de l'aspect dramatique des situations vécues par les personnages. Un délice !

En immense adorateur des cycles d'Aldébaran, je suis ravi de pouvoir me lancer dans cette série parallèle... Et je suis loin d'être gêné par le côté figé du dessin de Leo, puisque celui-ci ne manque jamais de me faire vibrer et de me rappeler d'excellents souvenirs. Les codes sont les mêmes d'album en album, mais ils sont diablement efficaces. C'est le cas également du scénario, dont les ficelles semblent connues, mais qui offre malgré tout son lot de rebondissements. Quant aux personnages, je trouve leurs interactions passionnantes... Dès les premières pages, on sent les individualités s'imposer et les groupes se former. Tout est clair, alors que ce n'est pourtant pas facile d'introduire d'un coup un groupe de douze personnes en début d'album. Mais l'auteur n'a visiblement pas terminé de relever les défis avec succès, et nous voilà donc repartis pour l'aventure !

Un album relativement similaire au tome 14, avec beaucoup de combats impeccablement rendus et un scénario qui progresse tranquillement. Je n'aurais jamais pensé, à la lecture des premiers Sillage, que la série en viendrait à me rappeler le manga Dragon Ball... C'est à la fois flatteur, parce que j'ai toujours adoré l'oeuvre de Toriyama, mais en même temps, ce n'est pas non plus ce à quoi Sillage nous avait habitués en matière d'originalité et de grandes découvertes.

Ce nouveau cycle commence de fort belle manière avec un album que je range sans hésiter parmi mes préférés de la série. C'est un vrai plaisir de retrouver Nävis dans un "one-shot" efficace, avec son lot de rebondissements et un aspect visuel toujours aussi réussi.
On observe également la cohérence de la série et de ses dérivés, puisque les auteurs annoncent de façon subtile l'arrivée de "Sillage - premières armes" avec l'apparition du personnage d'Umika. Nävis explique à Bobo, et par ce biais au lecteur, qu'elle nous "chroniquera ça un peu plus tard", et ce sera chose fait deux ans plus tard avec la sortie du premier album de la série dérivée. On voit qu'il y a de la suite dans les idées chez Jean-David Morvan.
Avec cette capacité, encore démontrée à plusieurs reprises dans cet album, de réutiliser les acquis des précédents tomes pour faire avancer le scénario et surprendre le lecteur, j'ai l'impression que la série est en bonne voie pour continuer à me ravir sur encore plusieurs volumes. La fin de "chasse gardée" s'inscrit dans cette idée, avec une nouvelle révélation retentissante. Chaque album existe par lui-même tout en donnant envie de sauter sur le suivant.

Je me réjouissais d'en arriver à cet album, car après avoir consulté les notes attribuées sur ce site, j'avais remarqué qu'il était considéré de très loin comme le meilleur de la série. Après lecture, j'en arrive à la conclusion que les lecteurs aiment la violence, puisque "liquidation totale" en est très chargé, à l'instar du tome 7, qui avait également été noté au-dessus de la moyenne... Et à vrai dire, ce n'est pas moi qui vais les contredire.
Car il s'agit là d'une véritable fin de cycle, qu'on sentait venir depuis maintenant plusieurs tomes. Mais lorsqu'un scénario est construit sur autant de pages et autant d'aventures suivies, le risque est toujours que la conclusion donne l'impression de tomber du ciel. Pour éviter cet écueil, il fallait trouver un "truc", quelque chose qui fasse de ce quatorzième album un véritable inédit pour la série. Et ce truc est trouvé en la personne du redoutable super-vilain que nous proposent les auteurs. Dans une série qui a prit l'habitude de présenter des extraterrestres toujours plus spectaculaires les uns que les autres, on atteint ici un véritable sommet. Tout est mis en place pour que l'effet soit réussi. Le personnage est bien dessiné, bien animé, bien coloré, bien présenté, et il vient renverser la hiérarchie établie depuis le début de la série, en mettant à mal des protagonistes que l'on considérait jusqu'alors comme quasi-invulnérables.
Vient alors l'heure du duel, et la boucle se boucle de façon intelligente, puisque le combat final à lieu dans le vaisseau-gite de Nävis. On assiste alors à l'apothéose d'un cycle qui se termine à mon goût au bon moment. Je ne m'étais pas encore lassé de la série, mais j'avais malgré tout l'impression qu'il était temps d'en finir avec cette histoire de complot qui a si longtemps occupé Nävis. C'est maintenant chose faite, et les dés sont jetés pour l'ouverture d'un nouveau cycle. J'en suis le premier heureux, car après ces quatorze albums d'excellente qualité, avec certes quelques temps faibles, mais aussi et surtout quelques véritables chefs-d'oeuvre (je pense aux tomes 3 et 12 notamment), j'ai l'impression que Jean-David Morvan et Philippe Buchet en ont encore sous le pied, et que Sillage n'a pas fini de me ravir.

