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J'avais vu passer à sa sortie ces très belles couvertures inspirantes, montrant le travail des noirs de l'auteur et le contexte de la grande Dépression à New-York. Ayant lu auparavant l'excellent Blue Note portant un peu sur le même thème (la destinée d'un costaud mystérieux dans le New-York de la Prohibition) je me suis laissé tenter par cette série aux très bons échos presse et dont la fausse suite, Bootlack, sort ce printemps chez le même éditeur.
Dans la Dépression il y a des hordes de chômeurs et d'immigrants attirés par les feux de l'Amérique, mais il y a aussi des riches qui mènent une course aux plus hauts grattes-ciel. Cela fait de l'emploi, dangereux mais rémunérateur et crée des sociétés d'ouvriers rassemblées par nationalité. Parmi eux il y a "Giant", l'irlandais quasi muet. C'est son histoire qui nous est contée...
Le problème avec les BD dont on parle beaucoup c'est qu'on attend un chef d'oeuvre à chaque fois. C'est parfois le cas, mais la plupart du temps on a "juste" de très bonnes BD... C'est un peu ce qui se passe avec ce diptyque Giant qui emprunte un chemin déjà très balisé, celui de la Dépression américaine dont l'iconographie a été allègrement diffusée par la photo et le cinéma. Difficile ensuite de trouver un élément qui justifiera cette énième vision, tant ces plans de gamins jouant dans le jet des bouches d'incendie, ces ouvriers en salopettes trop grandes et ces villes entre noir et miroir font partie de l'imaginaire collectif!
L'ouvrage commence d'ailleurs sur ce cliché mythique d'ouvriers déjeunant sur une poutre suspendue pendant la construction du Rockfeller Center et c'est le point de départ de cet album qui vise à nous conter les dessous de l'image: qui était le photographe, qui étaient les ouvriers, quelle était leur vie et le pourquoi de leur arrivée à New-York. En prenant pour focus un colosse mystérieux, l'auteur instaure un mystère nécessaire au déroulement de sa photographie. L'homme qui manie le pistolet pneumatique destiné à enfoncer les rivets est de celui que l'on ne titille pas. Il sait être protecteur avec son nouveau partenaire d'équipe, un jeune idéaliste beau parleur, pour peu qu'on ne lui pose pas de questions sur son passé. C'est à ce moment que l'on découvre une correspondance avec Mary-Anne, une irlandaise restée au pays et dont les lettres indiquent une grande proximité. Mari? Frère? Le lecteur est titillé par de nombreuses questions que Mikaël délie subtilement tout au long de ses deux tomes. Sur ce plan le scénario est très habile et parfaitement rythmé.
Côté dessin j'ai été un peu déçu en comparaison de l'album de Mickaël Bourgoin, dont le trait est plus organique, plus râpeux et reflète ces espaces sales d'une Amérique à peine sortie du tiers-monde. Intrinsèquement il n'y a rien à reprocher à Mikaël, qui propose des planches aux beaux plans très encrés, suffisamment proches de nos attentes sans tomber dans le fan-service. Simplement, comme dit plus haut, il arrive après beaucoup de très bons travaux et pour comparer à l'album précédent on constate sans doute la différence entre un auteur autodidacte et un autre formé à Emile Cohl.... le diable est dans les détails.
Giant propose une bonne histoire, une époque et un lieu passionnants, dispose de bons dessins et de deux couvertures très marquantes. Il rate néanmoins l'excellence par un petit manque d'originalité, par une touche d'auteur qui permettrait à l'album de dépasser la carte postale. Par de nombreux moments (lorsqu'on aborde la photographe) on n'en est pas loin. Mais ce Giant reste trop longtemps une image, une figure manquant un peu de contenu qui empêche le lecteur de s'impliquer dans sa lecture. Je recommande néanmoins ce diptyque qui est une très bonne lecture pour qui s'intéresse à ce sujet, mais qui n'est pas l'ouvrage majeur dont certains ont parlé.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/05/01/giant
Saccage est un rêve... ou un cauchemar? Dans sa préface Frederik Peeters explique le pourquoi de cet album et quelques grilles de lecture (malgré son caractère très personnel, ce texte vous aidera un peu à saisir ce que vous vous apprêtez à découvrir). Cette lecture, toute fascinante qu'elle soit n'en reste pas moins totalement hermétique malgré les quelques lignes de suivi qui nous sont données, principalement cet homme jaune et l'enfant qui l'accompagne. L'album, qui est pour moi plus un art-book qu'une BD, a cela de fascinant qu'il semble donner une matière aux visions intérieures d'un artiste, avec toutes ses références plus ou moins évidentes (un inca de Tintin par ci, Bruegel par là en passant par les animaux-insectes de Dali...). Il est d'ailleurs intéressant de prolonger la lecture jusqu'à la page de remerciements où l'auteur s'essaye à une liste non exhaustive de ses inspirations, beaucoup dans l'art classique, un peu dans la BD. C'est cet aspect conscient qui est le plus intéressant dans l'expérience de lecture de ce pandémonium graphiquement sublime. Je n'avais rien lu de Frederik Peeters et je découvre l'un des dessinateurs les plus talentueux du moment. Utilisant le stylo-bille comme un retour confortable à une technique qui semble le satisfaire (pour le travail des textures), Peeters nous propose une immersion visuelle où l'étrange se mélange au sublime dans un itinéraire fatigant tant le nombre d'éléments par page nous donne parfois l'impression de parcourir un album Où est Charlie?... Une expérience visuelle vraiment superbe que je conseille à tout amoureux du dessin.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/05/04/bd-en-vrac-8
Ce second tome arrive seulement quelques mois après le premier volume de cette aventure steampunk sous la forme d'une enquête dans l'imaginaire fantastique du XIX° siècle, où l'on passe de l'Ile du Docteur Moreau à Jack l'éventreur en passant bien sur par Jules Verne... On a laissé les deux frères embarqués dans une société secrète d'érudits, sur un aéronef en route vers le Portugal. Dès l'ouverture du second album on est replongé dans ce qui marque cette série: son découpage très innovant qui participe à un habillage général et donne du corps à l'histoire. L'histoire familiale des deux héros se détaille avec des flash-back où l'on apprend les relations orageuses avec le paternel, alors que les objectifs des différents membres de la société secrète s'avèrent troubles. Lorsque nos héros se retrouvent agressés par des créatures encore plus étranges que les "cyborgs" rencontrés à Paris la réalité bascule et l'on ne sait plus trop bien ce qui est explicable et ce qui frôle le démoniaque... Les auteurs Alexie Durant et Sylvain Ferret connaissent leurs gammes en matière de fantastique et d'effets horrifiques (... bien gores!). "Tournée" comme un film, cette BD apporte un dynamisme certain en jouant sur nos références imaginaires en sachant titiller nos envies d'aventure steampunk et de fantastique sans tomber dans le plagiat de ce qui a déjà été fait. La fabrication sent la passion, du titre en latin jusqu'aux annexes qui prolongent l'intrigue. Quand originalité rime avec efficacité, il ne faut pas bouder son plaisir!
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Gros carton critique de l'année 2017 (Fauve du meilleur album à Angoulême 2018), cet album en solo de l'auteur du très réussi Singe de Hartlepoole nous présente la misère de l'Islande, terre désolée victime de la fureur de la Terre, ses volcans et ses geysers, ses tremblements de terre, la rigueur de son climat... Cette histoire assez sombre d'un orphelin doté d'une force colossale, volcan humain décidé à être quelqu'un, repose beaucoup sur le dessin, très particulier, des paysages d’Islande, ses coulées de lave, ses névés, ses landes caillouteuses. Sur Le Singe le style de Jérémie Moreau passait par-ce que c'était une farce. Ici on est dans la Saga, le récit mythique des héros islandais, ce qui peut justifier ce trait grossier. Mais j'ai eu néanmoins beaucoup de mal avec ces planches épaisses, ces personnages bovins et ces couleurs très ternes. Je reconnais la technique (issue de l'animation) de Moreau sur les plans et mouvements des personnages. Mais cela reste trop fruste pour moi. L'album a de toute évidence nécessité un gros boulot et une implication de son auteur (comme tous les albums de la collection Mirages de Delcourt), l'idée d'une Saga en cours de construction, avec ce poète qui reconnaît la destinée de Grimr malgré les heurts d'une époque et société très violentes, injuste, superstitieuse, tout cela est plutôt intéressant mais la partie graphique entache trop le projet pour en faire véritablement un bon album...
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Pfiouuu, enfin la conclusion de la saga mafieuse de Boichi, qui m'a fait passer par toutes les étapes: sceptique sur le début, ébahissement visuel sur tout un tas de séquences, ridicule vulgaire sur un gros arc et limites porno sur pas mal de séquences... Pour rappel mon dernier billet sur la série remonte à janvier avec la fin du combat contre Ban Phuong.
Après les révélations sur le rôle du clan du père de Yumin, fidèle à lui-même Ken abandonne le clan à son ami Tae-soo qui croit nécessaire d'assumer le fonctionnement criminel du clan, devenu la plus grosse organisation criminelle de Corée, rendu par là même visible aux yeux du Clan du dragon blanc. L'affrontement se prépare alors que ce dernier décide d'éliminer la Sun-Ken Rock et de prendre le contrôle de la Corée. Las, Ken décide de passer à l'action pour protéger ses amis et conclue enfin avec Yumin lors d'une soirée d'amour moins vulgaire que d'autres séquences de sexe du manga mais tout aussi explicite. L'affrontement final se déroulera dans le building de Busan où le parrain du Clan a posé ses valises.
La conclusion de Sun-Ken Rock est à l'image de tout le manga. Totalement sidérant de virtuosité graphique (Boichi est clairement l'un des tout meilleurs dessinateurs japonais), de chorégraphie des combats (l'affrontement au sabre de Yumin est magnifique), lénifiant de blablas interminables, très drôle quand il décale les séquences et tout à fait lourdingue par ses plans prolongés et récurrents sur l'entre-jambe des filles et ses délires SM. Arrivé au terme, je conseille aux lecteurs de démarrer simplement au tome 16 avec l'affrontement contre le gang de Ban-Phuong pour vous éviter ainsi les arcs inutiles sur la chanson et les interminables débilités et cours culinaires.
La série se termine de façon incompréhensible avec plusieurs courts prolongements entrecoupés de sauts temporels, comme si Boichi avait prévu d'autres arcs mais n'avais pas souhaité y passer encore plusieurs années. Enfin, on voit intervenir Wallman... La très bonne série dérivée est sortie en 2013, Sun-Ken Rock se termine en 2016 et reprends donc les personnages créés trois ans plus tôt. Contrairement à ce que je disais, peu de chance donc de voir une suite à Wallman...
Sun-Ken Rock reste donc une série très imparfaite, truffée de bonnes idées, de flamboyances visuelles de la part d'un homme au talent incroyable. Gageons que s'il choisit dans la suite de sa carrière de s'allier avec des scénaristes cela bridera ses mauvaises idées et fan-service éhonté. La série vaut néanmoins le coup pour ces moments de combat incomparables pour peu que vous preniez des raccourcis. A bon entendeur, salut Ken!
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/27/sushi-baggles-13
Jimmy est toujours poursuivi par les services secrets à qui il échappe assez facilement. Lorsqu'il découvre que sa fille est également un démon, il se retrouve plus vulnérable et fomente des plans pour la récupérer et éliminer l'agent qui le poursuit. Dans le tome 2 on en apprend beaucoup sur l'origine des démons et le fonctionnement du passage d'un corps à un autre (une sorte de "physique" démoniaque...). Sans oublier les jeux de problèmes sur lesquels s'éclate l'auteur, on est surpris de voir un contexte développé alors que la série démarrait surtout sur un concept absurde et gore. Dans le tome 3, après quelques longueurs décrivant la vie immortelle de Yee et sa fille, le rebondissement au tiers de l'album enchaîne sur l'une des course-poursuite les plus folles qui ait jamais été inventée (... et qui donne furieusement envie qu'un dingue propose une adaptation ciné qui enverrait sans doute Deadpoole au rayon des bleuettes disneyennes!) et s'achève sur un challenge imposé par l’adversaire du duo, immorale en diable et qui vous mettra un sourire de plaisir coupable jusqu'à l'occiput... Le tome 4 déroule l'attaque finale contre la base dont la défense vous aura déjà fait passablement marrer: des forces-spéciales unijambistes, des siamois, une armée de démons... et toujours des idées toutes plus farfelues pour contourner les problèmes dans ces paradigmes aberrants de la réincarnation immédiate.
A noter que, sortie après le manga Ajin (auquel il reprend beaucoup de l'idée "et si on était immortel"), la BD de Jason Shiga s'en inspire sans aucun doute en proposant une variation plus humoristique. Un coup de cœur immédiat et un des "top délire" de 2019!
A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/27/sushi-baggles-13
Le tome 1 avait fait partie de mes coups de cœur de l'an dernier, véritable choc proposant une revisitation originale de la cabale fantastique en prenant pour objet l'argent et les banques d'investissement qui organisent le capitalisme financier mondial. La grande réussite du premier volume reposait dans son aspect visuel (où la maquette importe autant que les dessins très forts de Cocker), sur l'insertion de documents textuels développant largement le background de cet univers et sur l'effort de concentration demandé pour attraper des bribes de liens, au sein d'une histoire somme toutes assez linéaire. Je dirais que le volume deux perds un peu de cette nouveauté, de ce mystère en dévoilant un peu trop à mon goût la réalité fantastique de la Caïna-Kankrin. Avec quelques facilités scénaristiques qui raccourcissent fortement l'intrigue on perds un peu du charme pour revenir à une excellente BD mais qui se démarque du coup moins des séries proches. La richesse de cet univers reste néanmoins très grande et le talent des auteurs respire de chaque page. Ayant lu dernièrement Lazarus, dont le traitement hyper-réaliste et mystérieux à la fois est assez proche, je place clairement Black Monday murders au dessus, en espérant que le dernier volume (qui aura un peu de retard car sa parution n'a pas commencé aux Etats-Unis) retrouve le charme noir des débuts.
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YIU est un projet totalement atypique, à commencer par son titre unprononçable! Sorti il y a vingt ans chez l'éphémère éditeur Le téméraire, le projet très ambitieux prévoyait neuf tomes, avec les couvertures des trois premiers déjà réalisées (les deux premières ont été conservées, la troisième, remaniée en moins sexy, habille désormais le tome 4 de l'édition Soleil). Atypique de par sa longueur, sa pagination importante et surtout par le temps pris pour raconter les dernières heures du monde, l'Apocalypse du point de vue d'une assassin envoyée détruire la Bête afin de sauver son petit frère malade...
Le premier tome que j'avais acheté à l'époque m'avais subjugué par son découpage novateur me rappelant les dizaines de pages de cataclysme d'Akira... La place que seul les manga se permettent d'occuper, mais en grand format franco-belge! L'habillage du volume et le background général très poussé laissaient envisager une chronique dantesque et marquante. Lorsque l'éditeur a fermé, il a fallu attendre deux ans avant que le projet ne renaisse chez Soleil, réduit à sept tomes et une augmentation de pagination qui fait que le premier volume Soleil prolonge de plusieurs pages le tome original. Entre temps les auteurs avaient développé un superbe site web (à l'époque des Modems, les très nombreux dessins préparatoires étaient fascinants et ... longs à s'afficher!). Bref, un gros projet très construit et extrêmement ambitieux.
Malheureusement l'excellent dessinateur Jérôme Renéaume (depuis devenu game-designer) qui avait réalisé les deux premiers tomes a quitté le projet et laissé la place à Nicolas Guénet, très bon peintre-coloriste mais moins subtile dans son trait et un peu caricatural dans ses personnages bodybuildés et glabres à la mode Corben. Non que cet univers soit très subtile en effet, mais liée au changement de dessinateur, la continuation de l'histoire a pris la forme d'un combat un peu orgiaque visuellement bien que très beau et dantesque (on aime ou on n'aime pas mais la démesure de tout ce qui sort de ces pages fascine). On retrouve un peu de la surenchère d'un Olivier Ledroit sur Requiem dans YIU, et la BD de Soleil s'avère finalement moins malsaine que les chroniques du chevalier-vampire avec le recul...
Le projet jouit d'un background vraiment touffu et d'un travail préparatoire extrêmement important. Malgré les doubles pages finales de chaque album qui détaillent plus à fond certains personnages ou structure de cet univers décadent on sent l'envie des auteurs d'exploiter un maximum de leur matière, au risque de la surabondance. Car les pages de YIU sont chargées, très chargées. Mais le découpage résolument généreux avec ses doubles pages et ses cases successives très cinématographiques en zoom-dézoom qui illustrent l'action permettent d'orienter une lecture qui en met plein les yeux. YIU doit se lire d'une traite. D'abord car l'action se déroule en quelques heures seulement, mais surtout car cette BD est très cohérence dans le pourquoi de cette profusion. Même si c'est un peu fatiguant à la longue, cela nous fait ressentir l'urgence, l'orgie de violence inouïe qui est déployée contre la Bête et plus globalement le désespoir de ce monde en déliquescence.
Le design est extrême, pas loin du cyberpunk dans les éléments techno, influencé par Hellraiser et le monde d'Elric sur l'aspect religieux extrémiste avec force scarifications, piercing et contorsions des corps. Tous ça est gros, trash, comme ces flingues à 25 canons plus gros que leurs porteurs, mais tout cela illustre l'idée d'un aboutissement extrême du pire de l'histoire humaine. Ces aspects sont renforcés par les tics de Nicolas Guénet qui se trouvent digérés par l'atmosphère générale. Tout ceci vise à nous montrer qu'il n'y a rien à sauver de ce monde dont la destinée apocalyptique est finalement peut-être souhaitable. Sauf que...
L'équilibre est trouvé dans ces quelques moments de calme (aux couleurs plus bleutées quand les nombreuses séquences d'action sont dans les rouges) qui nous permettent de nous reposer les yeux et de faire respirer l'intrigue. Notamment les moments autour de Ji-A, le petit frère au corps aussi perdu que le monde dans lequel il grandit, soupçon d'innocence pour lequel YIU va tout donner. Vraiment touchant.
Les auteurs ne nous expliquent finalement pas grand chose du pourquoi de l'arrivée de la Bête. Le scénario, simple, est une fuite effrénée de violence. C'est finalement l'étrange agencement d'un monde très fouillé (que vous aurez sans doute envie de découvrir plus à fond dans la série dérivée Premières missions) avec une mise en scène cinématographique extrêmement visuelle qui donne corps à ce récit des dernières heures du monde. Épuisant comme un morceau de Métal, mais une BD que je vous recommande chaudement, pour la qualité du travail accompli, sa cohérence dans le temps et son originalité indéniable.
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YIU est un projet totalement atypique, à commencer par son titre unprononçable! Sorti il y a vingt ans chez l'éphémère éditeur Le téméraire, le projet très ambitieux prévoyait neuf tomes, avec les couvertures des trois premiers déjà réalisées (les deux premières ont été conservées, la troisième, remaniée en moins sexy, habille désormais le tome 4 de l'édition Soleil). Atypique de par sa longueur, sa pagination importante et surtout par le temps pris pour raconter les dernières heures du monde, l'Apocalypse du point de vue d'une assassin envoyée détruire la Bête afin de sauver son petit frère malade...
Le premier tome que j'avais acheté à l'époque m'avais subjugué par son découpage novateur me rappelant les dizaines de pages de cataclysme d'Akira... La place que seul les manga se permettent d'occuper, mais en grand format franco-belge! L'habillage du volume et le background général très poussé laissaient envisager une chronique dantesque et marquante. Lorsque l'éditeur a fermé, il a fallu attendre deux ans avant que le projet ne renaisse chez Soleil, réduit à sept tomes et une augmentation de pagination qui fait que le premier volume Soleil prolonge de plusieurs pages le tome original. Entre temps les auteurs avaient développé un superbe site web (à l'époque des Modems, les très nombreux dessins préparatoires étaient fascinants et ... longs à s'afficher!). Bref, un gros projet très construit et extrêmement ambitieux.
Malheureusement l'excellent dessinateur Jérôme Renéaume (depuis devenu game-designer) qui avait réalisé les deux premiers tomes a quitté le projet et laissé la place à Nicolas Guénet, très bon peintre-coloriste mais moins subtile dans son trait et un peu caricatural dans ses personnages bodybuildés et glabres à la mode Corben. Non que cet univers soit très subtile en effet, mais liée au changement de dessinateur, la continuation de l'histoire a pris la forme d'un combat un peu orgiaque visuellement bien que très beau et dantesque (on aime ou on n'aime pas mais la démesure de tout ce qui sort de ces pages fascine). On retrouve un peu de la surenchère d'un Olivier Ledroit sur Requiem dans YIU, etla BD de Soleil s'avère finalement moins malsaine que les chroniques du chevalier-vampire avec le recul...
Le projet jouit d'un background vraiment touffu et d'un travail préparatoire extrêmement important. Malgré les doubles pages finales de chaque album qui détaillent plus à fond certains personnages ou structure de cet univers décadent on sent l'envie des auteurs d'exploiter un maximum de leur matière, au risque de la surabondance. Car les pages de YIU sont chargées, très chargées. Mais le découpage résolument généreux avec ses doubles pages et ses cases successives très cinématographiques en zoom-dézoom qui illustrent l'action permettent d'orienter une lecture qui en met plein les yeux. YIU doit se lire d'une traite. D'abord car l'action se déroule en quelques heures seulement, mais surtout car cette BD est très cohérence dans le pourquoi de cette profusion. Même si c'est un peu fatiguant à la longue, cela nous fait ressentir l'urgence, l'orgie de violence inouïe qui est déployée contre la Bête et plus globalement le désespoir de ce monde en déliquescence.
