Les avis de - Shaddam4

L'album présente une introduction détaillant vaguement l'univers de Betty & Veronica et se termine par de très nombreuses couvertures alternatives de Hughes et d'autres auteurs. L'album comprend un épisode bonus Jughead, réalisé par une autre équipe et assez moyen.

Betty la blonde et Veronica la brune sont les meilleures amies du monde, lycéennes dans la petite bourgade de l'Amérique idéale qu'est Riverdale: ses milk-shake au dinner chez Pop, ses blousons Teddy aux couleurs de la High school et ses rangées de maisons Middle-class. Dans cette image d’Épinal en mode Coca-Cola, lorsqu'une multinationale du café s'apprête à racheter chez Pop's, Betty voit rouge, refusant de voir cette incarnation d'un passé doré disparaître. Elle va tout tenter pour sauver Pop, au risque de retrouver sur sa route sa meilleure amie, la redoutable et machiavélique Veronica...

Glénat nous permet de découvrir un éditeur, Archie comics, qui a récemment donné naissance à une série TV nommée Riverdale. Archie est un vieil éditeur très américain qui publiait des BD pour jeunes ou les aventures de Betty et Veronica, deux filles incarnant l'American way of life. Un peu la série Happy days en BD sous le coup du comic code authority... Rien de très affriolant pour un lecteur européen!

Comme d'autres projets improbables, l'éditeur publie pourtant l'une des très très rares BD de l'illustrateur star Adam Hughes sur les couvertures duquel vous avez pu fréquemment baver en lisant des comics chez tous les éditeurs. Comme Travis Charest dont j'ai parlé il y a quelques jours, le rythme et les exigences de l'industrie du comic ne lui conviennent pas et l'album Riverdale présente: Betty & Veronica est l'une des rares occasions que vous aurez de le voir à l’œuvre sur une BD entière (avec le Hellboy Krampusnacht) que Delcourt publiera probablement dans un recueil Hellboy à venir).

Ce petit historique terminé, qu'est-ce qu'on a a se mettre sous la dent? Et bien ni plus ni moins qu'une sitcom à la Friends transposée en BD! Si ça ne vous allèche pas, je peux vous rappeler que c'est dessiné par Adam Hughes... Et si ces dessins ne vous suffisent toujours pas je peux vous dire qu'outre être l'un des meilleurs dessinateurs de comics américain, il dispose d'un vrai talent humoristique et arrive ici à adapter en BD les principes du strip à la Calvin&Hobbes; ou Liberty Meadows (là on penche vers Frank Cho): des personnages qui s'adressent au lecteur, des ruptures temporelles et des jeux des personnages avec la page et l'édition. Les jeunes filles plastiquement parfaites dissertent tantôt sur des dialogues mièvres louant la simplicité du Riverdale d'avant avec force références aux vieux comic-books de papa et maman, tantôt s'envoient des vannes et des mandales capables de rompre les lois de la physique! On navigue donc entre du Looney-toons et du strip, entre les réflexions philosophico imaginaires d'un Calvin et la sitcom pour ado Riverdale. Comme souvent dans les réappropriations, Hughes se moque allègrement du matériau d'origine. L'album s'insère pourtant dans une série dans l'univers de Riverdale.

Cet album a été pour moi une découverte totale, d'un dessinateur, d'un auteur, de personnages et j'avoue m'être bien marré  de ce côté un peu désuet et second degré très assumé, avec un petit coup de cœur pour Hot dog, le chien narrateur et son pote le chat. Je signalerais juste une étrange idée du coloriste à poser une sorte de filtre estompé, vieilli, une sorte de voile sur les planches qui abîment beaucoup de la qualité du dessin et de l'habillage. C'est vraiment dommage et finalement vu le résultat l'album aurait aussi bien pu être laissé brut en renforçant le côté strip.

Je ne sais si je suis passé à côté de certaines références mais le côté n'importe quoi m'a beaucoup plu. Une lecture vraiment rafraîchissante, assez courte et linéaire qui vous évitera de vous prendre la tête. Et puis encore une fois, lorsque des auteurs si rares parviennent à un ouvrage abouti, pourquoi se priver?

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Fabrication de qualité à couverture épaisse et jolie illustration intrigante. Préface de l'auteur expliquant l'inspiration à l'origine de la BD. Rien de particulier à souligner. Cet album fait partie de la sélection du prix des lycéens de la région Auvergne-Rhône-Alpes au même titre qu'Essence de Benjamin Flao, récemment critiqué.

Après une carrière éclatante d'artiste plasticien à la mode aux Etats-Unis, Cristobal revient s'installer sur son île natale de Lanzarotte, petite pastille volcanique noire et aride perdue en atlantique, où l’appât du gain pousse promoteurs et élus à bétonner au risque de défigurer le paysage primaire. En faisant venir des amis artistes il va transformer l’île en conservatoire du paysage. Des années pendant lesquelles son égo, son passé familial et ses ambitions se confronteront à ce volcan indomptable...

Passionnante biographie fictive que cet album d'un auteur que je ne connaissais pas et dont le style de dessins ne sont généralement pas ma tasse de thé. Mais souvent en BD le projet investi transmute un trait pour en faire un ensemble cohérent et intéressant. Ici le travail graphique porte surtout sur les couleurs et l'esthétique design qui répond aux paysages impressionnants de l’île. Le projet paysagiste du personnage donne lieu à de très belles planches qui donnent envie d'aller faire un tour sur Lanzarotte, île réelle où l'aridité volcanique a donné lieu à une véritable réserve de plantes désertiques dans des décors lunaires où l'implantation humaine reste improbable.

L'autre intérêt de l'album repose sur ce personnage éminemment complexe d'artiste dans toute son ambiguïté: à la fois visionnaire, utilisant sa notoriété et son argent pour protéger son île, mégalomane s'appropriant un territoire par son seul choix supérieur, vampire familial, attirant tout autour de son conflit œdipien avec son père et devenant destructeur de tout bonheur. Les dessins de Duhamel parviennent à exprimer à la fois cette puissance physique, ce volcan humain qui répond à celui de l'île et à celui du père défunt auquel il ne pourra plus se confronter et résoudre son conflit. L'ouvrage apporte ainsi un côté symbolique subtile et réaliste à une aventure artistique et familiale. Traversant toute la vie de l'artiste la BD s'écoule de son arrivée, jeune et fier conquérant idéaliste combattant la corruption, au crépuscule où l'artiste à conquis la population mais reste sidéré par ce volcan qui incarne le père. Le lecteur ressent à la fois une immense sympathie pour cet esprit déterminé et génial torturé par son passé d'enfant insoluble, et la conscience de sa mégalomanie cannibale incapable d'accepter l'amour de sa compagne. Le volcan a trop de lave, trop de sève pour entrer dans une vie d'homme et l'amour simple d'un mari et d'un père.

Le retour est un très beau voyage, une aventure humaine dont l'auteur doit être fier tant il réussit son objectif. L'auteur parvient à se dépasser pour produire un chant universel qui allie l'intelligence et l'esthétique. Une chaude recommandation qui mérite toute votre attention.

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Le volume comprend un résumé des épisodes précédents, un sommaire (que j’apprécie beaucoup car il indique très clairement quels auteurs officient sur quelles sections), les couvertures de chaque fascicule original et en fin de tome des croquis et explications d’intentions passionnantes. Tout cela est habituel chez Bliss mais pas toujours aussi intéressant.

Après avoir gravis les échelons de l’armée Azur au cour d’une guerre permanente semée de trahisons, le voilà empereur de la planète Gorin. Mais lorsque un adversaire d’outre-espace survient, la difficulté de maintenir une cohésion entre tous ces peuples antagonistes se fait jour. Aric de la Térre est-il capable d’autre chose que de faire la guerre? Se coupant de tous ses proches, trahis, pourchassé par une bande de mercenaires, loin de la Terre, qu’espère t’il encore de la vie?

Lorsque j’avais ouvert le très joli premier tome du reboot de X-O Manowar, j’avais cru avoir loupé un épisode expliquant ce que le héros faisait sur la planète Gorin. Il n’en est rien et dans les bonus de ce second tome les auteurs expliquent justement que l’objectif était de sortir Aric de son confort et le lecteur avec, de le placer dans un environnement totalement nouveau (mais guerrier…) afin d’explorer la psychologie du personnage. Sur ce plan la série est une vraie réussite et après les relations avec l’armure dont il est dépendant mais qu’il ne souhaite pas utiliser, sorte de voix intérieur de sa conscience, il doit affronter ses choix et le vide de sa vie. Rarement un héros aura été aussi malmené émotionnellement, jusqu’au bout du volume. Si je maintiens mes quelques regrets sur une série qui reste essentiellement axée sur la guerre rageuse (ce qui finit par devenir un peu redondant), le travail sur le personnage et la réflexion politique sur l’impossibilité d’imposer la paix par la guerre (ce qu’ont argumenté nombre de conquérants à travers l’Histoire) sont vraiment intéressants.

Ce second volume démarre sur le même mode que le précédent, jusqu’à l’irruption des mercenaires, qui provoquent une vraie bouffée d’air. A la fois graphiquement par une bonne grosse claque de Renato Guedes, mais surtout car la section permet l’arrivée de personnages tout neufs, d’un univers très excitant loin de Gorin et de mettre enfin le héros en danger. L’intérêt est pleinement relancé et se poursuit jusqu’à la prise de conscience d’Aric que son destin n’est plus ici. On quitte donc l’action ininterrompue pour du fonds et un chemin qui nous donne soudait très envie de savoir comment va rebondir cette gueule cassée au bord de la répression (on retrouve l’intérêt pour Bloodshot sur ce plan), avec notamment une conclusion très réussie et forme d’ouverture qui boucle cependant le cycle de Gorin. L’éditeur précise dans une fiche de lecture dont il est coutumier que la suite sera à lire dans le crossover Harbringer Wars 2 à paraître bientôt, avant un troisième volume de X-O Manowar. J’étais resté un peu sur ma faim dans le premier volume y compris sur un personnage que je trouvais un peu monolithique. Ce second tome relance vraiment la machine.

Le petit bémol que je mettrais est dans le graphisme. Paradoxalement, Clayton Crain, qui est capable du superbe sur Harbringer Wars, Dininity et sur pas mal de couvertures Valiant, peine ici clairement dans les scènes de bataille, fouillis et assez sombres, où sa technique numérique peine un peu en précision. A côté, Renato Guedes, dans une technique de peinture à l’eau peu évidente (proche du travail de Dustin Nguyen sur Descender) produit des planches magnifiques. Est-ce un manque d’intérêt ou une vraie limite de la technique de Crain, toujours est-il que ses planches sont les moins intéressantes. Contrairement au premier tome découpé entre deux illustrateurs au style très proche (et créant une vraie harmonie graphique), ici c’est plus divers, mais cela ne m’a pas dérangé. Tous sont très bons et si Guedes m’a énormément plu, Ariel Olivetti qui conclut l’histoire est une nouvelle énorme claque, une vraie révélation que je vais m’empresser de suivre! Dans une technique alliant dessin très précis et textures numériques discrètes proches du boulot de Reno sur Aquablue, l’argentin (tiens, est-ce que le secret de Valiant ne serait pas de faire appel à des dessinateurs non états-uniens?) fait exploser les rétines avec des séquences spatiales qui laissent pantois. J’espère vivement qu’il continuera son travail sur Manowar car sur ces planches on atteint clairement le top de ce qu’a produit Valiant jusqu’ici. Et comme je constate une montée graphique à chaque volume depuis l’an dernier, jusqu’où irons nous? J’ai beaucoup hésité à ajouter un quatrième Calvin à ma note en raison des planches de début d’album et d’un démarrage poussif, mais la clôture et la double révélation graphique justifient un 4 qui confirme que ce second album Manowar est meilleur que le premier.

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Très bel ouvrage au format atypique (carré) doté d’une illustration de couverture intrigante mais assez esthétique en peinture.

Achille cherche de l’essence. De l’essence pour faire fonctionner la voiture. Il doit rouler pour retrouver la mémoire, assisté de son ange gardien. Achille est au Purgatoire et tout en découvrant les possibilités infinies que la pensée permet sur ce monde sans structure, il va devoir entamer une introspection pour quitter ce lieu et trouver la paix…

Ma première lecture d’un album de Benjamin Flao m’a plutôt conquis. J’aime pourtant les histoires qui ont un sens et les fantasmagories sans structure ont tendance à me perdre, même lorsqu’elles sont appuyées sur de belles visions graphiques. Ce n’était donc pas gagné tant nous entrons ici autant dans l’esprit d’Achille, pilote-mécanicien alcoolique à la vie cabossée, que dans celle des deux auteurs Bernard et Flao. Le projet est hautement graphique, vaguement expérimental, en tout cas très personnel pour Flao. Du format au découpage alternant pleines pages et découpage BD voir doubles pages fusionnant les cases en une seule comme sur cette délirante course aux 1001 modèles, l’illustrateur est ici en roue libre et se fait plaisir! L’univers imaginaire permet toutes les formes, toutes les narrations, toutes les temporalités et le duo parvient à partir dans tous les sens sans nous perdre et en nous intéressant à ce personnage moins sombre qu’il n’y paraît.

La forme est celle d’un road-movie avec ce duo du personnage principal et son ange gardien, vaguement sexy, très mystérieuse et qui le pousse sans cesse à se concentrer sur ses souvenirs, seule façon de quitter le purgatoire en purgeant le passif de sa mort que l’on devine lourde. A chaque arrêt Achille déambule dans des décors très post-modernes, aux vitraux colorés style années 60-70. L’univers visuels architectural est vraiment réussi et particulièrement original en parvenant à créer une ambiance que l’on imagine issue de la mémoire du mort. Dans un genre proche, le monsieur Mardi-gras de Liberg s’en tirait plus laborieusement, sans doute par une certaine monotonie graphique et un manque d’humour.

Si la linéarité des aventures d’Achille peut finir par lasser (le volume fait presque 200 pages), la variété visuelle accroche l’œil en nous montrant la palette des talents de Benjamin Flao qui se rapproche par moment d’un certain Jean Giraud dans une volonté d’épure. Et lorsque l’histoire s’accélère en revenant au réel, aux dernières heures d’Achille, nous révélant qui furent vraiment le pote et la fille dont on nous parle depuis le début, on passe directement la quatrième vitesse, en adoptant un style visuel du genre des Innomables, rapide, sombre, très efficace en matière de dynamisme, mais qui tranche violemment avec ce qui nous était offert jusqu’ici. La rupture était peut-être nécessaire à l’histoire, mais j’ai personnellement trouvé que c’était trop sec, trop différent…

Il reste que les deux auteurs nous proposent avec Essence une magnifique virée dans l’imaginaire artistique de Benjamin Flao, un exercice de style, une sorte de carnet de croquis scénarisé qui, si vous aimez les expérimentations et la patte de Flao, devrait vous combler. Un objet assez unique qui devrait être une pièce de choix dans votre bibliothèque.

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Cela fait quelques comics indé Glénat que je lis et je dois dire que l’éditeur soigne ses ouvrages. La couverture est non pelliculée, maquette extérieure harmonisée entre les volumes, couvertures originales des épisodes, couvertures alternatives assez dispensables en fin de volume ainsi qu’un très long texte pseudo-historique détaillant la chasse aux sorcières au Moyen-Age et faisant office de prologue (et que je conseille vivement de lire pour poser le contexte historique de cet univers). Je ne trouve pas la couverture ni parlante pour ce volume ni particulièrement réussie, dommage pour une illustratrice du talent de Nicola Scott. Globalement du bon boulot d’édition.

Rowan Black est une sorcière. Elle est aussi flic à Baltimore (vous savez, la ville de The Wire…). Lorsque ses deux vies se retrouvent emmêlées elle devra comprendre la menace qui plane sur elle, une menace qui vient du fond des âges et transgresse les règles en utilisant le Magick…

Lorsque ce volume est sorti j’ai été accroché par les aperçus des planches intérieures, plus que par la couverture ou le sujet qui ne semblait pas très original (les histoires de sorcières on en a vu pas mal…). Je ne l’avais pas alors remarqué mais l’illustratrice, Nicola Scott (quoi, une illustratrice dans l’univers des comics de super-héros? Çà existe? Yessss!) est à l’origine des magnifiques couvertures de Wonder Woman Rebirth. Côté scénariste, je n’avais rien lu de Greg Rucka et je viens tout juste de me forcer à lire le premier Lazarus, série encensée mais horriblement dessinée… Avec de très bons échos et une histoire policière assez classique, j’ai décidé de me lancer sur Black Magick.

Et très bien m’en a pris tant cet album à l’esprit résolument européen est réussi et inspiré! C’est la première réflexion que je me suis faite en fermant ce tome sur un cliffhanger très réussi: une sensibilité, une atmosphère étonnante pour une histoire de guerre occulte sur fonds de magie noire. Ce tome a des similarités avec une autre série, franco-belge (ou italo-belge…): Rapaces. Le dessin d’abord, très proche de la technique de Marini, faite de beaux visages, de couleurs au lavis dans un cadre très dessiné. Scott comme Marini ont une parfaite maîtrise anatomique qui leur permet de dessiner les contours des personnages et quelques traits intérieurs mais c’est le pinceau qui donne de la. Cela donne un habillage vraiment superbe. Malgré la présence d' »assistants » indiqués en crédit, cette méthode est toute européenne et très éloignée des habitudes industrielles séparant dessin/encrage/couleur. Idem pour la planche d’homme nu, aussi naturelle que dans un Marini ou toute autre album européen et qui renvoie la récente affaire de la bite de Batman au rayon de vaste rigolade infantile…

Le scénario également démarre sur les mêmes bases: une enquêtrice et son super collègue se retrouve confrontée au fantastique. On part sur de l’enquête policière dans ce qu’il y a de plus traditionnel (preuves, légiste, témoignages,…) mais la principale différence ici est que contrairement à Rapaces dès les premières pages nous savons que Rowan est une sorcière. La question qui se pose sera de savoir qui lui en veut et la mise en place d’une conspiration entre factions occultes. A ce titre, l’irruption d’un « agent allemand » donne lieu à deux pages… en allemand non traduit! Le soucis c’est que les dialogues sont très importants pour comprendre à qui nous avons affaire et je n’explique pas que l’éditeur se soit dispensé d’une traduction…

Généralement c’est sur les scénarii que l’on remarque avec la plus grande évidence la différence entre les auteurs hommes et femmes. Sur Black Magick, sans connaître le scénariste j’aurais parié sur un duo féminin, en raison d’un rythme, d’une attention donnée à des détails d’ambiance et de relations entre les personnages. Sur ce plan le duo formé par Rowan et Morgan, son équipier, dans une relation toute en regards (magnifiquement et très subtilement rendus par Nicola Scott) est vraiment intéressant, nous laissant deviner un amour platonique, à moins que l’héroïne ne se fasse des idées, son confrère attendant tout juste un enfant et semblant par ailleurs très heureux en couple… Les auteurs posent très discrètement des jalons vers une montée en tension, reposant sur la protection par la sorcière de ce cadre familial idéal que l’on imagine devoir être bientôt menacé…

Ce que j’ai aimé dans cet album, c’est vraiment la délicatesse des dessins et des ambiances (pourtant il y a bien des cadavres, un esprit démoniaque et des tensions). Les visages mélancoliques de Scott y font beaucoup et la perfection des traits et des planches globalement ajoutent à ce bien être du lecteur pour un album vraiment agréable à découvrir. On part donc sur des bases très qualitatives, qui peuvent aboutir à une très grande série si le tout reste aussi maîtrisé dans les prochains tomes. Un des tout meilleurs comics de l’année!

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L'ouvrage est introduit par une page synthétique sur les événements qui ont amené à la guerre du Liban. Très bien expliquée, elle aide à s’immerger dans les événements de contextes entourant cet album. L'ouvrage lui-même est découpé en deux parties (avant le déclenchement de la guerre et les conséquences du début des hostilités). En fin d'album l'auteur détaille le côté autobiographique, accompagné par des photos personnelles et enfin d'une chronologie de l'histoire du Liban. Je suggère de lire cette post-face avant l'album, je pense que cela aide à appréhender la BD.

En 1974 la famille Boulad, chrétiens d'Egypte émigrés au Liban, mène une vie paisible à Beyrouth, entre la librairie du père et le théâtre de la mère. Cette douce vie voit pourtant la montée des tensions confessionnelles dans un pays qui n'est pas le leur. Quand un an plus tard la poudrière s’enflamme, leur vie bascule.

J'avais beaucoup aimé le précédent album de Gaël Henry, Jacques Damour, où j'avais noté sa maîtrise du découpage, du mouvement et de l'expressivité, à la manière d'un Blain. Le style de l'auteur va vers des encrages forts sur des dessins au trait léger, parfois gribouillés, bref, rapides. C'est un genre graphique... et l'on décèle sur les cases un peu techniques (bâtiments, perspectives, véhicules,...) que le dessinateur sait produire des planches précises. Néanmoins, si sur Jacques Damour la colorisation et la dynamique générale m'avaient fait oublié des dessins parfois approximatifs, sur La guerre des autres j'ai été déçu par des couleurs que j'ai trouvé ternes et un scénario posé qui jour sur les ambiances plus que sur le mouvement, ce qui n'est pas forcément le point fort de Gaël Henry. Ce style graphique est vraiment étrange car il peut produire avec le même type de traits parfois vraiment minimalistes, de magnifiques séquences comme sur Une Sœur de Vivès ou d'autres mal finies... Difficile équilibre.

L'histoire m'avait attiré car elle portait sur une histoire récente, politique, d'une région du monde hautement complexe. Le Moyen-Orient, la Palestine, la cohabitation des communautés. Sujets passionnants. Le traitement choisi est autobiographique, la jeunesse du scénariste, une tranche de vie, des atmosphères, celles des années 70 dans un Moyen-Orient moderne, entre Occident et Orient, avant les guerres généralisées, avant l'islamisme, une époque où les Non-alignés créaient des espaces de liberté qui nous semblent bien loin quand on pense aux pays méditerranéens. On a un petit côté Tran Anh Hung dans ces ambiances lascives, oisives, où la question financière semble vaguement secondaire. La sœur tombe amoureuse de tout ce qui bouge en tentant de bosser son bac, le grand frère redoute le service militaire et la mère tente de reprendre son indépendance... Cette histoire familiale est indéniablement intéressante et les textes nous entraînent avec en toile de fonds le contexte politique, les réfugiés de OLP qui créent des tensions avec les milices chrétiennes dans un pays organisé confessionnellement. En tant qu'autobiographie, la ligne scénaristique est contrainte et comme l'on reste globalement à l'intérieur de cette famille de ses murs, l'aspect historique reste assez secondaire, l'album se raccrochant plutôt à une certaine mode nostalgique dans pas mal de récits, comme sur les Beaux étés de Zidrou par exemple. Ce côté n'est pas ce qui me passionne le plus et j'aurais aimé voir le côté "incidence de la grande Histoire sur la petite histoire" plus présent.

Pour peu que l'on aime le style graphique et ces ambiances rétro à base de libération sexuelle, de rouflaquettes et de chemises à fleurs, La guerre des autres vous fera passer un beau moment au bord de la Méditerranée.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/09/26/la-guerre-des-autres

Au niveau éditorial l'album est plutôt dans le haut du panier chez Panini, avec une préface habituelle de contexte sur Marvel Legacy, deux pages (assez moches) de présentation des personnages, les couvertures originales et des bonus en fin de volume sur le design des personnages et la création de l'histoire.

Tous les mille ans la Convention est formée pour permettre une discussion diplomatique entre Enfer et Paradis afin de régler les différents dans la guerre éternelle que se livrent les deux forces. Cette fois-ci les règles ont changées et menacent de rompre à jamais l'équilibre éternel, obligeant Daïmon Hellstrom (le fils du Diable) à réunir une équipe... pour sauver l'univers! 

Pour commencer cette chronique je précise que la quasi totalité des personnages et contexte de cet album Marvel m'est inconnue. Hormis les films Blade et Ghost Rider je découvre cet univers qui ressemble (en plus fun) à celui du Hellblazer (Constantine) de chez DC, au film Dogma de Kevin Smith et surtout au jeu de rôle In Nomine Satanis jadis illustré par monsieur Varanda, et dont on retrouve totalement le côté délirant. Je reconnais que j'adore absolument ces histoires de lutte entre enfer et paradis (le Rapture de Valiant avait ce côté très sympa et moins sérieux que Shadowman) avec ces archanges intervenant en personne, un Diable coquin au possible et des manigances pour contourner les règles. Avec ici des anti-héros très rock'n'roll (dont un Ghost Rider que je voyais comme assez kitsch jusqu'ici), on a résolument une histoire one-shot très fun et joliment mise en image par un illustrateur espagnol assez bon.

Les dessins sont une surprise car hormis les pointures des Big-Two les comics indé ou sur des héros mineurs sont rarement un éblouissement oculaire. Je n'irais pas jusqu'à dire que Baldeon fait partie du gratin des illustrateurs de comics, mais franchement, dans l'école Humberto Ramos/Madureira on est quand-même dans la même catégorie. La colorisation très informatique ne permet sans doute pas de juger à sa juste valeur l'encrage (qu'on pourra apprécier dans les bonus) mais elle apporte, par une profusion d'effets de lumières et de flammes très jolis, une belle tonalité complémentaire à cet album. Sincèrement je me suis fait plaisir graphiquement alors que la couverture assez moyennement dessinée ne me préparait pas à cela. Les tronches un peu cartoon et le design à l'outrance assumée participent de cette idée d'une série B à gros moyens.

Et l'histoire est remarquablement construite, sans complication inutiles, sur le mode d'une enquête classique, avec un premier mort révélant une conspiration plus vaste, passage de témoins démoniaques à tabac et moultes bons mots échangés entre ces sales gueules de l'univers Marvel. Les auteurs expliquent dans les bonus un traitement différencié selon le personnage suivi, de l'ambiance "actionner 80's" pour Blade au polar pour Hellstrom ou Dragon ball pour Ghost Rider... Il y a de l'idée et cela permet de varier les planches et les séquences. Pas de faux rythme ou de ralentissement dans une histoire qu'on regrette presque une fois la centaine de pages achevées.

One-shot plus proche d'un indé de chez Image, Esprits de vengeance a le très gros mérite d'être absolument accessible à n'importe quel lecteur de BD, de se suffire à lui-même et d'avoir une cohérence graphique et scénaristique sans prétention mais terriblement efficace. Si le projet avait été un poil plus ambitieux (et si je ne l'avais pas lu en version numérique) on était pas loin des 5 Calvin!

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Suite du volume 1 publié par Urban, ce volume comprend le troisième épisode de la série Batman: Métal (dessinée par Greg Capullo) enchâssé dans les épisodes one-shot relatant l'apparition de chacun des Batmen du multivers noir fusionnés avec l'un des héros de la Justice League. Le gros volume comporte comme le précédent, en prologue un résumé éditorial de contexte, une court synthèse des personnages DC impliqués dans ce volume, en en fin de tome un plan du multivers et une très courte galerie. L'illustration de couverture est particulièrement trash (avec un gros rappel du Deuil de la famille du duo Snyder/Capullo, et franchement magnifique!

Dans différentes Terres du multivers, Batman se retrouve confronté à ses terreurs et à ses échecs. Sacrifiant ses amis de la Ligue de Justice, Bruce Wayne, dans ses différentes représentations, capitule et ouvre son cœur à la noirceur de Barbatos, devenant l'un des chevaliers noirs du Multivers noir. Ce sont les récits de ces versions de Batman qui nous sont proposés ici...

Après la lecture de ce second volume du run Metal, deux conclusions: premièrement nous avons là sans doute l'un des arcs les plus ambitieux produits par DC, à la fois graphiquement de très haut niveau et aux incidences thématiques et dramatiques très profondes. Deuxièmement, si vous démarrez du DC là-dessus accrochez vous, la narration est compliquée à souhait entre les trames temporelles, les différentes itérations de Batman et l'art de la complication scénaristique qu'ont les auteurs de comics...

L'album est plus riche que le précédent car plus cohérent. Hormis le troisième épisode de Batman: Metal, sur lequel je n'ai pas compris grand chose (tellement de liens avec l'histoire éditoriale de Batman et de DC), on découvre au travers des histoires des différents chevaliers noirs suivant le Batman qui rit et apparus à l'ouverture du Multivers noir, ce qui a provoqué cette catastrophe. Chacun des scénaristes derrière ces one-shot parvient à créer à la fois une variation super intéressante fusionnant Batman et un des membres de la JL et faire avancer la compréhension de l'intrigue principale.

Là où le volume précédent était un peu rempli pas des épisodes anecdotiques, ici tout se tient et c'est finalement plus le retour de Snyder et Capullo qui nous perd avec cette difficulté à n'avoir jamais de continuité directe d'un épisode à l'autre (à chaque fois on se demande: on est quand? on est où?) et avec des idées WTF qui ressortent de façon étonnante pour un duo créatif qui a produit de si bonnes choses par le passé. Les stand-alone parviennent à atteindre une profondeur dramatique vraiment inspirée, notamment sur le dernier épisode "Lost" qui voit Batman perdu dans son esprit et dans le Multivers noir, revivant ses précédentes aventures. L'on se demande alors s'il est vraiment possible que DC ait construit depuis si longtemps des pistes réfléchies menant à Metal... J'en doute mais l'artifice marche superbement! On passe donc tout un album à lire des histoires de Batman sans Batman, des histoires au fonds identiques, sans que l'on ne s'ennuie le moins du monde.

La noirceur générale du volume est réellement désespérante et si certains trouveront ça un peu too-much, je trouve que l'objectif est totalement réussi de désespérer le lecteur qui finit l'ouvrage sans aucun espoir de victoire finale et en se demandant si Metal n'aboutira pas simplement à des intrigues situées dans le multivers noir... Je suis le premier à crier aux interminables reboot-relaunch-apocalyptiques des Big-two mais ici je dois reconnaître qu'on est accroché (notamment grâce à l'exigence graphique que personnellement je n'ai jamais vu si haute sur une équipe artistique d'une telle taille). J'ai tellement pris l'habitude d'être déçu à lire des comics de super-héros que je dois reconnaître une assez grosse attente de connaître la chute de ce run! Pour peu que l'on accepte de faire l'impasse sur toute la ribambelle d'artefacts, personnages et concepts issus de 50 ans de publications DC, Les chevaliers noirs apporte une vraie fraîcheur qui peut même donner envie d'aller lire d'autres arcs ...

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/09/24/batman-metal-2-2

La très jolie couverture est bien en phase avec l'histoire et dotée d'un vernis sélectif. La maquette est très propre, la quatrième de couverture intrigante. Très bon travail d'édition... hormis une ou deux coquille que l'on pardonnera à l'un des premiers albums de l'éditeur.

Alors que l'on célèbre la fête des dragons comme chaque année, Aeka voit sa famille massacrée devant ses yeux par un énigmatique guerrier masqué, aussi impitoyable qu'invincible. Enlevée par lui, elle va être entraînée aux arts guerriers par son propre ennemi, jusqu'à ce qu'elle soit capable de le terrasser. Mais l'homme semble lié au passé qui a vu la défaite des hommes sur les Dragons...

Aeka est une histoire de vengeance, de sabre et de dragons. Pas mal comme pitch. L'album commence pourtant assez lentement, voir même de façon assez banale pour ce genre d'univers, juste de quoi nous faire toucher du doigt la personnalité forte de l'héroïne et le contexte semi-fantastique du japon des samouraï. J'ai cru un moment que l'on verserait dans une énième histoire de Shogun et d'histoire d'honneur... Mais dès l'irruption du guerrier, en une scène assez réussie, on est accroché. L'album se lit assez vite avec la formation de la jeune fille qui doit apprendre à se surpasser et développer ses sens, quasi surnaturels dans des décors sylvestres. Si elle n'a rien de révolutionnaire, l'intrigue est intéressante, comportant suffisamment de mystère pour donner envie de poursuivre et le scénario avance à un rythme bien équilibré en progression. La mise en scène est du reste efficace.

Sur le dessin j'ai eu un peu de mal en revanche. Rien de honteux, l'illustrateur sait tenir des crayons, mais on est plus dans la qualité moyenne d'un album de fantasy de chez Soleil que sur le précédent album de Kamiti. Tout le monde ne peux pas avoir le même niveau et quand on voit l'illustration de couverture  et la qualité des encrages on peut gager que Fabrizio Cosentino a de la marge de progression, d'autant que sur la maîtrise de la mise en scène il n'y a rien à redire, c'est lisible et parfois même assez sympathique pour certaines planches. J'avais lu le premier Monde de Maliang sur lequel j'avais trouvé les dessins très réussis et malheureusement tiqué sur la reprise (par Consentino) avec des dessins manquant de technique. Pourtant quand on voit la page web de l'auteur il y a clairement du potentiel, notamment dans la colorisation numérique.

En résumé, on a ici un album de fantasy assez classique tendance adolescents, qui ne sort pas forcément du lot de la production grand public mais reste d'une lecture agréable et dont la progression scénaristique sait attirer vers les prochains volumes, avec un contexte mystérieux qui peut faire gagner la série en qualité dans le temps. Et pour peu que le japon médiéval vous botte vous pourrez passer un très bon moment en compagnie d'Aeka.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/09/22/aeka-hiver-rouge

Je ne suis pas grand fan des séries commerciales de chez Soleil dans lesquelles officie Jean-Luc Istin, du coup je ne connais pas le travail de ce scénariste. Pourtant le concept de cette série annoncée en 5 tomes me paraît alléchante: une planète à coloniser par album, un contexte différent, des personnages différents. Avec une très percutante couverture et un petit truc dans le dessin, cela m'a suffit pour entrer dans l'histoire.

La flotte arrive enfin en orbite d'Islandia après des milliards de kilomètres et trente années de cryosommeil. Une flotte de colonisation. Une planète habitée par des indigènes pacifiques. Mais très vite pour l'oberleutnant Konig quelque chose semble clocher dans cette arrivée. Commence une enquête pour découvrir une conspiration qui va remettre en cause ce voyage sans retour...

Islandia, le premier tome d'une nouvelle série de SF militaire est une très agréable surprise dont je n'attendais pas tant, ayant commencé la lecture surtout pour les dessins de Zivorad Radivojevic. Je découvre cet illustrateur qui a, malgré quelques failles techniques de perspectives, une patte très intéressante qu'il faudrait voir en noir et blanc pour apprécier plus précisément son dessin (la couleur n'est pas honteuse mais très informatique, elle donne cet aspect interchangeable qu'ont beaucoup de comics et de BD de chez Soleil).

Le premier aspect novateur est dans le choix d'une culture germanique à cette flotte de colons avec un design très réussi vaguement inspiré de l'armée du troisième Reich. Istin évite la fausse bonne idée de calquer des idéaux nazis sur cette armée, qui a simplement le comportement classique de toute armée de conquête envoyée là après ce qu'on comprend avoir été un Armageddon sur terre... Aucune information directe de contexte, du pourquoi de la présence de cette flotte mais le scénariste distille quelques miettes qui laissent penser que le contexte général prendra forme à mesure de la lecture des cinq one-shot de la série. J'aime bien l'idée d'un univers cohérent dans lequel nous assistons à des histoires séparées (un peu ce que fait Fred Duval sur ses séries SF). Istin a construit cela avec ses séries fantasy depuis pas mal d'années et a donc de la bouteille.

L'histoire de cet album, après le réveil des militaires et le premier contact du lecteur avec l'héroïne, nous plonge rapidement dans une sorte d'enquête policière entre l'Oberleutnant Konig, son compagnon et l'IA de la flotte. Pas mal de concepts intéressants sont proposés (comme cette IA qui est tout sauf la voix de son maître!) et l'ensemble des personnages secondaires sont étonnamment développés quand on aurait pu s'attendre à des archétypes de jeu vidéo. Istin accorde un vrai rôle à chacun (l'héroïne est très réussie en mère acariâtre et Badass) et malgré l'intrigue nécessairement assez simple du fait du format one-shot, on apprécie les dialogues. La relation avec les autochtones ne propose guère plus de choses que depuis Aquablue (à savoir une vision écologiste face à une société technologique d'invasion) mais pas de faute de gout non plus. Le fin mot de l'intrigue m'a semblé un peu tiré par les cheveux et surtout en décalage avec une ambiance techno-réaliste sur la plus grande partie de l'album. Rien de risible mais l'effet Slasher vu dans une majorité de films de SF se retrouve malheureusement ici.

On reste avec un album très grand public de très bonne facture et dans la moyenne haute pour un produit aussi formaté. De quoi donner envie de lire les autres volumes de la série, pour peu que le niveau graphique soit aussi bon que sur Islandia.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/09/19/conquetes-islandia

Les couvertures de Guerineau n'ont jamais été particulièrement bien inspirées, comme quoi on peut être un très grand dessinateur et pécher sur la couverture. L'image est du reste parlante même si, selon moi, pas forcément percutante. L'ouvrage est au format quasi-comics de l'excellente collection Mirages de Delcourt (que je vous recommande vivement d'explorer), papier épais. Pas de bonus particulier.

A 22 ans le jeune roi Charles IX, soumis à sa mère la redoutable Catherine de Medicis, ordonne les massacres de la Saint-Barthélémy, événement sans commune mesure dans l'histoire du royaume. Hanté par son acte, il finira son règne entre les poèmes de Ronsard et une gestion de la vie et de la mort immorale...

J'avais découvert Guérineau sur le Chant des Stryges, série sur les premiers cycles desquels il a fait montre d'un art du cadrage, du rythme et des encrages redoutables. Je dirais ensuite que sa finesse s'est usée, sans doute à l'usage d'une série très longue qui ne lui a que peu laissé le temps d'expérimenter d'autres univers. J'avais lu le très bon (et contemplatif) western Après la nuit ainsi que son XIII mystery très politique il y a quelques temps et espérait qu'il se produise sur des one-shot. Cela semble chose faite et maintenant que les Stryges le laissent en paix il ne semble aucunement lassé du dessin et enchaîne ce qui ressemble à une série sur les rois de France: Charles IX puis Henri III dans son récent Henriquet, l'homme-reine dont le personnage est issu du précédent. Étonnant aléa je lis cet ouvrage juste après la formidable adaptation de Jean Teulé (encore) Je, François Villon par Luigi Critone, où l'on retrouvait déjà la violence brute, l'indolence du personnage principal et une certaine expérimentation visuelle. Il semble que Jean Teulé ait inspiré le même genre de visions aux deux auteurs...