Sur la lancée de l'album précédent, "dérapage contrôlé" poursuit la série sur un rythme effréné, avec cette fois une nouvelle bonne idée pour les scènes d'action, c'est-à-dire de situer la trame au sein d'une série de courses motorisées clandestines. L'occasion pour Philippe Buchet de s'en donner à cœur joie, avec un dessin égal à lui-même et un enchaînement de cases toujours aussi fluide.
Cet album fait également la part belle aux rebondissements. On découvre de très belles scènes au fil du scénario, comme l'explication avec Bobo au début de l'album ou encore la découverte majeure que fait Nävis au sein du vaisseau d'Atsukau.
Ces scènes principales sont alternées avec d'autres, d'ordre plus anecdotique mais non moins délicieuses. Ici, c'est le fonctionnement des médias qui est pointé du doigt, lorsque les journalistes s'exclament devant la destruction de Snivel à la première page, où encore avec le débat télévisé des pages 23 et 24, si proche de ce que l'on pourrait voir sur nos propres chaînes.
Encore un bel album donc, dans une série qui n'a de cesse de surprendre... et de plaire!

J'ai été plus qu'enchanté par la lecture de cet album, qui compile toutes les qualités qui ont permis à Sillage d'entrer dans l'ordre très restreint de mes séries d'aventure préférées. Ce douzième tome est tout simplement génial.
La scène d'ouverture donne le ton, puisque l'action est très mouvementée, et que l'on retrouve plusieurs de nos personnages préférés aux prises les uns avec les autres : Nävis bien sûr, mais aussi Soimitt, Rib'Wund et Juaiz. Au passage, la page 9, avec son découpage original et son humour caractéristique, est un véritable chef-d'oeuvre de scène de combat en bande dessinée.
Et le plaisir ne diminue pas lors des scènes plus posées, qui font la part belle au dialogue, depuis toujours l'une des grandes forces de la série. Celui entre Nävis et Ciss-Ronn, au milieu de l'album, est particulièrement réussi, et permet de ne pas lasser le lecteur au sein de ces quatre pages relativement statiques.
Vient ensuite la découverte d'un nouveau monde, sorte de marque de fabrique de la série. Alors que le Japon du tome précédent ne m'avait pas totalement convaincu, reposant à mon goût sur un trop gros nombres de clichés, "l'Absolue" présentée ici se démarque par son originalité... L'idée est excellente et, pour ne pas perdre les bonnes habitudes, les dialogues qui en résultent sont une fois de plus de véritables perles, entre rires et passion.
Ces enchaînements de répliques viennent qui plus est se superposer à l'action, pour un rythme allant toujours crescendo... A la page 41 par exemple, ce sont trois fils parallèles (le discours de Ciss-Ronn, les états d'âme de Rib'Wund et le déchaînement de Nävis) qui sont tendus simultanément sans que la lecture ne soit une seul fois perturbée par ce foisonnement.
Et l'on débouche finalement sur une grande révélation pour Nävis, annonçant un volume suivant sur la même lancée. Une lancée où notre héroïne commence peu à peu à se retrouver, à reprendre les choses en main et à faire le ménage dans sa vie aux nombreux rebondissements.
Superbe album donc, à mon goût le meilleur depuis le tome 3, et à ma grande surprise étonnamment mal noté sur ce site... Peut-être suis-je le seul à trouver que Sillage n'a pas perdu en qualité au fil des albums, mais quoi qu'il en soit, je maintiens ma position.

Après deux albums transitoires, sans découvertes de nouveaux mondes qui faisaient la variété de la série pour le plus grand bonheur des lecteurs, "Monde flottant" relance la machine avec un univers japonisant, très haut en couleurs. Belle réussite esthétique donc, mais qui n'est malheureusement à mon goût pas accompagné du scénario le plus renversant de la série.
Peut-être est-ce le cas parce que je ne suis pas un grand amateur de ce que j'aurais tendance à appeler des "clichés de samouraïs", rapport à l'initiation qu'entreprend Nävis au cours de cet album. Il est certes nécessaire à la trame de la série qu'elle passe par différents apprentissages, au moment de cette période de remise en question, mais j'aurais certainement préféré que ceux-ci se fassent dans un contexte moins convenu.
Peut-être ai-je également été gêné par l'impression de déjà-vu au moment d'aborder la question de la cause féministe, dans une mise en scène totalement jumelle de celle du tome 6, qui avait déjà approché le sujet en quelques pages (Nävis est conduite par le(s) mâle(s) dans un milieu cloisonné de femmes soumises, s'en suivent une ou deux pages muettes où elle participe aux activités, avant de déboucher sur une inéluctable révolte)... Mais en même temps, ce jeu de miroir entre deux albums de la série se défend par les différences, malgré tout non négligeables, entre les deux scènes. Cette fois, Nävis mûrit et est capable de retirer un enseignement de cette expérience.
Ce nouveau tome conserve donc de l'intérêt, et bien qu'il ne soit pas mon préféré, il est très loin de me dégoûter d'une série dans laquelle les auteurs continuent à faire preuve de brio et de grandes qualités dans la mise en scène. Preuve en est l'amorce de cet album, qui est une fois de plus délicieuse (mais dans quel robot se trouve donc notre Nävis?). On retrouve aussi des bonnes petites idées scénaristiques, comme avec le traducteur qui force notre héroïne à parler poliment... Et si c'est pour continuer à nous faire visiter des mondes aussi beaux et variés, je ne bouderai certainement pas mon plaisir.