Le design est extrême, pas loin du cyberpunk dans les éléments techno, influencé par Hellraiser et le monde d'Elric sur l'aspect religieux extrémiste avec force scarifications, piercing et contorsions des corps. Tous ça est gros, trash, comme ces flingues à 25 canons plus gros que leurs porteurs, mais tout cela illustre l'idée d'un aboutissement extrême du pire de l'histoire humaine. Ces aspects sont renforcés par les tics de Nicolas Guénet qui se trouvent digérés par l'atmosphère générale. Tout ceci vise à nous montrer qu'il n'y a rien à sauver de ce monde dont la destinée apocalyptique est finalement peut-être souhaitable. Sauf que...
L'équilibre est trouvé dans ces quelques moments de calme (aux couleurs plus bleutées quand les nombreuses séquences d'action sont dans les rouges) qui nous permettent de nous reposer les yeux et de faire respirer l'intrigue. Notamment les moments autour de Ji-A, le petit frère au corps aussi perdu que le monde dans lequel il grandit, soupçon d'innocence pour lequel YIU va tout donner. Vraiment touchant.
Les auteurs ne nous expliquent finalement pas grand chose du pourquoi de l'arrivée de la Bête. Le scénario, simple, est une fuite effrénée de violence. C'est finalement l'étrange agencement d'un monde très fouillé (que vous aurez sans doute envie de découvrir plus à fond dans la série dérivée Premières missions) avec une mise en scène cinématographique extrêmement visuelle qui donne corps à ce récit des dernières heures du monde. Épuisant comme un morceau de Métal, mais une BD que je vous recommande chaudement, pour la qualité du travail accompli, sa cohérence dans le temps et son originalité indéniable.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/26/yiu
Je ne suis pas fana des couvertures des albums de Zep, trop monochromes et figées. L'image de couverture reste néanmoins intrigante, avec ce titre fort et totalement pertinent. Album grand format, aéré, papier épais agréable. Du travail propre comme toujours chez Rue de sèvres, mais rien d'exceptionnel non plus.
Théo est doctorant en biologie et commence un stage en suède auprès d'un scientifique qui a découvert le codex biologique de la planète dans un fossile de feuille. Son hypothèse est que toute la communication mondiale de la Nature est inscrite dans ce codex. Lorsque des morts inexplicables surviennent à plusieurs milliers de kilomètres de là, des suspicions se portent sur une multinationale du médicament. A moins que cela soit plus grave...
N'ayant jamais lu Titeuf, j'ai découvert Zep sur Un bruit étrange et beau, qui m'avait impressionné graphiquement mais aussi par sa narration douce et fluide. Les dessinateurs bons scénaristes sont rares et je dois dire que le récent Paris 2119 (avec Bertail aux pinceaux) m'a confirmé les qualités d'écriture de cet auteur. The End se lit ainsi d'une lecture souple, assez rapide, permettant d'apprécier les grandes qualités esthétiques et techniques de Zep. Il est dommage que l'album soit en aplats de couleurs, il aurait gagné à être soit en noir en blanc soit colorisé de manière plus classique. D'autant que les nombreuses cases de nature et paysages sont très visuelles et auraient mérité un travail de lumières et de verts. Si le dessin, très léger, presque pas encré, est par moments un peu rapide (on sent l'envie d'aller vite), c'est sur les visages, les plans serrés que le dessinateur montre tout son talent dans ce style réaliste.
L'intrigue reprends celle du très méconnu et critiqué film Phénomènes de M. Night Shyamalan qui présentait un "apocalypse Gaïa" lorsque la Nature toute entière se rebellait contre les humains via l'émission de substances mortellement toxiques par les plantes. Comme le film, l'album de Zep montre ainsi les dernières heures de l'humanité alors que l'équipe du scientifique découvre soudainement que les crises survenues de-ci de là sont liées à une décision "consciente" de la Nature. C'est d'ailleurs rigolo de voir des variations différentes du même principe, entre le Guerrier éternel des comics Valiant (version action), l'apocalypse zombie, cette version plus documentaire ou encore la variante Stryges qui reste fondamentalement sur la même idée.
Le scénario est le gros point fort de l'album, faisant monter progressivement la tension en jouant sur les psychologies et relations des personnages pour nous faire oublier le drame à venir. L'auteur ne fait pas grand mystère de sa chute puisque la première séquence montre la mort brutale de l'ensemble d'un village. Son objet est de rappeler la crise écologique actuelle et de montrer les conséquences pour l'humanité alors que la Terre n'a pas besoin de cette dernière. Résolument politique, l'auteur prends comme héros un activiste prêt à en découdre avec les forces de l'ordre dans des manifestations pour le climat ou de passer à l'action illégale contre un laboratoire soupçonné d'être responsable des empoisonnements. Les ficelles du scénario catastrophe scientifique sont parfaitement maîtrisées avec les sacrifices, les survivants et l'avancée inexorable du drame et ses visions d'une terre désolée.
Zep nous livre avec The End une vision très sombre de notre avenir, appuyée sur la bande son du The end des Doors que le professeur écoute une bonne partie de l'album, comme un avertissement. Cela justifie un titre et habille le sujet. Une lecture que je recommande vivement.
Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/24/the-end
La structure de l'album est très simple, avec une entrée en matière immédiate puisqu'il suffit de quelques pages pour démarrer le show. J'ai été surpris que Péony ne soit pas plus perturbée que cela de l'étrangeté dans laquelle elle est transportée, mais visiblement cela ne chagrine pas les jeunes lecteurs... On a donc plusieurs séquences du concours où chaque fois un concurrent est éliminé, jusqu'à ce qu'il n'en reste qu'un. Outre l'univers hyper coloré et farfelu (on a en fin d'album une version "crustacés" des personnages!), on a progressivement une complexification de l'histoire, avec l'interaction entre Péony et Neptunia (qui ne semble pas commode) qui se développe grâce à l'empathie de l'humaine, mais aussi des mystères comme ce cameraman qui semble amoureux d'elle et les infos sur cet atroce concours cannibale parallèle où les concurrents sont dévorés... Je ne suis absolument pas intéressé par ce genre de Show TV mais pour un album jeunesse le côté tournoi progressif (ce qui marche dans Dragon Ball par exemple) avec plein de personnages bons et méchants fonctionne très bien. Les dessins sont correctes, les couleurs très vives et le découpage, sans être fou, se permet des effets en mode dessin-animé très sympa. Au final, si on n'est pas surpris du déroulement, on a hâte de connaître le fin mot de cette histoire, notamment grâce à un cliffhanger particulièrement redoutable!
Lire l'article intégral avec une lecture croisée parent/enfant sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/21/space-battle-lunchtime
Le travail éditorial d’Ankama et de Comix Buro est de grande qualité. Après la sortie des trois tomes de la série entre 2012 et 2015 pour le lancement de la collection Les univers de Stefan Wul, une intégrale N&B de Niourk est sortie en 2016 et enfin cette intégrale couleur qui reprend la même mise en page, à savoir la totalité de la série sans coupures, comme un gros one-shot de 160 pages. On n’est pas surpris par la superbe illustration de couverture d’Olivier Vatine, et la maquette est très soignée, avec des vernis sélectifs sur la première et quatrième de couverture. L’album comprend un entretien avec l’auteur sur les origines de l’album, son travail, et une galerie de croquis préparatoires. Il se termine par une couverture alternative et un hommage de Didier Cassegrain et les couvertures originales des romans de Stefan Wul. Dommage que l’on n’ait pas les jolies couvertures originales mais sinon on peut dire que le contenu est plus qu’honnête.
La terre est dévastée. Irradiée. Abandonnée. L’humanité a fui une situation devenue incontrôlable et s’est réfugiée sur Mars. Sur la planète bleue les survivants ont régressé à un stade néo-néanderthalien. Parmi eux un enfant noir va vivre un destin incroyable, un itinéraire vers l’appropriation du savoir et du pouvoir, aux portes du divin…
Comme je le disais, ce qui surprend à la lecture de cette intégrale c’est l’impression de lire un one-shot alors que la publication s’est étalée sur trois ans. Cela car le scénario et le découpage ont très probablement été écrit en intégralité, mais aussi car le récit est aérées de pleines pages qui reviennent assez régulièrement et rendent invisibles les césures de tome, seulement repérables par les numéros de planches. L’histoire est rythmée par des chapitres aux titres aussi simples que le scénario: on va suivre Alpha, l’enfant noir passé du rang de paria de sa tribu néo-néanderthalienne à chef, puis à celui de dieu.
Olivier Vatine n’est pas un laborieux. Que ce soit dans son dessin qui va vers l’épure au fil de sa carrière (parfois jusqu’à donner des planches un peu légères de facilité…) ou de ses scénarii, il propose des intrigues simples aux schémas archétypaux (la vengeance dans Angéla, l’ascension d’un héros dans Niourk,…). Le texte de fin d’album est assez éclairant sur son parcours et le rôle des romans de Stefan Wul dans sa construction d’auteur (il rappelle qu’Aquablue aussi parle de méchants humains, d’écologie et de peuples primitifs…). Si ses intrigues sont simples, son immense talent est celui de la mise en page, du storyboard. Plus affichiste-illustrateur que dessinateur BD (qui nécessite une attention minutieuse sur chaque case), il sait mieux qui quiconque produire de superbes visions et des mouvements par quelques traits suggérés et un travail sur les ombres qui fait la force de son dessin (et donne tout son intérêt aux versions N&B de ses albums). Il n’est ainsi guère étonnant de le voir travailler avec Alberto Varanda, son inverse perfectionniste dont la Mort Vivante reprenant à la fois l’univers de Niourk (sans le préciser on comprend que le contexte est le même) et une intrigue simple (le projet de contrer la mort au travers d’évolutions techno-biologiques) a marqué par la minutie de chaque case, de chaque arrière plan.
Vatine est didactique dans Niourk, il explique au moment opportun ce qu’il s’est passé ces 300 dernières années sur Terre. Il explique aussi les séquences dessinées par la narration de l’Alpha d’après en écho à l’alpha primitif du début. Cela peut paraître un peu appuyé voir inutile alors que les dessins suffisent. A l’inverse (je n’ai pas lu le roman et ne pourrais dire si cela vient du texte ou de l’adaptation) on manque un peu d’explications sur le pourquoi des événements, de l’évolution d’Alpha, de la présence des « martiens » sur Terre. C’est un peu dommage car cela aurait pu donner lieu à quelques planches de pure SF en mode « fuite » et bataille spatiale. Mais Niourk est avant tout un survival et l’auteur se plait à voir déambuler son héros dans les ruines revégétalisées de New-York. La relation d’Alpha avec son ours est touchante tout comme les caractères très différents de Coffy, Tomoe et du Doc. Finalement l’on ne sait si l’album va trop vite ou trop lentement, captivés que l’on est par un dessin qui malgré ses manques (notamment une colorisation un peu old-school qui aurait mérité des tonalités plus franches comme à l’époque bénie où Isabelle Rabarot le colorisait) ne laisse pas de nous fasciner.
Niourk est un album de dessinateur dont la narration graphique déborde très largement le texte. Comme souvent chez Olivier Vatine on est un peu frustré et aimerais voir la même application que sur ses nombreuses couvertures et illustrations solo. Mais celui qui a lancé toute une génération d’illustrateurs continue de nous fasciner par son univers visuel, sa maîtrise instinctive de l’action et l’anatomie suggérée. Doit-on attendre un prochain album, pas certain. Mais pour ceux qui aiment son dessin, cette intégrale est à apprécier comme tout ce qui est rare.
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Attention, grosse surprise que ce premier tome d'une saga de Dark Fantasy espagnole, dessinée par un impressionnant Sergio Sandoval, vétéran des collaborations graphiques au cinéma fantastique, notamment les films de Guillermo del Toro. Et outre les dessins (que l'on peut ranger dans la catégorie hyper-réaliste comme Christophe Bec ou Michael Lark), c'est surtout le design général de cet univers qui bluffe! Les auteurs prennent leur temps pour installer un univers cohérent, dès l'introduction en forme de genèse de ce monde barbare où une ancienne guerre a confronté les trois grandes Cités à des armées de monstres dirigés par les Druides. Comme pour Game of Thrones et la série BD Servitude, le principe est de bâtir un monde sophistiqué, cohérent, en plaçant des vestiges des temps anciens, plus mystérieux qu'expliqué mais participant grandement à l'intérêt de la série. Ce tome présente du reste l'itinéraire (un peu complexe niveau articulation temporelle) de la Garde blanche vers les marches du royaume où un baron semble devenu moyennement coopératif. On retrouve les grands marqueurs des deux œuvres citées, à savoir la trahison permanente, la menace maléfique invisible et l'intervention d'une puissance hors norme, incarnée ici par un chevalier qui ressemble fortement au Ginea Lord de la Complainte des Landes perdues.
Vous l'aurez compris, hormis quelques réglages de déroulement, les dessins sont superbes (y compris leur mise en couleur), le design génial (je veux dire VRAIMENT génial et rarement vu en fantasy européenne), les scènes d'action barbares et dynamiques et les références à peu près parfaites. Une très grosse surprise pour ce qui peut devenir une série fantasy majeure des prochaines années et qui, j'espère s'étalera sur un certain nombre de tomes.
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J'avais proposé il y a deux ans un long billet de synthèse sur la série que j'avais découvert et beaucoup apprécié. Je rappelle que Paquet propose chaque volume en intégrale et en version grand format divisée en deux tomes, ce qui revient quand-même à 50€ le volume 4 pour le grand format avec cahier graphique...).
Le dernier volume se terminait sur l'exclusion d'Archer pour le viol de Céline et le départ des ado pour lui porter secours dans la zone de danger. On retrouve ici le même plaisir graphique avec essentiellement des paysages naturels (peu de séquences dans la colonie) et les tensions entre les deux groupes d'adolescents. La grande force de la série est ses personnages et là encore les "méchants" sont très travaillés et évitent le manichéisme. Holden, le blond agaçant de service fait des coups pendables mais toujours avec une raison et détaille sa vision divergente des frères Goodwoody. Progressivement malgré ces tensions (les auteurs n'hésitent pas à marquer les protagonistes dans leur chair) on voit se créer une opposition frontale entre les jeunes et les adultes, alors que la menace de renégats et des Ripers se fait plus menaçante. Bagster, le pourri de la série cristallise ces tensions autour de la fidélité de groupe plus que du statut d'adulte, remis en question par le contexte qui replace le statut majeur sur le critère de la capacité combattante plus que sur celle de la morale. Intéressant! Du coup on évite (par une description de contexte sérieuse) le simplisme méchants adultes contre gentils ado intelligents pour voir plutôt des oppositions de vision de cette nouvelle société. Je suis toujours aussi fan de ces contextes qui remettent en jeu les notions de base de démocratie, de violence légitime et de justice. Et avec ce traitement "série TV", ces superbes planches, et ce cliffhanger terrible Gung Ho est en passe d’acquérir le statut de série majeure de la BD franco-belge!
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Je suis assez fan des BD de Romain Hugault, pourtant je n'avais pas démarré la série Angel wings (qui semble pourtant partie pour durer...), par crainte de redondance thématique. Mon billet sur le premier cycle (lien sur le titre de ce billet) suite à une lecture en bibliothèque m'avait pourtant séduit, tant graphiquement que pour le réalisme minutieux des auteurs. Paquet a la très bonne idée de proposer ses albums en format classique, grand format toilé et intégrale par cycles de trois albums. N'ayant pas lu le #4 Paradise Birds qui voit l'héroïne rejoindre l'OSS (ancêtre de la CIA) dans un contexte de préparation du projet Manhattan, je prends donc ce second cycle en cours de route. Cela ne m'a pas empêché d'apprécier encore et toujours les très grandes cases: Hugault dessine entre quatre et cinq cases par planches en moyenne, pour laisser la possibilité de panoramas, quand il n'envoie pas carrément des pleines pages d'un ciel écumé de chasseurs et bombardiers!
Angela est en route pour l'ile d'Iwo Jima où elle va devenir sauveteur-aviateur, seule possibilité qu'on lui laisse de voler malgré son pedigree d'Angel Wing. Si elle reste toujours en retrait de grands événements qui permettent au duo de proposer toujours autant de scènes d'aviation magistrales, l'album n'en propose pas moins un vrai scénario proposant une histoire d'amour compliquée, les relations hommes/femmes toujours difficiles dans l'armée tout en continuant de suivre le déroulement stratégique des derniers mois de la guerre et de la capitulation du Japon après la bataille d'Iwo Jima. Je pense que je me procurerais l'intégrale du cycle en fin d'année lors de la sortie du troisième volume.
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Spider-verse est sortie en France sous l'excellente collection MARVEL NOW! (où vous trouvez déjà le génial Massacreur de dieux d'Esad Ribic), avec le numéro Amazing Spider-man volume 3. Il réunit des épisodes qui se suivent dans le périodique américain, ce qui permet une continuité de l'histoire et évite l'éternelle impression d'avoir raté quelque chose. L'histoire n'en comporte pas moins plusieurs ramifications dans d'autres publications liées au Spider-verse. Il est entièrement dessiné par Olivier Coipel (rhââ!) et Giuseppe Camuncoli. L'ouvrage comporte l'intro habituelle de l'éditeur (qui n'apporte pas grand chose), les couvertures originales (magnifiques!) entre les parties et les couvertures alternatives. Rien d'exceptionnel.
La famille Morlun est composée de vampires multidimensionnels qui se nourrissent de l'énergie de toutes les incarnations Spider-man du multivers. Lorsque le patriarche déclare l'extinction des Spider-men, ces derniers se réunissent pour préserver leurs semblables dans une guerre entre époques et dimensions où la victoire n'a jamais été aussi improbable...
Comme beaucoup d'amoureux du dessin j'ai été touché par l'exceptionnel buzz autour du Spider-man: into the spider-verse (Spider-man: New generation chez nous... allez savoir pourquoi!) sorti en fin d'année dernière. Découvrant à l'occasion de ce film dingue le concept de Spider-verse et adorant le principe de variantes (comme le Red Son pour Spider-man ou le crossover Looney toons/Batman), j'ai déniché le run de Dan Slott et Olivier Coipel en me demandant quelles étaient les inspi du film. Alors soyons directe, la couverture à elle seule justifie la lecture de cette histoire qui arrive largement au niveau des seules séries Marvel que je trouve accessibles aux non fanatiques, à savoir X-men.
Ceci pour deux raisons. D'abord l'homogénéité du boulot et l'univers cohérent fermé: Spider-verse a un début, un milieu et une fin, avec une explication très simple de qui sont les méchants et de la problématique. Le Big Two oublie trop souvent que les lecteurs ne lisent pas QUE leurs publi et se noient littéralement dans leurs univers. Pourtant l'amoncellement des Spider-men et women avait tout pour me paumer, à l'instar du Secret Wars, puissant, ambitieux mais trop pointu et perturbant pour être lu paisiblement. La bonne idée (comme souvent) est l'humour. Le fait d'intégrer Spider-cochon (juste génial et bien plus présent que dans le film) permet plein d'interventions totalement décalées, mais il n'est pas le seul à ironiser sur le côté WTF de cette histoire. En effet, sans que l'on sache lequel à une origine dans une vrais BD (et on s'en fout royalement!!) les auteurs nous proposent aux côté des Spider-Gwen, Superior Spider-man, Spider-woman ou encore Miles Morales un spider-cheval, un loup-garou ou encore une araignée mutante, un robot (dont doit être issu celui du film) etc. La plupart ne sont que du décors ou de la chair à canon pour les Morlun qui vont en dévorer un bon paquet avant la fin du run. Le multivers étant infini en intégrant en outre le passé et le présent, les possibilités donnent le vertige...
Mais tout ceci garde pourtant bien une structure, simple et relativement linéaire sous la forme d'une chasse à base de sauts entre différents univers (processus qui peut rappeler le Black Science de Remender). Assez vite on apprend que le groupe de base formé par Peter Parker et Superior Spider-man (originellement Dr Octopus) a la possibilité de se téléporter à volonté comme les Morlun et plusieurs Spider-team se réfugient en différents endroits de l'espace-temps. Dan Slott à la bonne idée de ne pas se perdre dans des analyses physico-philosophiques sur la trame du multivers pour rester dans le cœur: des spider-men partout, sous toutes les formes qui se frittent avec des méchants vraiment très très réussis!
C'est ma deuxième raison, j'y reviens toujours, pas de bonne histoire sans bon méchant. Ici il y a toute une famille totalement réussie tant visuellement que dans leur écriture. Du patriarche au scaphandrier (qui aura un rôle particulier) on se régale de les voir intervenir tout en puissance devant laquelle les héros ne font pas le poids. D'ailleurs seule une pirouette finale un peu facile permet de résoudre cette intrigue mal barrée tout le long. A côté des Morlun, les séquences Spider-men sont structurées autour de la guerre de quequettes entre Peter Parker (l'original) et Superior qui revendiquent tous deux le leadership de la contre-attaque... mais bien d'autres spider sont vraiment cool, notamment le Spider-punk, Spider-UK et bien sur Spider-Gwen.