Ce qui marque dans cet album, c'est la très grande liberté d'un auteur qui s'assume comme tel et le sentiment que les contraintes de la série commerciale avec scénariste avait impliqué un besoin de grande respiration. On a toujours chez ce dessinateur un pessimisme noir sur l'humanité et une approche politique appuyée. Le point de départ, crime originel est la Saint-Barthélémy, qui entraîne une foule de réflexions en mode humour noir sur le pouvoir, la folie des guerres de religions et de monarchies consanguines, dégénérées et hors sol. La quatrième de couverture incite à la compréhension envers ce roi qui est néanmoins présenté comme un tyran, fou au milieu des fous. Pour illustrer cette désarticulation Guerineau alterne des planches assez classiques (et très belles), des expérimentations contrastées de rouge et de noir, des délires en mode Peyo,... Ce qui est perturbant ce ne sont pas les séquences en rupture graphique brutale mais l'alternance entre des planches encrées et d'autres bien moins travaillées sans que l'on comprenne bien pourquoi. Mais l'ensemble est particulièrement inspiré et sort tout à fait de l'ordinaire des albums BD.

Sur le plan du scénario, Guérineau se cale dans les pas de Dumas et la Reine Margot, ou de son adaptation magistrale par Patrice Chéreau au cinéma. Ainsi de l'hypothèse d'une Catherine de Medicis castratrice avec un roi terrorisé à l'idée de perdre son amour, ainsi surtout de l'idée d'un empoisonnement du roi par sa mère elle-même, scénario développé par Dumas mais ne reposant que sur de faibles supputations historiques. Nous sommes donc bien dans un objet immaginaire, fantasmé et réapproprié par un auteur. Le point de départ est cette séquence terrible en huis clos, ce tribunal où pour la seule fois le roi nous paraît humain. Après quoi il nous sera présenté comme un adolescent attardé, fuyant sa responsabilité en des jeux tantôt mortels, tantôt cruels, mais toujours violents.

BD inattendue pour moi, Charly 9 me donne très envie de lire la suite Henriquet et probablement les futurs one shot d'un illustrateur décidément très élégant et qui désormais loin des projecteurs rivalise avec la coqueluche du moment, un certain Ralph Meyer.

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L'ouvrage Steinkis commence par un résumé des origine de la guerre de la Triple alliance (Brésil/Uruguay/Argentine) au XIX° siècle, contre le jeune Paraguay, qui permet de situer le contexte. J'aurais aimé quelques documents en fin d'album pour coller encore plus la fiction au réel...

Pour finir ce préambule je m'attarderais sur une couverture symptomatique de la qualité du travail de l'illustrateur argentin Gabriel Ippoliti, extraordinaire dessinateur (comme tous les illustrateurs argentins?) que je découvre et dont je suivrais les prochaines publications sans aucun doute! Cette illustration attire sur le regard magnifique de l'enfant en rouge, puis sur les costumes démesurés des autres petits soldats pour enfin tomber en haut sur le regard du photographe, témoin de cette horreur. Tout l'album est résumé dans cette image et j'avoue que j'ai rarement vu une "affiche" à la fois si belle, si accrocheuse et si fidèle au contenu. Cet artiste a une maîtrise au scalpel de son art et de la composition, comme je vais l'expliquer plus bas.

Entre 1865 et 1870 a lieu une terrible guerre en Amérique latine, une guerre folle aux motifs oubliés et dont les protagonistes, des héritiers dynastiques perdus comme des nobles européens déchus, utilisèrent leurs peuples comme revenche. Un peuple qui ne voulait pas d'histoire, comme ces pacifiques indiens Guarani dont les fous de guerre finirent par prendre même les enfants. Un photographe français en reportage sera témoin de cette folie, de cette barbarie inouïe...

Cet album est un choc tant visuel que thématique. Il parvient à frôler la perfection dans la simplicité du récit comme dans la justesse du dessin et du cadrage. Ce duo argentin nous propose avec Guarani une plongée d'une beauté et d'une humanité folle dans des événements dont personne ou presque n'a entendu parler. Les guerres coloniales ou nationalistes furent très nombreuses au XIX° siècle mais européanocentrés comme nous le sommes ce qui s'est passé de l'autre côté de l'Atlantique ne nous est pas connus. Nous découvrons donc un continent en proie à une guerre sans doute instrumentalisée par les puissances anglaise et américaine et dont la pertinence n'égala pas celle de nos guerres européennes. Le scénariste Diego Agrimbeau place finement le lecteur dans les pas d'un témoin naïf en la personne d'un colosse terriblement charismatique et archétype bien connu de la technique du récit: le photographe. Pierre Duprat veut voir les indiens Guarani, situés en plein front et enrôlés de force dans une guerre qui n'est pas la leur. Le français entame un voyage initiatique, spectateur d'une Amérique étrange, naturelle où comme dans Apocalypse Now, la remontée du fleuve fait se rapprocher du Mal. Entendons nous bien, l'album est traité avec beaucoup de douceur et seules quelques cases et le contexte général nous font comprendre les affres de la guerre. Doux géants frappé par la brutalité de ces hommes sur un continent qu'il ne connaît pas, il rencontre avec les Guarani (dépeints par Emmanuel Lepage dans son magnifique Terre sans mal il y a quelques années) des esprits purs, sans violence et à la beauté paradisiaque. Le scénariste donne une grande subtilité aux planches de son acolyte en passant beaucoup de choses par le regard, notamment cette relation platonique où l'on devine de l'amour, un amour courtois impossible mais où les auteurs n'interviendront pas...

Dès les premières planches nous sommes saisis par la qualité et la maîtrise graphique d'Ippoliti qui, dans un style BD aux effets crayonnés trouve une justesse de ton, des regards, des cadrages proprement sidérante. Le dessin BD n'est pas que technique, c'est surtout une intelligence qui fait réaliser que tel dessin finalement assez simple, acquiert une pureté, un réalisme grâce à d'infimes détails de tracé ou de mise en scène. Toutes les scènes, qu'elles soient urbaines, guerrières ou itinérantes, ont un dynamisme qui fait croire à un dessin animé et nous immerge totalement dans le récit et ses personnages très attachants par-ce que pertinents, justifiés, entre le photographe nationaliste paraguayen, l'indien exilé en ville ou ces Guarani muets mais à la beauté si parfaite.

On a coutume de dire que le bel art est simplicité. Il y a de cela dans Guarani, une histoire simple mais aux répercutions fondamentales (l'utilisation aberrante d'enfants pour "jouer" à la guerre, la corruption de la pureté, la quête de sens d'un témoin extérieur mais si touché). Dans l'esprit on est pas loin de l'ambiance de la Ligne rouge, le chef d'oeuvre de Terrence Malick au cinéma. Des images et des chants qui restent en mémoire. Un grand coup de cœur et un coup de chapeau!

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Renato Jones est de retour ou plutôt son avatar vengeur: Freelancer (incarnant la liberté d'assassiner dans un monde où les 1% considèrent normal de tout contrôler). La première saison avait présenté les origines de Renato et son dilemme insoluble en la personne de son amie Bliss, membre des 1%...

L'album reprends là où le précédent s'était achevé, sur un affrontement au dénouement inattendu avec Super Méchant (l'auteur explique dans les bonus que ce nom était au départ une blague mais a finalement été retenue... et je confirme que cela ajoute beaucoup au côté déraisonnable et très attachant du projet!). Le risque avec les auteurs de comics est toujours celui de se laisser porter par un design réussi comme une fin en soi (genre Poet Anderson). C'était un peu le cas sur le premier volume, même si le travail graphique de textes mélangé aux cases et la structure générale de l'objet pouvait le justifier.

Le père de Bliss est porté à la présidence des Etats-Unis et avec lui l'accès des 1% à la toute puissance. Renato a échoué, la charge est trop forte. Pourtant ces adversaires de l'humanité ont identité leur ennemi, le Freelancer, dont ils vont essayer de trouver l'identité...

Sur Freelancer on monte d'un cran en qualité en évacuant notamment les complexités d'aller-retour temporels qui ne facilitaient pas une lecture déjà) surchargée par l'habillage et le dessin d'Andrews. Là-dessus je suis vraiment content par-ce que dans les comics j'ai plus souvent l'expérience de l'inverse... Débarrassé du problème de l'"origin story", l'auteur se lâche en appliquant la rupture radicale nécessaire à la bonne tenue d'une histoire: très vite les méchants gagnent et Renato tombe dans la dépression! Arrivé à ce stade Andrews évite le Deus Ex machina facile en déroulant une continuité cohérente avec des éléments mis en place dans le premier tome. On est surpris, perdu, ravis, bref, du très bon scénario! Fondamentalement Renato est un Batman sans slip dans le monde réel et l'auteur joue sur les mêmes registres de la famille et du père adoptif ainsi que sur l’identité du justicier. La post-face est très intéressante pour comprendre la construction de cette seconde saison, avec l'arrivée au pouvoir aux Etats-Unis de ces 1% en la personne de Donald Trump! Le risque de voir le côté subversif de l'ouvrage était alors grand en rejoignant la réalité. L'auteur a ainsi fait le choix de la surenchère cataclysmique, qui aurait pu paraître too much si l'on ne connaissant pas le contexte de notre monde. En cela Renato Jones est sans doute le comic le plus lié à l'actualité qui ait été publié! Même pas de l'anticipation, une simple illustration...

Graphiquement également les pages s'apurent. On a plus de blanc et noir contrasté assumé, ce qui facilite la lisibilité et permet d'apprécier mieux la qualité du dessin. Je trouve que l'artiste dessine plus qu'il ne design et cela améliore le rendu général. Si "les 1%" piochaient graphiquement dans le Dark Knight de Miller, ce volume penche plus vers du Sin City et c'est tant mieux! Les séquences d'action sont toujours aussi foutraque et les grosses ellipses sont parfois surprenantes. Mais rappelons nous que nous restons malgré tout dans le registre super-héroïque, genre où le combat 1 contre 1000 achevé par une apothéose est entré dans les codes familiers.

Si j'avais beaucoup apprécié le projet général et l'implication de l'auteur sur le premier tome, j'avais constaté quelques lacunes qui me semblent quasiment disparaître ici, pour proposer un ouvrage politique de première envergure et à la maturité vraiment intéressante. L'enchaînement des deux intrigues rendra compliqué de ne lire que le second tome mais gageons qu'Akileos publiera prochainement une édition intégrale rehaussée de mille et un bonus! En attendant vous pouvez lire l'interview de l'auteur (en anglais) sur le site de l'éditeur Image comics et vous entraîner aux fléchettes sur le président à la houppette blonde en criant:

Bouffe moi ça!

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L'album a été lu en numérique, donc hormis la maquette reprenant l'habillage d'une bouteille de Whiskey, aucun bonus hormis les couvertures des épisodes, ce qui est rare dans les comics.

Cannibal vous transporte dans l’Amérique profonde, celle que les scénaristes américains illustrent de plus en plus dans leurs récits de genre, en cette période de Trumpisme où une Nation s'interroge sur son sort et sur la viabilité à faire encore cohabiter des populations si différentes et notamment un Sud réactionnaire, violent, anti-autorité. Car sous un habillage d'histoire d'horreur se cache surtout la chronique d'une fratrie de la Louisiane, un endroit où le centre est le bar, où tout le monde se connaît et où on chasse les étrangers (entendre "étranger au comté"...) à coups de barres de fer. Surtout, un endroit où comme jadis dans l'Amérique pré-Union, les habitants se font justice eux-même en vague forme de milice et où le Shériff bien loin de sa tutelle ferme les yeux. Un univers où la petite amie est gogo-danseuse et où le héros défonce un concurrent juste au cas où...

L'esprit des scénaristes n'est donc pas à dresser des proximités entre lecteur et personnages. Je ne sais si c'est le dessin ou la construction mais on a du reste un petit peu de mal à suivre qui est qui entre tous ces grands gaillards redneck. La seule once de fantastique reste cette rumeur lancinante qui revient discrètement qui nous fait comprendre que certains deviennent cannibals et l'album s'ouvre et se termine sur une telle scène. C'est tout. Pour une série titrée Cannibal on peut considérer qu'il y a tromperie sur la marchandise. Je ne dirais pas cela mais simplement que l'action tarde un peu à venir comme l'enquête de ce shériff noir très zen qui sait gérer sa population de sang chaud. Le cœur de l'histoire, très bien dessinée (un peu à la manière de Sean Murphy) est intéressant à suivre et l'on a envie de connaître la suite. Ce premier volume de Cannibal est à consommer tranquillement, au calme, sans s'énerver. Il ne vous retournera pas mais vous fera voyager dans un lieu où l'on a pas très envie de vivre et cette immersion convaincante justifie sa lecture.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/09/11/cannibales

Le format comics léger et peu cher est inséré dans une jaquette couleur. La couverture est très attirante avec un dessin type manga. Une interview assez vide conclut le volume, où le principal intérêt (pour qui n’est pas un fanatique de l’auteur Tom De Longe) réside dans les illu de concept très sympa, De Longe ne disant que des platitudes qui ne nous apprennent rien sur la BD et sa réalisation. Étonnant…

Le monde des rêves existe! Deux frères sont des Poets, dotés de la capacité de circuler entre les deux mondes et de « rêver éveillés ». Ils vont se retrouver au cœur d’une terrible machination du maître des cauchemars qui aspire rien de moins que semer le chaos sur le monde réel…

Poet Anderson – the dream walker est un coup marketing réussi comme les américains en ont la science. L’interview de Tom De Longe reflète un projet multi-médias qui semble avoir été montée pour développer et vendre une création pensée comme un clip et non comme une BD. Attention, je ne dis pas qu’il s’agit d’une mauvaise BD, loin de là! Simplement la communication faite autour d’un objet très graphique est à l’échelle d’un gros projet ambitieux… ce que n’est résolument pas Poet Anderson, que je vois plus comme un sympathique one-shot. C’est dommage car le travail sur l’univers visuel est vraiment sympa, les design très réussis et l’idée d’un passage entre le monde réel et celui des rêves, si elle n’est pas franchement révolutionnaire, reste toujours sympathique avec beaucoup de possibilités (on se souvient de Matrix pour ne citer qu’un exemple). Le délai entre la première publication du tome 1 et un second volume qui ne pointe toujours pas le bout de son nez me laisse très pessimiste sur une suite à cette histoire. Personnellement je n’aime pas les histoires qui n’ont pas de fin et les auteurs (surtout réputés) qui ne respectent pas leurs lecteurs. Du coup je reconnais que j’ai un sentiment ambigu après la lecture de cet album…

Mais concrètement qu’avons-nous? Comme dit en résumé, Anderson est le sauveur attendu pour équilibrer les deux mondes face à la menace apocalyptique d’une perversion du monde réel par l’entité maléfique issue des cauchemars. Les concepts et personnages lancés par ce tome sont nombreux et relativement riches, les thèmes archétypaux et mythologiques (le Mal, la fée,…) sont également toujours de bons points pour une histoire fantastique. Le drama est à la hauteur (bien que l’histoire avance très vite) avec dès la fin de ce premier volume, un danger bien palpable qui donne du corps à cet univers. Il y a bien quelques facilités de construction avec ces aller-retour des deux frères entre les deux mondes et la temporisation dans l’apparition des pouvoirs du héros, mais globalement on a un comic-manga très sympathique et visuellement assez réussi (très coloré).

Je suis assez gêné car peut-être que dans cinq ans après la clôture de l’histoire en 3-4 volumes je serais dithyrambique sur un monde fantastique puissant et onirique, mais le risque d’un album mort-né me laisse sur mes gardes… L’impression que la BD n’est qu’un gadget autour d’un court ou long métrage d’animation fait craindre le simple objet promotionnel pour le groupe de rock de De Longe… Je vous laisse juges…

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La superbe couverture nous mets sous de bons auspices pour la lecture du premier album d’un nouvel éditeur à qui on pardonnera les quelques coquilles de textes. La maquette est simple, rien d’exceptionnel mais rien à reprocher non plus. L’album est annoncé en deux parties (j’aime ça) et les auteurs expliquent en fin d’album les découvertes des systèmes d’exo-planètes, réalité scientifique qui leur a donné l’idée de ce projet. C’est original et intéressant. Enfin, un making of des étapes conception d’une page par l’illustratrice clôture le volume, ainsi qu’un aperçu d’une page du prochain tome. On sent l’effort éditorial pour développer l’après-lecture et c’est très bien.

En 2627 l’humanité a été asservie par un bloqueur génétique qui interdit toute violence, et donc toute révolte. Dans le système « Red Sun one » Cass et Bord’ sont frères et sœurs, mineurs travaillent dans des champs d’astéroïdes. Couvé par sa frangine, Bord’ ne rêve que de rejoindre la rébellion qui s’est émancipée du bloqueur génétique et combat pour la liberté des humains contre un mystérieux adversaire…

Dans la série « une couverture c’est (très) important », Red Sun se pose là! Reprenant les codes de l’affiche de cinéma, avec des personnages forts et ses teintes chaudes solaires, l’album a l’une des plus belles couvertures de l’année. Tant mieux pour l’éditeur tant il est difficile de faire son trou. Là où ça devient intéressant c’est que la couverture est réalisée par l’illustratrice de l’album (assistée d’Antonio Di Luca mais l’on n’est pas dans la démarche commerciale utilisée par beaucoup d’éditeurs sur le modèle des comics US et que je trouve détestable)… et surtout qu’elle n’est pas trompeuse puisque les dessins intérieurs sont largement du niveau de la peinture de cette couverture. Comme on dit, « on ouvre un album pour ses dessins, on l’aime pour son scénario »…

J’ai pris grand plaisir à la lecture de cette histoire SF qui sait instiller un mystère tenace tout au long du volume en induisant subtilement des informations sur les antagonismes. Les deux frangins sont attachants et crédibles par leurs options de vie opposés et les personnages secondaires (très peu développés, un peu dommage) appuient ce duo. L’intrigue progresse sans longueurs, essentiellement autour de ce frère que Cass va tout faire pour protéger et c’est justement au moment où l’on sent que l’on a besoin d’un événement pour progresser dans l’intrigue que survient la révélation finale. La tension est donc tout le long sur le fil et le côté tardif de l’accélération renforce l’envie de lire la suite. Gros cliffhanger, joli coup scénaristique, c’est très efficace.

Niveau graphique, pour un premier album c’est déjà très fort. Le making-of explique la technique essentiellement numérique d’Alessandra de Bernardis dont la maîtrise anatomique (les postures des personnages dans toutes les situations sont sans faute) et la caractérisation des visages est vraiment intéressante. Le côté très numérique des couleurs et des textures peut paraître un peu lisse mais cela apporte aussi une ambiance typique de la SF spatiale. Peut-être un peu trop d’effets de lumières mais franchement, beaucoup de dessinateurs chevronnés ne s’en tirent pas mieux. Pour peu qu’elle progresse en publiant, on tient là l’une des illustratrices à suivre de ces prochaines années et qui pourra sans doute dessiner dans tous les styles tant sa technique paraît solide.

Je suis vraiment content pour les auteurs et l’éditeur de parvenir à publier un premier album si costaud et qui pourra sans difficulté lancer une carrière à suivre.

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Sur le plan fabrication, on a droit à un très gros album au papier épais et à la très élégante couverture. L'album est découpé en chapitres ouverts par un poème, de Césaire ou de Hugo. L'ouvrage s'ouvre sur un avertissement concernant les éléments de fiction et ceux documentés et se termine par l'article dans la revue XXI qui a donné naissance au projet. Une excellente chose, qui aurait même pu être suivie par un entretien avec les auteurs sur l'adaptation... mais avec une telle pagination on ne peut pas trop en demander. Pour finir, je tiens à préciser que j'ai découvert cet album via un article de Mediapart et ne connaissais pas cet événement.

En décembre 1944, l'armée française tire sur des tirailleurs sénégalais rassemblés dans une caserne de Thiaroye avant leur démobilisation, provoquant un massacre. L'historienne Armelle Mabon découvre cette affaire et tente de démontrer les falsifications et mensonges autour de ce qui s'avère un crime et une affaire d'Etat tachant l'honneur de l'Armée...

Ce récit est une fiction. Un scénario basé sur des événements réels et sur l'histoire vraie d'une thésards hantée par ce drame depuis le jour où elle en a entendu parler. Que le format soit celui de la fiction ne recouvre pas l'objet de l'ouvrage qui est bien de dénoncer un mensonge d'Etat fomenté par l'armée coloniale. La grande force de ce récit est de montrer la démarcation très fine entre la recherche scientifique froide et argumentée et le travail journalistique, fait de conviction et de récits. Ici on est plus dans l'enquête journalistique, parue dans la revue XXI, qui pointera du doigt toutes les incohérences administratives du récit officiel vis a vis des réalités des témoignages. La BD montre les difficultés d'Armelle Mabon, ancienne assistante sociale et douée en cela d'un très fort esprit de compassion et de révolte... qui ne colle pas forcément avec ce qui est attendu d'un chercheur, comme le lui rappellent sans cesse sa directrice de thèse et son compagnon. La structure scénaristique vise à montrer la pugnacité d'une femme convaincue et seule contre tous, mais ne tombe pas dans le piège du manichéisme de l'institution forcément à côté de la plaque. La directrice lui pointe des réalités et le rôle de chacun, lui faisant comprendre qu'une fois sa thèse validée elle pourra se lancer sur des travaux de son choix, pour peu qu'ils suivent une démarche scientifique. Car en histoire seuls les faits basés sur des preuves comptent. Dans ce cas là cela ne suffit pas car les documents ont été falsifiés. Il faut alors démontrer l'incohérence des dates, des chiffres.

Là dessus on est un peu en manque, l'album comme l'article de la revue nous présentant les découvertes de l'historienne sans forcément beaucoup de faits. Étonnamment, les témoignages de familles de victimes ont été cherchés mais peu ceux des militaires. Les reportages nous montrent pourtant souvent (comme chez Davodeau) que c'est du cœur du crime que vient souvent l'information cruciale. Mais dans le cadre d'un massacre impliquant l'armée, la grande muette a sans doute su faire disparaître ou taire toute voix qui puisse dénoter. Ceci transforme alors cet album plus en témoignage qu'en une enquête pointilleuse comme l'excellent album Cher pays de notre enfance chroniqué ici ou le Saison brune de Squarzoni. Il n'en reste pas moins passionnant et remarquablement structuré, autour des doutes, des convictions et des indignations d'Armelle Mabon. L'aboutissement de l'histoire (pour l'instant) est la reconnaissance par l'Etat (en la personne du président Hollande) de ce massacre, minimisé mais reconnu. Ce n'est pas assez pour Armelle Mabon et les descendants des soldats assassinés qui luttent en justice pour le rétablissement de l'honneur militaire de leurs pères ou grand-pères. L'un des protagoniste rappelle à Armelle Mabon que le seul soldat réhabilité de l'histoire s'appelait Dreyfus...

Graphiquement l'ouvrage est très élégant. Le dessinateur Nicolas Otero n'est pas le plus technique du circuit mais son dessin est très propre, arborant des couleurs douces et qui habillent parfaitement les traits. Il y a beaucoup de visages dans ces pages et il sait produire des expressions vivantes et distinguer ses visages d'hommes noires sans qu'ils soient interchangeables comme dans beaucoup de BD. Je ne connaissais pas cet auteur et ai beaucoup apprécié ses découpages et cases graphiques intercalées entre les scènes de dialogues. La BD documentaire a cela de difficile que les dialogues sont rarement graphiques et tout l'art des dessinateurs est de rendre fluide la lecture. Les auteurs proposent ainsi de nombreuses scènes illustrant le passé, dans les camps de prisonniers allemands ou autour de l'évènement du premier décembre 1944.
Cet album, outre être une très bonne BD, a le grand mérite de soulever une page noire de notre histoire a peu près méconnue du grand public. Il joue en cela parfaitement son rôle de documentaire en donnant envie de se renseigner plus avant sur cette affaire tragique.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/09/02/morts-par-la-france

Le triptyque de Luigi Critone sépare la vie de Villon entre ses premiers méfaits d'étudiant (Tome 1), sa vie de bandit (tome 2) et sa repentance (tome 3), de façon remarquablement équilibrée et logique. A la complexité des citations des poèmes en ancien français entre les parties répond une linéarité plaisante et l'élégance du trait.

Ce dernier volume, après les horreurs passées, s'ouvre sur une séquence de théâtre où le public invisible est clairement le lecteur: Villon s'y confronte à ses démons, sa morale, son sur-moi avec qui il disserte de ce qu'il a fait et de ce qu'il doit faire. Cette introspection débouchera très rapidement sur l'emprisonnement et la torture, aussi abominable que les peines qu'il a causées. Là diverge la fiction des écrits de l'auteur où il se lamente longuement sur son sort et les malheurs que la Justice et quelques puissants lui ont infligé. Dans l'album pas de plaintes passée l'introduction: la dureté de la sanction semble lui mettre du plomb dans la cervelle et lui fait atteindre la maturité tant repoussée. La morale ne porte pas sur une sanction méritée, la BD a montré combien il n'y avait pas de morale en cette sombre époque. Simplement elle pose un principe de réalité à un personnage qui a tenté de s'en émanciper toute sa vie durant.

L'épisode nous fait rencontrer Louis XI qui le libère après un long et joli dialogue où les crimes du poètes répondent aux crimes du roi, en écho. Si l'intermède du tome 2 avec l'humaniste Charles d'Orléans était un peu frustrante par sa brièveté (l'enjeu pour Critone était de montrer une nouvelle fois la trahison de Villon), les échanges prennent ici une grande force sur des considération philosophico-morales.

La constance du personnage construit par l'auteur de BD est vraiment remarquable de cohérence tout au long de cette trilogie. Rarement un personnage de BD aura eu une telle épaisseur et le discours une telle solidité. Le travail tant graphique (superbe) que littéraire mérite toute l'attention des lecteurs et je recommande très chaudement l'achat d'une série que Delcourt a eu la sagesse d'éditer en intégrale.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/09/04/je-francois-villon-3

J'ai lu récemment l'intégrale Bloodshot et je précise qu'elle est suivie par deux séries: Bloodshot Reborn (relaunch) et Bloodshot USA, que je n'ai pas encore lues. Salvation fait suite à ces derniers et bien que leur lecture ne soit pas indispensable (on ne sent aucun manque grâce au travail du scénariste Jeff Lemire). La lecture du one-shot The Valiant est également intéressante mais plus par soucis chronologique que par ce qu'il apporte à Salvation. L'éditeur Bliss explique de toute façon cette chronologie comme d'habitude sur ses albums. Pour plus de précisions je vous renvoie vers le camarade de l'antre des psiotiques qui s'est fait une spécialité de l'univers Valiant fort bien décrit.

Le Projet Rising Spirit qui a donné naissance à Bloodshot n'est plus. Ray Garrison est désormais libre et vit une vie paisible avec sa femme et sa petite fille. Mais le père de sa compagne, un dangereux gourou sudiste ne compte pas abandonner sa progéniture, ce qui va obliger Bloodshot à reprendre les armes...

Pour aller droit au but, cet album est une sacrée claque qui confirme tout d'abord que la ligne graphique des relaunch des comics Valiant est d'un niveau très élevé qui place l'éditeur clairement au dessus de ses deux concurrents Marvel et DC sur ce plan. Si la salve donnée sur X-O manowar était pour moi inégale, ce n'est clairement pas le cas ici et on se trouve au niveau de qualité de Rapture, c'est à dire sans aucune planche réellement décevante. Deux illustrateurs officient, dans des styles très différents et de façon organisée puisqu'ils décrivent chacun l'une des deux trames temporelles de l'album (maintenant et le passé). On a donc une cohérence graphique totale sur les deux narrations parallèles et c'est très plaisant. Lewis LaRosa notamment, s'est fait la main sur des couvertures (très belles) des précédentes séries Valiant (Bloodshot, Harbringer ou X-O Manowar) et son style colle de près à celui des autres relaunch. Outre la qualité technique indéniable il produit des cadrages vraiment sympa et cinématographiques avec de larges cases qui déroulent la lecture. Du coup ce tome se lit assez vite mais avec grand plaisir.

La très bonne idée de Lemire (qui pose très vite des liens avec l'univers Shadowman du monde des morts et le one-shot Rapture) est d'annoncer la mort de Bloodshot. Malin puisque ce personnage est depuis le début immortel, on se retrouve donc tout de suite avec deux anomalies: Bloodshot a eu une fille dotée des mêmes pouvoirs que lui et donc, Bloodshot est mort. Comment? C'est ce que va expliquer la série avec de premières révélations en fin de tome. L'autre élément sympa c'est la découverte que Bloodshot n'était pas tout seul à être équipé de nanites! Dans l'intégrale Bloodshot on avait déjà entre-aperçu la bande de bidasses dotés du fameux rond rouge... qui reviennent dans la trame du futur de cet album. Idem avec un chien qui semble avoir subi le même traitement aberrant que le super-chien de superman... un peu WTF mais ce n'a pas d'incidence sur l'histoire alors on oublie (cela est certainement relaté dans Reborn ou USA). Enfin, le méchant se nomme Rampage, un golgoth contaminé par les nanites et dont la trame du présent nous relate la naissance avant l'affrontement prévisible.

Je ne sais pas si c'est le fait d'avoir manqué une étape mais j'ai beaucoup apprécié le vent de renouveau qu'apporte ce volume aux constantes de l'univers Bloodshot et sa mise en danger à trois niveaux: d'abord le fait d'avoir une famille, ensuite l'apparition d'un méchant digne de ce nom (le seul à l'avoir mis en difficulté jusqu'ici était rien de moins que Toyo Harada, le psiotique le plus puissant du monde), enfin une menace directe sur ses pouvoirs que je ne révélerais pas ici. Last but not least, une petite pincée de politique est apportée avec ce sud Redneck fanatique décrit via la secte du paternel et qui annonce du gros bourrinage dont le héros à le secret. Ce rafraîchissement doit donc beaucoup au scénariste, dont j'avais noté le travail très équilibré sur The Valiant et sur Descender. Salvation est du coup l'une de mes meilleures lectures Valiant pour l'instant et maintient un niveau très élevé des publications récentes de l'éditeur, avant des sorties très alléchantes comme Savage (du même dessinateur) en fin d'année et le relaunch de Shadowman (dont les premières planches sont superbes) en 2019. Je sens que je deviens accro...

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Deux éditions de l'album sont sorties en simultané, l'édition normale colorisée (très légèrement) par Vatine avec l'assistance de la grande Isabelle Rabarot et une édition grand format n&b avec un cahier graphique de 16 p. Après lecture je ne saurais dire si le n&b est à préférer, je n'en suis pas certain tant la colorisation écrase sans doute un peu les encrages mais reste très légère et rehausse en revanche certaines cases peu dessinées. Le principal argument de l'édition spéciale restera sans doute le cahier graphique et le grand format (mais n'ayant eu sous la main que la première je ne saurais confirmer). L'album a un vernis sélectif sur le titre et des sections de la quatrième de couverture.

La Terre après une contamination ayant poussé l'humanité à fuir vers Mars et les astéroïdes du système solaire. Tout ce qui a trait à l’ancienne Terre est prohibé, laissant la place à un juteux marché d'antiquités, au premier chef desquels les livres. Martha voit sa fille mourir accidentellement lors d'une fouille et fait appel à un grand scientifique pour l'aider dans un projet très personnel et terrifiant...

Si un album a été attendu c'est bien celui ci! Cinq ans après le troisième tome d'Elixirs, la série fantasy qu'il dessine dans le monde d'Arleston, le virtuose Alberto Varanda dont on a pris l'habitude à imaginer le nombre d'heures passées devant chaque case d'une minutie délirante revient avec une nouvelle adaptation d'un roman de Stefan Wul, le dada d'Olivier Vatine depuis quelques années et son assez réussi triptyque Niourk. Pour le coup l'éditeur Comix Buro (en co-édition avec Glénat) a abandonné la ligne graphique de la collection pour offrir un ouvrage qui se veut une pièce de choix dans votre bibliothèque. L'évènement éditorial est donc reconnu (seule chose étonnante, la date de sortie...) et pour cause, les 68 planches sont, sans aucune exception, à tomber. C'est donc la première réussite de l'album, qui n'était pourtant pas évidente du fait de la nouvelle technique utilisée par l'auteur pour cet album. Varanda expérimente beaucoup depuis de nombreuses années, la sculpture, la peinture, et ici une simili gravure qui vise à rappeler Gustave Doré ou à Gary Gianni par moments. Son trait hachuré pourra vous sembler forcé, inadapté. Pourtant c'est bien le regard global de la case et de la planche qu'il faut privilégier. L’œil incrédule découvre alors des textures, des atmosphères uniques qui ne s'expliquent pas. Pourtant Varanda est un maître des contrastes et personnellement je craignais de perdre ces encrages très forts qui font la qualité de ses dessins. Alors oui, le style connu depuis Bloodlines ou Paradis Perdu a changé, plus doux, plus fort aussi. L'ambiance gothique de château isolé dans la montagne enneigée est absolument magnifique. L'ouvrage est tout simplement une œuvre d'art.

Vient alors le scénario, élément qui n'est pas forcément le point fort de la biblio d'Alberto Varanda. Vatine avait montré sur Niourk sa qualité de narration (personnellement j'ai été assez réservé sur son Angela). Il propose ici une histoire de docteur Frankenstein, teintée d'une mélancolie qui colle bien à cette ambiance. On apprécie autant l'effort important de contextualisation de cet univers SF qu'on regrettera d'en savoir finalement si peu. Cette histoire aurait en effet pu se dérouler sur au moins deux tomes... en se heurtant à une impossibilité: il aurait fallu attendre cinq ans de plus pour que le maître réalise un autre album et il aurait été totalement invendable de refiler un autre volume à un illustrateur différent. Bref, il est vrai que la chute de l'histoire peut sembler brutale, trop rapide. Pourtant avec une telle pagination, on ne peut attendre à la fois des planches contemplatives, un rythme captivant et une histoire qui s'étire. J'ai trouvé la conclusion, si ce n'est extrêmement originale, très convaincante et cohérente. En outre, je ne connais pas l'ouvrage de Wul et ne sait dans quelle mesure les auteurs s'en sont éloigné. Le problème des adaptations...

Je finirais cette chronique en disant que pour moi l'attente a été totalement récompensée, associée à une réelle surprise, aussi grande qu'une inquiétude réelle d'être déçu. Courez dévorer ces dessins sublimes, plongez dans cette ambiance sombre et mélodieuse et surtout, si vous ne connaissiez par Albeto Varanda, dépêchez-vous de rattraper votre retard!

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Divinity 3 est intitulé Stalinverse: il s’agit clairement d’une uchronie permettant aux auteurs de s’amuser et d’inviter d’autres auteurs de personnages Valiant pour la récréation. Dans ce volume, sans lien directe ou évident avec les précédents, l’Union soviétique a conquis le monde et les héros Valiant sont des héros soviétiques. Hormis quelques nœuds de rébellion, rien n’échappe à la mainmise de la grande Russie. Cette uchronie permet de nombreux renversements, à la fois graphiques (l’épisode isolé sur le Kommandar Bloodshot est superbement mis en image par Clayton Crain avec un design totalement fou) et scénaristiques, inversant gentils et méchants. Résultat de recherche d'images pour "divinity 3 hairsine"Contrairement aux précédents volumes, on a ici une Union soviétique en empire du mal totalitaire et aucune réflexion sur les deux systèmes et les raisons de l’adhésion des héros à ce régime dictatorial. Cela devient plus manichéen et c’est dommage. Les quatre chapitres de Divinity 3 sont intercalés avec des one-shot sur la naissance (en mode dystopique) des héros, Archer & Armstrong, Bloodshot, X-O Manowar ou Shadowman mais aussi des personnages moins connus comme Babayaga… Ces épisodes assez sympa coupent le récit et je trouve que l’éditeur aurait du les regrouper à la fin de l’histoire Divinity.

Paradoxalement, alors que j’attendais beaucoup de ce troisième volume (et que j’adore les uchronies), il est le moins réussi de la série même si le récit Divinity réussit à retomber sur ses pieds très élégamment avec une parabole entre les pouvoirs démiurges des Divinity, des auteurs de BD et de l’imaginaire des livres, faisant de cette série une jolie pépite dans le catalogue Valiant qui en outre ne nécessite pas de connaître le catalogue de l’éditeur. Une suite à cette saga, nommée Eternity, sera publiée en octobre et je l’attend avec impatience.

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Pour qui a lu le tome 1 de Divinity la fin pouvait laisser entendre un format one-shot. Les auteurs ont su prolonger cet épisode qui peut donc se lire seul, en changeant le traitement et les thématiques sur le tome 2, créant plus qu’une série en trois volumes, trois one-shot ayant leur identité propre et liés très intelligemment par le principe du temps modifié comme je vais vous l’expliquer. Pour la question éditoriale, reportez-vous à ma critique du tome 1, les deux autres volumes sont du même acabit, avec des couvertures chaque fois plus belles et du contenu making of réellement conséquent.