Comme le tome 8, cet album est plus centré sur l'émotion que sur l'action, preuve de l'évolution de cette excellente série. "Retour de flammes" nous permet en quelque sorte de faire le point, de clore ce que le premier volet de la série avait laissé inachevé, de lever les zones d'ombres sur le passé de notre héroïne, et de nous tourner vers une suite qui s'annonce une fois de plus novatrice.
Le dessin et la couleur sont toujours à la hauteur, notamment dans les flashbacks, comme par exemple le "rembobinage" des pages 30-31, ou encore les jeux de lumières en pages 41-42. Le travail sur le découpage et les cadres des cases est également très bon. Tout s'enchaîne fluidement.
Sur le plan émotionnel, tous nos personnages, et bien sur plus particulièrement Nävis et Heiliig, sont soumis à rude épreuve et leurs tourments sont bien développés. Pour ma part, j'ai également un petit coup de cœur pour Juaiz, superbe de frustration et de colère. Le rôle du policier qui vient arrêter Nävis aurait pu être confié à un sale type, mais dans une bande dessinée comme Sillage, où les personnages ne sont que rarement totalement bons ou mauvais, le déchirement que sa mission provoque chez le général est particulièrement adéquat.
Je suis donc tout à fait convaincu par cet album, bien qu'il ne soit pas le plus riche en action ou en découvertes, et que je puisse comprendre l'impression de sur-place ressentie par certains.

Agréable de découvrir cette petite enquête médiévale, servie par un beau dessin et de superbes couleurs. Le scénario fonctionne bien, même si je m'interroge un peu sur le spectacle final, très utile à l'esthétique de l'album et à la compréhension du lecteur, mais pas forcément crédible et, quand on y réfléchit, plutôt cruel à l'égard de certains spectateurs.

J'ai aimé cet album pour son dessin et ses couleurs comme pour son scénario. Les encadrés, dans lesquels Oscar pose un oeil contemporain sur l'antiquité égyptienne qu'il découvre, prêtent vraiment à sourire. Les personnages sont bien construits, à l'image du protagoniste principal, dont le visage dévie légèrement des canons habituels du héros à la mâchoire carrée. Hélène est également très belle et réellement empreinte de mystère. Vivement la suite !

Je n'ai jamais eu l'occasion de tenir "l'épervier bleu" de Sirius entre les mains, pas de risque donc que je sois déçu par la comparaison avec ce que François Walthéry en a fait. Et en tout cas, le scénario est riche en mouvements et rebondissements, pour une bande dessinée qui se laisse lire. Malheureusement, je n'ai pas non plus été transporté... Les personnages manquent de profondeur, je n'adhère pas à la narration proposée par le biais du carnet de la grand-mère de Natacha (comment cela se fait-il qu'elle décrive en instantané une scène où elle n'est pas présente ?)... Et puis, au risque de passer pour un hérétique, je trouve le dessin de Walthéry plus adapté à une scène tendant vers l'érotique, comme au début de l'album, qu'à une bande dessinée de grande aventure. Ici, l'ensemble me paraît brouillon et déséquilibré, désagrément encore accentué par la police d'écriture... Je n'aime vraiment pas les lettres grasses des répliques exclamatives.
C'est mon avis, en toute subjectivité et n'engageant que moi... Peut-être que je jette un œil trop contemporain sur une série qui remonte aux années septante, mais n'ayant pas été un lecteur de Natacha dans mon enfance, je ne ressens pas la douce nostalgie que d'autres doivent savourer à chaque nouvelle parution.

Un deuxième tome d'aussi belle qualité, bien que l'intrigue principale soit tout de même relativement lente à se mettre en place. Mais c'est pour mieux laisser place au développement des personnages, qui ne nous laissent assurément pas insensibles, à l'image la belle Hanna et de la scène aux splendides couleurs dans la grotte au crâne d'ours.

Cet album est un petit coup de cœur pour moi. Le dessin est superbe et j'aime beaucoup la couleur, notamment dans la scène d'amorce, toute en tons orangés, dont la violence tranche efficacement avec le charme du premier flashback. Au niveau esthétique, mention spéciale également pour la scène de la roue, où les poses et les expressions des deux adversaires sont très bien rendues.
Les dialogues sont également bien pensés, comme par exemple celui de la dent d'ours, lorsque Max fait usage de l'humour pour éviter de parler de son passé douloureux. Et pour ne rien gâcher au plaisir, le scénario est réellement intéressant, bien que fonctionnant sur des ressors connus. On pourra certes critiquer certaines invraisemblances, comme par exemple le fait que Max et Werner se ressemblent comme des frères jumeaux malgré leurs origines différentes, mais ce fait est défendable, puisqu'en plus d'être nécessaire à l'histoire, il transmet également un joli message, c'est-à-dire que la religion et les origines ne définissent pas la proximité entre deux personnes, et qu'un enfant juif peut n'être en rien différent d'un futur nazi... Ce sont les choix et les circonstances qui définissent les êtres humains.