Visuellement si Coipel dessine moins de planches que le très correcte Giuseppe Camuncoli, elles sont toutes absolument renversantes, peut-être plus encore que ce que fait Esad Ribic, mon chouchou de l'écurie Marvel, avec notamment un surprenant aspect subtilement sexy, tout en élégance et qui change des archétypes musculeux et gonflés...
J'ai pris un grand plaisir à parcourir les dimensions en compagnie du Spider-verse et sachez qu'en lisant ce volume vous prenez le risque d'avoir très envie de revoir le film et de rechercher d'autres variantes (notamment le Spider-man noir). En raisons des problèmes du genre (éditeur, ficelles scénaristiques, changements de dessinateurs,...) il est compliqué de mettre 5 Calvin mais on en est très proche!
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Le guerrier éternel a eu plusieurs vies. Au service du Géomancien pour protéger Terre-mère contre le Mal (et accessoirement les hommes), il a douté, eu des enfants, combattu... Entre l'antiquité, notre époque et le futur il a du faire des choix entre la violence, la mort et la vie, sa propre vie, pour peu que le destin lui permette d'en avoir une...
Cela fait quelques temps que je n'ai pas lu de Valiant comics et j'attendais ce volume, d'abord car l'annonce des dessinateurs a attiré mon attention (Renato Guedes, Trevor Hairsine et Cary Nord) mais aussi car ce personnage m'intrigue depuis ma lecture de l'excellent The Valiant. Sur ce point je vous arrête tout de suite: Eternal Warrior est plus une chronique des différents doutes et périodes de la vie millénaire du guerrier immortel qu'une insertion dans la lutte contre l'Ennemi (qui faisait la force de The Valiant). Ainsi on tombe un peu dans les défauts de certains Valiant avec une perte du côté épique et de la portée des histoires. Le syndrome Superman en quelque sorte, quand le héros est immortel comment accrocher de l'intérêt? Et bien le scénariste y parvient notamment sur la première des quatre sections, illustrée par le très bon Hairsine, en nous présentant la trahison de sa fille et son renoncement au service des Géomanciens. C'est là la trame principale et l'arrivée d'un nouvel antagonisme, le culte maléfique de Nergal nous titille un peu et donne de l'intérêt aux combats. Malheureusement cette intrigue ne se termine pas vraiment (même si elle nous donne à voir une sorte de combats des Dieux au sein duquel est jeté Gilad) et les deux autres sections (dans un futur post apocalyptique puis à l'époque des invasions barbares) ont une ambition assez dérisoire. Étrangement j'attendais Guedes (qui m'avait subjugué sur X-O Manowar) et c'est Cary Nord qui rend la partition la plus chouette, inspirée par les tableaux antiques des peintres romantiques, les planches de Guedes étant avant sa nouvelle technique en couleurs directes. Au final cet album est très joli graphiquement mais inégal sur le plan du scénario et vaguement décevant pour qui pensait lire une continuité de la lutte entre le Bien et le Mal.
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Attention, si vous n'avez pas lu la série mère (Basilisk) passez votre chemin, vous ne comprendrez rien à ce premier volume... Pour cette suite d'un manga mettant en scène un tournoi devant départager deux clans Ninja, on entre directement dans une intrigue en cours sans mise en place, avec mille noms japonais et un univers fantastique qui rappelle par ses combats quasi magiques Cyber Weapon Z. Les dessins sont correctes mais je m'attendais à des combats d'arts-martiaux classiques plutôt qu'à une ambiance plus proche des histoires de fantômes chinois. Les morts revivent, on se téléporte et l'on ouvre des portails vers d'autres dimensions... bref, j'ai trouvé cela un peu too much pour une introduction qui en outre, à peine présentés les deux héros jumeaux, fait intervenir le grand méchant qui dévoile toute l'étendue de son pouvoir. Ce volume s'adresse donc exclusivement aux fans de la première série qui y trouveront sans doute leur content. Pour les autres vous devrez suivre les étapes et commencer par le début...
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Créée par l'américain d'origine japonaise Jason Shiba, Démon est une série en quatre volumes parue entre 2016 et 2018 chez Cambourakis. C'est sur les conseilles de ma bibliothécaire que j'ai entamé ce qu'on peut définir comme un total délire sans bornes morales d'un auteur qui aime à réfléchir sur les casse-tête et jeux mathématiques. Jimmy Yee est suicidaire. Mais il ne peut pas mourir: il se réincarne aussitôt dans la personne la plus proche... Il va alors tenter mille et un stratagèmes pour parvenir à en finir et échapper au gouvernement, qui semble en savoir beaucoup...
J'adore quand un auteur lâche la bride et qu'un éditeur lui permet de laisser libre court à son imagination. Ici Shiba joue avec son personnage en proposant une sorte de bible de toutes les façons possibles pour se suicider. Totalement immoral, d'un humour noir absolu, sanglant au possible. Cette BD n'est pas conseillée aux jeunes car aucune borne n'existe pour l'auteur, ni sexuelle, ni de violence, tout est voué à son jeu. Graphiquement c'est très simple mais amusant et assez bien mis en scène. Une super découverte humour noir qui se lit assez rapidement et que je vais enchaîner d'une traite!
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Ouvrage grand format qui donne de l'espace à un découpage aéré. L'album se termine par quelques pages de repérages photos mis en regard des illustrations qu'ils ont inspirés. Album de facture classique, sans commentaire particulier.
Sur la côté normande les falaises s'effondrent. Madeleine, nonagénaire et aveugle ne veut pas quitter sa maison dont la disparition est inéluctable, plongeant le maire dans une solution inextricable. Mais le ce dernier est un crétin et Madeleine n'a besoin de personne...
J'ai découvert Dhuamel avec ma lecture surprise du Retour (... là aussi conseillé via le prix des lycéens, comme quoi les sélections locales ça donne de bonnes découvertes!) qui traitait déjà peu ou prou des mêmes thématiques: l'identité territoriale, le temps qui passe, la contestation radicale, l'humour... Si je devais résumer Jamais, nouvelle grande réussite de cet auteur donc, je dirais qu'on est au croisement exacte entre Le retour et les Vieux fourneaux, comme si Madeleine était le quatrième larron des affreux de Cauuet et Lupano qui se serait perdu sur la côte normande. Et ce sera le seul bémol éventuel que l'on peut trouver à cette BD qui est très proche de ce que Duhamel a pu faire. Mais quand c'est bien pourquoi se priver?
Car l'auteur a un vrai talent de dialoguiste à coup de punchlines percutantes issues de la culture Audiard. Madeleine est une très forte tête, qui n'est pas là pour faire chier le monde comme une Carmen Cru mais est fondamentalement solitaire dans son monde de silence, accompagnée par son chat obèse et le fantôme de son mari. Elle ne demande rien à personne et seule la confrontation de deux mondes, celui du maire, moderne et réglementé, qui ne conçoit pas que les précautions de sécurité ne soient pas respectées (un vieux c'est dans une maison de retraite et les zones dangereuses on les évacue manu militari!) et celui de la mamie va créer le conflit.
Graphiquement on est dans l'école Pilote avec des orientations semi-réalistes par moment, notamment au niveau du découpage et des effets graphiques inspirés (notamment ces pages de souvenir ou de visualisation de l'effet "Daredevil"...) qui peuvent rappeler Janry dans ses années Spirou. Ça n'a rien de révolutionnaire mais c'est très solide dans le style humour, accompagnant ce pour quoi on lit l'album, les dialogues.
Dès la première page Duhamel nous place dans le contexte d'Astérix, avec une tordante variation des engueulades entre le forgeron et le poissonnier gaulois. L'esprit est posé et l'humour avec. On se poile tout le long, tant par les situations que par les tronches que tirent les personnages. Beaucoup moins mélancolique que son précédent album, Jamais est un cri d'amour à la liberté et l'on aimerait qu'il prolonge les aventures de Madeleine, un vrai bon personnage, attachant et fort.
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Après la fabuleuse version du toujours bon duo Toulhoat/Brugeas, Robin Recht nous propose un volume assez personnel, extrêmement graphique, dont le scénario est plus un concept qu’une histoire. C’est la concrétisation graphique de grands schélas mythologiques qui intéresse l’auteur, donnant une liberté absolue dans la personnification de la féminité, de la relation homme/femme, de la virilité rageuse des guerriers du Nord et jusqu’au divin.
Ayant opté pour la version grand format noir et blanc cet aspect est encore renforcé puisque l’on se retrouve dans un travail artistique très poussé, uniquement de contrastes et d’expérimentation de textures, proche de ce qu’à pu proposer un Frank Miller sur 300 par exemple. Résultat de recherche d'images pour "la fille du géant de gel recht"Sur un champ de bataille il ne reste plus qu’un homme debout, un colosse brun, un cimmerien. Comme à chaque fois la fille du géant de gel vient chercher ce héros pour le sacrifier à son père. Elle est nue, belle, Conan la pourchasse mais elle semble inatteignable, à travers la neige et la montagne. Ce jeu du chat et de la souris est celui d’une déesse face à un humain. Mais la fin de cette histoire est-elle vraiment inéluctable?… Après ma lecture je ne regrette pas cette version superbe, un magnifique boulot de Glénat et de l’auteur. Pourtant les couleurs que je trouvais un peu passées donnent une lisibilité à ces planches et je dirais malheureusement que les deux versions ne sont pas superflues pour ceux qui aiment suffisamment ce dessinateur. D’une lecture très rapide puisque le récit est essentiellement graphique, la fille du géant de gel vaut le coup. Notamment pour le travail sur le texte graphique, ce qu’on appelle onomatopées mais qui prend ici une véritable dimension visuelle, partie prenante du dessin, presque organique. L’album de Robin Recht n’est pas un récit épique mais plutôt un concept mythologique, comme un artbook expérimental, le lâcher prise d’un auteur qui a mis beaucoup d’envie dans son travail.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/03/23/bd-en-vrac-5
La jolie couverture à l'ancienne est efficace et semble proposer de la grande aventure maritime. La focale mise sur le héros avec son masque (qui n'est dans la BD pas aussi important que cette couverture le laisse penser) laisse de côté le cœur de l'intrigue du premier tome: le siège de la cité des Inquisiteurs par les forces du Sultan. Et c'est le principal problème de ce très joli album, on ne sait pas bien vers quoi on va. En effet, si l'univers est plutôt original avec cet affrontement féodo-religieux entre les Omeykhim (inspirés des ottomans du XVIII° siècle) et une Inquisition dirigée par Torquemada qui remplace tout à la fois le Vatican et l'ensemble des puissances catholiques, l'intrigue de ce premier volume se contente de nous montrer les capacités extraordinaires de Jakob Kayne, dernier descendant d'un peuple disparu, les "mange-mémoire" qui outre la possession d'artefacts magiques, ne peut jamais être reconnu... Quelques éléments fantastiques et mystérieux (comme ces hommes-poissons dont on ne sait absolument rien), l'infiltration de Jakob pendant le siège de la cité inquisitrice et c'est tout. On a l'impression d'un album en milieu de cycle ou d'un one-shot en raison de l'absence d'éléments introductifs. Ce n'est pas dramatique mais il faudra attendre la suite pour une série plutôt prometteuse qui sait nous allécher par divers éléments assez sympathiques (même si un peu patchwork) en plus d'un dessin et d'un design donc très sympa.
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Sortie en 2009 dans la mythique collection Série B Delcourt lancée par Vatine et son pote Fred Blanchard, 9 tigres est dessinée par un jeune prodige d'alors, le chinois Jian Yi qui a réalisé un autre album de série inachevée (Sekushi Memory chez Paquet) et une série sur le dieu singe avec JD Morvan, le grand manitou des liaisons BD avec l'Asie. Pour les dix ans d'une série qui s'annonçait comme un carton d'action, je vous propose cette Trouvaille qui malheureusement a peu de chance de voir un prolongement. Renseignement pris auprès d'Olivier Vatine, le dessinateur ne fait plus de BD et est installé aux Etats-Unis. Le scénariste n'a pas encore récupéré les droits mais il est certain qu'étant donnée la grande proximité de style entre les deux ce dernier pourrait tout à fait reprendre le dessin de sa série...
Xiao Mei est le meilleur assassin des 9 tigres, la redoutable mafia chinoise. Au cours d'une mission elle élimine une vieille dame, sa cible... qui lui fait des révélations qui vont bouleverser son existence et l'envoyer comme l'ange vengeur qui éliminera l'organisation criminelle...
J'adore le label Série B! D'abord par-ce qu'il est sorti quand j'ai commencé à lire beaucoup de BD et que mes premières grosses séries suivies étaient signées Vatine, Duval, Quet, Pecqueur, Pécau, etc. Série B c'est de la SF, du Steampunk et du pop-corn avec, dans les premières années du moins, une vraie qualité graphique, un peu numérique niveau couleur, mais qui peps'! Toute une génération de scénaristes et dessinateurs ont été lancées sur ce label que j'ai depuis un peu lâché du fait de séries infinies comme les uchronies Jour J ou l'Histoire secrète. Surtout je trouve que la ligne s'est distendue avec trop de distances prises avec ce qui fait la force de ce 9 Tigres: l'action débridée, le dessin efficace en diable et une ambiance technologique.
La ressemblance entre le dessin de Jian Yi et celui de Vatine (inimitable) est frappante. Entrant de plein cœur dans l'action en une séquence d'intro reprise des pop-corn movies où ça défouraille sec, l'album nous propose une intrigue simple avec une héroïne indestructible qui va se retourner contre son employeur et devoir se sevrer des drogues de combat habituelles. L'arrivée de cette rupture est presque trop rapide, tant Vatine cherche à avancer sans temps morts. Il pose pourtant des séquences explicatives qui construisent l'intrigue mais tout ça va du reste aussi vite qu'un film de Hong-Kong, genre auquel 9 Tigres se réfère sans ciller. Si l'auteur d'Aquablue a beaucoup de bouteille en matière de mise en scène et a certainement chapeauté son disciple, c'est bien le dessin, très élégant, qui fait la force de cet album. On ne va pas se le cacher, Olivier Vatine devenant assez rare aux crayons, la série montre ce qu'il pourrait proposer à ses fans s'il sortait de sa semi-retraite.
Il y avait du potentiel dans cette BD d'action débridée avec un grand méchant esquissé et un soupçon de fantastique que l'on peut deviner. Vatine est un auteur frustrant car rare et ayant une relation compliquée avec l'édition (une génération entière reste traumatisé par son abandon d'Aquablue après un Corail Noir qui reste sans doute l'une des plus fortes BD SF de l'histoire du franco-belge). Chacun de ses travaux dispose pourtant d'une force impressionnante et l'on aimerait plus de régularité. En attendant je vous invite à profiter de cette BD folle, comme un one-shot. Plaisir des yeux, plaisir coupable.
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Air libre (Dupuis) fait partie des éditeurs aux petits oignons qui outre le fait de publier peu mais bon, fabriquent de très jolis one-shots à grosses paginations et maquette fort élégante (Nymphea noir c'est eux, mais aussi les premiers Lepage, Gibrat ou Qui a tué Wild Bill de Hermann!). Ici la couverture, si elle rend hommage aux magnifiques encrages de Steve Cuzor, ne m'avait pas du tout attrapé à sa sortie il y a un an. Jolie mais peu efficace. A l'intérieur le récit est découpé entre un prologue et plusieurs parties séparées par une page de garde ornée d'un médaillon magnifiquement illustré d'un portrait d'un des personnages. Comme je le reproche souvent dans les romans graphiques classieux en franco-belge (chez Air Libre donc, mais aussi chez Signé-Lombard par exemple), on n'a pas encore pris l'habitude des bonus de création, ce qui est bien dommage... Trois tirages limités ont été édités dont un en n&b.
A la veille du Débarquement trois soldats noirs américains se morfondent à faire le ménage dans une base anglaise. La ségrégation n'a pas encore permis aux afro-américains de participer aux combats... Pourtant il va bientôt leur être proposé une mission suicide: rapporter au pays une relique, le premier drapeau de l'Union que l'histoire a fait atterrir en Allemagne nazie...
Cet album est assez impressionnant. Montrant deux auteurs inspirés et en pleine possession de leur talent, il nous embarque dans une odyssée comme seul le cinéma sait nous y transporter. Car c'est bien un film qu'a réalisé Yves Sente avec son acolyte Cuzor comme chef opérateur et directeur photo. On dit souvent que les meilleurs scénarios sont les plus simple, c'est le cas ici. Le pitch de départ donne ne ton en alliant Histoire nationale américaine, mythologie de la seconde guerre mondiale et drame de la ségrégation. L'humain, la morale, l'héroïsme et l'Histoire se confrontent dans ce trio de soldats incroyablement caractérisés, si bien qu'après seulement quelques cases ils nous sont déjà familiers et comme rarement dans les BD on craint pour leurs vies.
Le travail graphique de Steve Cuzor est sur ce plan remarquable. Avec une technique hachurée il détaille les visages de ses personnages de façon que l'on ne doute jamais, de près comme de loin de leur identité. On distingue vaguement l'influence morphologique de certains acteurs américains (Denzel Washington? Forrest Whitaker?...). Très lisibles, ses planches virent à mesure que le récit avance vers de plus en plus d'abstraction, comme pour nous montrer la sortie du monde des vivants lorsque ces héros s'enfoncent dans l'hiver ardennais pourchassés par les forces du Mal... C'est juste magnifique, probablement le plus beau travail de Cuzor jusqu'ici. Son dessin en noir et blanc est rehaussé d'aplats par le coloriste Meephe Versaevel avec un réel apport. Les lieux et les époques sont ainsi définie par la couleur monochrome et seule la dernière planche, tragique, revient dans la polychromie comme pour rejoindre le réel de l'Amérique contemporaine.
L'on ne saurait dire si c'est le dessin ou le scénario qui impressionne le plus dans Cinq branches de coton noir. Avec son passé d'éditeur, Yves Sente parvient mine de rien à construire une bibliographie assez impressionnante par la qualité de ses histoires, du Comte Skarbek (avec Rosinski) aux très bonnes histoires de la reprise Blake et Mortimer. Ici il propose un travail à la fois sérieux, imprégné par des thématiques difficiles en même temps qu'épique, dans une transposition réussie des récits militaires que le cinéma a allègrement documenté. Le cœur de son histoire, du début à la fin, porte sur la situation des noirs américains. Depuis la partie au XVIII° siècle et l'apparition de ce premier drapeau à la place des soldats tout n'est qu'injustice. Ses héros ne se plaignent pas pour autant. Ils sont des battants, se donnant les moyens de leurs ambitions sans courber l'échine. L'enjeu de cette histoire extraordinaire est alors de savoir si l'héroïsme peut renverser le cours de l'histoire...
Portée par le souffle de l'épopée et de personnages puissants, Cinq branches de coton noir est un album presque parfait tant il allie (pour le trait comme pour le texte) technique et élégance, efficacité et expérimentation. Un magnifique album, une pièce de choix dans la collection déjà très joliment garnie d'Air Libre et assurément un livre que tout amateur de BD se doit de lire.
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Delcourt/Soleil sont familiers des séries fantasy, tellement qu'on se demande parfois comment ces dizaines de créations trouvent leur lectorat. C'est donc sans beaucoup d'attentes que j'ai entamé cet album doté d'une très belle couverture. Et heureusement, on trouve régulièrement dans ce genre hyper-balisé de très bonnes surprises dont Le dernier dragon fait partie! Dans une Europe de la Renaissance et des cités-Etat italiennes les dragons n'ont pas disparus. Ils sont protégés par on ordre de dragonnières descendant d'Eve et que de plus en plus de puissances politiques souhaiteraient voir disparaître à mesure que le nombre de dragons faiblit et le pouvoir de l'ordre avec. Car le crane de ces bêtes ancestrales renferme une pierre aux propriétés fantastiques que des chasseurs tentent de posséder au péril de leur vie... Outre les dessins très agréables de Léo Filipovic, le scénario de Pécau a l'originalité de transposer cet élément de fantasy dans un contexte historique bien connu, semant les premières pierres d'une intrigue géopolitique où dragons et dragonnières seront les derniers gardiens d'une ère qui s'éteint. Cet album parvient en 64 pages à poser un contexte, des personnages charismatiques et un univers très solides tout en offrant de l'action et le côté épique de toute BD grand public. Un des succès d'aventure de 2019 à prévoir.
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La série des vieux fourneaux a dû attendre un film (fidèle mais moins bons que la BD) pour atteindre le grand public. Il faut dire que les couvertures, parti pris osé, sont plutôt un repoussoir... Il n'en demeure pas moins que nos trois vieux sont toujours aussi drôles et plaisants à suivre, sous la plume du génial Lupano, énervé comme jamais contre notre monde injuste et égoïste. Si toute la série est excellente, ce cinquième tome est pour moi le plus réussi par-ce qu'il assume une actualité immédiate et laisse un peu de côté les circonvolutions familiales pour se recentrer sur la force de la série: l'humour militant assumé et rageur. La dimension familiale n'est pas totalement oubliée mais sert l'humour et c'est pour cela qu'elle s"intègre mieux que jamais au projet de Lupano et Cauuet. Chapeau les artistes, on en redemande!