Divinity 2 fait donc intervenir Mishka, une des trois cosmonautes envoyés vers l’Inconnu par les soviétiques et qui revient sur Terre désolée de la disparition de l’idéal communiste et bien décidée à rebâtir une temporalité où l’URSS a perduré. Si la dimension émotionnelle et intérieure d’Abram Adams prédominait dans le premier volume, ici l’affrontement idéologique entre les deux êtres supérieurs se déroulera dans le temps, basculant sans cesse d’une réalité à une autre, où l’URSS a conquis le monde /où l’URSS a disparu. La dimension politique assumée est surprenante dans cet album qui fait intervenir Staline, Gorbatchev et Poutine et assume la réflexion sur le conflit idéologique entre l’égalitarisme et l’individualisme. Matt Kindt reste distant quand à la critique habituelle de l’empire soviétique dans les comics américains. S’il montre des clochards et la soupe populaire cela n’est pas sans parallèle avec le cynisme des personnages américains et le nationalisme impérialiste des généraux fait face à des dirigeants incontrôlables de firmes militaro-industrielles américaines dans l’univers Valiant. Aucun jugement du scénariste donc, mais plutôt une mise en perspective à laquelle nous n’avons pas l’habitude et qui est vue au travers du prisme d’un soldat idéal voué fait et cause à sa patrie et revenant dans un monde où sa raison d’être n’est plus.

L’affrontement (très graphique, avec par exemple cette incroyable planche en forme de livre) sera donc plus conceptuel que physique entre les deux Divinity (comment pourrait-il en être autrement avec de tels pouvoirs?), Abram tentant de convaincre Mishka qu’elle a le droit d’avoir ses propres espoirs et d’aimer. Dans ce volume les héros Valiant sont quasi inexistants car dès le début Divinity rappelle que lui seul peut s’enfermer dans une « prison ». S’il semble avoir gagné à la fin, il nous est fait subtilement comprendre que lorsque le temps est modulable, un rien peut le modifier et que de profonds changements peuvent ne pas avoir été perçus…

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Un des premiers albums publiés par Bliss comics, Divinity comprend 3 tomes de 4 parties et des couvertures parmi les plus somptueuses que j'ai vu depuis que je lis des comics... Le tome 1 comprend de nombreux suppléments en fin de volume dont une galerie de couvertures alternatives, un long (et tout à fait passionnant) commentaires de fabrication détaillant le rôle de l'illustrateur, de l'encreur, du coloriste et du lettreur dans un travail vraiment collectif comme on en voit peu en France. Enfin, comme toujours chez cet éditeur, un sommaire, une page de contexte de la série et une page de guide de lecture pour placer la série dans l'univers Valiant.

En 1960 les soviétiques envoient dans une fusée secrète un homme vers une destination inconnue, en un voyage qui doit durer trente ans. Il reviendra doté de pouvoirs divins, capable de plier le temps et la matière. Comment va réagir l'humanité face à cette nouvelle entité. Menace? Les héros de la Terre, Aric, Ninjak, Gilad et Livewire sont envoyés pour vérifier cela...

Lorsque j'ai découvert les comics Valiant je suis tombé sur les planches et les couvertures de cette série très spéciale et mes yeux ont pleuré. La puissance évocatrice de ces peintures est tout bonnement fabuleuse et fort heureusement ne se limite pas aux couvertures (contrairement à une pratique malheureusement fréquente dans l'industrie du comics). L'illustrateur Trevor Hairsine produit sur l'ensemble des pages de la série une partition sans faute et il est saisissant de voir (grâce aux bonus) une BD où aucun des apports (encrages et couleur) ne dénature le dessin d'origine. Une véritable alchimie aboutissant sans doute à la série la plus belle du catalogue Valiant. La maîtrise technique de l'illustrateur est sans faute, le découpage des pages et des cases est exigeant et inspiré par des thématiques graphiques issues du scénario (les formes de Divinity et de son module spatial), enfin le design général inspiré des costumes spatiaux de la guerre froide est très original. Le travail graphique sur le passage du temps (thème central de l'album) accompagne vraiment la lecture et la renforce. Les auteurs de comics sont souvent ambitieux, au risque d'être compliqués, ici le scénario et le dessin (et sa structure) se répondent de façon vraiment réussie.

Le scénario, donc, est complexe dans une intrigue simple, résumée en début d'article. C'est donc bien le traitement qui fait sa force avec ces pouvoirs quasi absolus de Divinity, dont l'arrivée sur Terre reprends la thématique de Superman (comment réagir face à un être tout puissant susceptible de détruire l'humanité si l'envie le prenait?) en la prolongeant. Car en outre d'être a priori invincible, le personnage contrôle le temps et la matière en proposant de rendre les gens meilleurs, si nécessaire en faisant revenir les morts ou en métamorphosant êtres et objets. Comment déterminer ses motivations et comment réagir face à ce qui peut changer le cours de l'humanité? Fidèles à eux-même les dirigeants humains vont être très terre à terre et craintifs en envoyant les héros de l'univers Valiant (tiens, Bloodshot n'est pas là, pourquoi?). L'introduction de ces personnages familiers est sympathique même si aussi anecdotique que dans The Valiant où face à l'Ennemi leurs pouvoirs apparaissent dérisoires.

La difficulté réside dans une narration en voix off tantôt au passé tantôt au futur, nous faisant comprendre que Abram Adams, celui qui deviendra Divinity est à la fois maintenant, avant et après. C'est déroutant en même temps que très stimulant en illustrant l'état dans lequel il est et la difficulté à saisir le monde quand la trame temporelle est devenue non linéaire. Cela peut nécessiter une seconde lecture pour bien saisir toutes les subtilités. L'auteur a l'intelligence d'apporter à cette histoire SF un peu philosophique des concepts archétypaux comme la filiation et l'amour de celle qui a été laissée (comme pour Captain America, revenant alors que tous ses proches sont morts). Cela renforce le côté dramatique et l'intérêt pour ce type touchant qui a abandonné l'amour pour la patrie et l'inconnu et se retrouve incapable de rattraper le temps malgré ses pouvoirs.

Ce premier tome est donc un sans faute qui laisse en suspens l'intrigue et donne très envie d'enchaîner.

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Saltiness est ce que je qualifierais de Manga sociétal, à mi chemin entre la chronique de l'otaku japonais et la critique de cette société. Le personnage principal est un marginal, se considérant comme une sorte de sage supérieur s'extrayant de la communauté humaine (et de ses codes) pour pouvoir les penser. La confrontation avec deux autres personnages marginaux va démontrer sa folie et sa perversion, le transformant en une sorte de gourou doté d'un pouvoir de persuasion phénoménal sur les deux autres et les entraînant à faire des actions délirantes et dévalorisantes. Cette immersion dans les relations tordues de deux paumés exploitant un jeune étudiant influençable met le lecteur mal à l'aise en découvrant ce qu'un homme charismatique peut forcer d'autres à faire par le seul langage. Au-delà du ridicule des situations il y a de la violence dans cette relation, qui reflète sans doute pour l'auteur la violence profonde d'une société japonaise qui a codifié la normalité à un niveau sans doute jamais atteint par aucune société moderne. L'éloignement extrême de la société japonaise vis à vis de nos codes européens fait que l'on ne sais jamais exactement ce qui est pointé du doigt ou ce qui n'est qu'une simple illustration de situations balanes (comme l'histoire des petites culottes). Mais il est certain que Minoru Furuya est l'un des représentants de cette jeune génération de mangaka très critiques sur ses aînés et je japon d'aujourd'hui. Il dispose en outre d'une remarquable technique de dessin, très fine et détaillée notamment dans le dessin des personnages. Tout cela fait de Saltiness un manga adulte comme on en voit peu, qui joint une réflexion profonde avec le plaisir de belles planches.

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Ah Frank Cho! Cet artiste est pour moi un truc fascinant, inatteignable, improbable… Je connais depuis pas mal de temps sa séries Liberty Meadows, Shannah et son amour des jolies filles pêchues mais je n’avais pas eu l’occasion de lire un album entier. Est-ce que le passage de l’illustration à la BD ne perdrait pas de la qualité, comme c’est souvent le cas? La précision anatomique des mouvements, la clarté de son trait et de ses encrages en font un de mes dessinateurs favoris, aussi je me suis précipité par cet album, le premier entièrement réalisé par l’artiste.

Niveau fabrication, on a un gros volume format comics avec reprise des couvertures des fascicules originaux et galerie de couvertures alternatives comme le font souvent les américains. Rien à redire ni à souligner.

Après sa résurrection, Lazar eut trois enfants portant le patronyme de Skybourne. Immortels, ils combattent le mal depuis deux-mille ans. Lorsqu’un étrange magicien s’en prend à l’un des membres de la fratrie, Thomas Skybourne est contraint de sortir de sa retraite et de se remettre au service de l’organisation occulte qui protège l’humanité des monstres. Le combat sera violent, rageur, cru…

Allons droit au but: Skybourne est un petit miracle et une grosse claque dans la gueule! Pas étonnant qu’il soit édité aux Etats-Unis par l’une des petites maisons s’exonérant des réminiscences du Comic code authority: ça saigne et ça parle un langage de charretier (… mais étonnamment pour cet amateur de jolies filles il n’y a à peu près pas de nénés!). Car Frank Cho a la grande qualité d’être directe et de se faire plaisir en même temps qu’il nous fait plaisir. Comme quelques rares films au cinéma parviennent à trouver la pierre philosophale entre le plaisir coupable et la qualité artistique, Skybourne nous propose une révision du mythe arthurien à la mode « pain dans la gueule » en la personne de Grace Skybourne. La bimbo jure tout ce qu’elle peu (on appelle ça « badass » de nos jours…), étripe, désarticule ou tranche du dragon pour le petit déjeuner avec un froncement de sourcil permanent. Il ne faut pas enquiquiner la donzelle! Cela donne lieu à des séquences d’action d’une lisibilité folle, d’une élégance superbe et très loin du politiquement correcte. J’y ai retrouvé un peu de la passion primale que Toulhoat mets dans ses BD.

Pour équilibrer cela son grand frère Thomas est d’un caractère posé, organisateur, mais tout aussi increvable, ce qui lui permet de faire du plane-jump sans parachute, de se réchauffer avec des bombes atomiques ou de faire digérer un dragon… Si le premier épisode de la série ne nous montre pas le troisième Skybourne on peut supputer que Cho en garde sous le coude pour les prochains volumes. Les cent-trente pages filent à deux-mille à l’heure dans un impressionnant équilibre scénaristique. Soyons clair: Skybourne est une BD d’action façon blockbuster mais qui instille rapidement plein de bribes d’informations sur l’univers. Pas de temps d’exposition, on entre sans aucun temps mort dans l’intrigue et l’on comprend (je parlais de lisibilité graphique, elle est aussi scénaristique) très bien qui est qui et ce qu’il se passe dans ce monde occulo-technologique. On pourra alors dénoncer une vision caricaturale mais n’est-ce pas le propre des albums de genre et d’action? L’équilibre entre maintien du mystère et avancée de l’action est remarquable. L’auteur a clairement pris le parti de mettre dans une grosse BD qui fait « boom » tout ce qui lui plait (… et qu’il dessine tellement bien): des immortels, des militaires, une organisation occulte dotée de moyens infinis, l’implication du Vatican, des dragons, minotaures et autres sirènes, des mafieux turcs et des bourre-pif qui ne se finissent pas qu’avec un coquard…

Bien entendu (on est chez Frank Cho) le personnage le plus attrayant est celui de Grace Skybourne, bourrine au possible, plastiquement sublime, tête de cochon et sans peur. Le personnage de Dorison sur Red Skin reprenait clairement les grandes lignes de l’héroïne « Choïenne », pour notre plus grand plaisir. A côté d’elle son frère désabusé par sa vie immortelle n’arrive pas à se concentrer pour contrer la menace. Très charismatique également, il est entouré d’un cardinal très moderne (sic), d’un général bourru et d’un méchant très puissant en la personne de Merlin! Si les traces arthuriennes sont très ténues (on espère que la série prendra le temps de développer le background), l’idée de rattacher l’époque moderne à un Merlin passé du côté obscure est très bonne.

Que dire du dessin de Cho? Si vous ne connaissez pas vous risquez de tomber amoureux de son trait (très subtilement colorisé)! Le bonhomme sait tout dessiner et sa pratique de longue haleine du format strip (sur Liberty Meadows) lui permet d’insérer nombre de scènes très drôles reprenant les codes de ce format.

Skybourne est une grande réussite dans un esprit « sale gosse » que j’ai adoré et où j’ai beaucoup ri. Ce n’est pas très fin, le langage est très fleuri (et les échanges verbaux très drôles du coup), l’immortalité permet à l’auteur de faire joujou avec ses personnages et on se régale autant à la lecture qu’aux images. Skybourne est pour moi l’un des gros plaisir BD de cette année 2018!

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/07/skybourne/

Lors de la sortie de l'album l'éditeur Akileos, plutôt doué pour dénicher des perles souvent assez graphiques, avait mis le paquet en com' et le relais blogs et réseaux sociaux avait été excellent. L'ouvrage étant lu en numérique grâce à ma collaboration avec l’éditeur, je ne peux pas faire de commentaire sur la fabrication. Le travail de maquette et de mise en page (de l'auteur) en revanche est particulièrement recherché et vire même presque au concept (on retrouve un peu la démarche de Nicolas Petrimaux sur Il faut flinguer Ramirez), avec de fausses publicités et des doubles pages très design qui débordent très largement les pages de titres de parties.

Renato Jones est l'héritier d'une grande fortune... sale. Vivant dans le monde des 1%, un monde de cynisme, de violence et de plaisirs orgiaques, il assume également le costume de justicier parti en croisade pour éliminer ces abus. Et pour éliminer il faut tuer!

Graphiquement Kaare Kyle Andrews est dans une filiation assez directe du Frank Miller de Dark Knight et Dark Knight returns... ce qui implique un trait assez années 80. La filiation ne s'arrête pas là et je qualifierais directement l'auteur de fils spirituel du dessinateur de Sin City, aussi paradoxalement que cela puisse paraître: si Miller est connu pour ses positions réactionnaires qui avaient fusionné avec les options expéditives du Batman dans les années 80, Andrews se cale dans le sillage d'Occupy Wall Street en proposant avec Renato Jones une des BD les plus politiques qui soient! C'est d'ailleurs la principale qualité de cet album que sa radicalité totalement punk à une époque d'ultralibéralisme triomphant.

Pour l'habillage, Renato Jones est un Batman politique et politiquement incorrecte, totalement émancipé du comic code authority, un Batman que même un Alan Moore n'aurait pas fait. Milliardaire incarnant ce qu'il traque, il est formé par le majordome pour venger les pauvres et assassiner les plus démoniaques des 1%.

Andrews est énervé et entre des fausses publicités pour objets de luxe en mode photo (très drôles) il propose des scènes de massacres au découpage apocalyptique, pas toujours évident à lire avec son trait parfois grossier, mais terriblement imaginatif et recherché! L'album (et son justicier) est très poseur (on reste dans le style super-héros) et le jeu sur les plans, les contrastes et les textures est vraiment remarquable. Je ne dirais pas que Kaare Kyle Andrews est un grand dessinateur (son trait reste assez grossier, comme celui de Miller) mais il est un remarquable maquettiste et designer. Par exemple l'ensemble des séquences présentant l'enfance de Renato sont habillées de trames et fausses pliures qui donnent un aspect de vieille BD et qui ajoute de la classe à la lecture.

Honte d'être riche? C'est lui qui vous jugera... Renato Jones, justicier de luxe"

Le discours en mode Punisher pourra choquer certains même si les personnages éliminés sont tout abominables. Mais l'auteur assume son propos: nous avons affaire à des vampires assoiffés de sang, de sexe et de pouvoir que rien ne peut arrêter. Face au mal il ne faut pas tergiverser. Dans un scénario sommes toutes assez linéaire la subtilité arrive avec l'amie d'enfance du justicier, fille d'ultra-riche et totalement aliénée par son univers fortuné. Renato se retrouve à aimer une personne incarnant ce qu'il abhorre... La fin de l'album, très maîtrisée, donne envie de lire la suite et posant un rebondissement un peu tardif selon moi.

Ce premier volume très rafraîchissant montre (comme un Lupano en rogne) que la BD peut être un loisir tout en prenant position dans le monde cynique qui nous entoure. Graphiquement original bien qu'imprécis, Renato Jones apporte la même nouveauté de ton et de traitement que le Dark Knight de Frank Miller Jadis. D'une lecture un peu complexe du fait d'un découpage haché mais diablement intelligent, il me fait penser, dans un genre moins intello, au récent Black Monday Murders, pour sa puissance évocatrice et sa capacité à proposer un album sorti de tout compromis. Une belle découverte.

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L'album que j'ai lu est l'intégrale de 2010, identique à celle de 2008 avec notamment des pages complémentaires en fin d'album et un DVD contenant le reportage vidéo de la chef d'équipe MSF. Seule la couverture change et pour les raisons que je vais expliquer plus bas je trouve celle de 2008 bien plus pertinente. Je regrette l'absence de préface ou d'introduction expliquant la genèse de l'ouvrage et du voyage lui-même, ce qui aurait permis de rentrer plus facilement dans l'album. L’ensemble est propre mais un peu austère, comme souvent chez Air Libre et peut-être volontairement dans l'esprit "docu".

En 1986, pendant l'occupation soviétique d'Afghanistan, MSF commande un reportage photo à un jeune photographe autodidacte, Didier Lefebvre. Celui-ci accompagnera pendant plusieurs mois cette mission partie du Pakistan et entré clandestinement en Afghanistan vers une vallée totalement isolée du nord du pays. Un voyage éprouvant pour les corps et pour les esprits, à travers des montagnes de plus de 5000 m, dans le dénuement total de coins qui semblent sortis de l'histoire. Une aventure humaine incroyable.

Le Photographe fait partie des albums que les amateurs de BD savent devoir lire un jour, qu'ils voient fréquemment sur les étales des libraires et les rayons des bibliothèques. Une histoire primée partout, y compris à l'étranger, montrant que seul le monde de la BD a pu rendre compte de cette incroyable odyssée dont très peu de publication photo a pu être faite. C'est sidérant tant on a conscience en fermant l'album que nous sommes en présence d'une œuvre journalistique de niveau mondial, parmi les plus grandes, les plus fondamentales. C'est l'histoire de l'essence des choses, d'hommes et de femmes brillants, voués à des carrières bien rémunérées de chirurgiens, qui quittent tout pour partir à pied clandestinement dans un pays en guerre habité par des hommes aussi hospitaliers que frustes, dans un périples de plusieurs centaines de kilomètres à travers une montagne qui peut vous tuer de mille façons et qui vivront plusieurs semaines dans un village sorti du moyen-âge et où la compétence médicale qu'ils apportent change quelques vies parmi de nombreuses vouées à la maladie, le handicap, la mort.

Le don de ces humanitaires est proprement incroyable tant les risques qu'ils prennent seuls paraît disproportionné avec le peu qu'ils procureront. Mais les quelques récits de blessés que nous présentent l'album suffisent sans doute à convaincre ces véritables héros de la pertinence de leur mission. Une fois repartis, les paysans et Moudjahidin retourneront à leur isolement mais ils auront appris quelques rudiments de soins et de précautions. C'est peu, très peu, mais tellement à la fois pour ces quelques vies sauvées. La lecture des quelques textes post-face racontant ce que sont devenus les différents personnages du documentaire est indispensable et montre le cynisme de ce monde où toutes les stars du Show-bizz sont décorées de la légion d'honneur quand ces gens, donnant de leur personne, sans rien attendre, sans soutien d'aucun État, retournent ensuite à leur anonymat. C'est honteux et renforce encore la puissance de cette aventure.

On retrouve pas mal de points communs entre cet album et La lune est blanche d'Emmanuel Lepage accompagné de son frère photographe François: le récit en directe avec ses incertitudes, contretemps et vides (assumés en considérant que tout est intéressant dans un récit de voyage), l'alternance de photos et de dessins, l'aventure extrême d'un périple au jour le jour au bout du monde... La principale différence (et de taille) c'est le dessin. Autant Lepage est reconnu comme un très grand dessinateur proposant des planches superbes qui valent pour elles-même, autant je n'ai pas du tout accroché au dessin de Guibert. On va dire que c'est une histoire de goût et que dessiner une telle odyssée sur les seuls témoignages du photographe, sans aucune base autre que les photos rapportées ne doit pas être évident pour un illustrateur. Mais autant je reconnais sa qualité sur La guerre d'Alan, autant ici les planches sont vraiment minimalistes et n'apportent selon moi pas grand chose à un récit photographique qui aurait pu être dispensé de dessins. L'auteur sait reproduire assez fidèlement les visages des protagonistes mais graphiquement j'ai trouvé cela pauvre.

Guibert, à l'origine de ce projet, explique que l'objet de l'album était un hommage à Didier Lefebvre (décédé juste après son prix à Angoulême) et à son aventure en même temps qu'à celle des gens de MSF, les dessins n’étant là que pour combler les trous. Cela n'aurait pas empêché d'apporter une plus-value graphique et artistique. Dommage. Mais Le Photographe reste, en tant que documentaire photographique une expérience majeure de lecture et un magnifique projet empli d'humanité. Un album qui pose également la question du statut de documentaire BD lorsqu'on connaît certaines techniques de dessin repassant sur des photo ou des expériences comme La fissure, "docu BD" fait exclusivement à partir de photos (que je chroniquerais bientôt ici)...

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/08/19/le-photographe

J'ai beaucoup aimé le premier tome, du coup j'enchaîne (toujours plus confortable de lire une série dans la foulée). Pour le descriptif matériel se reporter à la critique du tome 1. La tranche du premier volume arborait un profile de Spartacus, ici celui de l'Araignée et l'ensemble proposera une frise continue du plus bel effet. J'aime toujours quand l'éditeur porte attention au rangement des séries dans l'étagère.

Une idée en passant, vu que l'on est sur un format comics et que la série principale regorge d'annexes texte et images originaux, ce serait très agréable d'avoir des bonus, sur Funérailles...

Les deux frères ont été séparés, l'un envoyé à l'académie formant l'élite dirigeante de Rem, l'autre au camp militaire où l'on prépare la chair à canon des légions de la République. Ne perdant pas de vue leur serment de faire tomber cette République, ils poursuivent leur apprentissage tout en tisant des liens avec de futurs alliés. Pendant ce temps, leur mère, ravagée par le désespoir de l'exécution de Spartacus, retourne dans le château familial où des révélations l'attendent auprès de la matriarche du clan...

La structure du récit de se second tome est assez simple, répartie entre Scipio d'un côté, Pretorius de l'autre, la veuve noire enfin. Les deux héros vont parfaire leurs capacités et démontrer qu'ils sont des leaders. L'album s'attarde plus sur Pretorius dont la conviction en fait une menace pour l'institution militaire qui ne considère les gueules cassées que comme de la piétaille bonne à aller mourir sur le champ de bataille. L'inspiration de cette partie est clairement celle des films sur le Vietnam, comme l'illustre le titre inspiré de la chanson des Stones (et rattachée à la guerre asiatique) et les jeux de mots (toujours!) sur le Nam', qui est ici la République de Namor, éternel rivale de Rem. On a ici une ambiance de caserne qui colle bien à l'humour de l'auteur et correspond plus à la série mère que les séquences dans la haute société. La grande force de la série reste les personnages, divers, attachants et bien caractérisés. On est ici en terrain connu mais les différentes séquences de constitution d'un groupe de fidèles à Pretorius sont parfaitement menées et intéressantes.

La partie sur Scipio nous révèle de nouvelles informations concernant le fonctionnement de la République et voit l'arrivée d'un alter-égo, Aelius le héros parfait que le caractère rebelle de Scipio mets en danger malgré leur amitié. Cette partie nous propose surtout une magnifique séquence d'action magique sur des planches noir et blanc tramées (style manga) qui donnent un effet très original et permettent d'apprécier les encrages toujours aussi magnifiques de Maudoux. Les manigances autour de l'Araignée permettent enfin de comprendre la conspiration politique qui a lieu pour la prise de pouvoir sur la religion d’État et nous en apprennent plus sur les règles génétiques très particulières de cette société: il semblerait que les femmes n'accouchent pas toujours de jumeaux et que ceux-ci fusionnent parfois en un seul être tel Janus...

Florent Maudoux élargit sa palette sur cet album en proposant une variété très riche (qui prépare son futur Vestigiales): une couverture peinte de toute beauté, des intérieurs tantôt colorisés, tantôt noir et blanc, des planches en effet crayonné, d'autres très encrées... tout cela est très riche et varié avec une qualité moyenne très élevée. Je remarque également l'utilisation d'effets de flous et d'une économie sur certains arrière-plans quand d'autres (architecturaux notamment) sont très fouillés. Ce n'est pas du tout problématique et l'aspect général est vraiment très beau, avec quelques séquences sexy pour agrémenter le tout.

Cette série est décidément remarquable d'équilibre, chaque tome étant très bien défini et abordant un genre spécifique tout en faisant progresser l'intrigue générale et la découverte de l'univers. Si j'avais quelques réticences sur Freak's Squeele, Funerailles montre que Florent Maudoux est un remarquable scénariste et j'ai hâte de continuer ma découverte de la geste de Scipio et Pretorius!

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/08/15/pain-in-black

Le travail éditorial n'a rien de particulier (on est chez Delcourt). Les albums sont en grand format, très aéré, les couvertures de Luigi Critone sont très belles et homogènes (j'aime bien quand les couvertures d'une séries suivent une ligne). Les chapitres au sein de chaque album reprennent quelques vers des poèmes de Villon.

François Villon naît le jour du bûcher de Jeanne d'Arc, à Paris, d'une pauvre mère qui ne survivra pas longtemps à une Justice expéditive pour les gueux. Pris sous l'aile d'un clerc qui lui procurera formation universitaire et situation, Villon, jeune étudiant rebelle écrira des poèmes relatant sa vie et celle de ses congénères et qui entreront dans la postérité.

Lorsque Jean Teulé publia son ouvrage sur l'illustre écrivain médiéval puis Critone son adaptation en BD j'ai eu l’œil attiré par ces superbes couvertures et par le fait que j'ai étudié Villon pendant mes études. L'idée d'une illustration de sa vie dissolue en BD m'a tenté et j'ai heureusement trouvé la trilogie en bibliothèque. Et je dois dire que c'est une très belle adaptation que propose un dessinateur que je ne connaissais pas et dont le trait et les couleurs marquent la rétine et donnent envie de voir ce qu'il proposera ensuite. Alternant les dessins classiques mais très fins et lavis, il maîtrise parfaitement différentes techniques et propose de vastes pages très lisibles et belles à regarder. Ses arrière-plans sont soit en peinture directe soit en encrages très détaillés et donnent une vie à ce Paris médiéval que l'on ne se lasse pas de redécouvrir. Malgré un trait plus classique et moins sombre que celui de Ronan Toulhoat, j'ai trouvé pas mal de ressemblance avec la série le Roy des ribauds, dans la peinture de la vie des bas-fonds, la justice expéditive aux mains des puissants et la façon qu'ont les pauvres de jouer du système de classes pour parvenir à leurs fins. C'est une existence dure et violente où la vie n'a que peu de valeur, qui nous est contée.

Ce premier volume est très enthousiasmant. Pour une adaptation littéraro-historique (pas franchement grand public en général), le travail de Luigi Critone remplit parfaitement la double tâche de proposer un ouvrage accessible, attrayant et beau. Le cadre du Moyen âge et de ses petites gens a déjà maintes fois été adapté. Pour ma part la version de Notre-Dame de Paris de Recht (qui sort en fin d'année un Conan qui s'annonce énorme) et le Roy des Ribauds donc m'ont beaucoup plu. On a ici en plus l'idée (fausse mais tenace) que la vie de Villon est plus historique que des ouvrages de pure fiction. On s'attache très vite à ce pauvre gamin jeté très tôt dans le malheur de la vie médiévale d'où son choix de se vouer corps et âmes à ses passions et de croquer ce que la vie peut lui apporter. Ce tome nous relate donc l'apprentissage, de l'amour, de l'espièglerie, du courage et enfin cette tentation d'entrer dans une confrérie criminelle dirigée par un personnage que Toulhoat reprendra visiblement dans sa trilogie.

Ce qui ressort (outre les dessins superbes donc) c'est la violence de cette société marquée par une justice qui décide très vite d'une main coupée ou d'un ensevelissement vif! Cette chronique de la vie d'en bas m'a fait penser par une certaine compassion dénonciatrice au Manga Innocent de Shin'ichi Sakamoto, qui dépeint crûment ces tortures et exécutions baroques et atroces que l'on a du mal à imaginer comme habituelles. Un très bel ouvrage qui nous fait voyager dans le temps et donne envie d'en savoir plus sur l'un des auteurs majeurs de la littérature française.

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L'édition Urban est un peu étrange, et pour cause, Métal étant l'aboutissement des Rebirth de l'éditeur, il est particulièrement ardu d'aider la lecture tant le nombre d'éléments et de publications aboutissant à Métal sont nombreux. Du coup on nous propose une double page introductive avec quelques-uns des personnages qui interviennent dans le volume et un résumé de l'histoire éditoriale des "Crises" de DC eu le principe du Multivers. Cela a le mérite de donner quelques bases pour les nouveaux venus ou ceux qui ne passent pas leur vie à ne lire que du DC, mais c'est insuffisant pour aider la lecture. Du coup je conseille de lire les pages situées en fin de volume avant la BD. Côté maquette c'est classique (j'apprécie la rapidité de la sortie de la version française), avec une jolie couverture de Greg Capullo correspondant au premier volume US de Métal... pas l'illustration la plus belle de cette saga mais ca reste très bon. L'album comprend les épisodes des différentes publications: Dark Days: la forge #, Dark days: le casting ,#1, Metal #1 et 2, puis des épisodes de Teen titans, Nightwing, Suicide squad et Green Arrow. Cela aura une importance comme je vais l'expliquer...

Depuis des siècles Hawkman enquête sur un étrange métal qui serait lié à la naissance des héros. Batman lui-même semble avoir découvert des éléments suffisamment graves pour qu'il les cache à la Ligue de Justice. Le journal d'Hawkman semble indiquer que depuis la nuit des temps une des tribus humaines primordiales est liée aux chauves-souris et à un démon caché dans un Multivers noir. Soudain le monde bascule...

Metal est présenté comme l’événement majeur (... comme tous les six mois chez les Marvel/DC?) de ces dernières années, au même titre que le Doomsday Clock. Après la lecture de ce premier volume (Urban va publier rapidement la suite, le second volume étant sorti, le dernier paraissant en novembre) je peux dire que c'est à la fois vrai et faux, sans doute du fait de l'agencement choisi par l'éditeur français. Dans ce volume il y a en effet une première partie assez monumentale et complexe, constituée du prologue et des deux premiers épisodes de Dark Knights Metal (je signale le pluriel dans le titre de la VO, qui a une raison...). On nous propose de découvrir via l'enquête mystérieuse du Batman, ce qui pourrait être à l'origine de tout, des univers DC, de Batman, des super-héros! L'impression que tout se tient et que les scénaristes ont préparé cet événement depuis des années, depuis la Cour des Hiboux notamment est assez impressionnante! Il est toujours très plaisant de trouver une cohérence dans un univers imaginaire, surtout dans les mondes de super-héros qui nous ont habitués à des tombereaux d'incohérences et de Deus ex machina fastoches. En outre les auteurs font un réel effort de pédagogie pour ne pas perde les non spécialistes. Cette alliance d'enquête (pour la forme), de cohérence d'univers et d'un design vraiment fort donne beaucoup de points à ce Métal et donne vraiment envie de continuer la lecture (ce qui est rarement le cas pour moi dans les BD Marvel/DC je le précise).

Après le deuxième épisode de Dark Knights: Metal... on tombe malheureusement dans du "porte-monstre-trésor" avec l'avancée des Teen Titant et de la Suicide Squad dans un Gotham transformé et se confrontant aux méchants de l'univers Batman... alors que celui-ci a disparu. Graphiquement ça c'est plus que correcte, c'est drôle par moment, mais ça manque terriblement d'ampleur. J'imagine qu'Urban était un peu obligé de présenter ces épisodes dans la trame général du run mais c'est vrai que ça fait un peu remplissage et très franchement l'album aurait pu s'arrêter après les quatre premiers épisodes. A voir sur l'ensemble si cet agencement était vraiment nécessaire.

La partie graphique est en revanche de très haut niveau et je peux dire que sur les huit dessinateurs aucun ne peine à la tâche. Les design et thématiques visuelles liées à l'apparition des créatures du Multivers noir et globalement le design des anti-batman créés par Capullo sont l'une des grosses réussites de ces dernières années en matière de héros DC et l'on a un certain nombre de planches vraiment très graphiques, comme les américains savent les faire.

On a bien quelques idées visuelles totalement WTF (le robot à la mode Power-Rangers du début!!!), mais c'est assez vite oublié... pour peu que la suite de l'intrigue assume le côté sombre, cauchemardesque et révolutionnaire de l'univers DC. J’avoue qu'avec la White Knight de Sean Murphy (... je dois en parler à chaque billet Comics, non? :) ) les visuels postés à grand renfort de teasing par Snyder et Capullo sur Metal avaient créé une très grosse envie chez moi... cette envie graphique s'est transformée en envie scénaristique tant les concepts développés sont intéressants et novateurs (au niveau de ma connaissance très limitée de cette histoire éditoriale). Pour moi l'essai est en passe d'être transformé... en fonction des deux volumes à venir.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/08/06/batman-metal-1

Toujours autant de plaisir à lire un nouveau dragon Ball! Ce volume est l'avant dernier de l'arc de Goku black (qui se terminera donc au tome 5 à paraître le 7 novembre).

Après la fuite de Goku et ses compagnons dans le temps Trucks est sauvé in extrémistes. Alors qu'interviennent les Kaïo Shin de plusieurs univers, le détournement des règles par Zamasu oblige Goku et Vegeta à dépasser leurs limites pour empêcher qu'il n'achève son "plan zéro humains" et menace la marche même des univers...

Cet album est clairement axé action après quelques va et viens scénaristiques sur le voyage temporel et les rôles et pouvoirs des Kaïo Shin. Comme je l'avais expliqué dans le précédent volume, Akira Toriyama a tellement développé son univers fictionnel qu'il a parfois du mal à conserver une cohérence... mais en a-t'il l'envie? Personnellement je ne crois pas et ce qui anime cet auteur est bien l'action et le dynamisme au sein de personnages hauts en couleur et désormais très familiers. Il a un vrai talent pour créer des personnages, à la fois visuellement et sur le plan du caractère. A ce titre, si les héros ne changent guère de ce à quoi on est habitués, Toriyama introduit une étonnante subtilité en la figure (double) de Zamasu, en proposant pour la première fois dans cet univers (... depuis Végéta?) un soupçon de psychologie expliquant les raisons des agissements du méchant. On quitte un peu le manichéisme de la série pour proposer une réflexion sur les motivations profondes: Zamasu se serait-il trompé? Peut-il revenir en arrière? A-t'il peur de la puissance de Goku? C'est inattendu et bienvenu car cela relance un certain suspens dans un volume dont la plus grande partie est constituée du combat de Goku et Vegeta contre Black et Zamasu.

Du coup on perd un peu l'humour de situations qui avait prévalu dans les premiers volumes de la série mais on retrouve avec toujours autant de plaisir les débats sur les différents niveaux de pouvoirs des Sayans, les entraînements en urgence, les morts pas vraiment morts etc; bref, tout ce qui a fait le succès de Dragon Ball depuis tant d'années. Dans le combat les auteurs parviennent même à nous surprendre avec quelques trouvailles vraiment sympa (comme ces "portails"...) et nous laissent en plein suspens alors que le combat n'est pas prêt d'être fini. DBS reste donc une série familière, qui se consomme et s'attend avec toujours autant de plaisir, sans nécessité de suivre la série animée (que je n'ai personnellement pas vue).

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/23/dragon-ball-super-4

Attention chef d’œuvre! Je croyais que la claque du printemps Il faut flinguer Ramirez était un objet rare, pourtant quelques mois plus tôt Étienne Le Roux et Vincent Froissard avaient sorti un album dont la couverture et le thème (les mille et une nuits) m'avait attiré... mais comme on ne peut pas tout lire j'ai laissé passer le temps! Le sujet donne lieu à des essais réguliers, pas toujours réussis. La sortie de l'album dans la très prestigieuse collection Métamorphose était un bon signe... totalement confirmé en devenant l'une des pièces maîtresses de la très graphique collection de Soleil. Cette collection me plait par-ce qu'elle est l'une des rares à mettre autant d'importance à l'aspect matériel de ses albums et à ses finitions. Cela a son revers, l'absence systématique d'infos sur les auteurs et de bonus.

La série Nils d'Antoine Carion s'était faite remarquer par son esthétique générale mais également par ses couvertures et maquette absolument sublimes. Sur La mille et unième nuit on est dans le même standard, qui vous fait pleurer les yeux avant d'ouvrir l'album avec une couverture et une tranche gaufrées et dorées, ceci étant harmonieusement accompagné par des cadres ouvragés revenant sur un certain nombre de pages de l'album. Le dernier album dont le travail de fabrication m'avait autant marqué c’était Les Ogres-Dieux.

Mais contrairement à ce dernier l'album de Le Roux nous propose une histoire impressionnante de simplicité, de fluidité et qui nous transporte littéralement au pays des Djinn. La bonne idée est d'imaginer une fin aux mille et une nuits mais de ne prendre finalement que le cadre (les personnages du Sultan Shéhérazade et sa sœur Dinarzad) pour partir sur une histoire libre mais totalement influencée par les contes orientaux. Ainsi il sera question de marchand voyant sa caravane prise dans une tempête pas si naturelle que cela, du roi des Djinn et du roi des lions, de fléaux naturels, de duplicité et de transformations...

Ces bonnes idées scénaristiques sont accompagnées par une voulez de détails rigolos et diablement esthétiques comme ces tapis volants aussi courants que des dromadaires. L'illustrateur a adopté une technique que je n'arrive pas à définir et qui semble utiliser un papier non lissé qui donne un relief incroyable aux planches. On a un mélange de crayon et de craie je pense mais je me demande s'il n'y a pas une retouche numérique (comme Chloé Cruchaudet sur Groenland-Manhattan) pour donner cet effet flou qui donne une folle classe a chaque case. J'ai passé un temps déraisonnable a lire cet album tant il n'y a pas une seule case banale!

Les joyaux sont souvent simples et se laissent contempler a l'envi. C'est le cas avec ce magnifique album qui habille une histoire qui aurait pu faire partie du recueil des Mille et une nuit. De quoi hésiter à le ranger banalement au milieu de sa bdtheque...