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Très efficace couverture pour ce survival-zombie, premier album d'un dessinateur que Jérôme Hamon a rencontré sur internet. Je m'attendais à une histoire de classe verte partant en mode trash, un peu comme sur le très efficace Rocher rouge. Walking Dead fait des émules mais le soucis de cette Green class est d'arriver dans un thème déjà bien encombré et par de très bons albums/séries. Gung-Ho (dont ce dernier est très proche) est excellent tant graphiquement que dans son traitement des relations entre ado et adultes, cela par-ce que le background est travaillé. C'est là la principale faille de pas mal d'histoires de Zombies (y compris Walking Dead et donc ce Green Class) que d'oublier d'expliquer le hors champ et le contexte pour fermer la focale sur un seul petit groupe. Non que cela soit inintéressant mais c'est déjà lu mille fois. Avec un dessin proche du manga très sympa pour les personnages mais assez vide pour les arrières-plans (pour un premier album, pour peu que l'auteur progresse ca reste très acceptable) et des couleurs que j'ai trouvé un peu passées la partie graphique ne suffit pas totalement à combler ce problème. Le scénario se concentre sur l'évolution des relations dans le groupe d'ado en situation de crise et tarde un peu à proposer des scènes choc que nécessitent ces histoires. C'est au final un travail honnête, pas fondamentalement original et qui vire vers le fantastique sur la fin en laissant de possibles perspectives d'aller vers quelque chose de plus novateur...
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Ce deuxième épisode du Château des animaux s'est fait attendre. prévu par Casterman sur une périodicité de trois mois, il aura fallu pas moins d'un an pour lire la suite de nos animaux... Le troisième est annoncé pour le début de l'été et l'on espère que les délais seront cette fois-ci tenus (avec un album en fin d'année). L'édition est toujours aux petits oignons avec la même très jolie maquette, un rédactionnel qui revient sur les événements de l'épisode (et à lire après donc). Mais contrairement au Château des étoiles ou au dernier Bourgeon c'est surtout pour la BD qu'on lit cette version grand format et l'on aurait aimé des commentaires périphériques ou des éléments enrichissant le hors champ. Ce n'est pas très grave tant la BD en elle-même est superbe visuellement et très plaisante avec cette transposition de la célèbre Ferme des animaux d'Orwell. Dans l'épisode on entre dans le vif de la révolte avec l'élément extérieur, un rat saltimbanque qui au travers de son spectacle ouvre les yeux des animaux sur le despotisme du Taureau. Moi j'adore et je profite de ces immenses planches!
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Atomic Robo est une série d'action délirante publiée depuis 2007 aux Etats-Unis, sur douze volumes. le Robot en question a été créé par Nicola Tesla en 1923 et depuis, passe son temps à sauver le monde contre les génies du Mal, créatures géantes et autres inventions démoniaques. On est clairement dans le même esprit que le très drôle Shirtless Bear Fighter publié l'an dernier. Publié dans la collection comics "Paperback" de Casterman qui jouit d'un très bon écho dans la presse et blogs (format comics, couverture reliée avec quelques effets pelliculés mais pas de bonus... et petit détail, est imprimé en France!), la grande qualité de ces aventures repose sur leur écriture très vive jouant beaucoup sur l'absurde des situations et la répartie du héros. Si le dessin n'a rien d'extraordinaire, il reste lisible et le travail d'expressions (improbable) de ce robot limité à la fermeture de ses paupières métalliques est étonnant. Avec un dessin plus qualitatif on arrivait au niveau du Skybourne de Frank Cho, une de mes pépites de l'an dernier. Malgré la simplicité format timbre-poste des intrigues (en mode porte-monstre-trésor), les auteurs arrivent à varier les plaisirs absurdes comme cette expédition sur Mars où les techniciens ont oublié de donner des lectures au Robo pour les deux ans de voyage. Arrivé sur place il se vengera sur Stephen Hawking, responsable de son calvaire, au travers d'étonnantes constructions... Personnage invincible, le Robo est un gros bourrin qui disserte entre deux mitraillages, sur la possibilité théorique que des fourmis géantes existent. On se marre tout le long et on en redemande!
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Les quelques planches diffusées sur le web pour ce comic récent m'avaient laissé par terre et il avait aussitôt rejoint ma pile de BD à venir. Et je dois dire que dès la couverture et tout au long des 150 pages du premier tome on a les yeux qui brillent. Pas tant pour le dessin lui-même, très pro sans être exceptionnel, mais plus pour l'ambiance générale, les couleurs sublimes et le design génial où l'on sent des auteurs inspirés. L'inspi majeure annoncée est celle de Myazaki et son Princesse Mononoké mais aussi du mythe d'Orphée et Eurydice. Cette histoire d'amour impossible entre la capitaine de la garde et sa reine métamorphosée en tigre, dans une itinérance vers Isola, l'Ile des morts, ne ressemble à rien de ce que vous aurez déjà lu. D'abord car c'est une histoire d'amour platonique homosexuelle comme on n'en voir que très peu en BD. Ensuite par l'approche assez rude de la Nature. On a souvent l'impression de lire un long métrage d'animation dans Isola, avec cette approche complexe, japonaise, toute en sous-entendus, presque zen et contemplative. Les expressions du soldat sont très réussies malgré un vague sentiment que les personnages ne font que suivre un cours qui les dépasse. Du coup le lecteur a un peu de mal à accrocher ces héros sans prise sur leur destinée. La construction scénaristique volontairement compliquée (entre présent et passé, réalité/monde des esprits) ne facilite pas les choses et c'est la bande de chasseurs qui donne le plus envie de connaître la suite de ces aventures en faux-rythme. Ces quelques partis pris n'empêchent pourtant pas de s'immerger dans cet univers baroque, sauvage et poétique. Point bonus pour la maquette superbe et les bonus comme Urban en fait rarement. Au final, si la partie graphique vaut le coup à elle seule, on attend la suite pour voir si l'on aura affaire à une très grande série ou à un projet abscons...
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La nouvelle publication de Hi Comics se veut innovante en proposant une revisitation du thème des jeunes gens aux pouvoirs brutalement déclenchés via une conspiration gouvernementale associée à un génie à moitié fou... Le thème d'Akira et Harmony en somme, avec la difficulté de se comparer à ces deux glorieux aînés. J'ai été fort attiré par le pitch, le traitement radical et violent (qui peut rappeler par moments un Jupiter's Legacy) mais suis resté un peu sur ma faim avec l'impression d'un potentiel réel (notamment l'utilisation des mathématiques pour déclencher la mutation) butant sur quelques difficultés techniques à la fois scénaristiques et graphiques. Ainsi le dessin est plutôt chouette quand aux visages mais subit de réelles lacunes anatomiques et dans l'animation des corps. On sent pourtant une influence de Quitely et des dessins hyper-dynamiques chez Araujo et le découpage et mise en scènes sont très efficaces. Mais souvent on coince sur une image ou un saut temporel. De petites choses qui empêchent de profiter pleinement d'une intrigue résolument moderne et SF. Je gage que le projet tienne à cœur aux auteurs et que l'expérience effacera ces petits problèmes, Generation Gone (et sa conclusion) reste une plutôt bonne surprise dans l'univers du comic Indé.
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Comme d'habitude le volume est à cheval entre plusieurs séquences. On termine donc la méga baston entre les dieux de la destruction, vraiment chouette et où l'on voit apparaître un nouveau méchant potentiel. Puis Goku est chargé de rassembler son équipe pour le grand tournoi des champions des univers: un Battle Royal (tous contre tous!) avec 12 champions par univers... un joyeux bordel qui s'annonce et Goku a beaucoup de mal à trouver des héros du niveau suffisant, surtout que notre univers est réputé l'un des plus faibles, et va être contraint de faire appel à quelqu'un que personne ne souhaitait revoir... On retrouve donc Tortue Géniale (maître Kamesenin), Krillin (dont la fille n'a pas de nez!!), C17 en défenseur de la nature et C18 glaciale au possible. L'auteur développe les vies privées des personnages, nous montre ce qu'il se passe sur d'autres planètes et introduit tout doucement les personnages qui seront l'attraction principale de ce nouveau tournoi. Il égratigne au passage Goku, toujours aussi débile et gourmand. On trouve quelques lacunes graphiques sur certains nouveaux personnages qui s'éloignent un peu du canon Toriyama mais ce n'est pas bien grave, le plaisir est toujours là.
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Les aventures de Seth continuent, de retour sur l'Artémis avec la suite de la course en balais très inspirée de Mario Kart de l'aveu de l'auteur. Partis à la recherche de Grimm vers Bôme (le pays des Domitor) la bande de Seth est toujours aussi riche en idées et intéressante à suivre. Difficile de noter un manga et encore plus un volume isolé dans une série, mais pour l'ensemble de la série et par-ce que ce onzième volume parvient à allier poilade, dialogues que j'irais jusqu'à qualifier de virtuose et vrai gros travail de background, beaucoup plus que sur les autres épisodes, Tony Valente mérite 5 Calvin (... le premier de 2019!). Si le contexte de l'Inquisition et des Némésis avait été un peu mis de côté sur l'Arc de Cyfandir on revient ici à fond avec l'apparition de nouveaux inquisiteurs, des infos sur le monde du dessous, sur le conseil des Mages,... bref, un tombereau de background, ce qui différencie souvent une bonne BD d'une grande BD.
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La toute jeune maison d'édition Kinaye nous propose de découvrir l'auteur et illustrateur Ben Sears avec son couple d'aventuriers Plus Man et son robot philosophe Hank. L'éditeur vise à proposer des ouvrages de BD jeunesse américains et si graphiquement on peut dire que c'est le cas de ce Volcano Trash (qui comprend les deux premières aventures du duo), les dialogues se rapprocheraient plutôt de la tradition du strip de presse à la Calvin et Hobbes. Cet humour stoïque est assez percutant ; je ne suis pas certain que de jeunes lecteurs capteront toute la subtilité mais la linéarité du scénario et l'aspect général s'adressent en effet à des enfants. Outre un certain côté décalé de cet univers, j'ai beaucoup aimé le trait vraiment particulier de Sears, qui donne une matière à un monde aux formes arrondies, avec parfois l'impression de se trouver dans une chambre... d'enfants. La technologie de Plus man est rétro et lui permet d'à peu près tout faire, le héros s'en sort toujours avec le sourire dans une relation avec son robot qui reprend donc celle des héros de Watterson avec un humain bourrin à souhait et son acolyte très réfléchi. Il n'y a pas vraiment de sens à l'histoire, plutôt des prétextes à des situations absurdes et acrobatiques. La première histoire nous propose un château hanté dans un univers SF (ne cherchez pas à comprendre la logique), la suivante, plus longue, mets nos héros aux prises avec une sorte de secte belliqueuse dont l’insistance fait parfois penser aux policiers de Miyazaki. Hank sera emprisonné ce qui obligera Plus man à préparer son évasion dans un design très jeu vidéo de plateforme... Bien délire et une une jolie découverte!
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Comme d'habitude les Arènes produisent un très beau livre relié comprenant la préface d'un historien et en fin d'ouvrage une carte de l'Iran avec une post-face de l'auteur rappelant le contexte dans lequel il a réalisé le travail photo original et la note d'intention sur cet ouvrage: essentielle pour comprendre le passage de la photo à ces "dessins" numériques qui font toute la richesse et la spécificité artistique de l'album. La couverture reprend le style des documentaires journalistiques chocs. Pas forcément la plus belle qui soit pour une BD mais ici nous sommes plus dans le reportage journalistique
En 1978 lorsque commence la Révolution iranienne qui donnera naissance à la République Islamique Michel Setboun est un photographe de presse, l'un des rares présent sur place tout au long des événements. Quarante ans après il reprend ses photos pour les travailler numériquement afin de leur donner un aspect jamais vu à la croisée de l'impressionnisme et du réel...
Attention, cet ouvrage est un événement! En faisant cette proposition artistique unique avec un thème à la fois si fort historiquement et si actuel lorsque l'on regarde dans le rétroviseur, il procure au lecteur un coup de poing exigeant. Car l'ambition est haute. Tout d'abord graphiquement: Iran, Révolution est un exemple de tentative de déconstruction d'une oeuvre par son créateur. Dans l'aboutissement de sa réflexion sur la photographie qu'il considère comme une interprétation de la réalité contrairement à l'image véhiculée d'instants saisis, Michel Setboun a joué sur les curseurs de ses logiciels de retouche numériques pour saturer les images noir et blanc originales. Le résultat, sorte de dessins cubistes est très déstabilisant en ce que l'on retrouve le mouvement, l'action prise sur le fait mais avec l'aspect de dessins à l'encre (alors qu'aucune retouche manuelle n'a été faite). Les photos deviennent une expression hautement graphique mais issues du réel. Beaucoup de dessinateurs travaillent en retouchant à la main des photos. Ici c'est la technique qui fascine puisque c'est le seul logiciel qui a transformé l'image. Et le fait de savoir que derrière ces ombres et contrastes il y a une scène et des humains réels donne encore plus de force au graphisme.
Cette portée graphique ne serait pas si forte sans un tel sujet. Evènement majeur du XX° siècle et de l'histoire de la Perse, la Révolution de 1979 est vécue de l'intérieur, jour après jour par Michel Setboun en nous faisant rencontrer Khomeini, le Shah et les différents moments du conflit. L'ouvrage a le mérite pédagogique de nous raconter le déroulement de cette Révolution, l'une des dernières destitutions populaires d'un régime tyrannique avec une portée sans doute aussi fondamentale pour l'Iran que celle de notre Grande Révolution de 1789. Le fait que cela ait abouti à la seule théocratie (avec le Vatican si on le considère comme un Etat...) au monde, considérée par beaucoup comme une dictature, déstabilise le lecteur occidental. Or l'auteur (qui n'est pas journaliste mais bien photographe) reste à sa place d’œil, de gardant bien de juger en ne commentant que le caractère inouï de l’événement hors de ce qu'il est devenu. L'album s'achève néanmoins sur les premières heures du nouveau régime en nous rappelant que comme souvent après des révolutions la répression s'installe...
Cet ouvrage, aussi intéressant visuellement que pour son propos, nous rappelle le pourquoi de la Révolution et donne envie de se documenter plus en détail sur les fondements de cette République à nulle autre pareil: on découvre alors un régime totalement démocratique (le suffrage est universel pour les deux sexes) en même temps qu'une autocratie totalement dictatoriale, un régime bicéphale et schizophrène qui tente d'allier des normes démocratiques modernes pour la gestion politique (exigence de la Révolution menée autant pas les religieux que par les partis de gauche) avec une prédominance du religieux qui condamne toute évolution, ouverture et modernisation possible du fait de la supériorité absolue du Guide et des conseils d'ayatollah. Si on regarde en détail sur le seul plan institutionnel pas mal de nations occidentales ne sont pas mieux armées en matière de contre-pouvoir... Je vous invite donc vivement à lire ce livre impressionnant et qui demande d'ouvrir sa focale, de sortir de son confort d'analyse. Et ça fait du bien!
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Comme souvent chez Ankama l’édition est magnifique. D’abord cette très chouette couverture colorée qui reflète exactement l’album (soldat, SDF, zootherapie), avec titre gaufré et effet métal que l’on retrouve sur la tranche. L’album se termine par un texte d’intention de l’auteur et un carnet de croquis. Vraiment complet, joli, un calvin. A noter que l’album est d’abord paru aux Etats-Unis en 2019 avant l’édition française chez Ankama.
Après la fin de la guerre June revient dans la grande Cité où une légion de soldats démobilisés errent dans le’s rues, horde de sans abris luttant contre leurs stresses post-traumatiques à l’aide de pilules dont le marché est géré par une mafia. En guerre contre le reste du monde, June l’ancienne tireuse d’élite refuse toute aide et va partir à l’assaut de ces truands qui attaquent ses comparses…
J’ai découvert Guillaume Singelin à l’occasion de ma lecture de Midnight Tales dont il dessinait la première histoire, assez fondatrice du projet. Dans le même style manga que PTSD j’avais remarqué déjà une grande maîtrise du découpage et de l’action malgré un dessin tout sauf réaliste. Hormis ceux de Florent Maudoux (plus classiques) je ne suis pas très proche du style graphique et du design de l’équipe du Label 619. Pourtant dès ma lecture du génial Shangri-La de Mathieu Bablet l’identité artistique m’avait marqué et on peut dire qu’il y a une vraie cohérence dans cette bande de jeunes auteurs, à commencer par l’approche sociétale de la misère. Que ce soit la situation des animains dans l’ouvrage de Bablet, les réflexions sur les freaks et la sexualité de Maudoux ou ici le stress post-traumatique et la réinsertion des soldats chez Singelin, ces auteurs élevés dans la culture manga autant que comics proposent des visions très personnelles dans des genres qui facilitent habituellement le grand spectacle. Il peut alors y avoir un peu de frustration pour qui attendrait une BD d’action voir de guerre dans PTSD. Pour comparer avec le cinéma c’est un peu la même démarche que celle de Mamoru Oshii ou Denis Villeneuve, qui dans Sicario ou Ghost in the Shell utilisent un emballage de genre pour proposer des captures et réflexions totalement humanistes.
PTSD nous présente donc l’itinéraire de June, brillante tireuse d’élite revenue borgne d’une guerre sans nom que l’on découvrira au travers de plusieurs séquences intercalées comme des respirations du récit. Accro comme aux médicaments destinés à calmer ses douleurs et son stress comme la horde de vagabonds qui hantent l’immense cité asiatique que l’auteur se plait à nous présenter dans des séquences contemplatives qui occupent la majeure partie de l’album. Le texte post-face explique très précisément les envies de Guillaume Singelin, notamment ces visions urbaines incroyables qui habitent les films hong-kongais et qu’il a lui-même pu expérimenter en résidence à Tokyo. C’est pour moi le plus intéressant dans ce gros ouvrage où l’on retrouve (encore) une proximité avec les préoccupations de son compère Mathieu Bablet, très friand de longues pérégrinations urbaines. Dans PTSD, l’héroïne est seule, refuse toute aide, comme ses frères d’arme. Il n’y a pratiquement aucune critique politique dans ce livre qui s’intéresse bien plus aux relations humaines et aux effets enfermant du traumatisme. Sans mièvrerie, on nous montre comment le théâtre de guerre en obligeant les soldats à dépendre les uns des autres, tisse des liens qui seront détruits au retour. C’est ce travail psy que devra faire June à qui des mains sont tendues et qui les refusera jusqu’à l’arrivée d’un chien dont l’action thérapeutique provoquera la bascule.
Il y a bien sur des scènes d’action, diablement efficaces, lors de la vendetta de June contre les dealers. Trop brèves à mon goût tant l’auteur parvient à retrouver un peu de l’essence d’un Appleseed (Dunan Nuts, l’héroïne de Masamune Shirow est un des modèles de Singelin pour son personnage) dans ces passages. Mais le propos de l'auteur reste bien celui de la vie foisonnante contrastant avec les errements de zombies des anciens soldats. Le travail des couleurs est très réussi et le dessin manga, très rond, facilite l’approche de ces destins tragiques. J’ai un peu tiqué sur les crayonnés laissés à l’impression, qui salissent un peu les dessins sur les gros plans. C’est sans doute recherché mais je ne trouve pas cela très réussi. Les visages très enfantins en revanche sont étonnants d’expressivité malgré la grande limite des possibilités graphiques du genre. Enfin, un détail vous étonnera, les personnages de l’album sont dotés de quatre doigts de la main, cela car l’auteur voulait dessiner de grosses mains et que les doigts ne rentraient pas… Une singularité qui montre la liberté et la sincérité totale de production de l’ouvrage.
Au final, si je ne suis pas aussi enthousiaste que pas mal des autres blogueurs, sans doute du fait de la sensibilité très particulière de l’ouvrage, j’ai passé une très agréable lecture en découvrant un vrai auteur, très impliqué sur son projet et nous faisant partager ses environnements, la vie urbaine asiatique, et en nous immergeant dans une thématique originale peu vue en BD.
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Ce gros volume fait l'objet d'une édition très soignée de Steinkis, avec papier épais, couverture reliée avec une belle couverture alléchante, interview de l'un des fondateurs du groupe, discographie exhaustive de Redbone, préface de la fille de Pat Vega et enfin une bibliographie. Pour être déraisonnable on aurait pu souhaiter un rappel historique de la lutte des native-americans pour mieux situer les événements relatés dans l'album mais sincèrement avec un tel contenu on peut dire que c'est du très bon boulot.
Redbone est le premier groupe de rock composé d'indiens d'Amérique et se revendiquant comme tel. C'est l'histoire de ce groupe, de la musique des années 60 et 70, de ses membres et de la lutte des indiens pour les droits civiques et la reconnaissance de leur culture qui est racontée dans ce livre.
Je n'avais jamais entendu parler de Redbone. Je connais un peu les grands moments de la lutte des indiens pour la défense de leur culture et la fin de l'oppression mais cet étrange album m'a permis de m'y intéresser plus avant en parvenant à mêler avec une étonnante souplesse la biographie familiale, l'histoire de la musique et l'histoire politique d'une Nation indienne opprimée depuis le XIX° siècle.
Redbone ce sont d'abord les frères Pat et Lolly Vegas, indiens Hopis ayant grandi dans une réserve et familiers de la musique de par leur famille. Vivant la ségrégation dans leur chair lorsque Pat est envoyé comme nombre de ses congénères dans un orphelinat d'acculturation, ils choisissent très vite de tenter leur chance à Los Angeles, cité de tous les possibles où les groupes et les artistes naissent à chaque instant dans la foison de clubs qui existent alors. Leur histoire est pour beaucoup une success-story (ou du moins relatée comme telle) et c'est ce qui rend la lecture de la BD agréable. Fréquentant un milieu de musiciens, trouvant rapidement de très bons musiciens (dont on nous raconte aussi l'histoire, ils plaisent aux producteurs et arrivent très vite à sortir des disques, d'abord sous leurs noms puis après la formation de Redbone, après une rencontre décisive avec le jeune Jimmy Hendrix qui leur fait prendre conscience de l'importance d'assumer ses racines et de se battre pour l'égalité.
Le groupe fréquente les plus grands, ayant pour producteur Robert Blackwell qui supervise Little Richards et Sam Cooke et faisant passer des auditions où ils doivent recaler un certain Jim Morrisson et ses comparses. Il y a sans doute un peu d’esbroufe de la part de Pat Vega lorsqu'il raconte l'anecdote à l'auteur de l'album, mais cela permet de nous replacer dans une période à la créativité incroyable. Enchaînant les disques sans discontinuer tout au long de la décennie 70 où ils font partie des groupes les plus réputés, se produisant devant la Reine d'Angleterre et trustant les charts dans plusieurs pays. Leur musique a été remise au goût du jour avec la bande originale du flm Marvel Les Gardiens de la Galaxie...
La décennie 70 c'est aussi celle de la lutte pour les droits civiques et les actions de l'American Indian Movement (AIM), soutenu dès sa fondation par Redbone qui lui verse l'essentiel de ses premiers cachets. Après avoir dû se faire passer pour mexicains pendant leurs premières années, par peur des producteurs que le public blanc fuient leur musique, ils revendiquent fièrement leurs racines et participent aux actions radicales de l'AIM comme l'occupation d'Alcatraz, celle de Wounded Knee (événement sur lequel ils firent une chanson qui sortit en Europe devant le refus des producteurs américains de cautionner un "appel au soulèvement") où ils rencontrent des figures telles qu'Angela Davis.
Graphiquement l'album est assez simple, avec beaucoup de dialogues de visages dessinés, mais aussi quelques planches illustrant les événements historiques. J'ai beaucoup aimé les fausses couvertures de "Redbone comics" séparant le récit en parties, mais hormis cela, si le graphisme accompagne très bien la narration, ce n'est pas pour eux que l'on achètera l'ouvrage.
Très bonne surprise que ce Redbone, de celles qui nous font découvrir une histoire totalement ignorée, ouvrent notre horizon en sachant allier l'intime et des thématiques à la fois politiques et musicales. Ce que j'appelle un bon documentaire.
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Comme souvent Glénat sort la grosse artillerie com' pour le passage du dessinateur de Lanfeust... dont on se demandait quand il accepterait de changer d'air après vingt-cinq ans à dessiner les aventures du rouquin forgeron. Malgré ce confort Tarquin a toujours su faire évoluer son style de dessin, chose que j'apprécie chez un dessinateur même si parfois ce n'est pas pour le mieux. Tarquin travaille depuis le début de Lanfeust Odyssey avec son épouse Lyse sur les couleurs, qui s'en sort très bien en étant relativement sobre en effets spéciaux et autres halos numériques coutumiers chez les coloristes de SF/fantasy. Si UCC Dolores est son premier album "solo", il a déjà produit des scénarios de séries chez Soleil, notamment avec Tony Valente, l'auteur du génial Radiant. Et donc UCC Dolorès ça donne quoi?
Je dois dire que le pitch ressemble énormément à une des très bonnes séries SF de ces dernières années, Warship Jolly Rogers. Et si la réalisation est impeccable et sent l'expérience, niveau scénario l'absence du vieux routier Arleston se ressent avec une certaine imprécision sur ce qu'est cette série, les pistes visées par Didier Tarquin. Le gros bras qui accompagne la rouquine sortie du couvent est efficace tout comme les méchants et surtout le mécano du navire, sorte de Wolverine mutique particulièrement réussi. L'héroïne en revanche subit le même syndrome que Lanfeust à ses débuts, à savoir être finalement le side-kick de ses acolytes... paradoxal. Le mystère principal repose sur le vaisseau lui-même qui sur ce premier tome est étonnamment normal. En conclusion je dirais que pour les fans de Tarquin la lecture se tente (surtout que l'intrigue est prévue en trois tomes pour le premier cycle, ce qui est raisonnable), pour les autres, la comparaison avec la série de Montllo et Runberg est en défaveur de l'UCC Dolorès. C'est un peu lent à démarrer même si l'univers à la Starwars et le design général restent agréables. Essai pas vraiment transformé et on attend la suite pour se prononcer.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/27/ucc-dolores
Le bel album Casterman grand format comporte une préface de l'autrice et quelques références "pour aller plus loin". L'album est directement inspiré de l'autobiographie romancée de Phoolan Devi. Très belle couverture, l'une des plus belles de l'année dernière.
Dans l'Inde des années 70 Phoolan Devi naît fille dans une famille de basse caste. Dans cette société extraordinairement inégalitaire et patriarcale, les filles sont moins que rien. Phoolan est une révoltée. Mariée à 11 ans, violée à plusieurs reprises, elle prends le maquis, devient chef de bande, une Robin des bois féministe utilisant les mêmes armes violentes que ces hommes qui terrorisent femmes et pauvres. Elle finira députée. C'est cette histoire incroyable que nous propose de vivre Claire Fauvel.
Sorti en même temps que l'extraordinaire Guarani, les enfants soldats du Paraguay (qui fait parti de mon top de l'an dernier), Phoolan Devi m'avait attiré par sa couverture très percutante avec notamment ce rouge puissant, le rouge du sang et de la liberté. La figure de Phoolan Devi est éminemment romantique et dramatique. Toute la première partie de l'album est difficile à lire tant elle nous plonge dans une société d'une injustice et d'une violence envers les femmes parfois insoutenable. Non que le graphisme de Claire Fauvel soit dur, tout au contraire, son trait et ses magnifiques couleurs sont agréables à regarder. Mais l'histoire de Phoolan est absolument tragique en ce qu'elle nous jette à la figure la dureté ultime lorsque cette fillette de 11 ans, ignare, d'une innocence absolue, est livrée à un homme de 30 ans, quittant pour la première fois sa famille et son village pour devenir esclave domestique et être violée... Dans cette société une fille n'a pas plus de valeur qu'un chien.
Le récit est celui de Phoolan. Le regard qu'elle porte, adulte, emprisonnée après sa reddition, sur son paye, sa société, les hommes. C'est un récit éminemment féministe, un féminisme de guerre, de révolte concrète contre une injustice quotidienne insupportable et qui mène à la mort, comme ces femmes répudiées ou dont le mariage est cassé et qui n'ont plus pour solution que de se jeter dans un puits... Cette thématique rejoint d'ailleurs l'une des histoires du très intéressant projet Midnight tales chez Ankama. Après cette première partie rude on entre dans une histoire plus romantique, celle d'une jeune femme qui découvre tout à la fois la liberté, l'amour simple, celui d'un humain pour un autre humain avant même de comprendre ce que peut être l'attirance sexuelle. L'auteure touche à ce moment le cœur même de l'humanité et de l'inhumanité vécue par son personnage en ce que le simple fait de considérer l'autre pour ce qu'il est et non par son statut dégradé peut changer un destin. Il n'y a pourtant pas de naïveté dans cet album qui nous montre la violence qu'a pratiqué Phoolan à l'encontre de ses agresseurs, de ces hommes dominants contre lesquels elle retourne la même inhumanité. Claire Fauvel ne condamne ni ne dénonce. Elle documente simplement une réalité, celle de la vie de Phoolan Devi qui jusque dans les dernières heures de négociations pour sa reddition sera victime de son inculture face à des adversaires sans foi ni loi pour maintenir l'ordre établi. En cela le combat de Phoolan Devi est bien un combat révolutionnaire, qui n'est jamais associé à celui de Gandhi mais qui pourrait le rejoindre tant il touche à des fondements de l'humanisme.
Visuellement le trait et le découpage simples mais très graphiques de Claire Fauvel font mouche. Il permet de traiter de scènes crues sans voyeurisme ni violence gratuite. On suggère suffisamment pour ne pas avoir à insister et cette délicatesse joue beaucoup dans la perception du lecteur qui peut voir l'inmontrable sans dégoût, Phoolan étant toujours montrée comme insoumise et accompagnant nos yeux dans une Inde de beaux paysages sauvages et de moments de beauté. C'est cette vision positive que je garde après avoir fermé ce très bel album qui mérite la réputation d'être l'un des plus beaux de 2018.
Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/03/03/phoolan-devi-reine-des-bandits
Sandawe est un éditeur participatif qui fonctionne sur le crowdfunding: un projet est présenté par l'auteur, le budget détaillé et le montant nécessaire affiché. Les édinautes financent sur différents montants correspondant à des paliers permettant d'avoir l'ouvrage seul ou plus ou moins de bonus.
J'essaye toujours de parler du travail (ou du non travail...) d'édition sur les bouquins que je critique et je dois dire que lorsque j'ai reçu ces deux volumes j'ai été plus qu'agréablement surpris par la qualité de la finition. L'aspect couverture abîmée (avec des textures très propres et différentes sur les deux volumes), la précision et l'élégance de la maquette, la force évocatrice des couvertures, tout est aux petits oignons niveau édition et ça mérite amplement un Calvin pour cela (chose assez rare sur ce blog), surtout venant d'un petit éditeur participatif. Je précise que la couverture est format comics mais reliée (donc en dur pour les non initiés à la terminologie bibliophilique...). Dernier point, l'imprimeur a changé entre les deux tomes, le premier volume proposant un papier épais mat, le second un papier glacé plus fin. Je préfère le premier que je trouve plus adapté au dessin fort noir de l'auteur.
En 1916, sur le Front, les allemands ont disparu... Explorant le Tötendom, la montagne des morts, les poilus découvrent des scènes indicibles, des humains modifiés et autres abominations. L'armée fait appel à un spécialiste du Muséum d'Histoire Naturelles pour aller éclaircir ce mystère. Là-bas, s'enfonçant dans les entrailles de la terre il mettra à jour des révélations qui bouleverseront la réalité telle que nous la connaissons...
Vous l'aurez compris en lisant ce court résumé, on a affaire ici à une histoire inspirée du Mythe de Ctulhu. J'adore le fantastique, j'adore le monde de Lovecraft et je trouve que l'on n'a pas si souvent l'occasion de lire une bonne histoire s'inscrivant dans ce genre. Bones, l'auteur de ce triptyque (le troisième est en préparation) est en outre dans la ligne graphique de l'école Mignola (... et ô sacrilège, je préfère le dessin de Bones à celui de l'américain, le trouvant plus clair).
Si cette série est une très grande réussite c'est d'abord par-ce qu'elle remplit son cahier des charges de genre en transposant l'intrigue dans le contexte de la Grande Guerre (le premier tome pendant, le second juste après). Les histoires fantastiques à base de tentacules ne sont jamais fondamentalement originales de la même manière qu'une histoire de chevaliers et de dragons ne l'est pas. L'auteur et le lecteur cherchent avant tout à donner des images titillant notre imaginaire collectif. Ainsi ce sont les éléments clés d'une telle histoire et leur articulation, le montage, qui plaisent ici: le savant fou, les allemands, la civilisation pré-civilisation, l'indicible et le traitement visuel de l'horreur, avec ses gros-plans et ses bruits en onomatopées omniprésentes. Le contexte est ainsi idéal et le scénario, particulièrement équilibré, arrive en 86 planches à nous présenter l'intrigue principale, du flashback, l'arrière-plan (Paris, les généraux, le Muséum) et à présenter un début, un milieu et une fin, sans que la chute ne soit expédiée comme c'est souvent le cas quand on est en présence de ce genre d'intrigue. L'histoire a été construite en format one-shot avec la possibilité d'une prolongation après le tome 1, Bones ayant sans doute envisagé dès le début une trilogie. La fin du premier album est ainsi un peu vague si vous en restez là alors que l'articulation entre les deux tomes peut sembler avoir quelques difficultés par moment (manque d'explication sur l'ellipse de trois ans entre les deux volumes). Cela est sans doute dû aux incertitudes éditoriales et je gage que le troisième tome sera bien mieux articulé.
De la même manière les personnages sont archétypaux mais je les ai trouvé très réussis, notamment le capitaine-courage et Bär, le volumineux allemand équipé d'une mitrailleuse et furieusement bad-ass! Si les méchants sont essentiellement à base de monstres sur le premier volume, ils montent d'un cran dans Un océan de souffrance en cultivant un mystère bien orchestré en restant tapis dans l'ombre. Les trois thèmes Terre/Eau/Espace rattachés aux trois volumes peuvent sembler artificiels mais personnellement j'aime bien quand une série développe des thématiques, des colorations rattachées aux albums. Ils permettent en outre d'éviter la redite, ne serai-ce que graphiquement, si La montagne des morts est une histoire de tranchées et de monde souterrain, le second introduit la thématique vernienne qui nous sort un peu du seul Ctulhu (même si on en reste très proche) avec des constructions sous-marines et navires de guerre. Globalement la progression dramatique, la divulgation des infos, coups de théâtre et l'approche scénaristique générale sont remarquables.
Visuellement les planches sont vraiment belles et l'on sent à la fois la quantité de travail et la maîtrise technique dans cette grande lisibilité et propreté des architectures et arrière-plans. Le style est particulier et certains n'aimeront pas. Mais force est de reconnaître qu'il colle parfaitement à l'atmosphère et montre un dessinateur qui a largement passé le stade de l'amateur. Nombre de dessinateurs œuvrant dans des styles ombre et lumière (dernièrement Eduardo Risso sur Moonshine) rendent des planches parfois confuses. Je n'ai jamais ressenti cela à la lecture de Dessous. Bones propose surtout nombre de visions fantastiques qui font frémir notre imaginaire.
Comme il faut aussi pointer les manques, je parlerais (mais cela a été relevé et corrigé sur le tome 2) des dialogues en allemand non traduits sur le T1 (comme sur Black Magick, tiens, est-ce que les scénaristes germanophones oublient que tout le monde ne parle pas la langue de Goethe?) et des halo lumineux ajoutés par l'auteur dans le T2 et qui me semblent trop artificiels au regard d'un projet qui respire l'artisanat et l'encre.
Hormis cela Dessous est une vraie bonne BD de genre, un vrai bon dessin d'un auteur qui a clairement de l'avenir. J'ai retrouvé dans cette lecture beaucoup du plaisir des illustrations de Lauffray et un peu de ce qu'il pourrait produire s'il sortait enfin sa grande BD d'exploration lovecraftienne. Si vous avez peur des poulpes et imaginez des temples ensevelis dans votre jardin, si vous aimez les encrages profonds, les savants fous et les machines steampunk, rattrapez vite votre retard avant Un regard vers les étoiles, que vous pouvez aussi pré-financer sur le site de l'éditeur.
Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/20/dessous-1-et-2
Sandawe est un éditeur participatif qui fonctionne sur le crowdfunding: un projet est présenté par l'auteur, le budget détaillé et le montant nécessaire affiché. Les édinautes financent sur différents montants correspondant à des paliers permettant d'avoir l'ouvrage seul ou plus ou moins de bonus.
J'essaye toujours de parler du travail (ou du non travail...) d'édition sur les bouquins que je critique et je dois dire que lorsque j'ai reçu ces deux volumes j'ai été plus qu'agréablement surpris par la qualité de la finition. L'aspect couverture abîmée (avec des textures très propres et différentes sur les deux volumes), la précision et l'élégance de la maquette, la force évocatrice des couvertures, tout est aux petits oignons niveau édition et ça mérite amplement un Calvin pour cela (chose assez rare sur ce blog), surtout venant d'un petit éditeur participatif. Je précise que la couverture est format comics mais reliée (donc en dur pour les non initiés à la terminologie bibliophilique...). Dernier point, l'imprimeur a changé entre les deux tomes, le premier volume proposant un papier épais mat, le second un papier glacé plus fin. Je préfère le premier que je trouve plus adapté au dessin fort noir de l'auteur.
En 1916, sur le Front, les allemands ont disparu... Explorant le Tötendom, la montagne des morts, les poilus découvrent des scènes indicibles, des humains modifiés et autres abominations. L'armée fait appel à un spécialiste du Muséum d'Histoire Naturelles pour aller éclaircir ce mystère. Là-bas, s'enfonçant dans les entrailles de la terre il mettra à jour des révélations qui bouleverseront la réalité telle que nous la connaissons...
Vous l'aurez compris en lisant ce court résumé, on a affaire ici à une histoire inspirée du Mythe de Ctulhu. J'adore le fantastique, j'adore le monde de Lovecraft et je trouve que l'on n'a pas si souvent l'occasion de lire une bonne histoire s'inscrivant dans ce genre. Bones, l'auteur de ce triptyque (le troisième est en préparation) est en outre dans la ligne graphique de l'école Mignola (... et ô sacrilège, je préfère le dessin de Bones à celui de l'américain, le trouvant plus clair).
Si cette série est une très grande réussite c'est d'abord par-ce qu'elle remplit son cahier des charges de genre en transposant l'intrigue dans le contexte de la Grande Guerre (le premier tome pendant, le second juste après). Les histoires fantastiques à base de tentacules ne sont jamais fondamentalement originales de la même manière qu'une histoire de chevaliers et de dragons ne l'est pas. L'auteur et le lecteur cherchent avant tout à donner des images titillant notre imaginaire collectif. Ainsi ce sont les éléments clés d'une telle histoire et leur articulation, le montage, qui plaisent ici: le savant fou, les allemands, la civilisation pré-civilisation, l'indicible et le traitement visuel de l'horreur, avec ses gros-plans et ses bruits en onomatopées omniprésentes. Le contexte est ainsi idéal et le scénario, particulièrement équilibré, arrive en 86 planches à nous présenter l'intrigue principale, du flashback, l'arrière-plan (Paris, les généraux, le Muséum) et à présenter un début, un milieu et une fin, sans que la chute ne soit expédiée comme c'est souvent le cas quand on est en présence de ce genre d'intrigue. L'histoire a été construite en format one-shot avec la possibilité d'une prolongation après le tome 1, Bones ayant sans doute envisagé dès le début une trilogie. La fin du premier album est ainsi un peu vague si vous en restez là alors que l'articulation entre les deux tomes peut sembler avoir quelques difficultés par moment (manque d'explication sur l'ellipse de trois ans entre les deux volumes). Cela est sans doute dû aux incertitudes éditoriales et je gage que le troisième tome sera bien mieux articulé.
De la même manière les personnages sont archétypaux mais je les ai trouvé très réussis, notamment le capitaine-courage et Bär, le volumineux allemand équipé d'une mitrailleuse et furieusement bad-ass! Si les méchants sont essentiellement à base de monstres sur le premier volume, ils montent d'un cran dans Un océan de souffrance en cultivant un mystère bien orchestré en restant tapis dans l'ombre. Les trois thèmes Terre/Eau/Espace rattachés aux trois volumes peuvent sembler artificiels mais personnellement j'aime bien quand une série développe des thématiques, des colorations rattachées aux albums. Ils permettent en outre d'éviter la redite, ne serai-ce que graphiquement, si La montagne des morts est une histoire de tranchées et de monde souterrain, le second introduit la thématique vernienne qui nous sort un peu du seul Ctulhu (même si on en reste très proche) avec des constructions sous-marines et navires de guerre. Globalement la progression dramatique, la divulgation des infos, coups de théâtre et l'approche scénaristique générale sont remarquables.
Visuellement les planches sont vraiment belles et l'on sent à la fois la quantité de travail et la maîtrise technique dans cette grande lisibilité et propreté des architectures et arrière-plans. Le style est particulier et certains n'aimeront pas. Mais force est de reconnaître qu'il colle parfaitement à l'atmosphère et montre un dessinateur qui a largement passé le stade de l'amateur. Nombre de dessinateurs œuvrant dans des styles ombre et lumière (dernièrement Eduardo Risso sur Moonshine) rendent des planches parfois confuses. Je n'ai jamais ressenti cela à la lecture de Dessous. Bones propose surtout nombre de visions fantastiques qui font frémir notre imaginaire.
Comme il faut aussi pointer les manques, je parlerais (mais cela a été relevé et corrigé sur le tome 2) des dialogues en allemand non traduits sur le T1 (comme sur Black Magick, tiens, est-ce que les scénaristes germanophones oublient que tout le monde ne parle pas la langue de Goethe?) et des halo lumineux ajoutés par l'auteur dans le T2 et qui me semblent trop artificiels au regard d'un projet qui respire l'artisanat et l'encre.
Hormis cela Dessous est une vraie bonne BD de genre, un vrai bon dessin d'un auteur qui a clairement de l'avenir. J'ai retrouvé dans cette lecture beaucoup du plaisir des illustrations de Lauffray et un peu de ce qu'il pourrait produire s'il sortait enfin sa grande BD d'exploration lovecraftienne. Si vous avez peur des poulpes et imaginez des temples ensevelis dans votre jardin, si vous aimez les encrages profonds, les savants fous et les machines steampunk, rattrapez vite votre retard avant Un regard vers les étoiles, que vous pouvez aussi pré-financer sur le site de l'éditeur.
Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/20/dessous-1-et-2
Ankama fait partie des éditeurs que j'aime bien car ils soignent leurs productions et lancent des projets originaux, même si je n'accroche pas avec toutes leurs publications. On a donc ici de gros volumes au format comics et papier épais non glacé, une table des matières, couverture à rabats et bibliographie pour aller plus loin. La maquette est très sympa et donne envie avec une alternance de courtes BD, de nouvelles et de textes documentaires ou pseudo-journalistiques qui participent grandement à la matière de cet univers, comme sur le Chateau des Etoiles par exemple. Une bibliographie est insérée sur le rabat à la fin des ouvrages. Hormis deux-trois pages avec un problème de chevauchement d'impression des textes (à moins que ce soit fait exprès pour l'ambiance trouble?) c'est nickel et mérite un Calvin pour l'édition.
Chaque volume rassemble l'équipe du Label 619 dans un ensemble de BD et de contenu hétéroclite fidèle à ce que propose Ankama depuis quelques temps avec Doggy Bags et Gorcery par exemple. Le projet est chapeauté par Mathieu Bablet (qui produit presque tous les scénarii) en visant à développer un univers global autour de cette confrérie et du monde parallèle. L'originalité du projet, outre de rassembler textes et BD est de s'intéresser à des questions sociétales en différents points du monde et d'aborder les sorcières via leurs problèmes humains. Les personnages étant essentiellement des filles le focus est mis sur la perception féminine, les relations mères-filles, l'enfantement, etc. Je constate d'ailleurs que beaucoup de publications du label 619 semblent adopter ce point de vue féminin.
C'est orienté jeunes adultes et c'est particulièrement bien écrit! La maturité créative de ces jeunes auteurs est assez impressionnante, quand aux dessins si quelques cadors mettent le curseur très haut, l'ensemble est plus qu'honnête. Je ne suis pas forcément féru d'ouvrages multi-auteurs mais j'ai été totalement conquis pas le projet, son ambition et le sérieux de sa réalisation.
Volume 2
- Witch O'Winchester: histoire de maison hantée dessinée par le génial Florent Maudoux, la première BD du recueil nous raconte la chronique de la veuve de la famille Winchester (la carabine) contrainte de bâtir une maison tentaculaire si elle ne veut pas mourir. C'est très beau comme d'habitude même si l'on aurait aimé en savoir plus sur cette jeune guide membre de l'Ordre.
- L'étrange cas de M. Bartholomew: des sorcières égyptiennes sont contactées par un riche occidental envoûté et rendu minuscule. L'histoire est un peu anecdotique et permet surtout de parler de la mythologie égyptienne, du monde des morts et de l'histoire coloniale de l'Egypte.
- L'amulette: retour de Bablet tout seul pour une assez courte histoire qui donne lieu à quelques fascinantes visions de l'autre monde. Trop court pour être vraiment marquant mais cela permet d'introduire le plus intéressant article depuis le lancement de la série, celui sur la Society for Psychical Research.
- Devil's garden #2: la suite du précédent, dessiné cette fois par Mathilde Kitteh, nous présente une Midnight girl Thaï extrêmement puissante et qui ne parvient à contrôler son pouvoir qu'en s'épuisant dans les drogues et l'activité. Elle se retrouve contrainte de cohabiter avec l'âme de l'une de ses victimes avant l'intervention de l'Ordre. La séquence est un peu redondante mais permet de développer un peu le background de l'Ordre de Minuit.
Le volume s'achève sur une passionnante réflexion sur le passage des esprits à la religion et de la religion à la science dans l’Égypte antique.
Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/16/midnight-tales-1-et-2
Ankama fait partie des éditeurs que j'aime bien car ils soignent leurs productions et lancent des projets originaux, même si je n'accroche pas avec toutes leurs publications. On a donc ici de gros volumes au format comics et papier épais non glacé, une table des matières, couverture à rabats et bibliographie pour aller plus loin. La maquette est très sympa et donne envie avec une alternance de courtes BD, de nouvelles et de textes documentaires ou pseudo-journalistiques qui participent grandement à la matière de cet univers, comme sur le Chateau des Etoiles par exemple. Une bibliographie est insérée sur le rabat à la fin des ouvrages. Hormis deux-trois pages avec un problème de chevauchement d'impression des textes (à moins que ce soit fait exprès pour l'ambiance trouble?) c'est nickel et mérite un Calvin pour l'édition.
Chaque volume rassemble l'équipe du Label 619 dans un ensemble de BD et de contenu hétéroclite fidèle à ce que propose Ankama depuis quelques temps avec Doggy Bags et Gorcery par exemple. Le projet est chapeauté par Mathieu Bablet (qui produit presque tous les scénarii) en visant à développer un univers global autour de cette confrérie et du monde parallèle. L'originalité du projet, outre de rassembler textes et BD est de s'intéresser à des questions sociétales en différents points du monde et d'aborder les sorcières via leurs problèmes humains. Les personnages étant essentiellement des filles le focus est mis sur la perception féminine, les relations mères-filles, l'enfantement, etc. Je constate d'ailleurs que beaucoup de publications du label 619 semblent adopter ce point de vue féminin.
C'est orienté jeunes adultes et c'est particulièrement bien écrit! La maturité créative de ces jeunes auteurs est assez impressionnante, quand aux dessins si quelques cadors mettent le curseur très haut, l'ensemble est plus qu'honnête. Je ne suis pas forcément féru d'ouvrages multi-auteurs mais j'ai été totalement conquis pas le projet, son ambition et le sérieux de sa réalisation.
Volume 1
Le volume comprend quatre histoires de fantômes liées à l'Ordre de Minuit, une nouvelle et des articles traitant des femmes en Inde, des mythes des cités englouties, d'un type de fantôme et des sources historiques de la magie.
- The last dance: la première histoire relate les aventures d'un groupe de jeunes lycéennes en proie aux problèmes de leur âge alors qu'un Esprit annonciateur de malheurs apparaît. Le dessin de Guillaume Singelin, de type manga, est très propre, dynamique et efficace. On entre bien dans ce monde de spirit slayers.
- Samsara: la seconde, dessinée par Sourya voit une équipe de sorcières indiennes accompagner les âmes des morts vers leur dernier voyage. Je ne suis pas passionné pas la société indienne et suis un peu resté en retrait, même si la variation orientale des démons reste originale.
- Nightmare from the shore: Mathieu Bablet seul aux commandes nous propose un petit apocalypse autour d'un couple d'amies un peu perturbées par leurs conditions sociales et qui passent un pacte avec un démon sorti des eaux... pour le pire. Toujours ces fascinantes pérégrinations urbaines décadentes dont il a le secret.
- Devil's garden #1: enfin Gax nous raconte l'histoire de la fille du Diable, Lilith, sur le point de rejoindre son géniteur alors qu'un chevalier de l'Ordre surgit pour empêcher la catastrophe. Très bonne ouverture de l'univers fantastique, un peu brouillon visuellement (l'esprit graph du Label 619, on aime ou pas) mais qui dessine de très bonnes perspectives.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/16/midnight-tales-1-et-2
J'avais été plutôt agréablement surpris par le premier tome de cette série, de part un très bon dessin et un vrai travail sur les personnages. Ce second volume transpose la même trame mais cette fois dans une flotte coloniale "d'Europe du sud" décimée par le matériel bas de gamme chinois, utilisé pour constituer cette flotte du dernier espoir. Si l'idée de changer la "couleur" de la flotte est plutôt intéressante, la trop grande proximité entre les deux albums se fait en défaveur de ce dernier. La relation familiale compliquée, les pouvoirs cachés d'une peuplade inconnue, l'utilisation du fantastique dans une série de hard-science... tout cela est trop proche d'Islandia et j'espère sincèrement que c'est un simple raté de démarrage car produire une série de cinq tomes sans plus de variations me semble être un suicide! Du reste en tant qu'album one-shot, Deluvenn propose des thèmes intéressants hormis le fait que le héros soit assez inintéressant. Les Kraken sont la plus grande réussite de l'album mais le scénariste Nicolas Jarry ne creuse malheureusement pas du tout ce côté là. Un bon album de SF nécessite un background costaud. On est un peu court sur ce point et une vague impression de filiation avec Aquablue nous montre que l'originalité du projet a été un peu délaissée... même si cet album reste dans la moyenne très acceptable des BD très grand public de SF familiale.
Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/09/bd-en-vrac-3
Ce troisième et dernier tome de la série Katanga poursuit dans la continuité de ses prédécesseurs. Je rappelle les points forts de cette plutôt bonne série, que j'avais évoqué sur les précédents billets: un dessin un peu cartoon mais très propre et à l'encrage qui donne envie de le lire en édition spéciale, la colorisation absolument parfaite (comme d'habitude) de Bastide, le réalisme historique du contexte et un montage parfaitement huilé. On n'est pas surpris, Nury fait partie des vieux briscards du scénario franco-belge qui imprime sa patte sombre en incarnant l'anti grand-public. L'historien renforce dans ce troisième tome le côté historique avec le sort fait à Patrice Lumumba, qui fait monter d'un cran, en une scène d'une rare violence, la tension et la noirceur de cette série que seule la conclusion dépasse en nihilisme. J'avais émis des réserves sur une vision des africains qui pouvait flirter avec le racisme tout en notant le traitement non préférable fait aux blancs. Et c'est au final ce qui m'a dérangé, cette absence totale d'espoir, de lumière, le seul être surnageant un peu, Alicia, étant une prostituée calculatrice... Quel est le message de cette série hormis dénoncer le système de la françafrique et de la colonisation? Il est certain que j'ai pris du plaisir à la lecture de cette trilogie très travaillée et parfaitement fabriquée, mais quand Il était une fois en France intéressait par son ambiguïté et ses zones grises, Katanga ne propose que du noir. Trop pour moi. C'est dommage car il y a un vrai talent et en introduisant un héros et un peu plus de sens historique cela aurait pu être une très grande série.
Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/09/bd-en-vrac-3
Futuropolis est un éditeur qui publie peu mais bien ; ce volume ne déroge pas à la règle avec un grand format à la couverture solide et un cahier historique de contexte très intéressant à la fin.
Marcel Grob est convoqué chez le juge d'instruction. Ce dernier veut son témoignage sur son incorporation aux Waffen SS pendant la seconde guerre mondiale. Il risque la prison pour le peu d'années qu'il lui reste à vivre. Il commence alors un récit sur l'enrôlement des "malgré-nous", ces alsaciens engagés dans les pires des bataillons nazi, pris entre deux Nations...
J'ai beaucoup en tendu parler de cet album qui a fait grand bruit, sans doute pour son sujet... mais probablement aussi par la notoriété de son scénariste, le producteur radio de France Inter Philippe Collin. J'ai pris conscience de cela après avoir achevé ma lecture en lisant les remerciements et la mémoire de son "grand oncle Marcel Grob".
Cela n'enlève rien à la portée du sujet mais j'ai toujours beaucoup de freins dans ce genre de situation où l'on sait que l'audience de l'album dépasse sa portée intrinsèque du fait des bons relais médiatiques. Cette critique porte-t'elle seulement sur l'ouvrage ou est-elle influencée (négativement) par le coup de pouce du statut de l'auteur, je ne saurais le dire...
Il est certain que le sujet est important, comme ces mille situations spécifiques que seule une situation exceptionnelle, la guerre, peut provoquer. L'injustice est certainement terrible et la vie des alsaciens a été très dure pendant le conflit. L'album est cependant quelque peu ambigu quand à son statut. Oeuvre d'histoire ou témoignage familial? Dans les deux cas la lecture n'est pas la même. Que Collin souhaite réhabiliter la mémoire de son grand-oncle se comprend. Que le grand public s'y intéresse peut intriguer. S'il fait oeuvre d'histoire, son traitement relativement manichéen pose question. Grob est dès le début présenté comme victime, sans que l'hésitation soit permise puisque l'un de ses camarades est montré, lui, comme un véritable volontaire bouffeur de bolcheviques et de juifs par un procédé un peu facile de comparaison.
Le cahier historique en fin d'album est assez intéressant et vient nous rappeler l'horreur absolu répandue non par les seuls SS mais bien par l'ensemble de l'armée allemande, surtout sur le Front Est où les massacres systématiques de villages entiers ont été généralisés durant tout le conflit et non de façon éparse pendant la déroute finale comme à Oradour ou Marzabotto. On nous parle aussi des Malgré-nous donc, sur qui le traitement de l'album est sérieux, traîtres putatifs pour les allemands mais enrôlés de force néanmoins.
C'est bien sur la complexité indispensable du traitement de ces zones grises que sont la détermination de la culpabilité que le scénario pose problème. Je ne parle pas de construction, sur le plan scénaristique, celle-ci est très propre, mais bien de la présentation de Grob, trop lisse, parfaite victime d'une situation qui lui échappe. Seuls les connaisseurs du dossier peuvent savoir ce qu'il en a été. Mais pour proposer ce type d'ouvrage au public il convient de rappeler les difficultés du choix, comme sur les cas de collaboration. La BD de Nury Il était une fois en France produisait sur ce point quelque chose de vraiment complexe et intéressant en obligeant le lecteur à comprendre si ce n'est accepter certaines situations, certains choix imposés par le contexte de survie, en montrant les bassesses et l’ambiguïté de chacun.
J'avais découvert le dessin de Sebastien Goethals sur Le temps des sauvages où j'avais trouvé son trait intéressant et surtout sa mise en cases dynamique malgré quelques faiblesses techniques. Ici le manque de contrastes dans les planches mets la focale sur les visages, ce qui ne mets pas le dessinateur à son avantage. Ceux-ci sont trop peu différenciés et il rencontre des difficultés dans les expressions faciales. Le scénario interdisant un traitement "camaraderie militaire" on a beaucoup de mal à s'attacher ou s'intéresser à des personnages que l'on a par ailleurs bien du mal à distinguer.
Un peu trop lisse malgré un sujet très intéressant, manquant du détachement d'historien, Le voyage de Marcel Grob rate un peu son projet en étant plus un ouvrage intime qu'un travail sur un angle mort de l'Histoire nationale.
Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/10/le-voyage-de-marcel-grob
Les Spectaculaires est une série qui semble partie pour gagner en maturité et se bonifier à chaque album. Le second tome qui transposait l'action hors de la capitale apportait une fraîcheur qui manquait au premier, et avec ce troisième tome on monte encore d'un cran. Avec des personnages récurrents que les auteurs ont la bonne idée de faire légèrement évoluer (le plus souvent de par les améliorations de leurs costumes), on ne se repose pas sur ses lauriers des running-gags, présents mais sans l'insistance qui tuerait l'humour. On reste dans le registre qui fait le succès de la série: une bande de bras cassés qui surnagent grâce à l'intelligence de la fille du groupe, Pétronille. Hautière en profite pour placer une petite attaque féministe à l'encontre des mœurs bien paternalistes de l'époque incarnées par le Préfet de police de Paris Louis Lépine qui imagine difficilement une fille faire la nique à ses troupes et au grand méchant de l'histoire, le Marsoin.
Bien entendu, à côté de l'habillage historique (on retrouve des personnages réels et des lieux entrés dans l'imaginaire collectif dans chaque album), ce sont bien les personnages qui font le sel de la série. Avec un méchant très réussi (en mode Moriarty de Myazaki pour ceux qui connaissent), des héros totalement monolithiques pris individuellement mais proposant des scènes souvent tordantes lorsqu'ils rentrent en action, Les spectaculaires prennent l'eau est une vraie bonne lecture familiale où l'on rit sans se forcer. Signe de la prise de confiance et du plaisir des auteurs dans la réalisation de l'album, on trouve une nouveauté dans une habitude très Astérix: l'introduction de visages familiers donnés à des personnages de l'histoire (Blier ou De Funès par exemple). Dans ce monde rétro et vaguement steampunk tous les personnages semblent plus bêtes et les situations les plus absurdes les unes que les autres et le scénariste parvient néanmoins à proposer une véritable enquête policière qui se tient, à côté de nombreux comiques de situation et de langue (les palabres autour du nom du méchant, les effets imprévus de la radio de Pipolet ou le Batmobile...).
Sur le dessin, les teintes sont plutôt ternes du fait des séquences nocturnes ou pluvieuses mais le design général est toujours aussi drôle, notamment les engins sur lesquels Arnaud Poitevin semble très concentrés. La colorisation de Bouchard apporte beaucoup à ce style crayonné et cartoon qui colle parfaitement à l'ambiance déglingue et débile de ce monde naïf.
On finit par prendre ses petites habitudes avec les Spectaculaires qui mine de rien au bout de trois albums est déjà devenue une série classique dont on imagine mal un album raté. Tant que le plaisir réciproque est là il y a peu de risque.
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Très joli livre chez un éditeur, Rue de Sèvres, qui soigne ses productions. Une biblio des auteurs est présente en fin d’album et la citation de quatrième reflète parfaitement l’intrigue… au contraire de la couverture, plutôt réussie mais complètement à côté du sujet. Enfin bon, l’objet d’une couverture est d’attirer le lecteur et sur ce plan c’est efficace, la technique de Bertail faisant des étincelles. Le titre en revanche me laisse sans voix, je croyais que seuls les séries Z SF des années 70 utilisaient encore cela… pourquoi ne pas l’avoir tout simplement appelé Transcore? Une version luxe est éditée, avec un cahier graphique de 8 pages et une colorisation différente de l’album « normal », au lavis bleu habituelle de Bertail.
En 2119 l’humanité a tenté de solutionner la surpopulation et le problème climatique par l’invention de la téléportation. Désormais chacun peut se déplacer instantanément n’importe où sur Terre. Tristan, lui est un nostalgique du XXI° siècle et se méfie de Transcore. Lorsqu’il est témoin d’un meurtre la réalité de son monde semble se dérober sous ses pieds…
J’ai découvert Dominique Bertail sur Ghost Money, sa formidable série d’anticipation avec Thierry Smolderen (déjà au scénario de la fabuleuse série Gipsy avec Marini). J’y avait beaucoup aimé son trait, alliance d’hyperprécision SF et d’artisanat parfois tremblotant. Surtout sa technique de colorisation en lavis bleuté donne une atmosphère unique à ses planches, d’un professionnalisme redoutable. Sur cette dernière on retrouvait également comme point commun avec Paris 2119 l’esprit de l’Anticipation: la transposition de thèmes hyper-actuels dans un futur pas si éloigné et qui laisse loin le romantisme du Space-Opera. Comme sur les albums de Fred Duval on a affaire à un monde à la fois utopique (par les formidables outils technologiques utilisés aussi quotidiennement que nos smartphones ou enceintes Bluetooth) et dystopique dans la situation catastrophique d’Etats policiers utilisant les réseaux omniprésents pour maintenir un ordre social où les laissés pour compte pourrissent dans les bas-fonds des Cités alors que la situation climatique est apocalyptique.
L’intrigue est assez proche de celle de Klon que j’ai chroniqué l’an dernier, dans une filiation K.Dickienne évidente. La grande difficulté de la SF est qu’elle pose souvent de passionnants pitch sans savoir les résoudre. C’était un peu le problème de Klon, que réussit à éviter le scénario de Zep que je n’attendais pas à ce niveau de finesse. On retrouve dans Paris 2119 la subtilité de l’approche de Minority Report: proposer autant une intrigue paranoïaque rondement menée qu’un univers formidablement décrit et poussé. Le nombre de détails et éléments de contexte donnent véritablement corps à ce monde réaliste en s’appuyant sur un paysage parisien corrigé par le siècle mais très reconnaissable et qui aide à rapprocher ce temps du notre. Je dirais que c’est Bilal qui a ces dernières années présenté le plus de propositions de ce type mais avec ses mêmes autour du terrorisme que l’on ne retrouve pas ici. Zep a l’intelligence de se concentrer sur son unique sujet en se focalisant sur son personnage principal, très réussi dans son archétype. Cela grâce au trait de Bertail qui se passionne pour les designs futuristes, costumes et personnages toujours très différents.
C’est l’autre force de cet album, le design. L’élégance des concepts, dans un thème littéraire qui pousse au crime du mauvais goût, est permanente et contrairement à Klon donc qui virait par moments dans le kitsch, c’est bien le dessinateur qui donne vie à ces rues et couloirs de métro. On se passionne comme jamais à parcourir ces endroits connus et habillés à la mode de 2119, à transposer nos visions de 2019 dans cette extrapolation fascinante pour qui aime la Science-fiction. Tous les éléments visuels ne sont pas expliqués, laissant un peu de poésie graphique agrémentée de quelques citations (la casquette du chevaucheur d’Arzach).
Tout se lit avec grande facilité, malgré quelques rebondissements exactement placés dans le déroulé et les quelques séquences d’action sont très pêchues, tout cela étant la marque de deux auteurs en maîtrise totale de leur art. Et si la chute fera débat je la trouve personnellement très réussie, à la fois intelligente, logique et pleine d’espoir (… avec encore, une citation à Blade Runner cette fois). Paris 2119 est au final une vraie réussite que je n’attendais pas et qui me donne bien envie d’aller rattraper mon retard sur les albums de Zep-scénariste. Mon premier coup de cœur de ce début d’année, qui frôle les cinq Calvin!