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L’album reprend la maquette classique de la série, sur le même papier épais, format comics, mais sur une maquette et pages à base noires. Une carte du monde et de ses nations est insérée en intérieur de couverture et pose les base de cette intrigue géopolitique. Les tranches donnent un aspect très élégant à la collection une fois insérée dans la bibliothèque. Enfin, ces couvertures…. donnent envie d’avoir des exemplaires grand format sous verre!

Dans la légendaire république de Rem le jeune héros à la tête de l’armée et sa compagne pressentie pour prendre la direction du Culte donnent la vie à des jumeaux. Or la loi de la République organise une séparation stricte entre haute classe composée d’être « parfaits » et ceux qui sont dotés d’une tare. Les deux enfants vont se retrouver séparés par cette société d’apartheid rongée par la corruption. Mais le même sang qui coule dans leurs veines va les mener à affronter ces lois iniques et bouleverser l’ordre établi…

Ma découverte de l’auteur Florent Maudoux et son univers de Freak’s Squeele remonte à quelques années, en tombant sur les couvertures des premiers albums du Spin-off Funerailles, que j’avais trouvé vraiment sublimes. Intrigué par ce titre imprononçable je ne m’étais pas précipité après feuilletage, ne sachant pas si j’avais affaire à une BD pour ado, un manga, un comic,… L’an dernier j’ai entrepris la lecture de la série mère qui m’a laissé le même goût indéfini, ne sachant pas où situer cette série pourtant très rafraîchissante. Un attrait prononcé pour le langage djeun’z et la culture SMS cohabitant avec une mythologie très intéressante et une vraie personnalité graphique, bref, Freak’s Squeele m’a donné l’impression d’un cadavre exquis avec lequel j’ai finalement moyennement accroché.

Le personnage de Funerailles, qui a donné naissance à la première série dérivée, était l’un des point d’intérêt de la première série, par son design sombre, sa caractérisation complexe et le hors champ important qu’il recouvrait. Le fait qu’il soit le cœur de la série dérivée et que celle-ci soit présentée comme plus sombre m’a donné envie de la lire.

Nous avons donc ici une série d’inspiration médiéval fantastique avec une touche de steampunk ou même de SF, proposant un univers improbable où magie, créatures mythologiques et technologie télévisuelle cohabitent. On a les bases d’une saga de dark fantasy, avec ses guerres lointaines, ses héros en armures épiques, ses conspirations de confréries occultes et ses secrets enfouis dans les fondements même de la République. Le principe original (qui rattache avec le concept de Freak) est donc cette loi qui fait que la plupart des bébés naissent avec une défaillance physique plus ou moins importante et vivent dans les bas-fonds, travaillant pour l’armée ou pour la société qui les exploite. Une minorité est « parfaite » et vouée à la meilleure éducation. Sans déflorer l’intrigue (on l’apprend assez vite) une anomalie apparaît lorsque deux jumeaux naissent parfaits et risquent ainsi de briser la règle antédiluvienne en reproduisant ce qu’annonce une vieille prophétie…

Le premier volume s’attarde sur cette séparation de classes, sur l’apprentissage parallèle de ces deux enfants, l’un en haut, l’autre en bas, tous deux très doués, et sur leur rencontre. Autour de cela ce sont les manigances de certains personnages pour orienter et maintenir un ordre très réglé mais pas toujours accepté. Cette partie se lit d’une traite, remarquablement bien écrite avec un scénario sage mais très bien ordonné: une longue introduction expliquant le contexte, puis la naissance et l’apprentissage. Beaucoup de découvertes donc, très intéressantes et beaucoup de portes ouvertes, sur un ton effectivement moins déconneur que la série mère. Personnellement je préfère. Quelques traits d’humour et de subtiles éléments (les soldats de plomb rappelant les bonhommes de pain d’épice, l’immortel) raccrochent cette série à la première mais on reste globalement assez éloigné tant par le ton que par l’intrigue.

Les dessins de Florent Maudoux progressent par rapport aux déjà très bons premiers albums de Freak’s Squeele, notamment grâce à l’apport de la couleur. Dommage que nous restions sur ce papier épais qui atténue la précision des encrages vraiment remarquables. Le design général de cet univers est classique (fantasy épique) mais très élégant, avec ces palais aux architectures antiques et ces costumes voilés. L’immersion dans les bas-fonds donne lieu à un autre aspect de cette République et seul le côté techno dénote un peu, sans que cela soit gênant. Le format comics, la base noire des pages et le style assez minutieux du trait de Maudoux rendent les planches assez sombres, ce qui n’est pas pour me déplaire même si cela peut nécessiter de se concentrer sur certaines cases pour bien comprendre et voir les détails. Comme je l’avais remarqué sur Vestigiales Florent Maudoux est vraiment un des tous meilleurs dessinateurs actuels, à la marge de progression encore conséquente, ce qui laisse augurer du sublime pour la suite. Le format choisi pour la série est sympa mais je pense que l’idée de proposer des versions grand format serait intéressante pour profiter de ces très belles planches.

Je dirais donc mission accomplie pour ce premier tome de Funerailles qui m’a enfin accroché à cet univers en recalibrant le curseur aventures/graphisme/ambiance. Ce ne sera donc sans pas le même publique qui appréciera les deux séries mais les passerelles entre les deux ont un côté intéressant en proposant plusieurs aspects de ce monde que l’auteur a construit, très original et qui, sans proposer une BD Fantasy comme on en trouve chez soleil, permet grâce aux graphismes et un certain côté décalé de sortir du lot.

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/08/08/fortunate-sons/

Je vais aller droit au but sur les deux points négatifs de cet album: l'intervention d'un nouvel illustrateur sur les deux chapitres centraux de l'album (de qualité très moyenne) et la maigreur des bonus proposés au regard des superbes couvertures originales (qu'Urban a choisi de détourer alors que la version US était mise en page au format affiche de cinéma) et des interviews et croquis du t1. Les couvertures alternatives en fin d'album ne compensent pas vraiment ce manque.

Ceci étant dit, parlons de l'album et de la suite du périple des Mosak après leur enlèvement du Roi Fange. Comme je l'avais expliqué, l'univers est touffu, le nombre de concepts très important, mais puisqu'on est dans le second volume ce contexte nous est désormais un peu plus familier. Nous reprenons le voyage alors que des morts ont eu lieu dans la communauté et qu'Adam Osidis est suspecté de vouloir se soumettre au Maître des murmures pour sauver sa vie (il est très malade). Très vite ils sont attaqués et seront contraints de se séparer et c'est bien l'objet de ce volume pour le scénariste (qui semble construire son intrigue un peu comme dans LOW, avec séparation en plusieurs récits parallèles): les trahisons ou suspicions de trahisons au sein de cette "famille" comme Gobelin aimerait la voir.

Le design général est toujours aussi puissant et si le scénario prends plus de temps et propose moins de pages démentielles que l'introduction, la relation avec Garils, le maître des murmures, est centrale et absolument fascinante. Ce colosse sème le doute avec une telle subtilité que le lecteur n'a absolument aucun moyen de savoir s'il est sincère ou manipule les autres. Sans doute un peu des deux et c'est ce qui en fait un méchant incroyable. Avec Seven to eternity Remender est en train d'inventer un nouveau concept: l'anti-méchant, pendant du anti-héros et auquel on tendrait à s'attacher!

Nouveau concept de ce volume, le marais, sorte de monde parallèle omniprésent qui peut corrompre l'âme de ceux qui s'y sont physiquement noyés. Via ce "personnage" les auteurs développent le background sans non plus en dévoiler beaucoup. La lecture reste exigeante et demande de la concentration tant on ne nous fais pas beaucoup de cadeaux explicatifs. Mais les réponses viennent plus loin.

Par certains éléments on revient vers une fantasy plus classique (le village des elfes ailés, proches de la nature) et des thèmes récurrents chez Remender (l'écologie), qui font un peu perdre de l’originalité. Ces passages correspondent aux deux sections centrales dessinées par James Harren et c'est là que le bas blesse. Malheureusement situées en plein cœur du récit, qui plus est avec plusieurs scènes d'action importantes, ce graphisme vraiment pas terrible brise la lecture à la fois thématiquement et quand à l'immersion dans cet univers fantastique. La section finale dessinée par Opena et mettant en face Osidis et ses choix est très puissante et permet de revenir dans l'histoire mais cette rupture de milieu d'album est dommageable sur le plaisir global. J'espère vraiment que cette incursion n'est que passagère et que Opena réalisera l'entièreté du prochain album (à paraître cet été aux Etats-Unis). Du coup je retire un "point à la note du premier tome, sur une série qui reste néanmoins majeure.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/12/seven-to-eternity-2

Niveau édition rien de particulier, la maquette est rodée depuis de nombreuses années et ce dernier album de la série ne change rien aux habitudes. Une page de garde en fin d'album rappelle les intégrales des séries parallèles.

Après les cataclysmes provoqués par la destruction de la grotte les quelques groupes de survivants tentent de résister et ont entamé une mutation physique... L'Ombre et son groupe parcourent ce monde désolé, entre désespoir et survie, alors que leur Némésis n'en a pas terminé de répandre sa haine sur ce nouveau monde...

Le Chant des stryges est entré dans les annales, parmi les quelques séries majeures qui ont su maintenir un niveau d'exigence sans se perdre scénaristiquement dans des aventures commerciales. Le premier responsable de cela est sans aucun doute Eric Corbeyran, grand scénariste dont le Chant fut une des premières séries et le premier gros succès. Cet alliage de conspirationnisme fantastique issu de la mythologie X-files (la série de Chris Carter est diffusée à partir de 1992, le Chant des stryges en 1997) a plu par sa maîtrise scénaristique, par la précision élégante de Richard Guerineau et surtout par la cohérence de l'univers créé, une véritable mythologie puisant dans l'ensemble des mythes humains et de l'histoire occulte pour fabriquer quelque chose de nouveau qui expliquerait nombre d'énigmes de notre histoire et de la science. Structurée en saisons comme pour une série TV (je crois que c'est le premier à avoir eu cette idée en BD...), l'intrigue s'est étalée sur vingt ans avec une régularité de métronome, un album par an, au risque de quelques essoufflements graphiques sur certains albums. Corbeyran a tenté d'élargir le spectre de cet univers en expliquant certains mystères dans trois séries parallèles (une quatrième série SF était prévue) situées à différentes époques de l'histoire, sans grand succès. Mais l'ensemble du projet est allé au bout de ce qui était prévu et permet d'entrer plus ou moins loin dans cet univers sans obligation de sortir de la série mère qui se justifie à elle-même.

Après tant d'années et de véritables ruptures thématiques à chaque saison qui ont permis au Chant de ne pas ronronner, l'on finissait par se demander si la série se finirait... Chacune des trois saisons étant composée de six albums la fin devait arriver au dix-huitième tome et nombre de lecteurs ont été surpris, choqués, retournés à la lecture du dix-septième épisode qui semblait clôturer la série. Un tel apocalypse rendait difficile un dernier album et j'ai fait partie des sceptiques sur la possibilité de clôturer correctement cette formidable série. Et bien la maîtrise d'Eric Corbeyran est toujours là car je peux dire après avoir refermé cet ultime opus que la boucle est bouclée magistralement, avec toujours cette cohérence, des choix difficiles et une fin qui reste ouverte pour l'esprit des lecteurs sans pour autant appeler de suite. L'honnêteté des deux auteurs aura été entière tout le long de cette aventure et je tiens à les remercier pour tout cela.

Et l'album proprement dit? Difficile d'en parler sans spoiler dans une telle série. La force de ces scénarios ce sont les personnages qu'ont su créer les auteurs en se mettant en danger, en changeant notre perception et le traitement fait aux héros. Kevin Nivek, l'un des plus charismatiques héros de la BD a été délaissé progressivement pour le véritable personnage central, l'Ombre. J'ai regretté cela mais ça a permis de tisser une relation ambiguë entre les deux personnages, l'humain et l'anti-héroïne invincible et antipathique. Les acolytes de l'Ombre créés dans le troisième cycle ont tous joué leur rôle, un peu éclipsés par la fascination que semble porter le scénariste sur son grand méchant psychopathe Carson. Cet album se présente comme un ultime voyage à la recherche du dernier stryge, dans des paysages dévastés qui proposent des pages grises et marronnasses. L'album est ingrat pour Guérineau qui s'applique néanmoins sur ses cadrages et dessins de personnages toujours aussi précis. La mutation physique introduite par le scénariste implique des dessins peu esthétiques tendant vers l'effet Zombie... Le cadre de l'album (post-apo) n'est pas propice aux plus belles planches mais le prologue permet à l'illustrateur de montrer une nouvelle fois son très grand talent avec un effet crayon magnifique.

Il semble que le cerveau d'Eric Corbeyran ait eu du mal à freiner ses mille idées malgré la nécessité de terminer son œuvre et cela laisse un peu de frustration lorsque l'on imagine ce qu'aurait pu être un dernier cycle en mode "Akira" post-déluge... Il y a bien sur quelques incohérences mais l'on n'y fait guère attention tant la volonté de rester centré sur les relations de ses personnages est forte et tant l'ensemble est bien pensé, logique. Il est difficile de clôturer une histoire, il est difficile de proposer des évolutions relationnelles de ses personnages et Corbeyran y parvient parfaitement en proposant en cet album une sorte de post-face reliant l'origine du mythe et cette dernière page iconique qui laisse pensif et nous rappelle que l'objet central de la série ont été depuis le début les stryges. Une très bonne fin pour une très grande série.

a lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/18/le-chant-des-stryges-18

La très grosse intégrale (50€ les 900 pages, on peut dire que c'est rentable!) de Bliss comics comprend les séries Bloodshot, Harbringer wars, Bloodshot & H.A.R.D corps et un épisode d'Archer et Armstrong. L'agencement des séries permet de suivre au mieux l'intrigue croisée entre différentes publications. Personnellement je ne suis pas fan de celle choisie quand on connaît la qualité de ce qu'ont produit des illustrateurs de renom (genre Esad Ribic...), mais bon, c'est une histoire de goûts. Très chouette travail d'éditeur qui fait oublier les quelques coquilles de relecture. A noter que l'album contient le crossover Harbringer wars que j'avais critiqué ici, mais la version de cette intégrale est plus complète. Enfin, pas moins de 70 pages de planches n&b, de couvertures alternatives, croquis etc et comme d'habitude en fin d'ouvrage un guide de lecture ordonné pour progresser dans les publi Valiant. Du tout bon.

Cette intégrale est sans doute ce que j'attendais, ce qui me manquait depuis ma première lecture d'un album Valiant. Ce qu'il y a de frustrant dans les comics c'est l'impression d'avoir toujours loupé un épisode tant les fils sont éparpillés en une multitude de publication. C'est le cas chez Valiant donc, mais avec le gros avantage d'un univers plus restreint, d'un nombre de héros moindre et par conséquent d'une possibilité de proposer un fil conducteur. Et bien ce fil conducteur c'est cette intégrale, qui réussit le pari de nous faire rencontrer progressivement, étape par étape les différents protagonistes de l'univers Valiant: le Projet Rising Spirit (une black op américaine qui a mis en place notamment le supersoldat Bloodshot), la fondation Harbringer du psiotique (mutant) Toyo Harada, le H.A.R.D. corp (des soldats modifiés pour recevoir des capacités spéciales et envoyés contrer les mutants de Harbringer). Ne sachant pas jusqu'ici par où commencer mes lectures Valiant, je peux vous l'annoncer: c'est par Bloodshot qu'il faut démarrer.

Outre cette démarche pédagogique appréciable, le personnage de Bloodshot est vraiment chouette à suivre. Sorte de mélange de Wolverine (pour le côté bourrin increvable) et XIII (pour l'amnésie et la manipulation de l'armée), on apprend finalement assez vite que sa véritable identité n'est pas le sujet de la série: le projet PRS et le supersoldat Bloodshot sont anciens ; la problématique est finalement plus celle de la part d'humanité restant (on se rapproche de Ghost in the shell) et de la capacité vengeresse de ce monstre envers ceux qui l'ont exploité. On a bien sur le côté fun et assez crado du bonhomme qui se fait démanteler et prends des balles en pleine poire sans jamais mourir. Mais ce sont les motivations et la psychologie relationnelle de Bloodshot qui le rendent original et intéressant à suivre, dans une intrigue somme toutes assez bourrin et simple (une chasse à l'homme et assaut des forteresses des grands antagonistes de Valiant). Le personnage est devenu un électron libre, un tueur au passé sans âme découvrant l'humanité dans un monde où il n'y a ni cause juste ni héros. Du tout puissant Harada au PRS en passant par le H.A.R.D corps (équipe d'humains optimisés grâce à des capacités empruntées aux psiotiques, centrale dans l'intrigue de Bloodshot), tout le monde justifie ses exactions et ses morts et personne n'est sympathique.

L'intrigue suit des sauts temporels (en avant/en arrière) mais retombe toujours sur ses pattes et l'on sent juste un besoin de se plonger dans la foulée dans l'intégrale Harbringer pour combler la seule petite lacune de l'intrigue.

Graphiquement comme d'habitude chez Valiant une ligne cohérente est tenue avec maximum trois styles graphiques et aucun mauvais dessinateur dans le tas. C'est plutôt joli, toujours précis avec quelques planches vraiment fortes visuellement. Les encrages sont très réussis notamment et les (nombreuses) séquences d'action sont très efficaces. Étant donné le sujet, les scènes sanglantes voir gore sont assez fréquentes, âmes sensibles s'abstenir.Présenter un Bloodshot en lambeaux n'est pourtant pas l'objectif des scénaristes qui visent plutôt à développer ses relations tantôt avec des psiotiques (Harbringer wars), tantôt avec des humains (HARD corps).

A la fin de la lecture on pourra avoir un petit sentiment d'inachevé (un peu comme pour la série XIII) car peu de révélations sur le passé de Bloodshot sont venues. C'est me semble-t'il plu l'objet de la suite Bloodshot Reborn et Bloodshot Salvation, dessinée par l'excellent illustrateur de X-O Manowar , que Bliss vient de sortir.

Si vous voulez tous les détails de l'univers Valiant je vous invite à aller jeter un œil à l'antre des psiotiques, blog dédié à ces comics.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/16/bloodshot

Comme d’habitude chez Urban, les couvertures originales (magnifiques) et des croquis de l’illustrateur sont proposés en fin de volume sur 18 p. Le design général de l’album, de la langue de Mammon et des documents intégrés participent d’une esthétique très efficace. La couverture est parlante, intriguant, efficace.

En 1929 et à d’autres époques les crises financières majeures entraînent des morts. Suicides? Pas certain… Une confrérie dirigeant la banque d’affaire Caïna-Kankrin semble liée à des forces occultes qui proclament que l’argent est la force qui dirige le monde depuis la nuit des temps…

Black Monday Murders est une création assez unique à plus d’un titre. Ambitieuse (très ambitieuse!), elle aurait tout à fait pu sortir du cerveau d’un Alan Moore tant le propos intellectualiste s’allie parfaitement au polar pour produire un récit complexe, mystérieux, qui flirte en permanence avec l’abscons sans pourtant perdre le lecteur qui se raccroche en permanence à un élément subtilement donné. Le scénariste parvient à équilibrer la complexité qui fait partie intégrante du projet et l’intelligibilité pour le lecteur. L’ouvrage en devient totalement fascinant ; personnellement je ne suis absolument pas certain d’avoir compris quelque chose à ce premier tome tout en ayant pris un pied d’enfer…

J’insiste sur la référence à Alan Moore, le seul auteur de comics qui parvient si bien à proposer une réflexion complexe, philosophique parfois, dans un habillage fantastique adulte. Le sujet est passionnant: l’argent. L’hypothèse fascinante: l’argent est une puissance magique occulte qui régit le monde et dont se sert le Démon (nommé Mammon) pour régenter les humains. La thématique de la secte occulte conspirationniste de maîtres du monde servant un grand pouvoir noir est un classique. La transposer sur le thème de l’argent est vraiment originale et intellectuellement stimulant.

A noter que les couvertures originales des épisodes sont tout bonnement magnifiques! Tomm Cocker n’a pas beaucoup publié et son style rappelle celui de Greg Tocchini (illustrateur intriguant de Low). A la lecture de la série de Rick Remender j’avais les mêmes réserves sur ce type de dessin, extrêmement contrasté et numérique. Mais là où Tocchini pèche par imprécision dans les arrières plans et sa propension à créer des plans « eyefish », Cocker propose lui des visages et des corps très expressifs ainsi que des scènes vraiment artistiques de par son utilisation des ombres urbaines notamment. Le dessin sert totalement le propos et si comme moi on est au départ plus attiré par des dessins style BD, on profite complètement du talent de l’auteur qui nous immerge dans un monde sombre, de magie noire et de secrets cachés. Prenez le temps de savourer les croquis en fin de volume, qui confirment la très très grande maîtrise technique du dessinateur une fois ôté le vernis numérique.

La création d’une langue magique, antédiluvienne, à la graphie très élégante et intrigante participe (comme la mythologie autour de la Caïna-Kankrin détaillée à coup de documents imprimés intercalés avec les chapitres) à la solidité de cet univers dont la complexité donne envie de le comprendre, malgré l’effort de concentration et de déduction que cela suppose.

Le récit est structuré entre un agencement de séquences non chronologiques présentant des personnages des différentes lignées dirigeantes de la Caïna à différentes époques, et l’enquête d’un étrange inspecteur qui est le seul à s’intéresser à la langue de Mammon. Ce dernier se fera aider d’un professeur d’économie qui le mets en garde contre la puissance de ceux sur qui il enquête. L’inspecteur est ce qui permet au lecteur de se raccrocher car les autres séquences sont vraiment mystérieuses. Pourtant on reste fasciné tout le long par des bribes d’informations très compliquées à remonter (je pense que deux à trois lectures sont indispensables pour tout bien saisir) et qui, avec le graphisme très noir, très contrasté, crée une ambiance unique. Hickman a la grande intelligence de très peu montrer pour éviter de tomber dans le grand-guignol. Avec l’expressivité des visages de Cocker ce sont deux gros points forts de l’album.

Cela fait longtemps qu’une BD ne m’avait laissé aussi stoïque, en instillant une insistante envie de comprendre, de construire un puzzle dont l’auteur nous donne très peu de clés. Souvent dans ce genre de cas, le risque est grand de rester sur sa fin une fois la série terminée. On verra, mais il est certain que cet album est l’un des comics les plus fascinants et ambitieux de l’année!

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/02/black-monday-murder/

War Mother s’annonçait puissant, avec notamment de superbes couvertures de David Mack et un Tomas Giorello au dessin très texturé qui était pour beaucoup dans la qualité du nouveau X-O Manowar. Après avoir bouclé la lecture je dois dire que je suis assez déçu, du manque d’ambition et de contexte d’une histoire qui se présente finalement essentiellement comme une succession de scènes d’action avec une fâcheuse tendance à être redondant avec X-O: même action non-stop qui prend le dessus sur l’histoire et le « drama », même, relation compliquée entre le porteur et l’arme (ici Warmother et le fusil intelligent, là-bas entre Aric et l’armure)…

C’est dommage car, outre les dessins, nombre de concepts sont vraiment intéressants dans cette vision très écolo du Post-apo (inscrit dans la chronologie du comic Rai, qu’il est probablement préférable de lire avant pour apprécier Warmother) où la Terre a repris ses droits en faisant évoluer la vie dotée d’une forme d’intelligence et de technologie géno-organique en opposition au monde techno de l’orbite. Dans ce monde Gaïa se protège de toute manifestation technologique, cette dernière étant capable via des matériaux synthétiques extrêmement évolués, de reproduire à peu près n’importe quoi. Ce premier thème de l’opposition entre nature et technique, en sorte de miroir, est un thème classique mais toujours passionnant pour voir comment se comportent les humains (et qui est humain?) dans cet environnement clivé.

Ensuite le personnage de Warmother, sorte de guerrier ultime badass et à peu près invincible (comme Aric…) notamment grâce au fusil intelligent qui lui est attribué en début d’album sans que l’on sache vraiment pourquoi.

Malgré un niveau graphique globalement bon (sans être exceptionnel), certains choix de design laissent perplexes, comme ces coiffures iroquois généralisées ou les androïdes en mode « XVIII° siècle un peu WTF…).

Surtout, l’intrigue est sommes toutes très maigre. Bien que la pagination soit relativement réduite, la centaine de pages devrait permettre de complexifier un peu l’intrigue de ce qui est présenté comme un one-shot. On ne sait pas vraiment comment ça commence ni où ça finit et cette quête d’un nouveau Nid paraît finalement assez dérisoire puisque l’on sait assez rapidement ce qu’il va advenir. L’auteur peine à poser des scènes dramatiques et différentes séquences individuellement intéressantes (la relation des deux gamins, celle de warmother avec son chéri,…) se trouvent assez dissociées pour empêcher une montée dramatique. Surtout, le personnage principal (on en revient toujours là!), étant invincible, nous laisse dubitatif devant le danger.

Cet album nous laisse finalement l’impression d’avoir raté un épisode (d’où le conseil de lire Rai au préalable… album que je n’ai malheureusement pas encore lu) et de voir un amoncellement de bonnes idées graphiques ou thématiques juxtaposées sans objectif clair de la part du scénariste. Tout ceci nous laisse extérieur à un album pas mauvais au demeurant mais qui se lira vite et sera vite oublié. Dommage.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/25/war-mother/

Gros volume a couverture et papier épais. Pas très qualitatif mais vu le prix et la pagination il n'y a pas arnaque. La couverture est très efficace et donne bien le ton. Je note que Nury est assez fort pour inspirer des couvertures très percutantes dans ses albums. La BD est inspirée d'un roman (comme indiqué en couverture) et surtout est la transposition d'un scénario de film non réalisé intitulé "Omaha Beach" (... vous verrez pourquoi en toute fin d'album!).

C'est la déroute! L'armée française a été défaite et les allemands s'apprêtent à débarquer à Paris. Très précautionneuses, les autorités ont fait évacuer l'or de la Banque de France. Tout? Non... Deux tonnes ont été oubliées... ce qui mets une bande d’escrocs et de criminels sur le casse du siècle: dans une France sans État, sans armée ni police, attaquer le fourgon chargé de rapatrier ces derniers lingots à l'autre bout de la France sera une partie de plaisir! Mais c'est sans compter sur la morale très peu patriote d'un certain nombre de fonctionnaires français...

Comment faire fortune en juin 40 est un album 100% Nury et Dorison n'apparaît que par-ce qu'il bosse avec son comparse depuis longtemps et que sa maîtrise des ficelles scénaristiques sont reconnues, une sorte de Script doctor en somme, comme il aime à se définir dans ses activités de cinéma. Attention, le fait de titrer en gros avec le nom d'Astier est a mon avis un peu malhonnête de la part de l'éditeur car l'illustrateur n'est pas franchement connu du grand public et l'homonymie avec le célèbre Alexandre Astier entraînera sans doute des ventes trompeuses...

Ceci étant dit, l'album a donc tout de la pâte de Fabien Nury, formule reconnaissable et efficace depuis pas mal d'années: les années 40, une bande de pieds nickelés sans morale, un sous-texte politique, une zone grise de l'histoire entre méchants et gentils. Tout cela rappellera Il était une fois en France et Katanga par exemple. La comparaison est évidente et sa formule marche chaque fois sans vraiment lasser, le principal défaut de cette BD étant qu'elle n'est pas d'une folle originalité, mais ceci est compensé par une très bonne maîtrise scénaristique et surtout sur le point fort des scénarios de Nury: les personnages. Ils sont archétypaux, vilains, bêtes, mais vraiment bien pensés comme attelage de pieds nickelés dans une France en déroute. Car l'historien Nury n'oublie dans aucun de ses albums de titiller là où ça fait mal, dans les bassesses et les heures les moins glorieuses de l'histoire nationale. C'est à mon sens ce qui fait le plus de ses albums. Cela a aussi un verso plus compliqué (comme sur Katanga): au-delà de la dénonciation, le scénariste ne va pas très loin dans l'analyse et cela peut devenir un problème lorsqu'il mets en scène des ordures qu'il se garde de dénoncer. Ce n'est pas dérangeant ici car nous avons affaire à une farce, mais cela reste une tendance lourde de sa bibliographie...

Sur le plan du dessin Astier fait le job croquant des tronches compréhensibles par le très grand public. Le style est tout de même proche de l'ancienne école Spirou, ce qui dénote selon moi avec l'histoire assez adulte. L'illustrateur n'est pas toujours très précis et le papier épais n'aide pas à affiner son trait, mais sa maîtrise reste très correcte.

Au final on a un album calibré pour marcher dès la couverture mais qui n'a pas vocation à être tête de gondole non plus. Un cinoche grand public plutôt rigolo où l'on aime repérer le prochain traître avec une vague inspiration chez Lautner. Dans un esprit assez proche Il faut flinguer Ramirez est cinq catégories au-dessus. Mais vous passerez un bon moment tout de même.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/29/comment-faire-fortune-en-juin-40

Le site Comics blog est un peu l'entonnoir de l'univers du comics, tout y passe et cela permet de dénicher des pépites dont personne ne parle. Ainsi je suis tombé sur cet objet improbable, sorte de croisement entre James-Bond époque Casino Royal, Avengers (non, l'autre, celui avec un chapeau melon et des bottes de cuir...), et le Batman avec Adam West...

Nick Fury jr. est le meilleur agent du SHIELD. Au cours de 6 missions il va œuvrer, toujours avec classe, à faire échouer les plans machiavélique de Hydra...

Attention, cet album titille la rétine et si vous êtes gothique dans l'âme, foncez lire (l'excellent) Black Monday Murders à la place... Cette petite récréation n'a d'autre ambition que de nous plonger dans un univers cool, manichéen, flashy et pop, un retour dans les histoires d'espionnage très Pop des années soixante sur fond de vert pomme et de rose fuchsia. Résultat de recherche d'images pour "nick fury aco"Nick Fury est un super espion imbattable, jamais surpris, qui a toujours un coup d'avance sur les terroristes d'Hydra et ses assassins mortels. Les histoires n'ont aucune espèce d'importance et tiennent sur un timbre poste avec une linéarité qui laisse un sourire aux lèvres devant tant d'improbable. Dans cet univers là on va en mission scaphandre combattre des exosquelettes sur la Lune ou on utilise une technologie du SHIELD pour respirer dans les abysses d'Atlantide... Fury a des gadgets super cool, un costume trois pièces d'une élégance folle et prends le temps de flirter en buvant un martini dans un train rempli d'assassins.

Vous l'aurez compris, l'histoire et les scènes donnent un côté très sympathique au projet... mais c'est bien le graphisme et la mise en scène qui dépotent et sont d'une originalité folle. Résultat de recherche d'images pour "nick fury aco"Contre toute attente l'amoncellement de couleurs criardes est terriblement classe et l'artiste ACO joue sans aucune retenue à découper ses cases en jouant sur des formes psychédéliques. L'essentiel de l'album se présente en successions de doubles pages, qui permettent un grand format et des insertions de cases en forme de rond, d'étoiles ou que sais-je. Il y en a de partout, ça fait "sheba, paw, plop, wizzz" et tout cela est fort agréable, comme un générique de James Bond en grand format. Alors bien sur certaines missions sont un peu trop artificielles et on aurait pu attendre un semblant d'ambition scénaristique en introduisant une continuité sur le personnage, mais finalement ne préfère t'on pas toujours une série B assumée à quelque chose qui tente de paraître crédible?

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/03/nick-fury

Le livre comprend une préface et une poste-face en forme de descriptif des passions humaines... L'album est un one-shot dérivé de la série mère Freak's Squeele, dans le même univers que Rouge et Funerailles (ce dernier est sur ma PAL). Vestigiales fait référence à une fonction ancienne de certains organes qui n'a plus lieu d'être et renvoie à l'état primitif de l'homme. L'album propose donc d'aborder l'intime mystique des deux personnages de sa série phare, Ombre et Xiong Mao.

Vestigiales a été annoncé assez mystérieusement par son auteur au printemps dernier, comme un Spin-off érotique... Après lecture je ne pense pas qu'érotique soit le terme le plus approprié et je qualifierais plutôt l'album comme un essai mystico-baston sur l'identité sexuelle de ses personnages... Le projet est (comme la série mère d'ailleurs) assez personnel et le texte post-face est bienvenu pour détailler l'objet et l'appréhender pour autre chose qu'une simple digression baston sexy.

D'un premier abord, outre une couverture assez chaude, dans la ligne de l'évolution des couvertures de Maudoux (de plus en plus belles et de plus en plus "nues"!), cet album nous propose assez vite des combats dans le monde des rêves, via un voyage initiatique d'Ombre et Xiong Mao. L'auteur peut se faire plaisir et nous faire plaisir en dénudant franchement ses protagonistes lors des combats par ailleurs très bien menés. Dans la série principale l'on sentait une envie frustrée sans doute par le public assez large de la BD. La qualité du trait de Florent Maudoux et la sensualité graphique du personnage de Xiong Mao étaient ainsi couverts par l'histoire déglingos de Freak's Squeele malgré quelque scènes de nu. La parution de la série Funérailles a vu une évolution des couvertures, très sexy, qui amènent très directement cet album.

Le principal intérêt de Vestigiales est donc son graphisme sublime, notamment du fait d'une colorisation très agréable et naturelle. Les entrelacs de corps féminins plus ou moins transformés en créatures imaginaires proposent de superbes planches au sein d'un univers noir et blanc qui permet pour la première fois de découvrir le talent brut, sans trame ni couleur, de Florent Maudoux qui est l'un des tout meilleurs illustrateurs de sa génération et que je m'impatiente de voir sortir de l'univers qu'il a créé pour voir ce qu'il peut proposer d'autre. L'encrage est très beau et les décors très élégants, le contraste entre arrières-plans et personnages étant ainsi renforcé. Vestigiales est un plaisir des yeux, un bonbon graphique!

Heureusement, sa raison d'être n'est pas qu'une envie graphique (...ce qui aboutit généralement à quelque chose de joli mais a ranger rapidement au fond de l'étagère). Le projet est finalement assez ambitieux car s'il vise (selon son auteur) à combler un trou de son histoire, c'est surtout une réflexion sur le couple et sur l'identité intime de chacun qui est proposée. Présenté comme un rêve initiatique dans le passé des personnages, l'album les voit combattre des membres de leur famille ou des incarnations d'archétypes (féminin/masculin, Destruction/fertilité,...) jusqu'à envisager la vieillesse dans une sorte de nid primordial où est convoquée la vénus de Willendorf. les références sont nombreuses et subtiles et l'on sent que l'auteur pense ses histoires pour leur donner une symbolique qui dépasse la simple BD d'action.

Le propos de Maudoux sur l'identité masculine notamment est vraiment intéressant et poussé, surprenant dans un spin-off de série grand-public à l'inspiration manga/comics. La prolongation de la réflexion dans le texte final détaille l'idée d'une révolution identitaire du mâle occidental dans un monde où les rites initiatiques ont disparu et laissent l'homme sans cadre pour se construire une identité sexuée...

La création de cet auteur est décidément inclassable (sans doute pour cela que j'ai eu un peu de mal à m'y immerger dans Freak's Squeele), bancale par moments, mais visuellement superbe et permet de découvrir un bonhomme qui réfléchit son art. Ça donne indubitablement envie de se plonger plus loin dans sa biblio. Pour moi ça commence très bientôt avec Funerailles!

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/04/vestigiale

Avec Humberto Ramos il y a un truc en plus. A l'époque de son grand comic Crimson je me souviens qu'un pote me l'avait montré, en pâmoison... Moi le côté "sauce tomate" m'avait paru un peu ridicule. Par la suite j'ai regardé de loin ses productions avec une grande attirance pour son design, pourtant assez simpliste et très cartoon. Le bonhomme a une relation un peu particulière avec l'industrie en ce qu'il a commencé chez Wildstorme, un label d'auteur indépendants fâchés avec le système des majors de la BD américaine que sont Marvel et DC et qui ont donné des trucs très novateurs dans les années 90 comme Witchblade, DV8 ou Battle Chasers. Tous ces auteurs sont depuis rentrés dans le rang mais ils gardent un caractère particulier, et surtout j'ai vraiment commencé les comics avec ces séries... Il y a quelques années Ramos a commencé à bosser en Europe, sur la série mystique Revelations puis un spin off de Kookaburra chez Soleil et enfin, Fairy Quest chez Glénat, que je vais vous présenter aujourd'hui. La série doit comporter quatre tomes, dont deux sont sortis en 2012 et 2015.

A Bois-des-contes règne le pouvoir implacable de Grimm: les personnages de contes Variants qui ne suivent pas le script de leur histoire sont pourchassés et condamnés au vide-tête! Mais le Chaperon rouge et son ami le Loup ne comptent pas se laisser faire et s'échappent avec pour objectif de rejoindre Vrai-monde...

Ramos n'est donc pas le meilleur dessinateur de comics qui soit. Son dessin aux gros pieds et trognes mignonnes n'est pas très technique... mais a diablement du style, de la consistance, une personnalité! Sur le récent Extraordinary X-men il apportait déjà un je ne sais quoi de spécial à une histoire relativement banale. Ici son trait et les couleurs de son comparse Leonardo Olea (magnifiques) donnent une texture entre le manga et le graphisme de jeux vidéo à cet univers des contes. Il parvient notamment à donner un vrai caractère au couple Rouge/Lou' qui entraîne le lecteur sur leurs traces avec une vraie tendresse. Le méchant Grimm est également très réussi. Mais ce sont finalement les planches en plan serré qui sont les plus réussies, l'artiste mexicain délaissant (comme souvent dans les comics) ses arrières-plans.

Je ne connaissais le travail de Paul Jenkins que sur son diptyque avec Humberto Ramos Revelations, enquête policière occulte dans les églises du Vatican, dont l'ambiance et la construction m'avaient marqué à l'époque. Ici il montre également son talent: il n'est jamais facile de tenter une variation sur l'univers des contes. Beaucoup s'y sont essayé, souvent de façon compliquée (comme sur City Hall). Dans Fairy Quest, si l'intrigue est très linéaire (une course-poursuite), le traitement des personnages connus est très intéressante. D'abord par-ce qu'il ne commet pas l'erreur d'en faire le point central de son histoire. Les deux héros sont Rouge et Loup, les autres personnages ne sont qu'une coloration donnant de la texture à l'univers et l'on ne peut qu'apprécier leur caractère original lors de leur apparition rapide. L'idée de la dictature et du libre-arbitre est également intéressante et permet d'aborder la psychologie des monstres et de prendre les lecteurs à contre-pied (en mode "psychanalyse des monstres de contes de fée...").

On prend plaisir à trouver des lieux connus et des personnages à contre-emploi et l'affrontement parallèle entre Grimm et Andersen (là aussi l'on retrouve l'idée forte de City Hall) crée un background qui donne envie de connaître la suite et le hors-champ (pourquoi on en est arrivé là?). Les dialogues entre Rouge l'éternelle optimiste et le grognon Loup qui voit des problèmes partout sont très drôles et assurent la "prise" avec le lecteur. Cette série à la parution lente est une vraie bonne surprise que je n'avais pas vue sortir il y a cinq ans et j'espère vraiment que les auteurs assureront sa clôture en quatre tomes comme prévu car le deuxième volume nous laisse en suspens avec une grosse envie de retourner en compagnie du gros poilu et de la petite fille encapuchonnée!

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/06/fairy-quest

Avec Humberto Ramos il y a un truc en plus. A l'époque de son grand comic Crimson je me souviens qu'un pote me l'avait montré, en pâmoison... Moi le côté "sauce tomate" m'avait paru un peu ridicule. Par la suite j'ai regardé de loin ses productions avec une grande attirance pour son design, pourtant assez simpliste et très cartoon. Le bonhomme a une relation un peu particulière avec l'industrie en ce qu'il a commencé chez Wildstorme, un label d'auteur indépendants fâchés avec le système des majors de la BD américaine que sont Marvel et DC et qui ont donné des trucs très novateurs dans les années 90 comme Witchblade, DV8 ou Battle Chasers. Tous ces auteurs sont depuis rentrés dans le rang mais ils gardent un caractère particulier, et surtout j'ai vraiment commencé les comics avec ces séries... Il y a quelques années Ramos a commencé à bosser en Europe, sur la série mystique Revelations puis un spin off de Kookaburra chez Soleil et enfin, Fairy Quest chez Glénat, que je vais vous présenter aujourd'hui. La série doit comporter quatre tomes, dont deux sont sortis en 2012 et 2015.

A Bois-des-contes règne le pouvoir implacable de Grimm: les personnages de contes Variants qui ne suivent pas le script de leur histoire sont pourchassés et condamnés au vide-tête! Mais le Chaperon rouge et son ami le Loup ne comptent pas se laisser faire et s'échappent avec pour objectif de rejoindre Vrai-monde...

Ramos n'est donc pas le meilleur dessinateur de comics qui soit. Son dessin aux gros pieds et trognes mignonnes n'est pas très technique... mais a diablement du style, de la consistance, une personnalité! Sur le récent Extraordinary X-men il apportait déjà un je ne sais quoi de spécial à une histoire relativement banale. Ici son trait et les couleurs de son comparse Leonardo Olea (magnifiques) donnent une texture entre le manga et le graphisme de jeux vidéo à cet univers des contes. Il parvient notamment à donner un vrai caractère au couple Rouge/Lou' qui entraîne le lecteur sur leurs traces avec une vraie tendresse. Le méchant Grimm est également très réussi. Mais ce sont finalement les planches en plan serré qui sont les plus réussies, l'artiste mexicain délaissant (comme souvent dans les comics) ses arrières-plans.

Je ne connaissais le travail de Paul Jenkins que sur son diptyque avec Humberto Ramos Revelations, enquête policière occulte dans les églises du Vatican, dont l'ambiance et la construction m'avaient marqué à l'époque. Ici il montre également son talent: il n'est jamais facile de tenter une variation sur l'univers des contes. Beaucoup s'y sont essayé, souvent de façon compliquée (comme sur City Hall). Dans Fairy Quest, si l'intrigue est très linéaire (une course-poursuite), le traitement des personnages connus est très intéressante. D'abord par-ce qu'il ne commet pas l'erreur d'en faire le point central de son histoire. Les deux héros sont Rouge et Loup, les autres personnages ne sont qu'une coloration donnant de la texture à l'univers et l'on ne peut qu'apprécier leur caractère original lors de leur apparition rapide. L'idée de la dictature et du libre-arbitre est également intéressante et permet d'aborder la psychologie des monstres et de prendre les lecteurs à contre-pied (en mode "psychanalyse des monstres de contes de fée...").

On prend plaisir à trouver des lieux connus et des personnages à contre-emploi et l'affrontement parallèle entre Grimm et Andersen (là aussi l'on retrouve l'idée forte de City Hall) crée un background qui donne envie de connaître la suite et le hors-champ (pourquoi on en est arrivé là?). Les dialogues entre Rouge l'éternelle optimiste et le grognon Loup qui voit des problèmes partout sont très drôles et assurent la "prise" avec le lecteur. Cette série à la parution lente est une vraie bonne surprise que je n'avais pas vue sortir il y a cinq ans et j'espère vraiment que les auteurs assureront sa clôture en quatre tomes comme prévu car le deuxième volume nous laisse en suspens avec une grosse envie de retourner en compagnie du gros poilu et de la petite fille encapuchonnée!

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/06/fairy-quest

Secret Weapons est (de ce que j'ai lu) le plus fourni en documents de fin de volume: outre des couvertures alternatives (alors que le design général du livre est partie intégrante du projet), de nombreuses et longues interview des auteurs de la BD, ainsi que les désormais habituelles planches noir-et blanc. Le texte introductif est en revanche un peu évasif sur le contexte général de l'histoire et on en apprend finalement plus pendant la lecture que par cet éditorial. Mais sincèrement on peut difficilement de mander plus comme bonus.

Autrefois jeunes talents convoités par la Fondation Harbringer de Toyo Harada, trois jeunes psiotiques ont été abandonnés et désormais pourchassés par un mystérieux tueur. Livewire, l'une des plus puissantes psiotiques en rupture de ban avec le chez de Harbringer se mets sur la trace de ces jeunes gens dans le but de les protéger et d'en faire une véritable équipe...

Lorsque l'on commence un one-shot de Valiant se pose la question du public ciblé. J'ai commencé il y a peu mon immersion dans cet univers (très sympathique au demeurant) et commence à repérer certains personnages clés, mais suis loin de maîtriser toutes les interactions. Je suis donc encore un lecteur novice et je peux dire qu'à ce titre j'ai bien apprécié Secret Weapons. Cela signifie que le scénario permet à lui seul d'apprécier l'album comme un vrai one-shot en donnant suffisamment d'infos (notamment dans les deux prologues dédiés à Nikki et Owen) pour apprécier le contexte général. Plus que cela, ces séquences donnant un aperçu de mêmes scènes de différents points de vue intrigue et donne envie de lire les albums consacrés à Harbringer et les psiotiques. A noter que le scénariste est celui du film Premier contact de Denis Villeneuve, dont l'intelligence m'avait marqué.

Ce qui donne un intérêt réel à ce comic c'est son humour et son aspect décalé: le choix de raconter l'histoire de mutants recalés dotés de pouvoirs tout à fait pourris, est gonflé et permet de se concentrer sur autre chose que des affrontements apocalyptiques auxquels l'industrie du comics nous a malheureusement trop habitués. Nikki communique avec les pigeons, Owen fait apparaître des objets tout à fait inutiles (genre parapluie ou aspirateur...), Avi se transforme en statue et le quatrième comparse fait briller les objets... on a vu plus impressionnant comme héros! On assiste donc à des combats totalement second degré mais aussi à des personnages qui assument leurs capacités et se débrouillent pour contrer les menaces, qu'elles viennent de Harada ou du tueur, une sorte de cyborg végétal, croisement entre Groot et Robocop.Ce méchant est à mon sens la seule faute de goût des auteurs, son design n’étant pas particulièrement heureux.

Le dessin du duo espagnol adopte une sorte de ligne claire transposée dans l'univers SF de Valiant et surtout rehaussée de tonalités chromatiques calées sur chacun des personnages. On va donc passer de séquences à dominante rose pour Nikki à d'autres vertes ou bleu-gris. Cette esthétique est vraiment réussie et donnent à l'objet global un véritable intérêt graphique (les traits en eux-même sont très sympa également mais comme toute ligne claire, assez sobres). A cela s'ajoute un découpage très réussi utilisant beaucoup de successions de cases verticales provoquant des effets de ralentis ou de comique de situation. Mention spéciale enfin aux deux épisodes "#0" sur les deux personnages principaux et notamment celui sur Nikki qui enchaîne des cases pleine largeur en mode "plan fixe" sur Nikki qui nous relatent l'année passée, du lycée à la fondation Harbringer et l'apparition de ses pouvoirs. Outre le découpage, on plonge donc directement dans la naissance d'un psiotique et c'est très intéressant.

D'un album qui semblait d'une assez modeste ambition, on aboutit ainsi à un projet qui aide le nouveau venu à pénétrer en douceur dans l'univers Valiant, crée une familiarité avec des personnages et un dessin soft qui pourra même intéresser les non férus de fantastique. Un joli bouquin assez tendre, loin du bruit et de la fureur d'un Bloodshot et autres Harbringer wars. Cela donne une autre vision de ces histoires et parfois cela fait du bien.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/07/secret-weapon

La guerre fait rage en Cyfandir: la situation est plus désespérée que jamais, l'alliance entre les barons marchands et l'Inquisition ayant bloqué toute utilisation du Fantasia et donc toute protection aux chevaliers-sorciers. La défaite semble inexorable pour la reine Boadicée qui tente une charge désespérée contre les puissants Thaumaturges... ces derniers n'ont pourtant pas livré toute l'étendue de leur puissance. Ce volume est "l'Empire contre-attaque" de la série de Tony Valente! La convergence des forces de ce vaste et mystérieux univers magique donne lieu à une magnifique bataille épique au possible, faite de désespoir, de trahisons et de l'héroïsme forcené de set et ses alliés. L'originalité des pouvoirs est toujours aussi grande et on est immergé comme jamais (j'avais trouvé la première bataille de Rumble Town un peu brouillon) dans l'action avec mille interventions et rebondissements. L'équilibre entre action/histoire/Humour est toujours aussi réglé. Du très très bon manga!

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/07/10/manga-en-vrac-4

Attention événement ! Mark Millar est désormais une figure familière du monde des comics avec des séries à succès fréquemment adaptées au cinéma. Sa dernière création est pourtant partie pour être un séisme semblable à la sortie du Watchmen d’Alan Moore dans les années 80, excusez du peu ! Avec son acolyte Frank Quitely (vu notamment sur All-star Superman), il ambitionne de produire une relecture du mythe des super-héros, de leur apparition à leur disparition en lien avec la société humaine et la question du contrôle et de la sécurité. Des thèmes devenus fréquents depuis le Dark Knight de Miller ou le Kingdom Come d’Alex Ross. Outre la qualité du dessin et du traitement radical (ça saigne chez Millar, bien loin du comic code Authority), la grande claque vient de l’introduction d’une critique virulente des politiques économiques libérales dans le comic, rejoignant les thèmes très politiques du grand Watchmen. Un vent de fraîcheur apporté par le britannique pour des planches qui se dévorent de bout en bout en attendant impatiemment la suite. La barre est mise très haut… et c’est tant mieux !

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2017/08/08/jupiters-legacy/

Après une saison des chevaliers de l'Ether (2 volumes reliés, 6 gazettes), Seraphin et ses amis ont embarqué malgré eux pour un extraordinaire voyage vers Mars à la recherche du père du héros, enlevé par les hommes de Bismarck.

Alternant intelligemment les séquences (politiques) sur Terre, auprès des héros et d'autres concentrés sur le corps expéditionnaire germanique sur la planète rouge, cet épisode soulève de nombreux mystères, en découvrant certaines propriétés physiques de la planète et de ses possibles habitants: êtres intelligents? Leviathans? Les brumes de Mars cachent beaucoup de secrets et de dangers très sérieux. Comment les enfants pourront-ils gérer l'arrivée sur la planète avec le Chambellan à bord?...

Les textes additionnels qui font tout le charme et l'intérêt de ces éditions gazettes dévoilent sans détours ce qui constituera la troisième saison: la France est la première nation à avoir mis ne pied sur Vénus !... Année après année ce Château des étoiles renoue avec ce qui a inventé les histoires d'aventure: les feuilletons de Dumas et Jules Verne au XIX° siècle et les magazines fantastiques. Alors que Glénat célèbre Conan et que Ankama publie depuis quelques temps des adaptations de Stephan Wul, je trouve formidable que les éditeurs retrouvent ainsi l'esprit libre et imaginatif de l'aventure qui ne se prend pas au sérieux et vaguement kitsch. En plus la BD d'Alex Alice a le grand mérite de plaire de 7 à 177 ans...

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/05/30/festival-des-gazettes-le-chateau-des-etoiles-la-gazette-du-chateau-le-sang-des-cerises

Je continue ma lecture de cet album, vrai-faux Passagers du vent (relié à la série mère surtout par la généalogie puisqu'il n'est plus du tout ici question de bateaux). Ce troisième épisode confirme mon impression très positive et l'investissement historique et de documentation de l'auteur est très impressionnant. Ce volume est beaucoup plus chargé en articles : pas moins de 5 pages avec illustrations d'époques comprenant une page sur la construction du Sacré-cœur, une double page très dense sur le Montmartre de 1880 (lieu d'installation d'artistes que l'on retrouve dans l'album mais aussi le développement des cabarets), une page sur le contexte politique (comme dans les autres épisodes) et une interview de Bourgeon sur le langage et les chansons. Tout cela est passionnant et l'on réalise à la lecture que c'est assez indispensable comme complément de l'album tant l'objet de cette BD est clairement pour Bourgeon la reconstitution d'un lieu et d'une époque dans une visée ethnographique. J'espère vraiment que l'éditeur publiera ces compléments avec l'album à paraître en octobre.

Si l'article sur les cabarets, vraiment détaillé, n'intéressera pas tout le monde, celui expliquant la période de tergiversations sur une Restauration (... mais avec quel roi? la branche légitime dont le dernier roi de France, Charles X a provoqué la dernière révolution en date ou la branche d'Orléans, celle de Louis-philippe?) est fascinant tant on ignore le contexte de naissance de cette Troisième République qui fut pourtant la plus longue de notre histoire politique. L'entretien avec Bourgeon nous éclaire sur son rapport à l'argot, à l'Eglise (il a été élevé chez les curés) et au bas peuple et nous apprend que l'album publié comportera un lexique des termes bretons et argots utilisés dans les planches.

Sur le plan BD en revanche le découpage en gazette n'apporte pas grand chose du fait de la construction qui vise plus l'illustration historique que l'intrigue proprement dite. Cet épisode revient sur le passé de Clara et cette zone trouble entre son retour de Louisiane et la Troisième République, dont ses années en déportation. L'auteur utilise un passage dans une goguette pour nous dresser un réquisitoire sanglant de la répression contre la Commune. Le propos est extrêmement politique et a des répercutions jusqu'à nos jours tant cette République est née les deux pieds dans le sang comme le dit un personnage... Sinon la visite "touristique" que propose Bourgeon nous emmène dans les carrières souterraines ou dans le "village" (plutôt bidonville) de Montmartre dont la reproduction est saisissante de vie et de précision.

Encore une fois le récit proprement dit souffre un peu de se sectionnement en quatre parties qui interrompt l'immersion... mais le format journal jouit d'ajouts indispensables. Dur de choisir le format idéal mais vu le prix des gazettes je ne saurais que conseiller cet achat en préparation à une lecture de l'album couleur. J'ai toujours considéré Bourgeon comme un auteur majeur mais il n'a jamais été non plus un de mes préférés (un peu comme Moebius/Giraud). Cet album est pourtant, à mesure de la lecture, une des choses les plus impressionnantes que j'ai lu en BD, se rapprochant par l'ambition, d'un Dernier chant des Malaterre, l'ouvrage majeur de l'auteur. Un récit qui pourrait presque intégrer la rubrique Docu de ce blog et qui donne très envie de connaître cette période charnière pour la société et la République française.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/27/le-sang-des-cerises-journal-3

Très bonne découverte que ce nouveau scénario de Dorison avec un petit nouveau extrêmement talentueux aux dessins. Je m’attendais à une transposition de la Ferme des animaux adaptée aux enfants… et je me retrouve avec un pamphlet très violent et sans détours sur l’exploitation et le totalitarisme que n’aurait pas renié un Lupano… Les dessins, donc sont assez impressionnants même si dans le registre animalier beaucoup de dessinateurs savent rendre des planches très sympa. Je vous laisse aller faire un tour sur le blog de l’illustrateur pour voir de quoi il est capable… On a donc un château occupé par des animaux abandonnés par les hommes et où un Taureau assisté d’une bande chiens féroces à instauré une dictature sanglante où le culte du chef est érigé en obligation et où toute rébellion est punie d’une mort atroce. Pas de mise en place ici, on entre dès la première séquence dans le vif du sujet avec une vieille oie révoltée qui tente de faire se réveiller une chatte blanche qui encaisse les coups pour subvenir aux besoins de ses chatons.

Les deux pages de rédactionnel alternent horoscope, météo et tractes dignes des meilleures plumes de Staline ou d’Hitler, de quoi vous mettre dans l’ambiance. Sinon, je préviens, c’est sanglant, du coup si vous voulez le lire avec vos pitchou je conseille pas avant 10 ans.

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/05/30/festival-des-gazettes-le-chateau-des-etoiles-la-gazette-du-chateau-le-sang-des-cerises/

L'éditeur a mis en place une page web très intéressante donnant plein d'infos sur l'auteur, les personnes rencontrées et l'ouvrage lui-même.

A l'occasion de la réédition de Saison Brune, je vais vous parler de cet important album traitant du réchauffement climatique et des enjeux politiques qui sont derrière. La relecture de cet album paru il y a déjà six ans nous montre que l'alarmisme de l'auteur et des experts rencontrés pour l'occasion était loin de la réalité lorsque l'on regarde la situation de la planète aujourd'hui... Piqûre de rappel!

Philippe Squarzoni n'est pas vraiment un auteur de BD. Il est plutot documentariste-dessinateur et traite de sujets à la fois personnels (il se mets en scène, mais pas à la manière d'un Michael Moore, de façon plus intimiste) et très politiques, globaux, comme cet ouvrage qui est un peu le pendant du film d'Al Gore "une vérité qui dérange", qui avait fait grand bruit à l'époque sur la question du réchauffement climatique.

Le format BD documentaire est compliqué en ce qu'il joue sur un fil qui parlera à chacun selon ses sensibilités et ses envies. Je mettrais Squarzoni entre Lepage (pour l'implication intimiste), Joe Sacco (pour la précision documentaire) et Davodeau (pour l'engagement politique). Sur Saison brune il parvient en effet, en prenant le temps, à produite une somme, une enquête méthodique sur la question du réchauffement climatique, qui a l'intelligence de partir du point de vue du naïf...

En début d'album l'auteur est en train de terminer son livre précédent (DOL, sur le second mandat Chirac) et s'interroge sur le débat concernant le réchauffement climatique et notamment les rapports alarmistes du GIEC. Il va alors s'informer, se documenter, interroger des experts et apprendre en même temps que le lecteur, lui expliquant avec pédagogie des questions souvent techniques sur le fonctionnement du climat, mais aussi des comportements humains. Par exemple, lorsque Squarzoni explique à sa femme que pour réduire l'impacte de la crise climatique il faudrait revenir au mode de vie d'un indien pauvre... et que personne n'a envie du niveau de vie d'un indien pauvre! Heureusement que le dessin (assez froid mais qui se prête bien à l'analyse) est là pour faciliter la compréhension, avec force illustrations pratiques (et une approche onirique qui me rappelle le travail de Shin'ichi Sakamoto sur Ascension par exemple).

Je suis assez attaché au dessin dans la BD et je reconnais que le style hyper réaliste de Squarzoni (qui peut rappeler la technique d'un Christophe Bec par exemple) n'est pas forcément ma tasse de thé. Il permet néanmoins de poser une ambiance documentaire, journalistique, élément qui manque selon moi aux albums de Joe Sacco qui par son style presque cartoon casse un peu cette froideur utile au propos. Techniquement il n'y a rien à reprocher et certaines cases sont vraiment belles, notamment les nombreuses séquences contemplatives de nature.

J'ai été assez bluffé par l'impression qui ressort de cet ouvrage. Une enquête qui demande de l'effort au lecteur, de l'implication, et dont on sort avec le sentiment d'avoir eu une démonstration totalement implacable, irréfutable, de la gravité de la situation climatique et de la responsabilité écrasante des dirigeants politiques et économiques. Le climat a déjà basculé et l'inertie du système fait que même si toute activité industrielle s'arrêtait immédiatement il faudrait une longue période pour que le système climatique retrouve son fonctionnement normal. En bref on n'est pas dans la merde...

Les rapports du GIEC, critiqués pour leur caractère dramatique, sont ainsi des présentations déjà policées des observations de terrain. La seule faille dans laquelle s’engouffrent les climato-sceptiques est celle, imparable, de la courte période d'analyse. L'attaque est bien pensée puisque par définition, concernant le climat, seules des analyses sur des milliers d'années permettraient de démontrer par A+B la cause humaine du réchauffement. Al Gore avait assumé de forcer le trait en présentant dans son film des courbes à l'échelle géologique justement. Ceux qui voudront se voiler la face trouveront ainsi toujours des arguments techniques pour amoindrir la réalité de la crise. Il n'en demeure pas moins que l'ouvrage de Squarzoni, mais également toutes les autres œuvres ou documents sur le sujet convergent vers une analyse commune. L'homme est en train de creuser sa propre tombe et les éléments de langage politique sur la réversibilité de la chose sont totalement mensongers. Le mouvement est enclenché et ne pourra pas être arrêté.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/24/saison-brune

Pour leur première incursion dans la prestigieuse collection Signé, l'auteur américain Charyn et le peintre virtuose Civiello nous narrent la geste courtoise (et un peu barbare quand-même...) de Guillaume Corb-Nez ou Guillaume l’hébreu, compagnon de Charlemagne inspiré du personnage historique de Guillaume de Gellone.

La belle reine Witgar, épouse rebelle du duc de Bourgogne s'est enfuie chez le Wali de Cardona, à l'époque franque où Maures et basques parcouraient le sud de la France. L'empereur envoie Guillaume l'hébreu, féroce guerrier et fidèle compagnon d'arme pour récupérer la fuyarde et laver l'affront. Guillaume sera confronté tout au long de cette épopée à la contradiction entre sa fidélité envers Charlemagne et son amour pour la belle...

Étrange album que ce gros volume de presque cent pages aux cases spacieuses en peinture directe auxquelles nous a habitué l'auteur de la Graine de folie. La difficulté de la technique en peinture directe (Rosinski aussi a eu quelques albums compliqués...) c'est que fondamentalement elle ne se prête pas à la BD: le découpage BD nécessite une certaine finesse et du mouvement, ce qui est difficile avec la peinture (à la différence de la colorisation en peinture directe qui utilise le dessin classique et l'encrage). La qualité graphique indéniable de la technique (notamment sur les plans serrés de visages) nécessite un découpage visuel, des dialogues, des paysages, des albums contemplatifs...

Ainsi dans cette histoire nous profitons de planches très différentes, tantôt sublimes lorsqu'elles sont en plans larges ou très cadrées, parfois un peu brouillonnes lorsqu'il s'agit d'illustrer des séquences d'action et de batailles que le style de Civiello rend un peu figé. En revanche, dès les premières pages montrant le moine entamer son récit alors qu'il enlumine des manuscrits, l'on est subjugué par la qualité artistique des pages et par la suite les visages prennent un réalisme saisissant. Le style est particulier et ne plaira pas à tout le monde. Mais si vous aimez la peinture et les ouvrages d'illustration cela devrait vous plaire.

Ce qui est le plus intéressant dans ce récit très original c'est la description d'une époque que l'on connaît mal. La figure de l'empereur à la barbe fleurie se mélange aux mœurs frustes que l'on imagine de l'époque, l'amour courtois se mêle aux pulsions les plus primales et les moines du grand Suzerain sont autant des propagateurs de la foi et de la culture que des seigneurs de guerre. Le scénario parvient à allier subtilement cette vision romantique et réaliste de cette renaissance de l'Occident après la chute de l'Empire romain. Comme souvent dans ce genre de récit, les moins à l'aise en histoire seront peut-être égarés dans cette époque, mais ils pourront se raccrocher à l'histoire d'amour et cette figure héroïque en diable que celle de Corb-nez.

Le personnage, agencement de plusieurs figures plus ou moins historiques (on pense au Cide ou à Montecritso) est visuellement réussi avec sa figure en nez d'aigle, ses cheveux sauvages et ses cicatrices. La scène de combat dans la prairie est à ce titre très réussie en ce qu'elle illustre la rage et la puissance brute des corps nus en contraste avec l'apparat des tuniques du duc de Bourgogne ou du Sarrazin assiégé. La brutalité physique de Corb-Nez contraste avec sa pureté morale lorsqu'il se brouille avec la belle reine qui lui laisse entendre qu'il n'a pas l'obligation d'obéir à l'empereur. La réalité des relations féodales bouleverseront cette relation et l'approche du chevalier.

Une drôle d'atmosphère flotte sur cette BD sur laquelle il est compliqué de fixer le propos. Est-ce une hagiographie d'un semi-héros? Une chronique historique? Une farce vulgaire ou encore une épopée médiévale? Le projet général me rappelle l'extraordinaire album Le chevalier à la licorne qui racontait la quête sans fin d'un chevalier revenu d'entre les morts et à la limite de la folie, pris entre la réalité brutale de son époque et ses valeurs chevaleresques... Le mélange d'histoire et de fiction participent sans doute à cela et à faire de Corb-Nez un album à part qui a toute sa place dans cette belle collection.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/20/corb-nez

L'édition de Rapture est un classique Bliss: couvertures originales, court résumé du contexte, table des matière complète des épisodes, couvertures alternatives en fin de volume et galerie de planches n&b très intéressantes pour comprendre le travail de colorisation. A noter une interview du scénariste Matt Kindt sur le site de l'éditeur.

Tama la géomancienne doit monter une équipe de toute urgence: le mage noir Babel, celui-là même qui était parvenu à percer les cieux avec sa tour dans l'Antiquité, a décidé de reproduire son "miracle" depuis le monde des morts. Seule l'aide du Shadowman peut empêcher la catastrophe. Mais ce dernier n'est plus que l'ombre de lui-même en subissant l'influence du Mal... La Géomancienne va devoir faire appel à Ninjak, Punk Mambo et un vieux guerrier de l'au-delà...

Mon odyssée dans l'univers des héros Valiant est un peu méfiante car il y a parfois un écart entre une envie plutôt solide, les échos presse et blogs (comme sur la reprise de X-O Manowar) et mon ressenti. Ainsi on varie entre hauts en bas (les hauts sur The Valiant, Shadowman ou Harbringer Wars, les bas sur xo ou warmother...). Rapture fait clairement partie des hauts. Notamment, ne nous le cachons pas, grâce à des graphismes qui sont pour moi l'album les plus aboutis et constants de la gamme Valiant. Seuls deux artistes interviennent sur cette histoire, notamment Roberto de la Torre dont j'avais beaucoup apprécié les planches du monde des morts sur Shadowman. On a donc une vraie implication et un travail vraiment propre de Cafu sur la partie principale et De la Torre sur les parties de récit sur l'histoire de Babel. La lecture de comics nécessite tellement souvent une adaptation à des changements de dessinateurs de niveau inégal que je ne cache pas mon plaisir devant cet ouvrage sans faute graphique du début à la fin, malgré un décors nécessairement pauvre puisqu’il s'agit de l'au-delà. Les artistes parviennent néanmoins à développer des concepts intéressants, sur les démons, les costumes ou les quelques décors naturels.

Côté scénario ensuite, si l'histoire est un peu court - c'est bon signe niveau plaisir de lecture! - et aurait mérité un autre volume pour permettre une entrée en matière et une clôture moins sèches, le thème simple mais évocateur est très bien choisi: une revisitation du mythe de Babel, quoi de plus pertinent pour une aventure entre mythologie (la Géomancienne) et monde des esprits (Shadowman). En outre la très bonne surprise est que ce volume peut faire office de suite directe de The Valiant (je suis loin d'avoir tout lu des comics Valiant et j'ai parfaitement raccroché les wagons entre ce Rapture et l'album introductif au guerrier éternel et la géomancienne). La narration de Matt Kindt est très fluide et relevée par des dialogues et des situations plutôt drôles avec un jeu sur le quatrième mur puisque Tama a potentiellement connaissance de toute l'histoire grâce à son livre qui décrit les événements à venir. Là aussi c'est un vrai plaisir tant on à l'habitude des scénarios artificiellement compliqués du côté des USA. Je conseille néanmoins d'avoir lu au moins The Valiant auparavant pour être un peu familiarisé et si possible Shadowman, mais la lecture en one-shot est également tout à fait possible et compréhensible, les auteurs faisant en sorte que l'on sache qui est qui.

Rapture est une vraie réussite en ce qu'il parvient à allier dans la simplicité un plaisir de lecture d'une histoire d'action qui prolonge et éclaircit le récit global de l'univers Valiant, avec l'ambition de thèmes imaginaires puissants en ce qu'ils se raccrochent à un mythe fondateur de la culture judéo-chrétienne. Lorsque la BD parvient à être jolie, agréable et intéressante, on peut considérer que la mission est remplie, non?

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/18/rapture

Ce gros volume est découpé en quatre parties et se termine par une post-face de Roberto Scarpinato, "le dernier des juges antimafia" (dont le texte n'apporte rien de plus que l'album). Les deux premiers chapitres ont été publiés dans la revue dessinée.

Attention album très important! Si beaucoup de documentaires nous enseignent sur des sujets plus ou moins majeurs et méconnus, le travail de Davodeau et Collombat se penche sur une période et un sujet relativement connu du grand public. Mais le détail de l'enquête, la précision des informations et témoignages délivrés donnent une réalité glaçante à des événements que les moins de cinquante ans (dont je fais partie) auront beaucoup de mal à imaginer comme réels. Le livre saisit par-ce qu'il parle de personnes qui ont exercé jusque tout récemment les responsabilités de l’État, par-ce qu'il parle de personnes tuées alors qu'elles officiaient à de très hauts postes, mais surtout par-ce qu'il ne parle pas d'Histoire mais de l'actualité presque immédiate... La France dépeinte est un régime mafieux aux méthodes fascistes. La couverture est à ce titre particulièrement provocante et pertinente: pas une fois le nom du général n'est cité alors que l'image éclaboussée qui présente l'album fait bien comprendre que le président était très logiquement informé de ces agissements.

Le premier chapitre de la BD traite de l'assassinat du juge Renaud alors qu'il avait établi des liens entre le SAC et des braquages destinés a financer le RPR. L'affaire sera reprise par le film d'Yves Boisset, lui-même agressé et menacé suite à film, et qui donne foules d'informations toutes plus sidérantes les unes que les autres. Dans un contexte de guerre d'Algérie et de mai 68, personne ne veut prendre le risque d'une déstabilisation de l’État si les liens entre pègre, SAC et administration étaient révélés.

Ensuite les auteurs détaillent les ramifications du SAC dans les administrations de l’État et le fonctionnement du régime gaulliste entre Françafrique, liens avec la pègre issus de la Résistance (voir l'excellent Il était une fois en France de Fabien Nury qui décrit bien ce "gris" qui posa tant de problèmes une fois l’État démocratique restauré à la Libération).

La troisième partie qui nous laisse sidérés, raconte l'utilisation du SAC par un patronat revanchard afin de surveiller, intimider, agresser les syndicalistes et globalement le monde ouvrier après les accords de Grenelle sortis de mai 68. On y découvre des pratiques de régimes fascistes où pouvoir politique, milices employant barbouzes, repris de justice voir militaires et pouvoir économique mutualisent leurs moyens pour casser du rouge. Si certains témoignages peuvent être sujets à caution, les croisements et le sérieux du travail d'enquête de Benoît Collombat ne laissent pas de doute sur la réalité de ce qui est décrit. Glaçant.

Vient enfin un très gros morceau, sur lequel le journaliste travaille depuis longtemps sur le sujet (il avait sorti une enquête en 2007): l'affaire Boulin, reconnue par toute la profession journalistique comme sans doute le plus gros scandale de ce Régime. Résultat de recherche d'images pour Relaté avec le langage du polar ou du reportage "pièce à conviction", le chapitre est totalement passionnant mais sans doute le plus inquiétant en ce que, contrairement aux parties liées directement au SAC et datées historiquement d'avant l'arrivée de la gauche (ce qui produisit un séisme dans ce milieu et un coup d'arrêt à un certain nombre de méthodes), cette histoire se prolonge jusqu'à aujourd'hui en impliquant un nombre incalculable de responsables de premier plan. Par respect du récit les auteurs attendent la fin de l'album pour répondre à la question que tous se posent: pour eux Chirac est le commanditaire de l'assassinat du ministre... Pourquoi le pouvoir mitterandien n'a-t'il jamais pu faire ressortir la justice? Cet État dans l’État était-il encore trop ramifié pour prendre ce risque?

On ressort abasourdi de cette lecture et à la recherche de tous les films, reportages et ouvrages publiés sur l'époque. Ce document devrait être présent dans tous les CDI et toutes les médiathèques de France et être lu à titre d'hygiène démocratique.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/10/cher-pays-de-notre-enfance

Après Zombies nechrologies (que j'ai du coup très très envie de lire), l'artiste lyonnais Nicolas Petrimaux qui a bossé notamment sur le jeu vidéo Dishonored mets tout son talent pour un ride échevelé dans les films policiers des années 80', une lecture béate, sourire aux lèvres où vous passerez dix minutes sur chaque planches à admirer les couleurs flamboyantes, la minutie des arrières-plans et la précision des cadrages. Il faut flinguer Ramirez est une très grosse claque BD. Ce n'est que l'Acte I. Et c'est le premier album solo du bonhomme...

Il faut flinguer Ramirez est un album-concept. Un projet intégral où l'auteur s'est impliqué de la typo du titre au texte final en passant par l'habillage (des fausses pub et des transitions de chapitres en mode "XL"). Seule manque une bande originale Funk-jazzy pour que l'on se retrouve dans un film. Car dès le début Petrimaux annonce la couleur: "dessiné en mis en scène par...". Oui, il s'agit de mise en scène et non d'un simple scénario, c'est dit, assumé et totalement confirmé au long de ces 144 pages qui passent bien trop vite. J'avais eu un peu la même impression avec le Shangri-la de Bablet sur lequel on sentait l'investissement total d'un auteur. Ici aussi, dès la couverture on sent que l'on va avoir quelque chose de spécial. On est clairement dans l'affiche de cinoche B des années 70-80. Petrimaux se réclame de Tarantino et d'Edgard Wright et cela se sent (en un peu moins déglingue que chez Tarantino); tout respire le cinéma, est inspiré par le cinéma.

Le travail de colorisation en premier lieu est ce qui marque le plus. Il ne s'agit pas seulement de couleurs vives, l'auteur utilise des filtres pour salir ses images, donner une ambiance de vieille pellicule. Les planches m'ont beaucoup rappelé le formidable Tokyo Ghost de Sean Murphy, tant dans la colorisation très spéciale que dans le trait à la fois fruste et extrêmement précis. Petrimaux marque même un point sur son confrère américain par un encrage fort qui permet de contraster entre premiers plans très noirs et arrières-plans fins et extrêmement précis. Rares sont les auteurs à ne délaisser ainsi aucun plans de leurs images (Petrimaux annonce avoir passé 1 an à préparer et un an à monter l'album), ce qui montre l'investissement et la conviction mise dans le projet.

Ensuite la mise en scène donc... Le travail de découpage et le choix des plans est sidérante de réflexion et de pertinence. C'est la première fois que je passe autant de temps à zieuter une page montrant des employés en cravate dans une usine d'aspirateurs... La dynamique des cases (comme ce panache de fumée qui s'envole et nous hypnotise) montre un réel talent, jouant comme rarement sur les différents plans, enchaînements de cases et fil de textes. Pas un plan n'est standard, tout est pensé et sert la mise en scène donc. Totalement bluffant.Résultat de recherche d'images pour

Niveau ambiance, on est dans le rétro à fond, à base de lesbiennes braqueuses de banque, de gangsters mexicains semi-débiles et d'une Amérique reaganienne triomphante que l'auteur se fait un plaisir de dynamiter en remplissant son histoire et ses dialogues d'un venin savoureux (amoureux de Lupano vous allez être servis!). L'immersion est totale et même si l'on n'aime pas l'esthétique années 80 (c'est mon cas) la qualité du boulot est telle que cela ne pose aucun problème.Résultat de recherche d'images pour

Étonnamment il n'y a pas tant d'action que cela dans "Ramirez" car Petrimaux sait jouer sur les rythmes, donner envie, faire monter la tension et l'attente en nous en donnant juste ce qu'il faut pour repartir sans tout balancer. Le plus gros risque avec un album de ce type c'est que l'attente et l'envie sont tels qu'il ne faudra pas se louper sur la suite (série prévue en 3 Actes)...

A mesure que je m'enflamme je m'aperçois que ma chronique est finalement assez dérisoire: à un moment il ne reste plus qu'à plonger dans les aventures de Jacques Ramirez et à savourer (avec une musique Funk genre Isaac Hays et une bière!). Vivez ce chef d’œuvre de la BD, un incontournable pour tout amateur de BD et de cinéma. Cela fait très longtemps que je n'ai pas ainsi "vécu" une BD. Merci l'artiste!