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C’est par un post sur Facebook du dessinateur Éric Hérenguel que je suis tombé sur ce projet assez fou dont les images m’ont immédiatement parlé : un mélange de Mad-Max et de l’incontournable Frazetta avec pour titre Kong Crew… Kong ? Comme King Kong ? Oui chers lecteurs, cette série ambitionne ni plus ni moins de proposer une suite fantasmée à l’histoire de Kong.
Une BD franco-belge au format comics évidemment puisqu’il s’agit d’un hommage assumé a Milton Caniff et aux séries pulp d’aventure de l’Âge d’or. Au menu : des pilotes de chasse flambeurs au sourire brillant et à la répartie infinie, un Lone Wolf mystérieux, une jolie blonde au tempérament bien trempé, un journaliste et un scientifique enquêtant sur des mystères biologiques et bien sur l’armée américaine chargée de contenir le royaume de Kong…
Dès la première page un plan large en mode cinémascope nous présente le New York de 1947 : après que le gorille géant se soit échappé, Manhattan est devenue une jungle inextricable où plus personne ne peut pénétrer après l’exode décrété par le gouvernement. La cité des grattes-ciel est devenue une île sillonnée par des patrouilles aériennes, la Kong Crew, formée de têtes brûlées qui n’ont qu’un objectif, montrer aux planqués de l’Air Force qu’ils sont les héros qui abattront Kong.
En seulement 26 planches pour ce premier volume (le second sort pour Angoulême et un album au format franco-belge en couleur est prévu chez Ankama fin 2019) Éric Hérenguel parvient à nous accrocher sans perdre de temps. Sur un univers archétypal les personnages sont vite posés et ce n’est pas leur finesse qui prime mais le fonctionnement de mécanismes connus dans ce genre d’histoires. On retrouve un peu de l’esprit du Bloc 109, le succès uchronique de Brugeas et Toulhoat dans cette introduction, à la fois aérée et mystérieuse. Les thèmes proposés sont déjà nombreux et le lecteur n’attend plus que le passage à l’action suite à une césure (comme on est dans du comic on dira Cliffhanger, non ?) très efficace.
Le scénario suit en effet un groupe d’aviateurs à qui est décrit le contexte et les questions qui entourent Manhattan et que le lecteur va bien évidemment avoir très envie de découvrir et de percer à jour. Pourquoi la flore a-t’elle poussé autant en quelques années ? Qui sont ces mystérieux militaires armés de lance-flame qui sillonnent la zone interdite ? Quels dangers se cachent dans le métro où personne n’ose descendre ? Vous le saurez en lisant le prochain épisode de Kong Crew ! Le duo formé par le journaliste baroudeur et le scientifique va constater le retour à l’âge préhistorique dans Manhattan pendant que le héros tentera de survivre à des dangers qui ne sont pas que naturels: des humains auraient-ils subsisté après l’exode? Sachant alterner les séquences d’action tantôt plan large tantôt serrés et les scènes extérieures , l’auteur introduit en outre une touche d’humour via le teckel du héros qui sera amené à participer à l’aventure.
Graphiquement Hérenguel se régale et présente une maîtrise technique remarquable, que ce soient sur les cases très encrées et contrastées ou sur les lavis. Je suis toujours très attentif aux arrières-plans qui illustrent pour moi l’implication et le sérieux d’un album et ici chaque détail est travaillé, avec notamment une propreté architecturale et de perspective qui force l’admiration chez cet autodidacte (tiens, comme Toulhoat, non ?…). Son style me rappelle celui de Maître Maëster, avec la même élégance sur un cadre très pro. Surtout, les planches fourmillent de détails à la fois graphiques (les scènes « natures » de Manhattan sont magnifiques) et très inspirées quand à l’imaginaire d’aventure qui en découle. Si le premier volume reste relativement sage en matière de fantasmagorie, le second propose un gros lâchage graphique totalement issu de l’imaginaire des années 40, entre survival préhistorique et steampunk militaire.
Ce qui impressionne c’est l’équilibre d’un projet personnel qui aurait pu pousser l’auteur à se faire plaisir sur les avions ou les monstres en oubliant le liant. Ici comme dans un bon Spielberg tout est simple, lisible, cohérent et d’une lisibilité sans faille qui ne donne qu’une envie, celle de continuer. La simplicité c’est quand il y a du boulot derrière. Kong Crew a tout du projet incongru qui percute avec des attentes imaginaires et les envies d’un auteur. Porté à bouts de bras par Hérenguel avec l’aide des éditions Caurette, cette série prévue au final en deux albums BD (et 4 comics donc) est déjà vendue dans cinq pays, ce qui illustre son potentiel.
Pour les plus pressés vous pourrez vous procurer les deux premiers volumes en début d’année en version anglophone dans le format comics original qui sied particulièrement à la série. Pour les autres vous aurez le choix entre la version BD couleur et une version collector N&B, toutes deux assorties de bonus. Car quand on aime on ne compte pas !
Déjà le troisième tome de cette série très joliment dessinée par un Boichi en mode kawai qui semble se retenir pour ne pas dépoiler ses personnages féminins… On sent de plus en plus l’influence du jeu vidéo et ce tome plus qu’un autre reprend le fonctionnement des jeux de gestion avec l’acquisition de compétences et de niveaux progressifs pour la civilisation scientifique: d’abord l’age de pierre, puis du fer, puis du feu et enfin de l’électricité… Ce volume est centré sur la découverte par le héros du village de la jeune fille rencontrée au tome 2 et peuplé de natifs de l’après pétrification. L’humour et l’intérêt pédagogique retombent un peu par manque de révélations. On se rend compte que si le concept des découvertes scientifiques expliquées comme dans un Sciences et vie est sympa, il ne suffira pas à tenir en éveil le lecteur pendant des dizaines de volumes. A la vitesse à laquelle Senku avance dans l’histoire des sciences on commence à saisir que l’objet du manga n’est finalement pas la survie dans la nature mais plutôt la confrontation de deux civilisations surgies ex-nihilo, du world-building en manga. Il faudrait que ça rebondisse assez vite derrière sinon je risque de me lasser.
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Depuis 2016 Glénat a commencé la parution (avec l'accord de Disney bien entendu) d'albums Mickey one-shot par différents auteurs souvent réputés. Je n'ai lu jusqu'ici que le volume 2 de Trondheim et Keramidas et avais moyennement accroché au concept de vrai-faux original qui impliquait que l'histoire était discontinue. L'esprit d'aventure qui va avec certains albums de Mickey originaux m'avait cependant bien rattrapé, comme c'est le cas sur cet album. L'ouvrage est grand format, avec tranche toilée, superbe illustration de couverture avec effets irisés sur le cadre steampunk, l'intérieur a un papier épais mat. Très belle édition et bon point pour Glénat.
Mickey et ses amis sont des chasseurs de trésor et notamment le coralite, principale forme d'énergie utilisée pour faire fonctionner la technologie. Ils sont embauchés par le plus grand scientifique de leur temps pour récupérer un mystérieux objet au fond de l'Océan, mission pour laquelle ils disposent du seul équipement capable de résister à la pression...
Le premier élément qui saute aux yeux de ce nouveau Mickey c'est le visuel. Pas que les dessins, très jolis, les couleurs, magnifiques, mais le design général de l'album porté par une ambiance SF steampunk que l'on n'attendait pas, avec rouages et rivets en veux-tu en voilà. C'est à la fois fidèle à l'esprit d'aventure du héros Disney que l'on a déjà vu en semi-Indiana Jones par le passé et étonnamment moderne. Ce n'est finalement pas l'aspect SF qui modernise et surprend le plus mais bien le parti pris double de rendre Mickey relativement passif au travers de l’ellipse que vous découvrirez en lisant l'album et de bouleverser les rôles avec Pat Hibulaire. Dans cette chasse aux trésors écolo les auteurs ont en effet choisi de mettre l'ensemble des éléments de l'univers Mickey dans un Shaker et de les ressortir modifiés. Est-on toujours dans un Mickey? La question se pose, vraiment. Est-ce gênant? Absolument pas car Filipi et Camboni parviennent à utiliser l'aura et la familiarité de ces personnages iconiques pour en faire tout autre chose, avec le respect du contrat: offrir un grand récit d'aventure aux lecteurs de 7 à 77 ans. Sur la pertinence de la rupture de mi-album je suis plus réservé même si elle agit comme un véritable aiguillon d'intérêt dans la lecture, par cette surprise alimentée visuellement par une des magnifiques doubles pages parmi les nombreuses que comporte l'album.Que dire du travail de Silvio Camboni (ou bien de la colorisation d'Yvan Gaspard?) tant les planches explosent toutes à la figure? Certains pourront critiquer le côté numérique, lissé, brillant, mais il est indéniable que cet univers visuel correspond parfaitement à l'esprit Mickey. L'équipe scénariste-dessinateur-coloriste travaille ensemble depuis plusieurs séries maintenant l'on peut dire que l'alchimie fonctionne parfaitement. Je ne suis donc pas loin de penser que l'album doit plus à la mise en couleur vraiment impressionnante qu'aux dessins, si ce n'était le design général et la mise en cases qui sont tout de même marquantes, de part la sensation d'espace, de panoramas et que la thématique de l'Océan aérien permet de magnifier.A vouloir décortiquer les mérites de chaque intervenant on finit par perdre l'essence de l'art et de la BD, à savoir le plaisir, plaisir du récit, de l'imaginaire et plaisir graphique. Mickey et l'océan perdu procure les trois en cinémascope et sincèrement, si l'on ne peut pas parler d'album d'auteur (le peut-on sur un Mickey?), cet album respire le plaisir de la production et du partage d'un imaginaire d'enfant où la noirceur n'existe pas. J'appelle ça un bonbon sucré.
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Avertissement: cette critique porte sur le #4 de la version journal n&b.
Je clôture enfin ma chronique des quatre épisodes du Sang des cerises, le dernier album de François Bourgeon, qui s'inscrit dans la série des Passagers du Vent. Je ne détaillerais pas les pages BD, toujours aussi détaillées, permettant à l'auteur de dessiner Paris, les Halles et cabarets mais surtout les trognes et les filles qui chantent dans les troquets. Le réalisme des visages est toujours aussi impressionnant et le dessin de Bourgeon a fait un saut que l'on n'imaginait pas.
L'historien Michel Thiebaut qui suit Bourgeon depuis les Compagnons du Crépuscule et a publié plusieurs ouvrages sur l’œuvre de l'auteur nous livre dans ce dernier épisode un récit des années charnières qui aboutissent en 1879 à la victoire électorale des républicains sur le président Mac Mahon et le parti monarchiste réactionnaire, marquant selon l'historien une étape aussi importante pour l'histoire de la République que 1789... Une interview de Bourgeon nous replace le contexte des personnalités artistiques de Montmartre et l'approche qu'en a eu l'auteur dans l'interaction avec ses héroïnes. Encore une fois, la lecture des bonus est un régal pour tout amateur d'histoire. Pour finir... j'ai craqué et acheté l'album en version couleur (qui comporte donc le fameux lexique final de traduction du breton et de l'argot) et je dois dire que si les grandes planches n&b se savourent pleinement, la colorisation de François Bourgeon est superbe et enrichit ses dessins de moultes détails. Les deux sont indispensables...
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La série Funerailles est découpée en triptyques dont le second commence avec cette flamboyante couverture absolument sublime! Certainement la plus belle illustration produite par Florent Maudoux et l'une des plus belles couverture de BD qu'il m'ait été donné de voir... L'intérieur est au niveau des autres albums de la série, dans des tons plus clairs, jaune-orangé qui répondent aux cheveux de la rouquine qui dirige la XIII° légion de Rem. Marquant une rupture pendant les 2/3 de l'album, en mode "origine story", Destruction Eve nous narre l'histoire de ce personnage inspiré par le manga Lady Oscar (que les quarantenaires connaissent...) dans une visée résolument féministe comme nous y a habitué l'auteur. Cela permet une respiration en même temps que de pouvoir connaître l'histoire de ce conflit nationaliste entre Namor et Rem du côté de la première. Pas bien plus glorieux au final que le prisme de Rem mais cette rouquine amoureuse des chevaux est assez sympathique et donne une sacrée consistance à ce qui n'était qu'un personnage secondaire jusqu'ici. Le scénario rejoint le tome 3 en nous donnant une autre version du destin de la XIII° légion et réunit les personnages en laissant toujours étrangement le personnage éponyme de la série de côté. Pour une cycle 3? Si l'on devait classer les très bons albums de cette excellente série je dirais que celui-ci tient le haut avec une plus grande clarté visuelle et narrative tout en continuant à présenter des thèmes originaux et une galerie de personnages et un univers incroyablement fouillé. Maudoux a été rôliste dans une autre vie et cela se voit (comme les auteurs du brillant Servitude, tiens tiens est-ce que ça aiderait à construire des contextes scénaristiques?) tant son monde est détaillé et le principal risque est qu'il s'y perde en oubliant son histoire. Pour l'instant il tient la bride brillamment!
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J'avais fait une chronique l'an dernier lors de ma découverte de cette série. Omen (ce tome 4) démarre le second cycle (prévu en trois tomes donc) de cette série qui mine de rien est en train de construire son chemin vers la gloire en parvenant à synthétiser originalement le thème mutant, celui de l'enfance et celui des civilisations disparues. On parle encore très peu de ce dernier élément mais la mise et scène et la progression scénaristique et dramatique sont toujours aussi plaisantes. Harmony commence à prendre de l'autorité et l'on découvre que les personnes "douées" sont nombreuses et organisées...
Si le premier cycle portait sur l'éveil des enfants dotés de pouvoirs, le second semble parti sur l'émergence du grand méchant aperçu au tout début de la série. Reynes sait nous rappeler les bribes de mythologie par quelques planches très didactiques et pas redondantes et le ressort conspirationniste est toujours présent, à mon grand plaisir. Un seul regret, que la série n'avance pas plus rapidement (et des couvertures pas forcément très réussies)! Un excellent tome dans une excellente série qui plaira autant aux jeunes qu'aux lecteurs chevronnés. J'ai hâte de lire la suite!
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Chloé Cruchaudet est une autrice tout en sensibilité qui est parvenue par ses précédents albums à nous parler de sujets très originaux avec beaucoup d'imagination graphique et scénaristique (je pense à Mauvais genre et Groenland-Manhattan), avec une technique mixte traditionnel-numérique. Assez conquis par cette artiste je me suis lancé dans son dernier album... qui m'a beaucoup surpris par con côté sombre. D'abord par le thème, celui d'enfants malmenés par la vie rude du Moyen-Age, entre imaginaire juvénile et impossibilité de rester enfant bien longtemps face aux exigences de la vie. Ensuite par le parti-pris graphique, un lavis gris, quasi monochrome qui nous fait plonger dans une sorte d'hiver sans fin. L'album qui nous relate la croisade des enfants est découpé en quatre saisons mais ce récit de voyage paraît ne s'enfoncer que vers le crépuscule. Je ne sais si l'album reflète l'état d'âme de Cruchaudet lors de sa réalisation mais je trouve dommage que son talent et sa capacité visuelle soit aussi ternie. Sur Mauvais genre, album très gris également, des touches vives venaient renforcer la partie graphique, ce que nous n'avons pas ici. Bref, le sujet pourra intéresser mais visuellement elle aura fait mieux.
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L’album comprend 158 planches, une préface, une post-face du scénariste expliquant le projet et une vingtaine de pages de références et citations de différentes cases de l’album. Il s’agit d’un véritable roman graphique qui n’est pas lié à l’éditeur DC mais lancé par Julian Voloj qui a recruté l’italien Thomas Campi pour l’occasion. La dimension documentaire est évidente et c’est ce qui rend l’album passionnant, avec la post-face qui détaille l’enquête du scénariste et l’aspect très documenté du livre. L’ouvrage a été lu en numérique, je ne peux donc commenter la fabrication par l’éditeur français Urban.
Deux jeunes américains installés avec leurs familles à Cleveland vont inventer un mythe en même temps qu’un genre éditorial dont la popularité est aujourd’hui mondiale: Superman et les super-héros! Le récit est fait au travers du dessinateur, jeune juif dont la famille a émigré récemment au Canada et qui rêve de faire de la BD. On apprend comment son ami Jerry Siegel invente Superman et son histoire, comment ils parviennent dans un premier temps à vivre de leur création avant de constater qu’ils se sont fait manipuler par un éditeur cupide qui les laissa ensuite dans une quasi-misère!…
Comme souvent c’est le graphisme qui m’a fait venir à cet album improbable, et c’est l’histoire qui m’a passionné! Une histoire humaine, les auteurs derrière le mythe. La chronique d’une époque, l’Amérique des années 30-40, le monde de l’édition de comics de l’intérieur, où l’on croise certains Stan Lee ou Bob Kane, où l’on apprend mille détails peu connus sur la réalité de ces héros de l’imaginaire (comme après exemple le fait que Bob Kane co-créa Batman en s’accaparant toute la gloire, auteur qui avait les pieds sur terre et que le dessinateur Campi n’hésite pas à comparer à son Joker…). C’est une histoire dramatique que l’on lit. Après les premières années de jeunes rêveurs, très vite la réalité des froids capitalistes les rattrape et les écrase: on leur vole leur création par un contrat trop vite signé, qui cède l’intégralité de la propriété du personnage à l’éditeur, de façon perpétuelle! De jeunes naïfs ont commis l’erreur de leur vie et alors que le créateur de Batman et d’autres auteurs aujourd’hui réputés deviennent rapidement très riches, eux passent une vie de rigueur, Siegel hanté par ce vol et Shuster rattrapé par des problèmes de santé et de vue. Ce n’est finalement que grâce à la sortie du film de Richard Donner et de l’argent que le studio Warner s’apprêtait à engranger que les deux auteurs sont finalement reconnus comme les créateurs de Superman et mis hors du besoin, à soixante ans passés… Une histoire incroyable que personnellement je ne connaissais absolument pas et qui donne beaucoup de précisions sur le fonctionnement d’un monde éditorial qui n’a sans doute pas tellement changé de l’autre côté de l’Atlantique. La question du droit d’auteur est essentielle et la situation chez l’Oncle Sam explique la fréquence des rappels des auteurs des personnages, chose moins courante chez nous.
Côté dessins Campi aborde deux techniques entre le récit de Shuster et l’époque récente. Le scénariste souhaitait représenter la vieille Amérique de l’Age d’Or dans un graphisme proche des tableaux de Hopper et son dessinateur y parvient parfaitement en offrant des planches très belles, colorées et esthétiques. L’élégance très rétro nous immerge dans une époque utopique où les valeurs semblaient simples et raccord avec l’idéal d’auteurs perdus dans leurs imaginaires. Résultat de recherche d'images pour "joe shuster campi"L’album nous montre aussi beaucoup de références qui ont permis d’aboutir à Clark Kent ou à Superman: Harold Loyd, les immeubles de l’époque, Moïse et les BD pulp de science fiction de l’époque… mais aussi des planches originales très rares des autres créations du duo.
L’album est gros mais se lit d’une traite, passionnant de bout en bout en nous présentant autant la démarche créative, l’amitié de deux gamins des années 30, le marché du comics et l’argent qu’il génère… on a le sentiment d’avoir absorbé une histoire du comic américain aussi facilement que le visionnage d’un documentaire animalier. Le travail de Julian Voloj a du être très conséquent et accouche d’un grand album que je vous invite très vivement à vous procurer, que vous soyez amateur de comics ou non.
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Première relative déception depuis que j’ai commencé à lire des comics Valiant! Alors que Ninjak est un personnage central de l’univers partagé, très charismatique (une sorte de Batman moins perturbé et beaucoup plus fort physiquement), cette série est assez mineure pour son début, avec cette histoire d’infiltration d’une multinationale du crime dirigée par des super-assassins freaks. Les séquences d’infiltration sont très chouettes et l’univers des super-espions fun. On aurait pourtant aimé une origin story et l’on doit se contenter d’une avancée très progressive et décousue de la formation du héros entrecoupée de combats enCouverture de Ninjak -2- La Guerre des ombres mode boss de fin de niveau et parfois un peu WTF. Le dessin est inégal, entre les très bons Segovia et Man et les dessins médiocres de Juan José Ryp qui tranchent avec une certains classe à la James Bond qui sied au personnage. Les deux autres volumes permettront peut-être de rehausser l’intérêt, mais pour un début, sans être mauvaise, cette BD est assez dispensable. Dommage, j’espère que le reboot que Bliss sort en avril prochain sera plus ambitieux.
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Première relative déception depuis que j’ai commencé à lire des comics Valiant! Alors que Ninjak est un personnage central de l’univers partagé, très charismatique (une sorte de Batman moins perturbé et beaucoup plus fort physiquement), cette série est assez mineure pour son début, avec cette histoire d’infiltration d’une multinationale du crime dirigée par des super-assassins freaks. Les séquences d’infiltration sont très chouettes et l’univers des super-espions fun. On aurait pourtant aimé une origin story et l’on doit se contenter d’une avancée très progressive et décousue de la formation du héros entrecoupée de combats enCouverture de Ninjak -2- La Guerre des ombres mode boss de fin de niveau et parfois un peu WTF. Le dessin est inégal, entre les très bons Segovia et Man et les dessins médiocres de Juan José Ryp qui tranchent avec une certains classe à la James Bond qui sied au personnage. Les deux autres volumes permettront peut-être de rehausser l’intérêt, mais pour un début, sans être mauvaise, cette BD est assez dispensable. Dommage, j’espère que le reboot que Bliss sort en avril prochain sera plus ambitieux.