A lire sur le blog:
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Sur le premier volume sorti paru il y a peu j'avais été quelque peu mitigé, un peu agacé par la com' gargantuesque de Dargaud sur l’événement et par le caractère introductif du volume. Après la lecture de ce second tome qui clôt très joliment l'histoire, des confirmations et une information. Niveau fabrication, hormis une chouette couverture et une élégante maquette, on a le minimum syndical; un carnet comme sur le tome 1 n'aurait pas été un luxe.
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Je reconnais que je me suis trompé! L’impression mitigée sur le premier volume était bien due au découpage et confirme que l'éditeur aurait été inspiré de ne publier le volume qu'une fois clôture (surtout que la parution des deux tomes est très rapprochée). L'affaire est donc réglée puisque plus personne n'aura a attendre entre deux albums et je gage que Dargaud sortira à noël une intégrale joliment augmentée.

Cet album est, me semble-t’il, encore plus axé sur le Joker que le premier et donne lieu à un humour noir très réussi, notamment dans la relation entre le clown, la gamine et Harley. C'est bien là l'innovation de ce titre qui introduit une lignée à un Bruce Wayne habituellement considéré comme incapable d'enfanter et d'avoir une vie relationnelle. Même si c'est par accident, on nous montre néanmoins le passé du jeune Bruce (ainsi que celui du Joker... ce qui est assez rare dans l'ensemble de l'édition Batman...) et ce qui aurait pu lui désigner une autre vie. Les scènes intimistes sont nombreuses et permettent de développer une psychologie complexe à un joker finalement pas si monstrueux que cela. Si la violence et le caractère adulte de "Dark prince charming" sont présents, Marini ne suit cependant pas les traces du tandem Snyder/Capullo (l'une des plus impressionnante variation mais aussi très noire). Comme je l'avais noté sur le premier volume, la filiation visuelle avec la trilogie de Christopher Nolan est cependant dommage (outre que je n'ai pas accroché avec cette esthétique réaliste) car elle perd l'originalité que l'on aurait attendu de l'artiste italien, qui semble néanmoins avoir pris un énorme pied à s'immiscer dans le monde du Detective. Néanmoins quel plaisir de voir un Gotham redevenu gothique et l'ombre de la chauve souris fondre sur les truands!

Ce second tome donne lieu à quelques séquences remarquables, comme ce récital au piano du Joker dans une usine désaffectée montrant la bêtise de sa jolie copine, une citation de "singing in the rain" ou ce tordant face à face entre un Joker grimé en drag-queen et un Bruce Wayne bourru au possible. Comme souvent dans les histoires de Batman c'est donc encore une fois le Joker le clou du spectacle. L'auteur jour d'ailleurs très subtilement sur un quiproquo attendu concernant le titre: le Sombre prince charmant n'est pas forcément celui que l'on crois, notamment via une ultime pirouette vraiment réussie.

Niveau action, Marini sort la grosse artillerie et maîtrise toujours aussi superbement son cadrage, son découpage, son rythme. Il parvient ainsi sur son double album à rendre aussi intéressantes les scènes de dialogues entre personnages, les panoramas nocturnes, les clowneries du Joker et les séquences testosteronées. DPC2.jpgJe pointerais juste une petite déception sur Catwoman, toujours aussi garce mais un peu délaissée. Il est vrai que sur une telle pagination il est compliqué de donner toute leur place à tous les personnage du panthéon batmanien et Marini semble avoir jeté son dévolu plutôt sur Harley Quinn (... logique vu que le focus va plus sur le Joker que sur le héros!).

Cette aventure à Gotham d'Enrico Marini lui aura permis de se faire plaisir autant qu'à nous et de proposer aux novices en matière de super-héros une introduction franco-belge qui pourrait être le sas idéal pour pénétrer le monde des comics. Parvenant à respecter les codes de l'univers Batman sans trahir sa technique, Marini réussit haut la main la transposition. A se demander s'il est capable de rater quelque chose...

A lire sur le blog:
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Le sympa envoi de l’éditeur Mosquito, grand défricheur des talents graphiques italiens et d’ailleurs, me permet de découvrir l’artiste Corrado Mastantuono, dont la couverture de l’album Klon est particulièrement réussie: énigmatique, dynamique et colorée. Il a publié récemment en France la série fantasy Elias le Maudit qui a plutôt de bonnes critiques et préalablement des albums de genre proches de la BD américaine des années 50.

Son style est assez classique et j’avoue que si les couleurs de l’album sont très sympa, les images que l’on peut voir de ses autres séries, notamment western et polar montrent que c’est probablement en noir et blanc qu’il faut apprécier son talent. Le design général de l’album (qui est de la SF dystopique) est plutôt rétro, rappelant les BD SF des années 70-80, avec un petit côté Gillon/Moebius/Manara: une simplicité du trait, une certaine statique des mouvements en même temps qu’une grande précision anatomique et d’occupation de l’espace. Mastantuono a commencé dans l’animation et a travaillé chez Disney, et cela se voit dans cette maîtrise générale des cases.

Dans un futur proche, les multinationales imposent leurs vues de gré ou de force aux gouvernements. Le ministre de la santé italien est pourtant un incorruptible. Chargé d’installer un nouveau système de sécurité imparable au ministère, l’anarchiste punk Rocco Basile assiste à une tentative d’assassinat et devient la cible d’une officine qui le pourchasse sans relâche. Mais pour ce nihiliste passablement shooté, la réalité n’est pas ce qu’elle semble être…

L’intrigue de Klon est un peu perturbante par sa linéarité et par les effets de brouille que provoquent les sauts de réalité: le lecteur, comme le personnage, ne sait pas tout au long de l’album à quel saint se vouer, ce qui est réel et ce qui est rêvé, le pourquoi de cette fuite sans fin… L’histoire est très directement issue de l’univers de Philip K. Dick, teintée du pessimisme politique italien d’une société gangrenée par la corruption, l’affairisme et les mafia. C’est donc bien une BD d’une grande originalité que nous propose Mosquito, à la fois par ses thèmes et par son dessinateur, à peu près inconnu de ce côté ci des Alpes. Il plane une drôle d’atmosphère dans cet album qui débute par un long monologue du personnage principal commentant la société et ses contemporains tel un sage que les drogues auraient rendu extralucide. L’auteur affuble son héros d’une coiffure digne de Ziggy Stardust, d’un cache poussière sorti d’un Sergio Leone et de cernes qui ne le rendent pas franchement sympathique… Surtout, sa passivité chronique en font plus un témoin d’une machination infernale qu’un crack de l’informatique qu’il est censé être. Comme souvent dans les histoires conspirationnistes le scénario malmène ses marionnettes et son lecteur avec. C’est un peu frustrant car si des coups de théâtre surviennent dans cette course effrénée de 130 pages, ils ne reposent jamais sur des décisions du héros. Finalement cela correspond bien à la psychologie du personnage, extérieur à son environnement et à son existence, c’est cohérent avec l’intrigue, mais je trouve qu’il manque une petite étincelle pour véritablement immerger le lecteur. La chute de l’histoire est néanmoins bien menée et terriblement cynique.

Graphiquement Mastantuono maîtrise sa partition et le style du dessin respire une certaine classe. J’ai eu un peu de mal néanmoins avec le design général de ce futur qui fait un peu daté. C’est une histoire de goût, là encore on sort des styles hyper-technologiques courants dans la BD de SF pour une apparence Old-school vue chez Moebius par exemple (j’ai retrouvé quelques ambiances de la regrettée série L’histoire de Siloé de Servain et Letendre).

Au final nous avons une bonne histoire de SF paranoïaque assez classique qui permet de découvrir le travail d’un auteur au grand potentiel. Ce n’est pas la BD de la décennie mais un travail honnête pour des lecteurs curieux de découvrir la BD italienne.

A lire sur le blog:
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Le volume est issu d'un partenariat entre l'éditeur La boite à bulle et Amnesty International, avec l'optique de proposer à des auteurs de traiter un sujet sur lequel Amnesty fournira son expertise, sa documentation et sa caution. Les auteurs choisissent librement leur sujet. L'album propose une préface d'Anjélike Kidjo, une postface d'un des militants des droits humains africain et un texte d'Amnesty sur les défenseurs des droits humains.

La Lucha voit le jour à la suite des mouvements indignés et de la révolution tunisienne de 2011. Le mouvement impulsé par de jeunes étudiants de la classe moyenne congolaise dégoûtée par l'impasse de leur pays, la corruption, la pauvreté, s'inspire tant de la non violence que des mouvements citoyens aux préoccupations très concrètes. Le fait de ne pas à voir de hiérarchie coupe l'herbe sous le pied du système de corruption installé très solidement dans beaucoup de pays du tiers monde. Cette non organisation perturbe beaucoup une répression habituée au système de chefs, plus faciles à corrompre. Les militants, qui se voient persécutés, intimidés, emprisonnés, doivent combattre au moins autant les mentalités des populations que la répression politique qui est finalement souvent un colosse aux pieds d'argile dès lors que les mouvements sont médiatisés. Le mouvement commence par l'accès à l'eau puis part en lutte contre la mainmise de l'église catholique sur les écoles et la taxe qu'elle fait peser sur l'accès à l'école.

L'association essaye de gérer sa crise de croissance en gardant une neutralité absolue, notamment vis à vis des partis. Les soutiens qu'ils reçoivent des ONG vise à compenser les attaques judiciaires et intimidations pénales dont ils sont victimes. Finalement le clivage entre la classe politique composée d'hommes ayant la culture du chef et de l'obéissance, n'est guère différent de la situation démocratique en Europe (si ce n'est d’échelle) où toute une génération tente de changer le fonctionnement de vieilles démocraties bourgeoises.

C'est à mon sens la réflexion la plus forte et la plus grande vertu de cet album que de nous faire réaliser, nous occidentaux centrés sur des problématiques qui pourraient paraître futiles, que nous avons les mêmes combats: environnementaux, démocratiques,... La jeunesse du monde aspire à balayer les réminiscences de ce terrible XX° siècle qui aura fait tant de mal et dont les élites auto-reproduites s'accrochent violemment à leur domination. Mais les choses bougent et en Afrique peut-être plus qu'en Europe finalement l'on voit apparaître (au Libéria avec George Weah, au Sénégal avec Macky Sall, ...) de nouvelles figures issues de la société civiles et qui semblent décidées à combattre la corruption. Un très bel album qui donne de l'espoir.

A lire sur le blog:
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Shadowman est une étrange série qui demande de la patience... que remplit parfaitement l'intégrale proposée par Bliss, l'éditeur des comics Valant! Ce très gros volume est très bien mis en page (quelques coquilles néanmoins), notamment sur le plan graphique avec l'ensemble des couvertures originales des épisodes (j'adore celles de Johnson, dont l'illustration choisie pour la couverture de l'intégrale) et une véritable orgie d'illustrations (couvertures alternatives et planches n&b). Malgré une page d'aide de lecture pour raccrocher la suite des aventures du Shadowman dans les autres séries Valiant, on aurait aimé un peu plus d’éditorial comme une introduction à l univers du personnage et à son histoire éditoriale. A noter que la dernière page laisse entendre un reboot en 2019... La série Shadowman est parue en 1992 et a été relancée en 2012 avec six volumes présents dans cette intégrale.

Jack Boniface est un cajun de la Nouvelle-Orléans, orphelin placé en centre d'accueil et ayant appris à se débrouiller seul. Mais il est aussi l'héritier des Shadowman, généalogie de porteurs de l'esprit vaudou (Loa) "ombre" qui combattent les créatures des ténèbres. Son père, le dernier porteur, à été tué dans son combat avec le très puissant maîtres des arts obscures Darque. Happé malgré lui dans un monde de magie, d'ombres et d'esprits, il apprendra la guerre occulte que se livres des groupes humains, la réalité des liens entre monde des morts et celui de ses vivants... mais surtout il apprendra à retrouver un passé enfoui est une relation complexe entre amour et mort...

Reprenant des éléments de Batman dans un univers vaudou complexe, Shadowman apporte une vraie originalité dans la relation que le porteur du Loa Jack Boniface assume avec cet esprit violent qui en fait le fléau des esprits maléfiques ...mais aussi de ses contemporains! La part d'ombre et la violence intrinsèque du héros le rapprochent du Bruce Wayne tourmenté chassant ses chimères.

La première partie qui entre en matière très rapidement introduit le porteur de Shadowman et son ascendance ainsi que le grand méchant Darque, une des grandes forces du comics! L'intrigue est très classique mais permet d'introduire les différents personnages et l'univers magique de la série.

Puis un second arc voit Darque tenter une bonne fois pour toute de rompre la barrière entre les mondes. Le fait de laisser son rôle très mystérieux en regard de sa puissance qui rend le Shadowman relativement dérisoire, apporte une tension inattendue. Si les pages se déroulant dans le monde réel sont très correctes graphiquement, celles situées dans l'autre monde sont remarquable, la technique utilisée instaurant une atmosphère voilée et sombre très originale et bien vues.

L'intégrale nous propose ensuite de découvrir l'origine de Darque. Cette partie arrive a point nommé pour réactiver la connaissance de cet univers. L'un des meilleurs moments de l'intégrale.

Les épisodes suivants sont très anecdotiques, histoires courtes du Shadowman de couplées de l'intrigue principale, avec des dessins très inégaux. C'est un peu le principe d'une intégrale que d'avoir l'ensemble des histoires qu'elle que soit sa qualité.

Le gros arc s'oriente sur un Jack Boniface luttant avec son Loa, esprit qui le hanté et le rend violent... on continue à avoir une explication progressive de l'univers de Shadowman. C'est appuyé par des dessins remarquables de Roberto De la Torre qui avait introduit les séquences du monde des morts sur le premier arc.

Si le destin de maître Darque et de Dox sont très surprenants, ils prennent cohérence une fois toute la série achevée. Commençant en série d'action avec des dessins chouettes mais assez classiques notamment sur la colorisation, Shadowman évolue dans sa seconde de partie vers un drame plus intimiste, liant l'histoire tragique de Jack avec la malédiction familiale appuyée par un graphisme plus adulte, plus complexe et une chute à la fois inéluctable, tragique et permettant une prolongation passionnante.

Cette intégrale paraîtrait au final presque comme une introduction à une large saga qui ne ferait que commencer. Quel plaisir en tout cas de voir une BD de super-héros ( mais en est-ce une?) aussi mâture et assumant des choix scénaristiques risqués.

Bliss vient de sortir le crossover ninjak/shadowman Rapture, qui devrait prolonger le récit. Après des hauts et des bas pendant la lecture, dus notamment aux nombreux changements de dessinateurs, à l'entrée en matière assez abrupte et aux quelques épisodes dispensables en milieu de volume, cette intégrale, outre le fait d'être un beau bouquin, est au final une très belle expérience, une belle découverte graphique et une immersion dans un univers fascinant que l'on n'a que très rarement l'occasion de voir en BD. Du coup j’attends avec impatience de lire ce qu'il adviendra de Jack Boniface...

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/06/04/shadowman

Tae-Soo découvre que le soutien politique du gang (corrompu) est tombé et tente de savoir qui est derrière la menace alors que l'attitude de Ken fait vaciller la confiance de la Pioche... Mine de rien cette série construit à mesure des volumes une photographie sociale et politique de la Corée assez intéressante, avec l'histoire du pays avec ses voisins, la corruption politique, l'immobilier galopant... Étonnant manga avec ses côté vraiment "fan service" ou redondants (la bouffe...), caricaturaux et la noirceur de certaines séquences, la puissance des scènes d'action et la réflexion finalement assez ambitieuse.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/05/28/manga-en-vrac-3

le volume s'ouvre sur la fin de la baston contre KG et enchaîne sur une dépucelage de la bande à Ken dans un bordel (ça faisait longtemps que le mangaka n'avait pas eu le loisir de dessiner des filles à poil). On enchaîne sur des histoires de cuisine puis sur l'intro du nouvel arc où la bande va s'engouffrer dans l'immobilier.
Encore un album à oublier. Je ne comprends pas ce qui amène Boichi à se perdre ainsi, loin de son histoire mafieuse ouverte il y a presque six volumes. Les lecteurs aiment SKR pour ses mafieux en costards poseurs, ses bastons dantesque et sa radicalité...

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les choses sérieuses commencent pour la Sun-Ken rock team avec l'arrivée d'une équipe d'assassins professionnels qui ont pour mission d'éliminer ces éléments gênants. Le colosse de la bande se retrouve à affronter un trio de tueurs redoutables. Ouf! ce qui me plaisait dans cette série reprends sur les chapeaux de roue après un peu trop de volumes dispensables. Le sens de l'action, du mouvement, la puissance des dessins de Boichi s'expriment dans les combats. Quelle matière dans ces visages hurlant de toutes leurs veines, appuyés par des traits insaisissables... J'espère que cela ne va plus s'arrêter et que l'auteur va arrêter avec ses délires culinaires ou sexuels...

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La première série Innocent se clôture d'étrange manière: reprenant à la césure du tome 8, l'histoire voit Charles-Henri remporter traitreusement son duel sur sa sœur pour la contraindre au mariage. On constatera qu'il est devenu la figure autoritaire et perverse de son père, gardien d'une lignée maudite mais que Marie-Joseph n'a pas dit son dernier mot en ayant parfaitement maîtrisé la situation des femmes et du pouvoir en cette fin de XVIII° siècle. Après des passages vraiment spéciaux inspirés des comédies musicales et des élucubrations sur la vie de cour autour de Marie-Antoinette, les auteurs nous redonnent envie sur la fin avec l'irruption d'une ancienne connaissance, idéaliste projetant d'ouvrir des écoles du peuple pour étendre les Lumières, accompagné d'une réflexion sur les régimes politiques en Occident. Il était temps, cette pourtant excellente série commençait à s’embourber dans les visions un peu farfelues des auteurs. Si la suite Innocent Rouge s'oriente vers la noirceur et la réflexion sociétale des premiers tomes je la lirais très volontiers.

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La grande bataille de Cyfandir commence alors qu'on vient juste d'apprendre la conspiration des barons-marchands. Cet album semble une fin d'arc tant s'accumulent les révélations. La grande bataille est très impressionnante, le nombre de personnages conséquent et Tony Valente maîtrise parfaitement l'art d'en laisser sous le coude avec par exemple ces Thaumaturges dont on sait encore bien peu à dont chaque nouveau pouvoir semble plus puissant que le précédent... Visiblement Radiant est parti pour être une série longue puisque dans les échanges avec les lecteurs (en fin de chaque album) l'auteur semble confesser qu'il n'a encore abordé qu'une toute petite partie de l'univers de sa série. Tant mieux car tout ça est fort agréable à chaque tome! Et le tome 9 vient tout jute de sortir...

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Seth se retrouve enfermé dans la forêt de Myr et s'y entraîne en compagnie du lutin qui lui révèle la nature du Fantasia et de l'Inquisition... Suite de l'arc chez les chevaliers-sorciers et qui oriente de plus en plus Radiant vers la fantasy écologique. Le personnage d'Ocoho prend de l'importance alors que Grimm a disparu... Comme pour la question des migrants dans le début de la série, la question de l'occupation de la terre par les hommes, de la cupidité du commerce (les barons marchands) et de la cohabitation avec la nature est assumée comme un sujet politique en phase avec la situation du monde réel. Radiant est pour cela un manga intelligent qui pose de vraies questions tout en restant ludique.

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Guy Delisle est à l'origine animateur (cinéma d'animation) québécois que les activités professionnelles ont amené en Asie, à Shenzhen (Chine), et Pyongyang (Corée du Nord) dans le cadre du dessin animé Yakari. Puis il a suivi sa femme qui travaille pour MSF, d'abord en Birmanie puis à Jérusalem... Tous ces voyages imposés par sa vie professionnelle ou familiale ont donné lieu à un format qui constitue désormais son oeuvre: le journal de vie, mi humoristique mi documentaire.

Ce qui caractérise les Chroniques de Jérusalem, BD hautement biographique donc, c'est le caractère du bonhomme. Sans savoir s'il scénarise son personnage ou s'il reflète réellement les sentiments de l'auteur, l'on suit une sorte de naïf désintéressé et observant de façon totalement détachée des événements aussi graves que l'opération Plomb durci qui a vu l'armée israélienne massacrer la population de Gaza en 2008-2009, se livrant tantôt à un commentaire posant des interrogations faussement naïves, tantôt considérant ce qu'il voit comme une simple information avant d'aller chercher ses enfants... Or on peut dire que ce qu'il nous décrit dans de courtes séquences de 1 à 10 pages n'est pas totalement "normal" au regard de nos critères européens! Outre la guerre et la présence militaire, c'est surtout l’apartheid de fait et l'omniprésence religieuse qui marque le lecteur. Pas une présence "normale" encore une fois, mais un concentré de toute la folie que peuvent véhiculer les religions: des ultra-orthodoxes par ici qui vous lancent des cailloux si vous roulez en voiture pendant Shabbat, des israéliens qui ne vous parlent pas si vous êtes étranger, des étudiantes palestiniennes qui s'enfuient en voyant un strip de l'auteur montrant une femme nue, des samaritains qui conspuent les juifs par-ce qu'ils traduisent mal la Torah ou des gardiens du Saint-sépulcre (chrétien) qui se répartissent depuis des siècles, quelle confession entretien quelle fenêtre et quel pan de mur... Bien sur on en rigole mais le ton adopté, sorte de Candide en Israël, nous rappelle que cette BD est un journal, un documentaire sur des faits. Et l'on n'a pas très envie d'aller vérifier la véracité de tout ceci tant cela aurait pu s'appeler "un homme au foyer chez les fous"...

Ah oui, le côté "roman français" (qu'on retrouve aussi chez Riad Sattouf dans son Arabe du Futur) c'est que Guy Delisle est dessinateur mais surtout homme au foyer, à gérer les gamins et la logistique pendant que sa femme travaille sur de très grosses journées, à découvrir la vie d'expat' et à naviguer entre le tourisme (compliqué semble t'il), l'ennui et son statut théorique d'artiste (il n'arrive pas à travailler tout au long de l'album...). Cela crée une atmosphère de glandeur terre à terre bien savoureuse.

J'ai beaucoup entendu parler de Guy Delisle, qui a la côté dans le landerneau médiatique parisien bobo. Si je reconnais sa maîtrise du format strip et une certaine efficacité dans l'expression minimaliste et la gestion des silences (très drôles), personnellement je préfère des BD documentaires un peu plus graphiques. Le strip est un format formidable... mais qui perd de son impact quand il est rassemblé sur 300 pages... L'album a le grand mérite de nous faire découvrir une réalité très lointaine et qui se veut objective (je rappelle chaque fois, comme le précise Davodeau sur la préface de Rural! que le documentaire a nécessairement une focale personnelle de l'auteur et par conséquent est orienté), dans ses différentes facettes. On s'y perd un peu par le côté déstructuré et l'absence de "récit" même si progressivement les "personnages" fréquentés par Delisle deviennent familiers.

C'est a mon sens le côté "folie des religions" qui est le plus intéressant, entre le prêtre fan de BD et déconnant sur le Pape et les ultra-orthodoxes. Se défendant de tenir un discours politique, Delisle est pourtant contraint de prendre position notamment contre les colons et la politique de colonisation des gouvernements israéliens. On n'est pas dans le pamphlet chirurgical d'un Joe Sacco (cité dans l'album) mais l'objectivité lui impose de présenter les absurdités et injustices. Comme chez Sattouf l'image donnée du moyen-orient n'est pas reluisante, et l'on sort de la lecture un peu déprimé en se disant qu'une nation aussi psychotique n'est pas sortie de l'auberge...

A lire sur le blog:
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Love propose au travers de graphismes absolument magnifiques et colorés, un reportage animalier en suivant à chaque album un animal sauvage dans ses activités quotidiennes. Ici nous suivons un tigre qui cherche à manger. Le dessin est réaliste et particulièrement réussi, on adore voir les têtes de peluches des félins, singes et autres animaux de la jungle. Album sans dialogues, Love nous illustre la dure loi de la Nature: manger ou être mangé, et où être le plus fort n'indique pas nécessairement que vous mangerez à votre faim... Maintes techniques de filoutage permettent à des animaux d'attraper une proie et généralement les plus malins, ceux qui attendent dans l'ombre de profiter du travail des autres sont récompensés. C'est aussi passionnant qu'un reportage animalier de France 5, très drôle et doté d'une morale succulente. Ça se dévore trop vite mais l'on n'a qu'une envie, d'aligner les autres albums de la série!

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Gon est l'une de mes premières lectures Manga, à une époque reculée où l'éditeur Glénat tenta d'introduire ces étranges BD petit format en noir et blanc, à l'époque des Akira, Appelseed, Dragonball,... Gon doit être l'un des tous premiers manga publiés par Casterman à cette époque et je dois dire que c'était assez gonflé tant cet ovni est particulier. Gon est un dinosaure... mais en format "SD"! Dans une époque reculée ressemblant à l'Amérique du Nord, ce tyran absolu doté d'une force démentielle parcourt la nature en cherchant de la nourriture, mais aussi à exploiter les animaux qu'il rencontre. Et quand on dit exploiter, cela signifie les violenter férocement pour les mettre à sa merci. Il faut voir des grizzly et autres lions rendus à l'état de chatons pour éviter de subir les foudres de Gon. Ce dernier est également capable de bons que ne renierait pas un certain Hulk et de raser une foret en quelques coups de dents. Bref, la terreur de l'ancien temps, le caïd du règle animal, j'ai nommé Gon! Le dessin très réaliste et les décors magnifiques participent de la qualité de ce manga muet (de fait) qui n'a jamais été copié et illustre la sensibilité toujours très particulière de nos amis nippons. Totalement burlesque, un (gros) brin sadique, Gon procure un sourire un peu gêné et demande à ne pas être allergique à l'humour noir.

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Pride of Bagdad proposait en 2006 soit juste après la seconde guerre d'Irak une parabole sur la guerre, le conditionnement, la sauvagerie... au travers de l'escapade (inspirée de faits réels) des lions du zoo de Bagdad libérés lors de l'attaque de la Ville par les forces américaines. J'aime la BD américaine (je préfère parler de BD en ce qui concerne les "graphic novels" comme ils disent... par-ce que "comics" est tout de même très très connoté super-héros) quand elle balance ainsi des paraboles puissantes, radicales, violentes, sans compromissions. Comme souvent les animaux permettent de parler des hommes en se centrant, par cet artifice du changement de prisme, sur le sujet brut. Ici le cheminement des animaux tiraillés entre leurs instincts dégradés par des années (voir une vie) de captivité et l'incompréhension des effets de la guerre qu'ils constatent, nous focalise sur ces visions d'apocalypse d'une cité plurimillénaire déserte. Outre les éléments sur le sort des animaux de cage, c'est bien le contexte politico-militaire de cet événement majeur des vingt dernières années qui donne toute la force au propos. Prédateur ultime, le lion ne comprend pas ce qui se passe, ce que sont ces animaux de fer lancés en furie, détruisant arbres et maisons, ce qu'est ce palais magnifique (celui de Saddam Hussein) doté de piscines et de peintures gigantesques. Créatures puissantes mais ingénues, ils sont observateurs de panoramas que peu d’œuvres ont permis de voir. A ce moment la BD se fait documentaire, prenant le recule de dépasser l'orgie d'images TV de l'époque. Les auteurs profitent des lumières du désert, de l'orient, de la finesse des félins. Dans le monde des animaux tout n'est que violence. Mais si petite au regarde de la violence des hommes, qui n'interviennent qu'à la toute fin, si cruelle, si terrible. Si bête.

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Grand fan de l'illustrateur Esad Ribic dont je remonte progressivement la biblio (souvent avec joie, parfois un peu moins), je suis tombé sur ce bouquin très bien critiqué, formant un one-shot et illustré intégralement par le croate.
C'est la fin. le multivers des différentes réalités/personnages Marvel sont sur le point de se percuter, provoquant un affrontement sans précédent de l'ensemble des héros et vilains de l'histoire Marvel! Cependant, Reed Richards (Mister Fantastic), le plus grand génie de son temps, a mis au point un "radeau de survie" destiné à tenter de sauver ceux qui peuvent l'être. de la collision nait Battleworld, une planète-univers dirigée par le Dieu Fatalis et où les héros et vilains d'avant sont devenus autre chose...
Les neuf parties de Secret Wars nous proposent rien de moins que la Fin des Temps et l'apparition d'un nouvel univers rebattant les cartes physiques et de rôles des personnages Marvel! Secret wars est sans doute l'un des albums de super héros les plus impressionnants graphiquement tout éditeur confondu, réalisé intégralement par un Esad Ribic au sommet de son art avec des couvertures d'Alex Ross. L' atmosphère est désespérée, rappelant le récent film Infinity war, proposant des les premières pages une bataille totalement dantesque (bien que difficilement compréhensible) et quelques planches d'une composition et d'une puissance apocalyptique très impressionnante. A noter que différentes séries sont publiées, tournant autour de l'event Secret Wars et détaillant tantôt la fin de certains personnages, tantôt les évènements d'une partie de Battleworld,
La grande difficulté de cette fresque ambitieuse est d'une part le nombre invraisemblable de personnages (j'avais éprouvé les mêmes difficultés à la lecture de Kindom Come, d'Alex Ross justement), d'autre part le bouleversement des codes géographiques et de l'album même avec un chapitrage particulier alternant noms de chapitres et sous-parties à la régularité variable et aux titres qui n'aident pas forcément la lecture.
Très clairement Secret Wars s'adresse à des lecteurs chevronnés de l'univers Marvel. C'est vraiment dommage tant l'immersion visuelle est une expérience à souhaiter à tout amateur de BD. Un tel objet aurait vraiment mérité un accompagnement plus conséquent que le seul texte d'introduction proposé par Pannini. Lorsque l'on voit le travail fourni par exemple par Bliss sur ses comics Valiant c'est le parfait exemple de soutien à la lecture pertinent, proposant a la fois des informations bibliographiques sur les différentes parties, des notes de contexte très pédagogiques et des résumés des événements nécessaires à comprendre l'histoire qu'on s'apprête à lire. Des infos qui manquent vraiment ici...
Pourtant l'idée est vraiment chouette: un peu comme dans l'excellent Old man Logan (de Mark Millar), réorganiser l'ensemble des personnages est une idée très excitante. Si le démarrage nous perd complètement avec cette dimension de Fin des Temps et des insertions de planches totalement cryptiques, l'on atterrit en douceur sur Battleworld (le monde résultant de la collision du Multivers) où le scénariste nous accompagne via les personnages qui expliquent le fonctionnement de ce nouveau contexte où les héros connus ont changé de fonction et de personnalité. Ce monde dirigé par Fatalis (devenu Dieu) est organisé en baronnies dont le chef (tantôt un ancien Vilain, tantôt un ancien super-héros) prête allégeance au Seigneur de Battleworld. A ce stade le fait de ne pas connaître tous les personnages (Captain Britain, Sinestro ou la famille de Mister Fantastic par exemple...) n'a aucune importance puisque tout est rebattu. On apprend ainsi à découvrir, curieux, cette réalité alternative. Les choses se corsent lorsque apparaissent les rescapés du Multivers. L'on cherche alors à comprendre qui est qui, qui sur Battleworld est un rescapé ou est apparu à la recréation de l'Univers (en outre certains changements de costumes peuvent brouiller la compréhension pour ceux qui ne sont pas au fait des évolutions de garde robe de tous les héros)...
Ces enchevêtrements sont finalement dérisoires car le principal intérêt de cet event est dans le graphisme somptueux et la possibilité d'expérimenter des scènes improbables (la Chose se battant avec Galactus (!!), Cyclope doté de pouvoirs divins ou Stephen Strange jouant un rôle bien surprenant...). Attention, le scénario, bien que complexe, n'est pas du tout anecdotique et va en se simplifiant à mesure de l'avancée de la BD. le choix de partir du chaotique des premières planches pour aboutir à un schéma archétypal (affrontement du bien contre le mal) n'est pas un cadeau au lecteur mais peut être vu comme une progression pertinente une fois l'album refermé. Personnellement j'ai un peu soufflé au rebondissement de mi-album. Mais sincèrement le travail d'illustration est totalement incroyable, sans nulle doute le boulot le plus abouti d'Esad Ribic qui peaufine absolument chacune des cases de ce volumineux recueil. On lui pardonnera (comme à son habitude) des décors un peu vides, tant le dessin des personnages sont impressionnants.
Pour finir je reviens sur le parallèle avec le mythique Kingdome Come (chez DC cette fois), lui aussi foisonnant de héros, proposant des planches à tomber d'un grand maître de l'illustration, mettant en scène un futur alternatif, lui aussi très cryptique avec le personnage du Spectre et nécessitant une bonne connaissance de l'histoire de DC. La grande différence étant que Urban, l'éditeur de DC a proposé une quantité astronomique de bonus et explications dans son recueil. Gros point noir pour l'éditeur Pannini, qui limite du coup à 3 Calvin la note de l'ouvrage.

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Je n'ai jamais été un lecteur assidu de Fluide Glacial mais je voue un culte absolu à Marcel Gotlieb qui incarne pour moi la quintessence de la BD d'humour maline, bien dessiné et loufdingue, avec notamment ses Rhâa gnagna et Rhâa lovely. Maëster, connu surtout pour sa série Soeur Marie-Therese des Batignoles (jouissive par son côté rentre dans le lard mais souvent un peu poussive a mon goût) est le disciple du maître (à qui il n'a pas grand chose à envier en matière de technique graphique) qu'il utilise pour jouer le héros de sa double histoire parodique, prétexte à dessiner des scènes et acteurs très connus du cinéma hollywoodien.

"To die by fatal killing death"

Pas vraiment nécessaire de raconter les histoires ni de décrire l'"humour Fluide", je me contenterais de vous citer les grandes références de l'humour absurde à la mode n'importe quoi: des Monty Python aux nuls, de Hot Shots aux films d'animation Aardman (Shaun le mouton, Wallace et Gromit), vous êtes entre de bonnes mains. Comme Maëster aime les jolies filles il en mets un peu partout mais à la mode caricature car c'est son style (faudrait pas trop se prendre au sérieux quand même. Pour avoir vu l'oiseau une fois en dédicace, je peux vous dire que son personnage de Piggs n'est absolument pas fictif: il drague tout ce qui bouge et n'arrête pas de raconter des conneries!

" Un quartier très très affamé de la ville (c'est à dire tellement mal famé qu'on peut dire pas famé du tout, donc affamé, du préfixe privatif "af", comme dans "afficionado": privé de la moindre intelligence),..."

Donc dans les deux volumes de Meurtres fatals (de même qualité), les deux héros vous transportent dans tous les grands blockbusters des années 80-90, d'Alien aux X-files, de Pulp Fiction à Titanic en passant par Batman et Blanche neige et les 7 nains (il se paie même le luxe de nous placer le bain turc d'Ingres)... C'est toujours un peu fripon mais surtout, SURTOUT, chaque séquence, que dis-je, chaque case est le prétexte à un bon mot et surtout à l'insertion de mille détails à la con qui font mourir de rire. Maëster a 10.000 idées débiles par dessin et le pire c'est que tout ça tient parfaitement, est totalement lisible et appuyé par des dessins vraiment chouettes. De quoi souhaiter qu'il s'essaye un jour (très peu probable à moins qu'il tombe en dépression...) à une "vraie" BD avec une vraie histoire.

Vous passerez votre lecture à décortiquer chaque centimètre pour voir une idée textuelle ou dessinée débile, une référence à un des membres de l'équipe Fluide ou à un film, avec souvent un entrecroisement de tout ça, si possible dans la même image...

"Larcenet, ta mère elle aime Nagui"

Pour conclure, si vous vouez un culte à Marcel Gotlieb et aux Monty Pythons, courez acheter l'intégrale des Meurtres fatals, pour vous dérouiller les zygomatiques!

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Glénat a servi un très bel objet à un auteur que l'éditeur affectionne: grand format style broché (les pages sont bien collées mais comportent un liseré tissu décoratif à l'intérieur de la couverture). Le papier est épais, mettant en valeur les planches. L'album comporte une préface du scénariste Pierre Dubois (auteur de Sykes et grand connaisseur du Petit peuple), une post-face de l'auteur expliquant la genèse de cet ouvrage et rien de moins qu'un cahier graphique de 21 pages. Le grand luxe pour seulement 19€. Comme quoi il n'y a pas toujours besoin multiplier les formats "commerciaux" quand un éditeur tient à mettre en valeur une œuvre...

Un artiste peintre vit retiré sur une crique en contrebas du Bluebells Wood, le bois des jacinthes baignant dans une étrange atmosphère mystique. Vivant difficilement un deuil il ne parvient pas à créer, malgré le soutien de son ami qui vient régulièrement lui rendre visite. Cette vie entre harmonie avec la nature et regrets de son amour passé bascule le jour où il découvre la présence de sirènes...

Comme je l'avais expliqué sur le très beau Horla, j'ai une petite faiblesse pour Sorel, extraordinaire coloriste et artiste inspiré et intéressant, malgré quelques défauts techniques récurrents dans ses albums. Dès le début de cet ouvrage le préfacier nous rappelle que lorsqu'on ouvre un album de Sorel on ne quitte jamais vraiment Lovecraft et le fantastique. Or, comme la post-face nous le confirmera, Bluebells Wood n'est pas véritablement un album fantastique, ou plutôt un album romantique dans une ambiance fantastique. En effet l'auteur explique que c'est un véritable lieu qui l'a lancé dans cet album, une crique de Guernesey très proche de ce qu'il a dessiné et qui lui a inspiré une rencontre entre un homme et des sirènes, dont les planches du cahier graphique témoignent. Le problème de cette genèse c'est qu'il a dû greffer une histoire sur des visions et que comme souvent chez les illustrateurs, la greffe entre images et histoire est un peu compliquée. Alors oui, Bluebells Wood est imprégné d'une ambiance comme seul Sorel sait les poser, une inquiétude permanente inhérente au genre fantastique qui reste l'essence du travail de cet illustrateur. Mais la narration reste compliquée, notamment du fait d'une gestion du temps très floue (la sirène est là, puis plus là, combien de temps s'est-il passé?), peut-être recherchée si l'on regarde la chute de l'album, mais qui ne facilite pas l'immersion. De même, certaines scènes sont difficiles à expliquer (la séquence d'introduction) et à raccrocher au reste de l'intrigue et l'histoire se clôture de façon un peu obscure. J'ai eu l'impression que plusieurs envies graphiques (les sirènes, le Mythe de Cthulhu, les jacinthes, la mer) et thématiques (l'artiste, le deuil, la folie, l'isolement) pas forcément cohérentes avaient abouti à un album dont la colonne vertébrale est compliquée à définir.

Alors bien sur il y a l'histoire d'amour avec la sirène qui occupe deux tiers de l'album en juxtaposition avec les problèmes créatifs du narrateur. Cette histoire permet à Guillaume Sorel de nombreuses cases de nu qui sont parfois très belles mais qui souvent buttent sur les problèmes anatomiques récurrents de cet auteur (disons le clairement, ce n'est pas le meilleur dessinateur de corps féminin du monde de la BD) et qui deviennent donc plutôt secondaires sur le côté visuel. Sorel sait très bien dessiner des expressions, des angoisses et des ambiances, moins les corps. Les séquences pleinement fantastiques sont puissantes et auraient peut-être nécessité de trancher dans ce sens. Ou alors les séquences naturalistes, contemplatives (les plus belles car permettant cette confrontation de couleurs vives, le bleu des jacinthes, le vert de l'herbe, le rouge des renards et écureuils) qui auraient orienté l'album sur l'inspiration artistique...

Le cahier graphique illustre donc ces hésitations qui empêchent Bluebells Wood d'être un grand album en confirmant une faute originelle: une illustration de sirènes n'est pas un album de BD. Sorel a peut-être confondu les deux. C'est dommage car il ne fait pas de doute de son investissement sur ce projet qui reste un magnifique objet et par sa fabrication et par ses dessins. Une petite déception qui confirme l'importance d'un scénario et la difficulté des dessinateurs à traduire en intrigue leurs visions et envies artistiques.

A lire sur le blog:
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De soldat à général est une suite/reboot de la saga X-O Manowar de Valiant. A mesure que je découvre les comics Bliss je suis impressionné par la qualité du travail éditorial (hormis l'horrible bandeau jaune de la couverture reprise de l'édition US... qui aurait mérité une infidélité au matériau d'origine, d'autant que l'illustration en elle-même est magnifique!).

Ayant découvert l'ancienne série je peux comparer et constater le saut du niveau graphique avec cette nouvelle série, avec une subdivision néanmoins: les trois premier épisodes (Soldat) dessinés par Tomas Giorello sont très impressionnants avec notamment une colorisation vraiment agréable. J'aime beaucoup le trait à l'effet crayonné de l'illustrateur argentin (tous les bons dessinateurs de comics seraient-ils non américains?...). Sur la seconde partie (Général) Doug Braithwaite (pourtant assez bon sur les autres séries Valiant) fait un travail un peu rapide qui baisse le niveau graphique de l'album. Néanmoins on reste plutôt dans le très bon au regard de la moyenne des productions US et je dirais que les exigences graphiques de Valiant sont assez élevées (du fait d'une petite équipe d'illustrateurs habitués sans doute), avec notamment - mais ça c'est plus coutumier de l'industrie du comics - des couvertures vraiment attirantes.

En outre j'ai beaucoup aimé le design général de cette planète en guerre, à la fois tribal et technologique et qui aurait mérité d'être développé (mais j'y reviens sur la partie scénario). Au regard des extra-terrestres insectoïdes de l'ancienne série on a un sacré saut esthétique et c'est tant mieux. L'ambiance générale me rappelle un peu l'univers de Seven to eternity.

Le problème de X-O Manwar est le "syndrome Superman": l'armure Shanhara dote Aric de pouvoirs a peu près infinis, ce qui rend compliqué d'installer une intrigue dramatique et de nous faire nous intéresser au personnage qui ne craint aucun antagonisme... Le début de l'album est pourtant sur ce point très réussi: avec un corps ravagé, un visage sombre et un refus d'utiliser l'armure, le personnage nous accroche! Impliqué malgré lui dans une guerre étrangère il utilise sa rage et ses capacités pour faire remporter une victoire impossible à son camp. Au-delà des scènes de bataille épiques qui occupent l'essentiel de l'album (un peu trop à mon goût), plusieurs séquences de dialogue entre Aric (le porteur) et l'armure, sorte de Stormbringer, posent la question de savoir si c'est Aric, redoutable combattant, qui va malgré lui dans des combats interminables ou si c'est l'armure qui lui amène la mort...

L'intrigue très linéaire et progressive relate l'ascension d'un homme du statut de chair a canon à empereur, à la (quasi) seule force de sa hargne. Le premier volume raconte son itinéraire jusqu'au statut de général et sa mise au jour de la dualité perverse de tous les peuples guerriers de cette planète. Pourquoi combat-il? Pour l'armure comme le prédit sa compagne? Comme une fin en soi? Il y a une ambiguïté scénaristique en voulant nous montrer un guerrier qui se dispense de la force ultime de l'armure... alors que sans elle on comprend qu'il ne survivrait pas a cette guerre impitoyable. Le prochain volume a paraître en fin d'année racontera comment il remplacera l'empereur de ce monde.

Partant sur un très bon rythme et niveau graphique, ce volume est un peu décevant. C'est un bon moment de lecture mais qui manque un peu d'originalité et n'atteint pas la richesse de The Valiant. Je lirais la suite de X-O Manowar mais j'attends de lire d'autres saga Valiant pour voir ce que cet éditeur a dans le ventre.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/05/14/xo-manowar-1-se-soldat-a-general

Warship Jolly Roger fait partie de ces belles découvertes de librairie, dont vous n'aviez pas entendu parler mais dont quelque chose vous a fait comprendre qu'il s'agit d'une série majeure à venir. Scénariste du réputé Orbital (que je n'ai pas lu), Runberg emmène son comparse l'espagnol Montllo dans une odyssée SF d'un héros de guerre parti se venger du président corrompu de la confédération humaine qui en seulement quatre tomes s'impose comme l'une des séries Space-opéra majeure de la BD.

Le dernier acte approche. Réunis à bord du vaisseau de guerre Jolly Roger, les comparses de Munro ainsi que le couple de roboticiens enlevés précédemment préparent l'assaut final sur le président Vexon qui doit se marier avec une star de cinéma en pleine campagne présidentielle qui l'oppose à son ancien aide de camp...

La trame principale de Warship Jolly Roger (WJR) est simple: une histoire de vengeance, d'un militaire discipliné contre un politicien pourri prêt à tout pour se maintenir au pouvoir. Dès le premier tome il emmène avec lui un équipage d'anti-héros absolus: un psychopathe, la fille de la cheffe de la résistance militaire à la confédération, un adolescent mutique semblant communiquer avec les machines... On a vu cela mille fois. Mais ce qui fait (sur le plan du scénario) la grande force de WJR c'est le traitement, l'itinéraire surprenant que prennent les personnages mais aussi cette trame. Par une infinités de décrochements par rapport à ce qu'on pourrait attendre, Runberg maintient notre intérêt au sein d'une atmosphère calée sur la psychologie de ce formidable héros qu'est Munroe: décidé, sombre, revanchard, l'on sait dès les premières planches que cette victime des plus terribles machinations, rouage abandonné à la cause du grand méchant, ne capitulera pas, quel que soit le prix. La cohérence des personnages est leur force et leur donne de l'épaisseur et aucun des trois acolytes n'est un faire-valoir. Le scénario évite ainsi subtilement tout cliché alors que l'enrobage y tendrait. Comme souvent ce sont donc bien les personnages et leur "vraie vie" (aucun ne glisse sur l'histoire sans heurts) qui constituent la force de cette histoire: un méchant abominable qui semble contre toute attente se laisser griser à l'amour malgré les abominations qu'il a commises, un anti-héros que le scénariste n'a pas fini d'assassiner psychologiquement, une jeune fille subissant les affres physiques de la guerre et décidée à combattre sa mère qui l'a remplacée pour une cause politique, un mutant autour duquel l'intrigue tourne étrangement, comme hésitant à en faire le véritable héros,... La galerie est réussie par-ce qu'ils vont jusqu'au bout de leurs décisions et que les auteurs aiment à leur donner du corps. Les soubresauts que vivent chacun des personnages rompt l'inéluctabilité de l'intrigue principale en nous faisant craindre réellement que le méchant puisse gagner à la fin...

Mine de rien les thématiques de WJR sont nombreuses: avant tout la politique et sa corruption, mais aussi la colonisation, le rôle de l'armée entre garante de l'ordre et la responsabilité en cas de morts, les manipulations scientifiques, la pollution des planètes, la rébellion (thème déjà vue dans Shangri-la avec une même optique), le rôle des médias,... Les thèmes sont familiers aux lecteurs de SF et répartis de façon très équilibrée dans les quatre albums dont les scènes d'action ne sont pas forcément les moments les plus réussis (hormis les batailles spatiales), au contraire des dialogues percutants. La découverte de ce régime pourri et le côté vicieux avec lequel le scénariste malmène ses héros sont passionnants et donnent envie de s'y immerger.

Le graphisme de Montllo produit exactement le même effet: avec une technique issue de l'animation, avec des textures très plates, le dessin pourrait passer pour simpliste, mais par sa maîtrise du mouvement, des visages (très travaillés, notamment dans leurs expressions), Montllo fait de WJR une série graphiquement très réussie et qui peut faire penser à Gung Ho. Petit bémol sur ce dernier album où l'auteur commence à utiliser une habitude des illustrateurs numériques: l'insertion d'images internet retouchées... dont la finesse laisse à désirer, ce qui est dommage. Mais ce sont des éléments mineurs dans ces planches aux cases larges, aux couleurs appuyées mais très réussies, toujours en clair-obscure (l'essentiel des scènes se passent dans l'espace, de nuit ou en intérieur). Si les décors et vaisseaux ont un effet "cartoon 2D", les gros plans de visages, les plans latéraux et même les anatomies (malgré le style simplifié) montrent la grande maîtrise technique de Miki Montllo, qui présente régulièrement sur les réseaux sociaux des vidéos de work in progres de ses planches.

Alors laissez-vous entraîner dans l'équipage de Jon T Munro et apprécier ces moments comme dans toute bonne série télé où l'intrigue devient secondaire face à l'atmosphère et la proximité que l'on acquiert envers des personnages attachants et un méchant à qui on a très très envie de botter les fesses. La fin de Warship Jolly Roger, très réussie, permet en outre d'envisager une suite, que je suivrais très volontiers!

A lire sur le blog:
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Pour sa première série solo (dont le premier tome remonte à dix ans maintenant!), le grand Enrico Marini, toujours féru d'histoire, à mis la barre haut, voir très haut. Si l'on connaît son talent graphique depuis longtemps, l'aventure scénaristique était risquée: nombre de dessinateurs s'y sont cassé les dents, le travail de documentation historique est considérable tant visuellement que scénaristiquement ; enfin et surtout, la série a vu le jour alors que la grande série sur l'antiquité romaine, Murena avait déjà achevé son premier cycle et jouissait d'une renommée très grande notamment pour son sérieux historique. J'avais commencé la série et abandonné dès le premier tome, peu accroché par ce qui me semblait une intrigue cliché entre deux vrais-faux frères, dans un contexte historique déjà vu. Mal m'en a pris, Les Aigles de Rome tient très fièrement la comparaison avec Murena en assumant son identité propre.

Sur le plan matériel nous avons une pagination classique mais une intrigue très dense pourrait faire croire à des albums de 80 pages... Un court résumé des précédents tomes est inséré en début d'album et un glossaire des termes latins à la fin. L'intérieur de couverture comporte une très belle et très utile carte de l'Empire indiquant notamment les noms et localisations des nombreux peuples germains qui sont au cœur de l'intrigue. Tout bon donc côté fabrication éditoriale, si ce n'étaient les couvertures qui sont comme souvent chez Marini très peu inspirées et peu alléchantes. Vraiment dommage lorsque l'on compare à la qualité des dessins intérieurs qui sont d'un niveau rarement atteint par l'illustrateur italien.

Alors que la République touche à sa fin, un général romain se retrouve chargé d'élever son fils et le fils d'un chef germain emmené en "otage" comme signe de soumission à Rome. Alors que les deux fiers adolescents grandissent dans la culture romaine, ils vont se retrouver confrontés à leurs ambitions respectives mais surtout à leur identité de romains mais aussi des peuples conquis. Au travers de cette querelle de deux frères ce sont les prémices de la bataille de Teutobourg qui nous sont relatés, qui vit la plus grande défaite des légions romaines et l'arrêt quasi définitif de l'expansion de l'Empire en Europe.

Marini - Les Aigles de Rome - Tomes 1 à 3Les Aigles de Rome a été une vraie surprise pour moi. J'aime l'Histoire, je lis Marini depuis le premier Gipsy (et j'ai d'ailleurs fait une rétro sur la série), j'ai adoré la série TV Rome qui a permis ce genre de traitement réaliste dans les fictions... et pourtant quelque chose ne collait pas. Je me suis donc trompé et je considère désormais cette série comme l'une des meilleures productions du dessinateur, d'une maturité qu'aucune de ses autres séries (à part peut-être L'étoile du désert) ne possède!

D'abord le sérieux de la reconstruction donc, et sur ce point la comparaison est tout à fait pertinente avec Murena: dans les deux cas, un personnage historique (Arminius chez Marini, Néron chez Dufaux/Delaby) et son alter-ego fictif se croisent en amitié/concurrence. Murena prend la grande Histoire, Les aigles de Rome a l'intelligence de recentrer sur un événement précis et une série courte, ce qui évite de diluer l'intrigue sur de très nombreux volumes (Murena en est à 10 et ça commence à faire beaucoup...). Choix pertinent tant la quantité d'informations (termes latins, détails de la hiérarchie romaine ou des coutumes sociales, etc) est important, de même que les personnages dont nombreux sont dotés d'un vrai travail de caractérisation.

Ces personnages que je craignais très archétypaux lors de ma première tentative s'avèrent assez complexes et dotés de motivations cohérentes ; hormis Varus aucun n'est un gros méchant né pour être méchant, à l'inverse, le héros Marcus nous change du héros parfait à la Scorpion: ténébreux, impulsif mais aimant, il accumule les boulettes tout en étant d'un courage et d'une force exemplaires. Un héros faillible, contrairement à son frère Arminius, que rien ne semble pouvoir faire échouer alors qu'il se transforme progressivement en vrai antagoniste de Marcus. Tout au long de l'histoire on ne sait qui est réellement le héros de Marini, celui de la petite histoire familiale ou celui qui marquera l'Histoire de son nom...

Sur le plan graphique, si l'on a l'habitude de l'excellence, on atteint ici des sommets de reconstitution, que ce soit sur les costumes ou de multiples détails de décors militaires ou des intérieurs. Sachant tout dessiner, Marini est en outre un coloriste hors paire créant des atmosphères variées et évocatrice. Des visages des personnages aux paysage, tout est fin, subtile, précis et beau. Grande maîtrise des cadrages avec des plans dynamiques alors qu'il n'utilise pourtant aucune ligne de mouvement. Les séquences de bataille sont elles aussi impressionnantes de lisibilité et de style. Il est vraiment très fort! Alors il y a bien sur quelques tics graphiques comme les méchants qui sont souvent chauves, pâles et édentés ou la Germanie toujours couverte de brume et constellée d'arbres morts... Mais cela permet aussi une proximité avec le lecteur, une lisibilité qui n'est pas grossière non plus. Sur le plan documentaire comme sur le plan graphique, Les aigles de Rome peut assumer son statut de grande BD d'aventure historique, que personnellement je préfère donc à Murena.


Les BD de Marini se bonifient avec l'âge et le bonhomme prends des risques en changeant d'univers: après le volume 2 de son Batman il enchaîne avec un nouvel épisode du Scorpion (la série s'approche de la fin) et travaille actuellement sur un one-shot en mode roman noir. De quoi saliver...

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J'ai découvert Boichi avec Sun-Ken Rock puis Wallman, et chacune des traduction de ses publications (tout récemment Dr. Stone) donne lieu à un gros engouement. Il faut dire que le coréen possède un style graphique très alléchant et puissant.

Sanctum, série courte, propose une immersion dans le monde de l’ésotérisme eschatologique chrétien et toute l'iconographie fantastique que cette mythologie recouvre: conspiration de sectes occultes dans un contexte d'arrivée de la Fin des Temps... Le cadre est classique chez Boichi: une jeune japonaise voit sa famille mourir devant ses yeux et se retrouve liée avec un démon (aux courbes loin d'être démoniaques...) par un pacte. Ce premier volume à la progression complexe (plusieurs sauts dans le temps entre le récit directe et des récits secondaires de certains personnages) est plus dans la comédie familiale naïve typique de Boichi que dans le fantastique. Pourtant l'on a déjà quelques fulgurances visuelles de l'auteur et l'environnement général est en place en attendant de comprendre quel va être le rôle de l'héroïne: un trio d'amis (le blond voué au célibat, le brun marrant, la fille orpheline), une société multinationale impliquée dans l'armement, un démon qui fait commettre des crimes à des hommes faibles, une organisation secrète liée au Vatican et une secte organisant des orgies mystiques...

Ce volume est donc une mise en place mais suffisamment accrocheuse visuellement et thématiquement pour donner envie de lire la suite, surtout que l'on ne part pas pour une série fleuve. Pour ceux qui ne connaissent pas Boichi ça peut être une bonne porte d'entrée: des personnages caricaturaux, un humour visuel appuyé en même temps que des séquences très réalistes et belles, un peu de baston et quelques courbes féminines. L'album est en outre agrémenté de quelques pages finales expliquant quelques termes "techniques" autour de l'Ancien Testament et les éléments mystiques autour des prophéties millénaristes.

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Milo Manara est considéré à juste titre comme l'un des plus grands gâchis de la BD. Artiste doté d'un talent sidérante il a le plus souvent fait le choix de la BD érotique très commerciale et très médiocre ou des délires Jodorowskiens pas toujours pertinents. "Malheureusement" un crayon est tenu par un cerveau avec ses passions et ses envies et parfois ça ne colle pas...

Pourtant la biblio de l'artiste italien contient aussi quelques perles, parmi lesquelles la série des Giuseppe Bergman, aventures loufoques (un peu sexy quand-même...) mais surtout très liées aux univers de ses amis Hugo Pratt et Fellini avec des visions étonnantes et très artistiques.

L'avant dernier épisode de la série, "Revoir les étoiles" est assez unique tant sur le plan graphique que thématique. Il forme une sorte de Requiem à la mémoire de ses deux mentor et à l'art, comme l'indique la couverture reprenant la Vénus de Botticelli.



Mes vieux ne sont pas méchants, on joue simplement à quelque chose de beau.

Manara aime les femmes et trouve de nombreuses occasion de les dénuder. Mais si l'on ne peut nier la qualité du trait et l'esthétique du corps féminin très présente du reste chez un très grand nombre d'illustrateurs, l'album devient intéressant lorsqu'il parvient à allier justement l’esthétique et la thématique: l'histoire de l'art et les liens entre monde réel et mondes fantasmés.

L'intrigue, débordant de références qu'il peut être amusant de repérer, suit une ingénue un peu folle, sorte d'Alice perdue dans le monde des hommes, un monde fait des pires pulsions de la société italienne et européenne du XX° siècle, parcourant des représentations de tableaux classiques de la peinture et permettant à Manara de les revisiter. Cela pourrait être artificiel s'il n'y avait une cohérence de cette approche à double hélice, entre le monde de la beauté et de l'art de la fille et le monde réel de Giuseppe Bergman qui tente de la sauver d'elle-même et des dangers du monde.


L'humanité ne semble être que cruauté, corruption, irrémédiablement dominée par le mal, incapable de tendre vers le bien...

L'intrigue n'a pas grand sens, autre que de permettre des tableaux, des regards (beaucoup de regards comme ce face à face entre la jeunesse magnifique et ces vieillards dont on imagine mille pensées, dans une longue digression autour de la "Suzanne et les vieux" chez Veronese, Tintoret ou Doré). Il n'y a (presque) rien de vulgaire dans cet album dessiné en lavis superbes qui revisite un grand nombre d’œuvres majeures, du Déjeuner sur l'herbe à l'ile des morts de Böcklin. Seule la séquence de la reine Pasiphaé ne relève que des fantasmes de Manara et tombe un peu dans le gratuit.

Prenant Giuseppe pour Lucignolo (personnage de Pinocchio) et se croyant au pays des jouets (toujours dans Pinocchio), la fille se retrouve confronté à la réalité policière et d'un mouvement fasciste "Amour et Argent" ainsi qu'à deux loubards qu'elle prends pour le chat et le renard du conte de Collodi. On est tout de même dans un album de Manara, qui profite du fait que les filles sont souvent nues dans la peinture classique pour se faire plaisir!

Les pérégrinations l'amènent à Cinecita où se tourne un film sur l'Enfer de Dante, ce qui permet une très dure vision du véritable enfer, celui de la ville, de la Cité, du monde, bien plus détestable que le monde imaginaire des arts. La fin est la plus poétique: décidée à ne vivre que dans l'imaginaire, la fille se rend sur l'ile des morts où elle rencontre Picasso, Groucho Marx, Hugo Pratt ou Luccino Visconti... Une sorte de petit prince tente de la ramener à la vie grâce à des graffiti colorés, de Disney à Corto. Et l'album se termine magnifiquement par une case blanche invitant le lecteur à terminer l'histoire, bien ou mal, à lui de choisir... Revoir les étoiles est une très belle ode à l'imaginaire et à la beauté par un grand artiste qui devrait produire plus souvent des œuvres personnelles.

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Pour ma première BD de Davodeau (on parle beaucoup de lui dans la "bonne presse" et j'ai souvent des réflexes de recul quand tout le monde aime un bouquin...), j'ai opté pour Rural, sous-titré Chronique d'une collision politique... Alors il ne sera pas question de politique dans cet excellent (et très drôle) documentaire sur les transformations du monde rural et périphérique. Ou pas dans le sens journalistique. Mais de politique sociétale assurément car lorsque l'on fait des choix (généralement minoritaires), on fait bien sur de la politique! Et c'est ce que font les protagonistes de l'album.

Les personnages de ce reportage en trois axes sont d'une part les associés d'un GAEC (groupement de producteurs) de vaches laitières Bio, d'autre part un couple chassé de sa maison par le passage d'une nouvelle autoroute, enfin les incidences et contextes de tracé de cette nouvelle voie aux incidences majeures sur des populations et des paysages. Un excellent résumé de notre époque où l'équilibre entre ruralité et urbanisation semble de plus en plus difficile à maintenir.

Vers la fin de l'album, lorsque, logiquement l'auteur devrait aller voir les responsables de l'Autoroute ASF en bon documentariste qu'il est, afin d'avoir tous les sons de cloches, il explique sur une pleine page qu'il fait le choix de ne pas le faire: il ne souhaite pas diffuser la communication formatée et très efficace de l'entreprise sur les bienfaits de l'autoroute et sa démarche "écologique" et il assume la proximité humaine qu'il a tissé avec ces victimes du serpent d'asphalte pendant une année. En début d'album outre une préface de José Bové, Davodeau donne un point de vue très intéressant sur la subjectivité du documentariste et du réel. Il assume le fait que le bouquin sera un point de vue, son point de vue et que même avec une démarche d'objectivité, la réalité n'est pas la même pour tout le monde ; même des images filmées sont montées et scénarisées. Il nous invite alors à prendre son livre comme sa vision d'une réalité. Je trouve passionnante cette cohérence qui permet à la fois de lire le bouquin comme un reflet d’événements réels et de fait une "fiction" avec ses effets de style et la subjectivité (la sensibilité) de l'auteur. Néanmoins nombre de scènes et de dialogues sonnent tellement vrais que l'on ne peut s'empêcher de les sentir profondément sincères.

Ainsi l'on apprend plein de choses dans ces aller-retours de Davodeau en R5 (l'affaire se déroule en 1997) entre la ferme du Kozon où les associés nous expliquent avec force pédagogie mille détails de la vie à la ferme, et la maison de Catherine et Philippe, passages les plus sombres de la BD tant est palpable la tension liée à ce sacrifice obligé d'années de travaux pour un rêve détruit. Les agriculteurs sont bavards et adorent expliquer leur travail, parfois technique, parfois trivial comme lorsqu'il faut naviguer entre les lâchers de bouses des vaches dans l'enclos de traite...

La structure de l'album est clairement liée aux discussions entre le reporter et ses sujets, ce qui permet une souplesse et de lier incidemment chaque sujet les uns aux autres, nous permettant de ressentir les problématiques générales entre le collectif et l'individuel, entre les nécessités d'équipement nationales, les envies de passer au bio, les contraintes réglementaires,... Il n'y a pas a proprement parler de méchants dans l'histoire, même pas l'autoroute dont personne ne conteste l'éventuelle pertinence autrement qu'en rappelant qu'un élargissement de la nationale coûterait au contribuable alors qu'une autoroute est financée par le prestataire. Une question de choix...

Le sujet de Davodeau n'est pas de parler de corruption (connue dans ces dossiers), de grands projets polluants, etc. Il cite simplement le président de l'association de sauvegarde du territoire qui pointe des questions liées au tracé. Il donne son point de vue personnel sur la destruction du paysage par les ponts et le goudron. Il montre l'effet du passage de la voie sur la maison des Soresi ou le fait qu'un élu local voulait un échangeur vers sa commune... Pas de polémiques donc mais simplement des illustrations documentaires des incidences d'une vision productiviste et industrielle d'une vie rapide et performante en regard de choix (collision politique nous disions...) d'individus d'une vie saine, tranquille et de la difficulté à pouvoir conserver son libre arbitre dans une société qui ne laisse plus beaucoup de place à des choix différents. Etienne Davodeau (dont je n'apprécie pas plus que cela le dessin, je précise) nous offre un très bel album où l'on sent l'investissement personnel et qui reste absolument pertinent même 18 ans après. Et si vous voulez prolonger en mode rigolade, les Vieux Fourneaux du grand Lupano traitent aussi de ces questions.

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Le Badge est un crossover entre Batman et Flash inscrit dans le reboot "Rebirth" de l'univers DC, et introduction à l'"Event" Doomsday clock annoncé depuis longtemps et qui verra se croiser les univers des héros DC et de Watchmen. L'album comprend les 4 épisodes parus aux Etats-Unis issus des séries Batman et Flash. Une double page en introduction contextualise l'album dans le contexte DC Rebirth initié par Flashpoint qui voit les incidences d'un voyage temporel de Flash bouleverser la temporalité des héros DC. L'album comprend les magnifiques couvertures alternatives ainsi que les premières pages (noir et blanc) de Doomsday Clock, faisant la jointure avec Watchmen.

Batman découvre un pins en forme de smiley dans sa Batcave. Qui l'a apporté sans que ses systèmes le repèrent? La présence de ce simple smiley va avoir des conséquences que ni lui ni Flash ne mesurent...

Peu disponible pour suivre l’ensemble des Event et Reboot des éditeurs de comics je n'avais pas prévu de lire cet album malgré une grosse communication et une couverture vraiment réussie. Ouvrant l'album, les dessins vraiment chouettes de James Fabok et Howard Porter et un découpage inspiré m'ont convaincu d'acheter ce petit album (environ 80 planches de BD) annoncé comme un one-shot (c'est le cas).

Il y a deux albums dans "Le Badge" qui vous satisferont ou non selon le public que vous êtes. Soyons clair: cet album est le simple teaser de la série à venir et impliquant que vous achetiez Doomsday Clock mais aussi en toute logique que vous ayez suivi l'intrigue depuis Flashpoint. Les Comics sont avant tout une industrie (à la différence de la BD européenne) et l'enjeu commercial derrière l'opération est évident. Ainsi bien qu'il s'agisse d'un one-shot l'intrigue nécessite (même si c'est expliqué en début de volume) de connaître les événements de Flashpoint ; de même que la fin qui n'en est pas une débouche sur la lecture de Doomsday Clock. Voilà pour le côté désagréable.

Néanmoins, Le Badge est un bel album, cohérent, intéressant et titillant l'envie de lire d'autres albums. Surtout, il respecte le lecteur novice qui pourra profiter de l'histoire avec ses qualités propres, qu'il soit thésard en univers DC ou débutant dans les héros en slip. Je le dis avec d'autant plus de franchise que je suis de loin l'univers des comics non par désintérêt des héros (j'adore ces mythologies) mais par rejet des démarches éditoriales qui couvent ces publications et que l'unicité d'un tel one-shot est assez rare il me semble. Ainsi le simple fait que les dessinateurs (je ne connaissais pas Fabok que je trouve vraiment très bon!) soient seulement deux sur tout l'album, de très bonne qualité et d'un trait pas trop éloigné, donne un vrai intérêt graphique qui justifie à lui seul la lecture du comic. Idem pour le découpage, qui me semble emprunter pour les premières planches à Watchemen (les cases en damier) et montre une vraie volonté artistique. La rencontre entre Batman et Nega-flash est à ce titre vraiment un très bon moment de BD. Enfin, les thématiques de paradoxe temporel et d'univers parallèles sont très alléchantes même si la pagination permet plus de mettre l'eau aux babines que de décrire réellement cet univers. Du coup vous êtes bons pour vous lire Flashpoint... La poursuite de la lecture n'a a mon sens de valeur que si vous avez apprécié Watchmen, le croisement de ces deux univers étant suffisamment improbable donc intriguant pour donner envie de le lire. Les graphismes des premières pages ne poussent pas à un grand optimisme mais gageons qu'une belle mise en couleur améliorera cela.

Disons pour finir que Le badge n'est pas l'arnaque annoncée par certains mais s'appréciera surtout pour ce qu'il est: une courte séquences joliment dessinée dans l'univers de deux des plus intéressants personnages de DC.

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Tony Valente arrive à se renouveler en élargissant fortement le périmètre du monde de son manga avec un voyage de Seth dans le monde des chevaliers-sorciers et des princes-marchands. Cela permet de découvrir de nouveaux personnages soit très drôles soit terriblement réussis niveau design. On retrouve également avec plaisir Alma et le Bravery Quartet qui me fait bien rigoler. Très joli rebonds pour la série que ce tome 5 qui retrouve l'équilibre action/aventure/humour.

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Les thaumaturges de Torque débarquent sur Rumble Town alors que le combat contre Hameline touche à sa fin. De nombreux et très puissants personnages apparaissent et la série prends une tournure nouvelle. Durant ces affrontements très joliment mis en image l'on perd un peu de la fraîcheur et de l'humour ravageur qui faisait le charme de Radiant. Dès le prochain volume on repart pour un ton plus léger, tant mieux.

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Le conflit entre Charles-Henri et son excentrique sœur Marie-Joseph atteint son point culminant alors que la série s'approche de sa fin. L'affrontement aura bien lieu. Pendant ce temps l'auteur nous raconte l'arrivée de Marie-Antoinette en France et la crudité des règles de cour faisant de la femme une simple génitrice. Sakamoto a toujours entretenu une ambiguïté sexuelle sur ses personnages présentant de nombreux androgynes et homosexuels et transpose à la cour les perversions ou blocages sexuels. Malgré des thèmes toujours intéressants et un traitement graphique très poétique, la série ne parvient pas à retrouver la tension des premiers volumes et son discours sur la peine de mort.

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Pour le dernier volume paru en France (en ce mois d'avril!), on sent la fin approcher, alors que le nombre de sujets effleurés est énorme. Sato joue double ou triple jeu et son esprit machiavélique semble impossible à anticiper, même pour Nagaï. Le gouvernement a fait un premier pas en acceptant une négociation, mais peut-on faire confiance à ce génie du crime qu'est Sato? Gamon Sakuraï, comme depuis le début de sa série, sait manœuvrer des temps de pause qui nous font admirer ses magnifiques dessins entre des séquences d'action ou de suspens à la tension digne des meilleurs films d'espionnage! La diffusion de films et d'une série sur Netflix devrait inciter l'auteur et l'éditeur à prolonger le plaisir, tant l'univers développé est gigantesque et l'équilibre entre l'avancée d'une intrigue principale à grand spectacle et l'insertion de multiples éléments intime, socio-politiques (la démocratie, les médias,...) ou purement géopolitiques simplement parfaite.

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Dans ce volume l'on découvre la maman de Nagaï, qui comme la plupart des personnages de la série rompt avec des habitudes manga d’archétypes genre "femmes au foyer traditionnelle soumise"... Ajin est une série résolument moderne, à la fois dans son traitement de l'actualité et des thèmes comme le terrorisme ou le racisme, mais également avec tout un pan de la société japonaise que Gamon Sakuraï dynamite avec grand plaisir. Alors que les séquences d'assaut sont dans une sorte de phase d'armistice, l'auteur nous emmène aux Etats-Unis découvrir ce qu'est allé y faire le professeur Ogura: nouvelle révélation (dans un manga qui n'en manque pas!) sur un mode de gestion du problème Ajin résolument différent entre le Japon et les Etats-Unis. Chez Sakuraï on sent la même volonté que Katsuhiro Otomo d'internationaliser (élargir la perspective) l'intrigue de son récit et d'introduire un conflit entre deux visions de ce que permet le pouvoir. Si le parallèle avec Akira fonctionne pour la critique du complexe politico-militaire, l’œuvre de Sakuraï est beaucoup plus acerbe ne serait-ce que par-ce qu'elle ne date pas son récit, apportant une proximité immédiate avec le Japon d'aujourd'hui.

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Sato parvient inéluctablement à ses fins, quel que soit le moyen. Pourtant, dans ce combat où Nagaï est entré en action directement alors qu'il se contentait jusqu'ici de planifier, des ruptures apparaissent, avec Tanaka notamment qui n'est pas aussi impitoyable que son chef et ressent de la compassion pour certains humains, ce qui l'amène à contester la décision de Sato. Son affrontement avec Izumi par fantômes interposés permet également de voir les capacités de combat de l'aide de camp de Tosaki. Enfin, la relation entre Nagaï et le jeune Nakano évolue alors qu'ils se retrouvent liés dans les combats et doivent se faire confiance mutuellement. Entre le héros et son jeune protégé, la relation à la mort et à l'empathie n'est pas la même, Nakano raccrochant Nagaï à sa part humaine quand il voudrait devenir insensible comme Sato. Alors que les assassinats vont se poursuivre comme prévu, le gouvernement reconnaît son échec et change sa position vis à vis des Ajin. Les cartes sont en train de bouger.

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L'édition Glénat comprend en début de volume un "who is who" et un salutaire résumé en image, bien plus efficace qu'un texte et c'est donc une très bonne idée. L'assaut touche à sa fin et pour la première fois l'équipe de Sato se voit contrecarrer par le plan de Nagaï, obligeant Sato à se déplacer pour finir le travail. Alors que depuis le début de la série, Sato, véritable croque-mitaine invincible ayant toujours trois coups d'avance sur ses adversaires, créait un sentiment d'inéluctabilité, le lecteur découvre que l'affrontement de l'intelligence risque de durer. Le rôle des différents protagonistes se mets en place, chacun doté de caractéristiques qui, alliés, leur permettront peut-être de contrer le génie du mal qu'ils ont face à eux. Dans un assaut toujours dynamique où Nagaï (dont le père a été absent) se lie avec Hirasawa, le vieux chef des humains de l'équipe Tosaki, le lecteur découvre une nouvelle capacité des Ajin via leur mode de régénération. La cohérence de la science des Ajin est remarquable depuis le début dans cette série et c'est un grand plaisir que de lire un manga d'une telle intelligence dans chaque séquence, chaque idée. Graphiquement le trait évolue vers un plus grand réalisme, des visages en gros plans assez absents au début de la série permettent de voir l'influence Otomo de plus en plus grande, et c'est tant mieux.

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Le septième tome se structure sur le début d'une nouvelle attaque pour assassiner le PDG de la société de sécurité Forge, ce dernier convaincu qu'il empêchera le plan des Ajin rebelles. Alors que l'opération commence et que le groupe de Kei Nagaï (qui se révèle le véritable cerveau de l'équipe montée par Tosaki) prépare son piège, des flashback reviennent sur le passé militaire de Sato ainsi que sur son enfance, nous permettant de mieux cerner la psychologie de ce très charismatique méchant. Gamon Sakuraï parvient à alterner dans sa série (en seulement 11 tomes parus, c'est dire le rythme) des moments de respiration et des séquences d'action endiablées. Ici l'assaut par l'équipe de Sato démontre s'il le fallait l'intelligence scénaristique rare de l'auteur: le principe de l'immortalité permet des astuces vraiment originales dans le déroulement des combats (pour faire clair: l'un des Ajin est chargé pendant l'attaque de "réinitialiser" les autres en les tuant s'ils venaient à se prendre une fléchette tranquillisante... mais ce n'est pas tout!). Tout ceci garde un étrange aspect de banalisation de la mort dans un univers totalement bouleversé par la découverte de ces "créatures". Le nombre de sujets abordés dans chaque volume, subrepticement, par une séquence, par une case, est vraiment énorme et donne une richesse de background gigantesque. Sakuraï est en train de construire un monument du manga!
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Pour ce dernier volume de la série (... et qui annonce une série de one-shot spin-off dessinés par un nouvel illustrateur) on revient aux grands moments de la série que permet le Monde à l'envers: des combats à rebondissements, irruption intempestives de Deus Ex Machina, le tout pour un final très réussi et cohérent. J'étais un peu inquiet de voir la série pas toujours maîtrisée dans certains volumes mais la fin était écrite depuis l'origine et cela fait du bien. Le combat final est aussi savoureux que ceux contre Black Fowl, les personnages toujours charismatiques et l'apparition de nouveaux Papercut (je vous laisse la surprise) vraiment ce qui donne du plaisir de lecture. Un bon final pour une bonne série.
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Petite respiration dans la série avec un album présentant un flash-back en forme d'explication du contexte de Rumble Town. Le thème de l'exclusion des gens différent est appuyé mais sinon il y a moins d'humour que dans les précédents. L'histoire se consolide et on commence à y voir plus clair entre les factions. Pas mal de combats, mais globalement un peu moins attrayant que les deux premiers volumes. j'espère que ça va repartir en mode délire sur la suite.

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J'ai trouvé cet épisode un ton en dessous du reste de la série. Marie-Joseph a grandi et l'on sent poindre l'affrontement, alors que les deux monarques qui seront décapités à la Révolution arrivent en âge d'être mariés. Les dialogues sont par moments franchement ridicules et l'épisode est sauvé par des graphismes toujours somptueux et par une reconstitution sociale de l'époque très impressionnante.

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Les derniers événements au centre de détention des Ajin ont provoqués des remous dans la société: les médias mettent le gouvernement sur la défensive, l'armée voit des contestations internes et une confrontation apparaît entre Ajin, avec l'entrée dans un processus de terrorisme de Sato. Le héros a beaucoup changé dans cet épisode et apprend à contrôler son fantôme. Mais le grand événement de ce volume est l'arrivée du thème du terrorisme et du pouvoir des médias, deux sujets très actuels et qui collent la série à une actualité brûlante. Tant mieux!

La première publication de Zao Dao chez Mosquito faisait saliver par sa puissance évocatrice fantastique, instillant une irrépressible envie d'avoir enfin une vraie grande histoire de démons et de chasseurs dans la Chine mythologique et il faut dire que cette Cuisine chinoise ne viens pas combler ce manque (peut-être le art-book "carnet sauvages" remplit-il cet effet... malheureusement je ne l'ai pas lu). C'est sans doute son principal défaut, car l'on sent dans chaque image la permanence de cet univers un peu cracra fait de personnages mi-hommes mi-démons, d'insectes et de fantômes aux physionomies toutes plus étranges. Certaines histoires sont un peu ésotériques notamment quand à leur chute et je pense qu'il est préférable (comme pour certains Miyazaki du reste) de prendre cette lecture plus comme des tranches d'univers culturel chinois que des récits construits. Il est probable que les codes des légendes chinoises soient assez éloignés des nôtres mais le travail graphique reste remarquable, notamment par les changements de techniques et de matériaux. L'utilisation du papier jaune notamment permet de fantastiques compositions, avec le personnage aux cheveux blancs qui revient souvent dans l’œuvre de l'artiste.

Des cinq histoires racontées dans le recueil, deux m'ont parues de longueur et de construction permettant un véritable récit. Les autres sont plus des expérimentations (la deuxième séquence sur les insectes est peut-être la plus intéressante mais aussi la plus expérimentale, intime et éloignée du thème de la cuisine: un jeune homme assouvit sa rancœur de voir ses parents se battre en massacrant des insectes, permettant un beau travail graphique, mais oh que sombre!).

- Hai Zi nous fait suivre un humain-démon passionné de cuisine et incompris et rejeté par les humains car il utilise des ingrédients dégoûtants pour ses créations. Son grand-père souhaite qu'il redevienne plus classique afin de pouvoir subvenir aux besoins de la famille grâce à leur restaurant... quand surviennent deux créatures aux goûts peu académiques.

- Haleine d'immortelle est l'histoire la plus drôle qui est la plus proche d'un documentaire sur la cuisine en expliquant l'histoire d'un gâteau soufflé en pâte de riz et qui renfermerait l'haleine fétide d'une mamie...

Au final si Zao Dao reste un auteur majeur proposant régulièrement des fulgurances et des expérimentations passionnantes, sa maîtrise des récits reste à développer et pour l'heure, personnellement je me reconnais mieux dans ses récits de fantômes même s'ils sont sous forme de simples illustrations. Son travail sur la cuisine lui aura sans doute permis d'apprendre certaines structures narratives et qu'elle nous proposera prochainement enfin la grande histoire évoquée dans le souffle du vent dans les pins...

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Dernier volume d'un second cycle se déroulant en Islande, Trois corbeaux s'ouvre alors que l'ami Théo a été capturé par des suprémacistes et sera très probablement tué dans les prochaines heures. L'album commence immédiatement après la fin du précédent et va voir Jazz se lancer à la recherche de son ami en même temps qu'il doit remplir la mission que les iraniens lui ont confié. Pas ou peu de mise en place dans ce dernier album qui voit les planches débouler à cent à l'heure avec une maestria de découpage et de trait totalement ahurissante! L'action chez Raul et Roger c'est rapide, brutal, rugueux. Héros complet, Jazz sait pirater autant que combattre à main nue ou au fusil.

Cet opus nous en apprend cependant encore un peu sur sa jeunesse aux Etats-Unis auprès d'un maître du cambriolage, même si j'ai été un peu déçu de ne pas assister à la formation proprement dite du prodige. Le passé se recoupera d'ailleurs avec le présent, la série liant toujours l'intime, le familial avec les affaires de corruption ou criminelles. Au-delà de héros a peu près invincibles, une des forces de la série est de proposer des galeries de gueules de truands, toutes aussi patibulaires, sadiques, perverses. Mais contrairement an premier cycle où les tueurs chauves mettaient fort à mal les talents de Jazz, ici le combat est plutôt une balade islandaise où malgré les séquences de combat extrêmement dynamiques, pas un instant l'inquiétude ne point sur le destin de notre héros. Ceci appuyé par un Deus Ex Machina pas forcément dérangeant mais sans doute un peu facile même s'il apporte une pointe de fantastique bien intrigante. De même, les quelques cases historiques (une première dans la série) illustrant des vikings nous font bien saliver quand à l'opportunité de trouver dans quelques années Roger dans une saga historique se rapprochant du travail de Ronan Toulhoat...

Étant donnée sa construction il est préférable de lire les précédents tomes du cycle islandais avant d'entamer ces Trois corbeaux, qui reste malgré tout un nouveau chef d’œuvre visuel. Si la trilogie barcelonaise est un cran au dessus, Jazz Maynard reste, quel que soit l'album, un incontournable de la BD que l'on relis aussitôt l'album terminé pour ausculter chaque case.

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Cet étonnant album est ressorti cette année chez Dargaud avec une nouvelle couverture, ce qui m'a permis (grâce à la bibliothèque) de découvrir une très belle histoire et un illustrateur à surveiller de très près car il est vraiment très très subtile...

Un jour le calife de Bagdad organisa un grand concours de contes. Au vainqueur plus de richesses qu'il n'en pourrait rêver, au plus mauvais l'exécution, car l'art noble ne peut être abaissé... Les meilleurs narrateurs du pays s'y inscrirent et parmi eux, cinq personnages qui les dépassaient tous: alors qu'une voyante leur prédit leur avenir ils seront amenés à un voyage au fond du monde afin de constituer le conte ultime...

Ce qui fait une bonne histoire ce sont des personnages. Ce qui fait une bonne histoire ce sont aussi des paysages. Ce qui fait une bonne histoire c'est de l'exotisme, de l'aventure et un soupçon de magie... Velhmann connaît ses gammes. Si son histoire des mille et une nuits revêt un côté un peu hermétique (comme souvent dans les contes!), elle suit une progression linéaire et surtout une construction très audacieuse en jouant avec le spectateur en intégrant le rite du récit oral dans la BD. Ainsi l'album s'ouvre et se termine (dans un sublime noir et blanc estompé) par un narrateur qui va ouvrir et refermer son histoire que l'on tient entre les mains (ce n'est pas artificiel, vous verrez, c'est comme dans les films Marvel, faut rester jusqu'au bout!). Puis, dans cette histoire entrecoupée et plusieurs récits (on aurait aimé une petite audace de mise en poupées russes...), moultes réflexions interviennent sur la notion de public, sur la raison d'être du conte ou encore sur la destinée. Les récits ne sont alors pas tous passionnants (j'avoue être resté stoïque devant la double page de l'arbre aux oiseaux) mais la richesse du quintet permet de compenser cela.

Dès la présentation (rapide) on se passionne pour ces cinq conteurs et pour les dialogues pleins d'intelligence et de mauvais esprit, en particulier l'excellent Anouar, vieil ermite anarchiste plus prompt à insulter son prochain qu'à émettre des tirades de sagesse. Car ce que recherche Velhmann au sein d'un cadre très formaté, c'est la surprise du lecteur. Dès les premières pages la voyante explique aux personnages et au lecteur les grandes lignes du voyage, déflorant le récit et quelques mystères. Ce voyage initiatique doit se passer au-delà des apparences. Alors inévitablement la chute n'est que l'aboutissement logique de la trame et ne surprendra pas le lecteur, amenant une petite déception...

Pourtant cet album est doté d'un trait comme je n'en avais jamais vu (ou si, dans une variante, chez Edouard Cour sur Heraklès): d'un premier aspect gribouilli se cache sous la crysalide un dessin d'une finesse impressionnante. Je suis plutôt fasciné par les illustrateurs-encreurs comme Lauffray, Roger, ou Nicolas Siner, mais force est de reconnaître la capacité de ces très fines hachures à donner une texture, une vitesse et un dynamisme impressionnants au dessin. En une calligraphie aérienne Duchazeau nous dresse un paysage de l'Inde, De Grèce ou de montagnes. Une ombre crée une expression précise qui appuie l'humour très spécial de l'album. En ressort un album très élégant dont l'harmonie entre texte, dessin et couleurs force le respect.

Je vous invite donc à écouter ce conte en suivant ces personnages hauts en couleurs et sans vous soucier plus que cela du sens de l'histoire, sur le fil de la plume de Duchazeau. Une très belle découverte.

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La maquette de la série du Troisième Testament est toujours aussi travaillée, avec des pages de gardes et une ligne générale maîtrisée. Une série dont l'harmonie fait plaisir dans la bibliothèque. Pour rappel, "Julius" est la série préquelle du Troisième Testament d'Alice et Dorison, l'une des séries les plus acclamées et qui a lancé le genre de la BD historico-ésothérique (avec le Triangle secret , Le Décalogue, le Scorpion et toute la ribambelle de séries sur l'histoire occulte de l'Eglise).

Julius est une série compliquée qui demande à son lecteur de la pugnacité. Pour expliquer cela je vais faire un petit rappel... Il y a vingt ans paraissait le premier tome d'une série qui allait révéler deux des auteurs parmi les plus réputés et influents aujourd'hui: Alex Alice (Le château des étoiles, Siegfried,...) et Xavier Dorison (Undertaker, Long John silver, Red Skin,...), deux autodidactes qui révolutionnaient le genre et permettaient à Glénat, éditeur connu pour ses BD historiques (Bourgeon par exemple) de moderniser son catalogue. Des dizaines de séries ont vu le jour suite à cette BD qui étale sa publication sur six ans en proposant un incroyable équilibre entre BD d'action, policière et BD historique, le tout inséré dans un scénario enchevêtré qui exige du lecteur de rester concentré. Tout cela directement inspiré bien entendu par le chef d’œuvre Le Nom de la Rose et surtout son adaptation au cinéma.

Sept ans après la fin de la première série qui se clôturait sur un dénouement impossible à anticiper et complexe quand à ses ramifications, les auteurs faisait sortir une série devant relater l'histoire de Julius de Samarie dont la légende est le point de départ du Troisième Testament. La subtilité des indices semés rendaient la série originelle exigeante mais celle-ci était très rythmée par l'action et les visuels épiques.

Le fait de changer complètement de décors (un général romain au visage de Marlon Brando...) est d'abord troublant pour un lecteur qui aurait lu la première série (je préconise d'ailleurs vivement de lire la totalité dans l'ordre de parution chronologique). Outre le changement de dessinateur au second tome (on gagne en qualité de dessin, Montaigne étant vraiment talentueux), ce choix va diriger une progression scénaristique laborieuse que je ne m'explique que par le départ de Dorison après la mise en route du premier tome. Le talent de scénariste n'est pas donné à tout le monde et malgré la grande qualité de ses ouvrages solo, Alice n'est pas du niveau du scénariste d'Undertaker... Ainsi, si la progression du personnage principal de général romain avide et incroyant à celui de prophète est bien amenée, l'intrigue générale est cahoteuse: après un premier tome très construit et qui amène notamment les fameux guerriers corbeaux qui pimentent la série, l'on part dans un étonnant périple en deux volume (subdivision interne de Julius... pourquoi ?), ce qui coupe l'intrigue. Dans les deux derniers volumes, et notamment le volume 5 l'on a d'incessants va et viens à la fois géographiques et dans la relation et les choix de Julius et du Sar Ha Sarim. L'on a bien compris que la série était structurée autour de cette dualité par ailleurs très intéressante (sorte de trinité avec Julius âgé, sa fille son gendre: Père-Fille-Saint-esprit?). Mais soit par mauvais choix scénaristiques soit par hésitations, on sent des flottements qui rendent l'évolution d'autant plus laborieuse que toute l'histoire tourne autour de ces personnages. Et à la différence de la première série, assez peu d'action vient finalement dynamiser cela et surtout la dimension fantastique est pratiquement absente jusqu'au dernier tome alors que les interventions du sénateur Modius, versé dans les arts noirs, était un des points forts du premier album... Le questionnement autour de l'identité du Sar Ha Sarim, du rôle divin de Julius, sont complexes, et jamais aucun élément ne viendra expliquer l'origine des guerrier-corbeaux, ce qui sera une des rares fautes du scénario, laissant une des grandes questions de la série totalement inexpliquée...

Malgré toutes ces réserves, qui me faisaient craindre l'album de clôture, Julius reste une série unique, ambitieuse et assez fondamentale pour finir de comprendre la série mère. Le tome cinq nous amène à ce titre une conclusion très digne (toujours bringuebalant dans sa construction mais ramenant enfin ce fantastique et ce côté épique tant aimés). Construit autour du siège de Jérusalem par les armées romaines puis par les armées d'hommes corbeaux, il resserre l'intrigue comme un drame de théâtre en un lieu unique où tous les personnages vont converger. Tout se dénoue et à ce titre la série garde une grande cohérence générale. Les scènes de bataille apocalyptiques sont belles et bien faites, on a de l'héroïsme, bref, c'est chouette. Graphiquement c'est majestueux, encré, et très lisible ; la série aura permis de révéler un artiste très talentueux qui devrait compter à l'avenir. La maîtrise des plans impressionnants, de la zone grise entre le magique divin et l'historique cartésien sont vraiment bien gérés. De même les personnages sont subtiles et tous intéressants, même s'il aura été compliqué tout au long de la série de savoir quels personnages étaient importants: paradoxalement le plus visible, le colosse Shem n'est finalement qu'un acolyte mineur... Les failles principales sont les grosses ficelles (Julius rentre dans Jérusalem assiégée comme dans un moulin et en ressort aussi tranquillement) et le découpage des albums et de la série (le voyage en orient, pour intéressant qu'il soit nécessitait-il deux tomes?). Je dirais que chaque volume individuellement est remarquable, que la série rejoint et explique la série mère, mais qu'en tant que série elle reste assez bancale dans sa construction. Je pense que ceux qui auront aimé le Troisième Testament devraient lire Julius d'une traite et y trouveront grand plaisir, mais les cinq tomes de Julius pris isolements restent dispensables.

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La série a commencé à paraître chez 12bis avant sa disparition et a ensuite été reprise par Glénat en même temps que la sortie du tome 3. La maquette de couverture de l'édition Glénat est franchement moins élégante que l'originale, de même que l'illustration.

Dans une Renaissance italienne uchronique, les cités du Nord de l'Italie se sont unies en une République transposant tout conflit dans des duels réglementés. Depuis cent ans l'art du duel est enseigné dans deux puissantes académies sous la coupe d'un Sénat empruntant aux traditions de la Rome antique. Le plus doué des duellistes est Horacio d'Alba. Pris entre son respect des traditions, l'obéissance au chef et les bouleversements politiques qui se trament dans l'ombre, il devra faire des choix... qui impacteront jusqu'à ses plus proches.

Horacio d'Alba est une très belle série historique politique au format court et à l'ambition importante, pour deux jeunes auteurs (c'est la première BD du dessinateur, la seconde du scénariste). Les trois tomes semblent écrits par un chevronné tant ils sont équilibrés dans leur exposition et la montée en régime. Le côté dramatique, shakespearien est assumé et porté par des tableaux d'intérieur relevés par le dessin très encré de Siner, par des dialogues nombreux et des personnages tragiques (dès la scène d'introduction où Horacio tue sa femme en duel). J'ai trouvé le dessin très classe extrêmement proche de ce que faisait Alex Alice à ses débuts (regardez le premier volume du Troisième testament et celui d'Horacio d'Alba, Siner n'a pas à rougir), avec la même puissance mais aussi les mêmes défauts. L'illustrateur est en progression et propose tantôt des plans magnifiques de contrastes, d'encrages, de superbes visages, quand sur un certain nombre d'autres cases sa gestion des regards est un peu flottante. Il y a une grande proximité avec le travail de Dimitri Armand, tous deux ayant un vrai talent mais quelques défauts à corriger. Le second volume est l'un des plus réussis que j'ai lu en BD historique depuis quelques temps, avec notamment une scène d'affrontement à grande échelle entre les deux académies extrêmement puissante.

On sent néanmoins le plaisir de dépeindre une époque faite d'art et d'artisanat. Ainsi le compagnon de route d'Horacio est un imprimeur et les auteurs présentent maintes digressions sur les avancées scientifiques ou médicales de la Renaissance, ce qui habille le contexte et donne un fonds très intéressant à la série. Une petite connaissance des périodes historiques aidera à s’immerger dans Horacio d'Alba mais n'est pas indispensable, le lecteur pouvant aussi se laisser porter par le récit comme il le ferait dans de la Fantasy. Car la série est à cheval entre les deux: un peu comme Servitude, elle revête un traitement résolument historique dans un contexte fictif et fantasmé (ce qui permet selon moi d'allier le meilleur des deux genres!). La dimension politique est centrale, avec une République soumise aux assauts d'un cardinal en passe d'être élu au pontificat, un roi de France observateur mais interventionniste et des conflits internes entre les Anciens et les Modernes de la Républiques du point d'honneur. Les dessins insistent sur les détail des objets, des costumes et des paysages (ces derniers ne sont cependant pas le point fort de la série) pour retranscrire une époque fascinante dont Horacio d'Alba propose d'être un moment caché, comme la chute du scénario l'amène très intelligemment. J'aime toujours quand la première case réponds à la dernière en bouclant la boucle, procurant une grande satisfaction de lecture.

Avec ses quelques petits défauts graphiques, Horacio d'Alba donne pourtant envie que l'histoire continue tant les personnages et cette histoire sont originaux, dans la même idée que celle du Troisième Testament ou du Château des étoiles: une passion de l'Histoire et des histoires, en proposant de la BD d'aventures politiques et d'action à la fois grand publie et intelligente. On souhaite en tout cas de beaux projets pour ce couple d'auteurs qui confirme leur talent sur leur première série.

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En 2012 la grand-reporter belge Pascale Bourgaux sort son documentaire sur un seigneur de guerre afghan, compagnon d'arme du commandant Massoud et baron local du nord de l'Afghanistan. Tournant depuis dix ans dans ce territoire, la journaliste a connu les évolutions de la situation depuis l'intervention américaine de 2001. le documentaire témoigne de la nouvelle situation tragique qui voit une population désabusée et prête à rendre les rennes aux Talibans pour peu qu'ils garantissent la sécurité et l'éducation... En 2014 sort la BD du même titre: il s'agit d'une sorte de making-of, de transposition illustrée (certains plans sont repris du film), en bref ce qu'on appelle une adaptation.
"Les occidentaux, vous êtes obsédés par la Burqa! Si cela pouvait être le seul problème des afghanes je serais ravie, Pascale."
Il est probable que peu de personnes aient vu le film (diffusé une fois sur canal+) et la BD est l'occasion de s'immerger dans ce formidable récit, d'en ressentir la tension. Elle permet aussi de voir l'envers du décors. Les réactions de la journaliste quand elle craque, ses interrogations, les images tournées mais non retenues ou les séquences intégrales avant montage qui nous donnent à voir des discussions qui n'étaient pas montrables. Bien sur, il y a toujours une part de fiction (dans un film comme dans une BD) mais le projet d'adaptation, outre de très belles illustrations (et quelles couleurs!) est vraiment pertinent et donne à lire une oeuvre à part entière. Je trouve simplement regrettable qu'aucune information ne soit donnée sur l'origine du projet, sur le film, sur l'auteur. Plus que toute autre BD, une BD-docu nécessite à mon sens un avant propos et des annexes permettant d'élargir son périmètre, de mieux appréhender ce que l'on vient de lire et de faire la part des choses entre le réel et le récit. L'album y perd beaucoup, en se terminant brutalement sur une page blanche de garde, c'est dommage.
Après une entrée en matière classique qui m'a fait craindre un énième reportage illustré, j'ai été surpris par le stress ressenti dès lors que les personnages commencent leur voyage vers la région tribale de Mamour Hassan (le chef). Sans le son d'un reportage vidéo, sans le réel des images, le seul contexte rappelé, les dialogues des personnages, nous font ressentir à la fois l'urgence, le danger permanent et le fait d'être au bord du monde que l'on connaît. L'écart de culture, même chez cet ami puissant, respecté, adversaire radical des talibans, fait que l'incident peut survenir à tout moment. Un geste, une phrase déplacée peut jeter la honte sur un sage observé de tous, le contraindre par honneur à des gestes, des décisions qu'il ne souhaite pas et qui fragilisent l'équilibre entre la guerre civile et le retour à la civilisation de ce pays.
"Le chauffeur était prêt à nous trahir. Mais quand il réalise que le prix de cette trahison risque d'être plus élevé que prévu il renonce."
Sans appuyer, par le seul témoignage, l'on a le sentiment de comprendre la réalité du pays de 2014: un pays rural, pauvre, peuplé de personnes pour qui la seule éducation est celle des mollah. Là le rôle du seigneur de guerre Mamour Hassan devient plus fondamental encore que celui du gouvernement central: c'est lui qui construit les écoles, qui nomme les instituteurs. Des instituteurs qui ont pour partie basculé dans le camp des talibans alors qu'ils sont fonctionnaires de l'Etat... Car l'Etat est Mamour Hasan dans cette province reculée. Les Talibans sont déjà dans les têtes de populations qui ne voient pas arriver les milliards de l'aide occidentale, détournée par la corruption de Kaboul. Une population qui vit depuis des décennies dans une version obscurantiste de l'Islam. Et seule l'autorité morale de Hasan maintient sa ville sur le chemin des Lumières. Dans cet environnement insidieux, caché, collaborationniste, la journaliste occidentale n'est acceptée que par-ce qu'elle est l'invitée du chef. Elle et son cameraman savent qu'à l'instant où le chef est parti ils sont en danger de mort.
Les larmes du seigneur Afghan est une BD très forte pour qui s'intéresse à l'actualité, au difficile sujet de la cohabitation entre deux cultures, l'Islam et l'Occident, à un pays probablement unique dans l'histoire du monde. Un pays qui cristallise depuis si longtemps les soubresauts du monde et dans lequel des habitants ne demandent qu'à sortir des projecteurs.

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Une jolie édition (couverture très efficace) avec petite bio des auteurs et bibliographie très intéressante à la fin. Les auteurs avertissent le lecteur sur le  caractère fictionnel de cet album... basé sur des personnages et faits réels. On reste donc bien dans de la BD docu.

Béatrice, fille d'appelé d'Algérie n'a jamais pu entendre son père parler de cette guerre qui a pourtant marqué la famille comme beaucoup d'autres foyers. Elle décide de partir en Algérie à la recherche de témoignages pour comprendre ce qu'a été cette guerre. Elle y découvre un versant enfoui: celui de la place et du rôle des femmes dans la guerre d'Algérie.

Le grand intérêt de cette BD est son caractère pédagogique et le fait de traiter du rôle et de la situation des femmes dans cette salle guerre. Le scénario reprend le classique cheminement en entretiens avec différents témoins lors du voyage en Algérie que fait le personnage focus, ce qui permet à la fois de structurer le récit et de décrire différents points de vue, intelligemment reliés les uns aux autres. On suppose que cet enchevêtrement des récits est inventé mais son efficacité est pertinente en évitant que l'album ne soit qu'une succession de témoignages.

Sous un schéma classique, les auteurs nous permettent de parcourir un plan large de ce qu'a été la guerre d'Algérie. Depuis quelques années on a un nombre non négligeable d'ouvrages, films, documentaires, articles traitant de cette dernière guerre coloniale mais la complexité qu'elle recouvre rend salutaire la démarche de Merali et Deloupy. De manière accessible, sans reculer devant la dureté de montrer (la torture, les mutilations,...), ils nous font entrer dans ce qu'ont vécu ces femmes très différentes, avec leur subjectivité. Mais la relativité des faits est une partie de la mémoire. Ce qui importe c'est la parole (ce qui ressort de tous les témoignages de périodes de génocides et de guerres). L'ouvrage s'ouvre sur les silences du père et l'on comprend très vite que tout va tourner autour du récit. L'une des femmes a été moudjahidine, a vécu la torture mais aussi les premières heures de la Nation algérienne, avec ses corruptions et sa perte d'idéal. Une autre, pied-noire restée sur place, n'a pas compris pourquoi on lui enlevait son Algérie, niant le sort fait aux indigènes. Une fille de Harki se souvient de cette fuite du rapatriement et l'internement dans des camps en Provence,... Ce sont autant de facettes de la réalité d'une guerre sale, grise, sans héros, sans victoire. Il ne manque plus que le récit de l'histoire de la colonisation, seule à même d'expliquer l'inexplicable. Ce n'était pas l'objet de l'album et aucune œuvre ne peut aborder une problématique si complexe, s'étalant sur 130 ans.

Le prisme adopté est celui des femmes. Mais l'on comprend à la lecture qu'il aurait pu être celui des pieds-noirs ou des berbères, des enfants d'appelés,... autant de victimes de la guerre menée par des hommes chrétiens et des hommes arabes qui ont oublié pourquoi ils se battaient. Cette BD est une vraie belle action citoyenne et une très bonne porte d'entrée sur un sujet souvent évité. Une belle occasion.

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Le travail du jeune éditeur Bliss est tout à fait remarquable. J'ai l'habitude des comics indé d'Urban, assez propres, mais ici on fait un saut qualitatif avec un descriptif minutieux de chaque épisode, une galerie de couvertures, les couvertures originales des épisodes et un making-off passionnant à la fin. Tout cela constitue un véritable guide de lecture bien salutaire et qui prouve le sérieux du boulot d'édition. bravo, ça fait plaisir et renvoie un certain Panini à l'âge de pierre...

Depuis des millénaires l'Ennemi éternel affronte le Guerrier éternel Gilad Anni-Padda, protecteur des Géomanciens et le vainc chaque fois, rompant l'équilibre entre le bien et le mal, entre la Terre et l'obscurité. Mais les choses ont changé: alors que la confrontation se profile à nouveau, les alliés du projet Rising Spirit entrent en action pour protéger la Géomancienne de l'adversaire...

La première chose qui marque dans ce comics ce sont ses dessins, assez old-school mais très précis, proches de la ligne claire par moments... ce dont on n'a plus trop l'habitude de voir dans les comics. On a une certaine statique du style mais cela reste assez élégant.  L'album reste néanmoins bien encré et très efficace. Le design de l'Ennemi notamment m'a marqué: il est très compliqué de représenter le démon absolu, invincible, et les auteurs sont parvenus à créer une représentation intemporelle, effrayante à la fois psychologiquement et physiquement. Tirant ses pouvoirs autant de l'esprit de ses adversaires que du monde matériel, ce méchant est l'un des plus marquant qu'il m'ait été donné de voir dans une BD, tant par son côté invincible, inéluctable, que par la diversité des inspirations qu'il reprend. Et quand le méchant est réussi on a déjà fait plus de la moitié du chemin vers une bonne, voir une très bonne BD...

Ensuite les personnages, dont Bloodshot (qui se révèle être central dans l'intrigue et les suites envisagées) qui sous des airs de faux Wolverine (le guerrier immortel, sauvage, puissant, contaminé par la technologie) arrive lui aussi à nous intéresser par des bribes d'informations sur sa vie passée et des dialogues savoureux dans ses échanges avec la Géomancienne. Car la grande force de cet album (relativement court) c'est de distiller une grande quantité d'informations, suffisamment légèrement pour titiller la curiosité mais sans nous assommer comme dans beaucoup de comics Marvel ou DC. Ici le lecteur novice est le bienvenu et traité avec égards pour son intelligence et ses capacités à déchiffrer et anticiper les informations.

L'univers proposé est complet et complexe, donnant envie de lire les séries indépendantes de chacun des héros et donc il est certain que la mission de porte d'entrée que revêt cet album est totalement réussie. En moins de cent pages, sans se précipiter, on nous présente Bloodshot, Ninjak, le Guerrier Éternel, Casseur, Aric et bien d'autres. On comprend qu'une organisation internationale emploie des héros pour lutter contre les menaces, tout cela en suivant la trame très claire de la lutte millénaire autour des Géomanciens. Beaucoup de choses parfaitement équilibrées. En outre le côté écologique, les héros torturés, le voyage dans le temps et surtout la dimension mythique du combat avec les grandes figures du Mage-Princesse, du Démon et du Protecteur permettent un véritable supplément d'âme à ce comic qui crée un vent de fraicheur sur l'univers des super-héros hautement blasant depuis bien longtemps.

Si vous n'êtes pas familier avec l'univers Marvel /DC et craignez de vous y perdre, Valiant est fait pour vous. Cet album au ton étonnamment mélancolique et à la fin surprenante est l'un des meilleurs que j'ai lu depuis longtemps et fait découvrir un nouvel imaginaire que j'ai hâte de découvrir.

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La maquette est élégante comme toujours chez Futuropolis et le format large permet d'apprécier la qualité des dessins et du découpage. C'est confortable. La ligne graphique des couvertures, si elle est cohérente avec l'atmosphère de la série, n'est pourtant selon moi pas très efficace pour donner envie...

Dans un futur proche le réchauffement climatique à submergé une grande partie des terres habitées, provoquant un exode sur les planètes et satellites du système solaire. Dans ce monde dystopique où l'écart entre riches et pauvres a atteint le stade du XIX° siècle, la cité de Monplaisir fait figure de respiration pour une population aux aboies: pendant deux semaines par an ils peuvent s'adonner à tous les plaisirs au sein d'une cité hyper-connectée et gérée par une intelligence artificielle. Un paradis...?

Si certaines séries sont plus visibles pour le marketing qui les entoure, on peut dire que les auteurs d'Urban ne vont eux pas vers la facilité et que les choix scénaristiques ne souffrent d'aucun compromis. Il s'agit d'une BD qui nécessite de s'immerger, de prendre le temps et surtout, de tout lire à la file, tant Luc Brunschwig a construit son intrigue de façon très progressive, lentement, séparant chaque album quand aux protagonistes centraux ou via des flashbacks. Tel un puzzle en cinq tomes, les différents éléments convergent progressivement vers la conclusion, de façon tout a fait cohérente et maîtrisée. A ce titre cette BD force le respect pour la rigueur du travail d'écriture. Pour résumer, Urban s'appréciera idéalement en format intégrale.

Ainsi l'entrée en matière est compliquée. L'on suit un colosse un peu simplet parti contre l'avis de sa famille pour devenir policier à Monplaisir et discutant avec un personnage qui semble imaginaire... Dès l'entrée en matière, une galerie de personnages hauts en couleurs nous immergent dans un monde de carnaval permanent où tout le monde est déguisé et où il est compliqué de démêler la réalité de la fiction (imaginaire, virtuel?) dans un contexte futuriste sur lequel le lecteur n'a que très peu d'informations. Ce brouillage est calculé mais il faudra avancer dans la série pour s'en apercevoir. Des personnages nouveaux surviennent sans que l'on sache s'ils sont importants ou périphériques et même le personnage principal, Buzz, est assez peu présent dans les albums. Le découpage lui-même joue de cela avec des irruptions brutales de scènes au milieu d'autres, non reliées directement... Je ne veux pas donner une l'image d'une série ardue car Urban est vraiment une bonne BD, mais il me paraît important d'être prévenu pour apprécier celle-ci à sa juste valeur.

Heureusement les dessins, de très grande qualité et très lisibles (notamment la mise en couleur un peu floutée et jouant sur un éclairage électronique permanent), permettent de faciliter la lecture durant les premières pages. Le jeu discret du repérage des héros de l'imaginaire collectif (Batman par-ci, Zoro par là...) présents dans Monplaisir est également savoureux et incite à se plonger dans les cases larges de Ricci. L'artiste propose un design SF élégant, coloré, et une réalité crue: dans ce paradis des plaisirs le sexe et la violence sont bien présents, permettant des scènes d'action efficaces bien que peu nombreuses. Ce qui est le plus perturbant c'est de ne pas avoir de personnage à suivre (hormis Buzz) mais cela nous pousse à chercher d'autres focales, d'autres personnages, à échafauder des théories, ce qui est probablement recherché et est fort agréable, comme dans un bon polar (Brunschwig est auteur de l'Esprit de Warren, un polar sombre réputé à sa sortie en 1996). L'intrigue suit autant Springy Fool, le grand architecte transmuté en lapin d'Alice que ce couple de mineurs de Titan, un gamin et sa nounou que cette prostituée tatouée... L'illustrateur prend grand plaisir et précision à nous les présenter et nous les attacher si bien que l'on ne sait jamais qui est le réel centre de cette histoire.

A mesure que l'on avance dans l'intrigue la réalité se durcit, le rideau de la féerie se déchire pour laisser transparaître une réalité dystopique bien noire... Car le message de Brunschwig est simple: que se passera t'il dans quelques années dans un monde libéralisé où les États auront abandonné leur devoir de protection des population à des sociétés connectées qui pourront se comporter en démiurges autoritaires? Un monde où Disney allié à Google aura gagné, contrôlant nos vies d'endettés accro aux loisirs? J'avais retrouvé une idée proche d'Urban dans l'excellente série américaine Tokyo Ghost (en version trash...) comme dans l chef d’œuvre de Pixar Wall-E.

J'ai découvert à travers cette série un excellent dessinateur et retrouvé un auteur que je n'avais plus lu depuis ses débuts. Le plus gros défaut d'Urban est qu'il faudra attendre encore un an avant de connaître la conclusion...

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/04/04/urban

Etienne Gendrin nous propose pour sa première BD publiée, un reportage sous la forme d'entretiens qu'il a pu mener au sein d'un foyer de mineurs étrangers, avec une galerie d'exilés en attente de droit d'asile.

Dès mon second billet pour cette rubrique je fait une entorse sur le côté graphique: il faut reconnaître que nous avons là un premier album d'un auteur amateur... avec un niveau graphique pas terrible. Mais je le dis souvent ici, on adapte ses exigences à l'auteur. J'avais été assez dur avec le Roy des Ribauds 3 de Toulhoat (auteur que j'adore par ailleurs) et surtout avec Pontarolo sur les Déchaînés, par-ce qu'il s'agissait d'auteurs professionnels. A l'inverse, le niveau technique de Gaël Henry sur Jacques Damour ne m'avait pas posé de problème par-ce que l'auteur sait compenser par une maîtrise du cadrage, des expressions et des situations. Bref, Gendrin propose ici un reportage qui vaut surtout pour ce qu'il nous apprend, pour le projet en lui-même que pas le graphisme qui finalement nous apporte peu.

L'album est donc structuré en plusieurs parties centrées sur le récit d'un migrant. Ils viennent d'Afrique, du Caucase ou d'ailleurs mais ont en commun leur dynamisme (ils ont parcouru seuls des centaines, voir des milliers de kilomètres par-ce qu'ils voulaient s'en sortir) et leurs traumatismes. Ici a priori rien d'inventé (j'y reviens). Parfois l'auteur ne parvient pas à faire parler le jeune et se fie à un tiers (le directeur du centre, un autre migrant,...). Mais ces récits sont touchants par-ce qu'ils nous mettent devant les yeux la vraie vie souvent incroyable de personnes banales dans un foyer banal. L'un a vu son père tueur à gage officier devant lui, un autre a été enrôlé de force dans une guerre civile,... Ces traumatismes sont relatés de façon froide, au travers du graphisme, sans aucun jugement ni commentaire. Les seuls analyses viennent des personnels du centre (le directeur donc, mais aussi deux professeurs de français). Ce sont eux qui donnent le recul à ces récits en nous apprenant plein de choses sur un sujet peu traité par les média par-ce que très règlementé (et donc peu sujets à débat ou à passions...). Par exemple que les mineurs arrivant sur le territoire sont obligatoirement logés, nourris et éduqués par la Nation, jusqu'à leurs 18 ans. Alors ils deviennent soit sans-papier soit reçoivent leur statut de réfugié. Ainsi le personnage s'interroge sur l'intérêt pour un pays de renvoyer dans leur pays des gens pour qui il a été dépensé de grosses sommes pendant des années, qui parlent le français, ont des compétences... On apprend également la situation du Cabinda, enclave de l'Angola en situation de guerre civile et dont aucun média ne parle... Les professeurs nous rappellent que ces jeunes, qui cohabitent avec des jeunes français placés dans le foyer (pour d'autres motifs donc, qui ne seront pas abordés dans l'album), tirent tout le groupe vers le haut, par leur envie de s'en sortir, par leurs efforts constants, exemples que devraient suivre certains pensionnaires au vécu parfois moins compliqué.

A un moment Gendrin dit au détour d'une phrase qu'il a changé le décors de l'entretien pour ne pas froisser le témoin... ce qui mine de rien nous rappelle que dans un documentaire seule la franchise de l'auteur nous permet de nous convaincre que tout est vrai! Un réalisme fragile donc. Certains petits détails graphiques se penchent sur l'auteur de BD doutant, parlant un peu de lui et de son travail ou sur les habitudes des pensionnaires du centre. Cela donne du corps à l'album et c'est à ce moment que malheureusement la qualité graphique affaiblit un peu le propos.

Droit d'Asile, monté comme un formidable guide pédagogique (que tout CDI et bibliothèque devrait avoir), n'en reste pas moine un très bon petit livre et l'auteur l'a pas à rougir de ses faiblesses tant la lecture est agréable et surtout très instructive. Etienne Gendrin a depuis publié un album brossant le portrait de sa grand-mère  aux éditions Casterman.

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