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Pour clôturer la première série Ninjak (pas très vieille, le dernier épisode est sorti en 2017), ce volume comprend deux histoires: d'abord la traque un peu étrange d'un vieux Ninjak associé au Guerrier Eternel et qui se retrouvent dans des dimensions parallèles, ensuite la conclusion de la saga Roku avec la formation par la sœur de Darque (le grand méchant de Shadowman) d'un commando destiné à assassiner son frère. Graphiquement le volume est bon de bout en bout, y compris sur les Dossiers secrets, on est sans doute au top de la série Ninjak question dessins. Pour l'intrigue, même remarque que sur les tomes précédents, c'est un peu chaotique avec à la fois une trame générale autour de Roku et les 7 lames mais l'impression d'un manque de continuité avec des histoires relativement insignifiantes. Heureusement les personnages sont plutôt réussis, à commencer par Ninjak et Roku dont la relation, plus complexe qu'il n'y paraît ajoute ici une tension que l'on n'avait pas vu depuis le premier volume. La présence de la magie reste cependant de trop selon moi. Bref, un dernier volume qui se lit très bien mais ne laissera pas une empreinte impérissable. Et il débouche directement sur le très bon Rapture, avant un relaunch très prochain de Ninja-K (à paraître en français en avril).
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Très bonne surprise que ce Ninjak tome 4 dans une série assez irrégulière malgré une structure globale intéressante (l'alternance "dossiers secrets" sur le passé de l'espion et intrigues principales). D'abord le dessin monte d'un cran, mais surtout, on a clairement l'histoire la plus intéressante par-ce que dramatique: Colin voit tout son univers détruit et devient du jour au lendemain un paria... Or jamais les héros ne sont aussi bons que quand ils sont malmenés. En outre la super-méchante Raku est de loin la plus réussie de cette série. Les bad-guys des 7 lames au design un peu foireux (je pense au Fakir avec lequel j'ai vraiment du mal) disparaissent et on ne nous parle pas de magie ni de monde des morts. On revient à la couenne de l'espionnage et c'est plutôt réussi. A noter que le titre est trompeur puisque contrairement au siège du manoir Wayne dans la Cour des Hiboux, ici le King Castle est rasé dès les premières planches et c'est surtout la recherche par Ninjak de son adversaire qui nous intéressera avec de nombreuses révélations sur son passé, et pas des moindres. Le meilleur album Ninjak jusqu'ici.
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Sorti début 2018, ce nouveau manga français d'Ankama est dû à l'auteur Sourya qui a déjà officié sur d'autres albums de l'éditeur (la série spin-off de Freak's Squeele "Rouge" notamment). C'est là son premier album en solo et je dois dire que dans cette histoire de fantasy relativement classique il s'en sort très bien que ce soit niveau dessin ou scénario. Le style graphique rappelle un peu l'école Miazaky et le design des personnages est plutôt réussi (hormis, chose étonnante... Talli, le personnage principal qui est étrangement hautain et peu sympathique, c'est peut-être volontaire, nous verrons par la suite...). Sans être dans le virtuose, on a un dessin plus que correcte et des personnages typiques du genre manga (le jeune rappelle pas mal le héros de Radiant). Nous suivons donc Talli et son chevalier servant, pourchassés par une horde de guerriers redoutables. Ce premier volume prend donc l'apparence d'une course-poursuite, d'une fuite de l'héroïne et ses amis de circonstance, un bandit repenti et son mystérieux compagnon, aussi mutique que rapide et redoutable au combat à l'épée. La progression dramatique est très carrée, régulière et nous fait découvrir ce monde mythologique en même temps que les différents groupes de personnages qui vont interagir avec les héros, laissant envisager un background assez touffu. L'auteur indique dès le début qu'il a souhaité dans ce manga reprendre les thèmes et structure des RPG des consoles de jeux japonais. On aura donc droit à des chevaliers, magiciens et monstres. Ce volume se clôt avec des révélations alléchantes qui donnent envie de lire la suite.
Talli est une bonne découverte et pour le petit lecteur de manga que je suis je dirais qu'on est dans la lignée d'un Radiant, à savoir un manga de grande qualité sur une base classique japonaise mais réintégré à la culture et aux codes européens.
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Pour son nouvel album, l’éditeur alsacien lance l’italien Riccardo Colosimo dans sa première publication BD et l’on peut dire que son style radical ne laissera pas indifférent… La maquette de l’album et l’illustration de couverture sont très pro même si cette dernière aurait pu être plus accrocheuse. L’album se termine sur une ouverture laissant la place à une éventuelle suite en cas de succès des ventes. Je note un unique problème, malheureusement sur la dernière planche, avec un zoom malvenu qui laisse apparaître les traits en escalier d’une mauvaise définition des deux dernières cases. On mettra ça sur l’inexpérience du dessinateur.
Ava granger est détective privée. Pas du type barbouze, plutôt dans le genre militant de la cause environnementale. Lorsqu’elle assiste à des meurtres mafieux elle est sauvée in extremis par un mystérieux colosse qui semble particulièrement efficace pour éliminer les gangsters qui essayent de leur faire la peau. S’engage une fuite où les plus en danger ne sont pas ceux que l’on croit…
La couverture de cet album m’a interpellé et grâce à mon nouveau partenariat avec les Editions du Long Bec j’ai pu découvrir ma première BD cubiste! L’illustrateur italien Ricardo Colosimo nous livre avec cet album quelque chose de jamais vu. Si des dessinateurs se sont déjà expérimentés à de l’impressionnisme en BD (souvent sur des albums traitant de la peinture) comme Smudja ou plus récemment Oriol avec son très réussi Natures mortes, je n’avais jamais vu une telle originalité graphique au service d’une BD de genre, le polar seventies mafieux. Ce qui j’ai vu de plus proche est Low, dessiné par le brésilien Tocchini qui allait aussi loin dans l’exploration graphique extrême… mais devenait de moins en moins lisible. L’utilisation de plats peut également rappeler le travail de Montllo sur Warship Jolly Rogers (un brésilien, un espagnol… je dis ça je dis rien!). Comme ce dernier, Colosimo parvient à garder une totale lisibilité des cases grâce à une très grande maîtrise technique et une finesse du dessin que l’on devine sur certains arrière-plans et sur la physionomie des visages, tous très caractérisés. Comme on le dit souvent, seul un très bon dessinateur peut se permettre d’explorer l’explosion graphique, c’est le cas ici. Sur des tonalités improbables de jaune, orange et bleu-violet, avec des traits semblant venir de couteaux à peinture il conserve une profondeur de champ, un détail des décors et une gestion du mouvement proprement fascinants (comme ce lancer de balle jamais vu en BD…). Le tout donne une ambiance incroyable que certains pourront trouver artificielle, mais le fait est qu’artistiquement on est dans le très haut niveau et le pari (risqué) est réussi.
Et l’intrigue dans tout ça? C’est souvent le risque avec ce type de parti-pris expérimental. Heureusement le dessinateur n’est pas seul et a une scénariste relativement expérimentée pour cadrer le tout dans une intrigue à la fois simple, gratifiante en flattant l’imaginaire cinématographique du lecteur et étonnamment grand public. Ainsi l’histoire n’est pas à tiroirs mais se résume en une fuite des deux héros (réussis à la fois dans leur écriture et leur dessin) devant les vagues de mafieux envoyés les dessouder. A côté de cela l’enquête policière avance lentement avec deux poulets pas pressés d’aller farfouiller dans ce qui ressemble à une guerre des gangues. Si Ava Granger est un peu en retrait, le personnage le plus chouette est cet indien Navajo, sorte de Rambo moderne et aussi malin que beau gosse, autour de qui tout tourne. A se demander pourquoi il ne donne pas son nom à la série… Les archétypes 70’s sont là, à base de rouflaquettes, communautés hippies et voitures à la longueur infinie. On retrouve un peu l’esprit du chef d’oeuvre 2018 Il faut flinguer Ramirez avec un vrai gros plaisir de lecture, pour peu que l’on accroche au dessin. Et preuve de la volonté évidente d’aider le lecteur dans le suivi de l’histoire, Isabelle Mercier a ajouté des cases de narration qui nous rapprochent également du format polar. Ce n’était pas indispensable mais ajoute de la couleur de genre à une BD qui le respire.
Avec une intrigue qui n’ambitionne pas de révolutionner le genre mais assure le spectacle, notamment niveau action, et un dessin particulier mais terriblement lumineux et fascinant, Ava Granger est une belle réussite qui ressemble plus à l’expérimentation de vieux routier de la BD qu’à un premier album. Une des très très bonnes surprises de ce début d’année et peut-être l’une des BD (déjà?) majeure de l’année qui commence.
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Rien à redire sur la thématique graphique des couleurs, la maquette, tout est formidable, soigné, maîtrisé par l'auteur qui se fait toujours autant plaisir à proposer de beaux objets. En fin d'album un cahier revenant sur les inspirations de la série est proposé, qui éclairera les lecteurs en manque de références. Je noterais simplement à l'usage que finalement le format comics est un peu étroit pour la force des encrages de Maudoux (surtout avec les fonds de page noirs) et qu'Ankama pourrait envisager une fois la série terminée des versions grand format. Ce tome marque la fin du premier arc (sur trois à priori) "Shonen" et est suivi d'un arc "Shojo".
La guerre civile se met en place, entre Psamatée de la Mantis qui a pris le contrôle du clan de l'Araignée et du Conseil et une résistance qui voit en Pretorius l'héritier de son père, seul à même de redonner la vertu à la république de Rem. L'armée se trouve au cœur de ce conflit à venir et les allégeances se révèlent alors que les deux frères se retrouvent enfin...
Funerailles est une série particulière, à la fois grand public et très personnelle, reflet d'un auteur qui mets ses tripes, ses passions, ses réflexions dans des albums parfois risqués. C'est sans doute la seule raison pour laquelle un auteur d'un tel niveau graphique n'apparaît pas dans les top des ventes de BD. Pourtant, si Freak's Squeele était destiné à un public Young Adult et gavé de références télé qui pouvait restreindre l'audience, sa série dérivée a tout du blockbuster: un socle mythologique romain, une guerre, des conspiration, des nichons et un zeste de fantastique,...
Cet album marque une accélération dans l'intrigue avec la résolution de quelques drames installés au premier volume. La famille du héros Spartacus est réunie et rentre en clandestinité pour contrer la menace qui menace les fondations de la République. Le concept de cyclopes est révélé aux lecteurs de même que le fonctionnement des armures directement issues du manga Saint-Seya (référence totalement assumée et détaillée dans le cahier annexe). C'est d'ailleurs l'utilisation non filtrée de ses références par Florent Maudoux qui peut le plus perturber: si la majorité des auteurs digèrent leur culture personnelle pour la réutiliser plus ou moins à bon escient, ici le dessinateur assume sa Bible sans fard, il transpose les chevaliers et leurs armures dans son univers, il insère très explicitement la République romaine dans un univers techno-fantasy et agence sans complexe des armées de dark fantasy, de la technologie rétro-futuriste et l'esprit de caserne des films sur le Vietnam. Cela ajouté à des personnages toujours du côté des Freaks (bien plus que dans la série mère où ce terme s'appliquait plus à des super-héros) et un refus des canons esthétiques classiques (même si la mère et le fils sont des incarnations de l'idéal physique), ce qui sort du shaker est une création qui ne ressemble à nulle autre.
L'aspect sombre (très sombre) des thématiques mais aussi du graphisme est également un parti pris. Les planches sont bien plus poussées que dans Freak's Squeele avec une gestion de la colorisation et de différentes techniques impressionnante. Maudoux est seul maître à bord et se laisse aller à des expérimentations comme ces séquences de combats de gladiateurs où les cases basculent en noir et blanc tramé (rappel des inspirations manga de son style), rupture visuelle totale et réussie. Le design de l'univers est plein de goût et les maisons seigneuriales issues de l'univers des insectes. C'est glauque à souhait mais diablement esthétique.
Ce troisième volume n'est ni plus ni moins réussi que les autres, simplement il semble adopter une trame scénaristique plus linéaire, ce qui fluidifie la lecture et permet de se concentrer sur les détails des dessins. Mon grand regret est (je l'ai dit en préambule) que le dessin est trop détaillé pour un tel format et que l'on doit se rapprocher des pages en pleine lumière (ne faites pas l'erreur de lire dans la pénombre, vous rateriez beaucoup) pour apprécier le talent de l'auteur. Mais si vous aimez les dessins encrés, les filles sexy, l'action virile et les combats en armures magiques, les conspirations entre familles nobles... qu'attendez-vous, vous n'en êtes encore qu'au tome 3?
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A l'occasion de la parution du tome 2 de conclusion de cette histoire dessinée par le maître Manara j'ai entrepris la lecture du double album dans son intégralité. Si j'admire le talent de l'artiste italien, comme beaucoup sa bibliographie m'a déçu et je ne parle que des albums non érotiques. La saga ultra violente de Jodorowsky sur les Borgia dépeignait les mêmes lieux (Rome et l'Italie) un siècle avant où Manara reprenait déjà ses thématiques graphiques à la fois fascinantes et redondantes: la plèbe, les ruines de la Cité, les paysages de l'Italie, la violence et la crudité de la vie. Peu attiré par le sujet je profite de l'occasion pour découvrir un double album apaisé où l'on découvre les mœurs de l'époque mais aussi beaucoup le quotidien artistique, le travail des peintres de la Renaissance que l'on n'a jamais aussi bien vu en action.
Michelangelo Merisi arrive à Rome en provenance de Milan après une formation dans l'atelier d'un disciple du Titien. Jeune homme fougueux, ambitieux, son talent est rapidement repéré par un cardinal humaniste qui tente de le protéger de son envie de vérité qui le mets en danger face à deux ennemis: l'intégrisme de la foi et les souteneurs des prostituées qu'il utilise comme modèles...
Les BD sur le Moyen-Age ont ceci de fascinant qu'elles ont souvent un côté naturaliste qui dénote totalement avec les images d’Épinal ou de la Fantasy anglo-saxone. Elles permettent en outre de mettre en lien une vie quotidienne crue et simple avec des œuvres ou événements mis sur des piédestal dans les musées ou narrés par la Geste historique officielle. A ce titre l'album de Milo Manara sur le Caravage ressemble à la magnifique trilogie de Luigi Critone sur François Villon, où l'on retrouvait en outre un style graphique italien de paysages vaporeux (visuels qui inspirent aussi Marini sur sa série Scorpion). Il y a beaucoup de similitudes dans le traitement de ces deux personnages, grands artistes inspirés et hommes simples, soumis à des pulsions violentes qui les entraînent dans des déboires judiciaires. Seule l'admiration de puissants seigneurs humanistes les sauve de leurs démons. La violence des époques, la sexualité et la corruption de sociétés basées sur la force et la religion sont dépeintes dans ces deux séries.
Dans Caravage les deux albums sont relativement distincts, et c'est ce qui rend la série intéressante. Si les décors romains occupés par des foules besogneuses ont déjà été illustrés par Manara dans d'autres BD, le second album intitulé "Grâce" (dans l'attente de la grâce judiciaire du Caravage suite à son combat du premier album), se déroule dans le sud, entre les territoires lumineux du château de Malte et les villages de Sicile. Quand le premier volume se situait au cœur du pouvoir et des arts, la suite nous dépeint une société d'ordre militaire, celle des chevaliers de Malte, et montre combien ce monde de la Renaissance tout juste échappé du Moyen-Age est morcelé, éloigné et illustre l'absence de Nation italienne à l'époque. Le découpage est un peu abrupte avec une continuité assez décousue et des deus ex machina qui indiquent que Manara reste un grand dessinateur avant d'être un grand scénariste. Mais l'histoire est intéressante et prends par moment la forme de récits d'aventure et de cape et d'épée de par la propension violente du grand peintre. L'auteur a la bonne idée de ne pas faire de sa série un précis d'histoire de l'art qui aurait étouffé la vision épique. Avec un premier tome plus porté sur l'acte de création et un second plus aventureux, la lecture s'enchaîne très légèrement.
Les dessins ne sont pas les plus précis qu'ait réalisés Manara mais son style est toujours aussi clair, esthétique et ses colorisations rendent parfaitement des ambiances toutes particulières, celle des paysages méditerranéens ou des intérieurs du XVII° siècle, avec nombre de citations graphiques de Piranese et d'autres peintres de la Renaissance. La plèbe permet au dessinateur de montrer les belles formes habituelles de ses demoiselles, mais sans excès, restant sur son sujet. Les expressions faciales en revanche sont réellement très percutantes.
Manara s'est toujours intéressé à la création et l'histoire de l'art (le Giuseppe Bergman critiqué sur ce blog portait déjà sur le sujet). Sa description de l'homme Caravage plus que du peintre permet un récit populaire d'une époque fascinante. Très équilibrée, sa série est probablement l'une des plus intéressantes et accessible de la bibliographie du maître de l'érotisme, associant intérêt graphique, historique et artistique. Il est bien dommage que Glénat n'ait pas anticipé la publication d'une intégrale augmentée pour les fêtes de Noël tant Caravage ferait un très beau cadeau.
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Le second et dernier volume de la série Jupiter's Legacy, intitulée "le soulèvement" reprend la couverture originale de l'édition US dans une maquette simple mais élégante de Panini. L'album comprend la traditionnelle galerie de couvertures additionnelles en plus d'un carnet de croquis et d'une bio à jour des auteurs. A noter que le coloriste du volume 1 a changé, avec une petite perte de qualité à ce niveau. L'album se termine avec une possibilité de suite et les Millar a produit avec un autre dessinateur un préquel, Jupiter's Circle racontant les aventures de Skyfox, le meilleur ami d'Utopian, sorti entre les deux tomes de la série mère. Le potentiel de l'univers est évidemment gigantesque même si Millar continue rarement ses séries sur de longs arcs.
La rébellion a sonné pour les descendants d'Utopian décidés à libérer les super-vilains, seuls à même de former une armée pur mettre à bas la dictature de Brandon et son oncle. Parmi eux, Skyfox, le chef des méchants, ancien meilleur ami du fondateur Utopian et accessoirement grand-père de Jason...
La lecture du premier tome m'avais subjugué, comme c'est souvent le cas avec les scénarii de Mark Millar. Le sentiment d'avoir sous les yeux un album majeur au même titre que son Red son, uchronie plaçant Superman dans un univers soviétique. Si la cesure entre les deux tomes peut surprendre (la coupure chronologique de plusieurs années avec l'arrivée du jeune Jason était intéressante mais aurait pu être placée entre les deux tomes), l'intrigue reste linéaire et passionnante, avec le cadre classique des derniers espoirs contestant un pouvoir dictatorial. La petite faiblesse tient à la moindre surprise, le basculement entre le monde d'avant, celui d'Utopian et celui de son frère se faisant dans le tome précédent. Du coup on attend des surprises du même ordre qui tardent à venir. le principal intérêt repose dans ce volume sur la vérité variable selon le camp que l'on occupe, avec un Skyfox présenté comme le super-méchant qui se trouve être en réalité un simple contestataire de l'ordre établi. Ici la dimension politique qui rend la série passionnante revient en illustrant que ce sont les détenteurs du pouvoir qui déterminent qui est bon et qui est méchant. Avec en petit bonus l'attitude très bad-ass du grand-père de Jason, sa clope au bec et son nihilisme égoïste. En revanche la virulence du propos économique retombe presque totalement et l'on se retrouve avec un comic plus classique, moins sulfureux. Quand Jupiter #1 trouvait l'alchimie parfaite entre l'entertainment graphique virtuose (les inventions délirantes de Quitely sur les pouvoirs) et le pamphlet à la Renato Jones, le deux se contente d'achever ce qui a été lancé. Il est probable que les deux volumes doivent se lire à la suite et devrait être désormais édités en un unique volume comprenant Jupiter's Circle tant la coupure n'est scénaristiquement pas pertinente.
Hormis ce bémol, cette clôture reste de très haut niveau, avec toujours ce découpage très horizontal du dessinateur écossais qui permet une formidable lisibilité et un dynamisme digne d'un manga. La puissance des explosions, envols, la gestion de la temporalité des cases est affolante et rappelle par moments les jeux graphiques de Trevor Hairsine sur Divinity (les deux illustrateurs britanniques partagent d'ailleurs un style très crayonné et organique). La grands originalité de Jupiter's Legacy, dans un cadre de Super-héros très formaté, repose sur les trouvailles quand aux pouvoirs et effets physiques: la téléportation d'un train en action sur une rangée de soldats, la manipulation mentale ou l'héroïne qui voyage sur les électrons sont des exemples d'idées très motivantes. Le changement de coloriste pose des textures moins subtiles que sur le premier tome, ce qui est dommage, même si la cohérence entre les deux n'est pas remise en question. Le design des héros reste génial et original. On ressent l'envie de changement et la liberté créatrice des auteurs. Cette série est une telle fraîcheur!
La déception principale après avoir lu cette incroyable réinvention du genre super-héroïque est donc bien la brièveté de ce concept que l'on aimerait voir prolongé sur d'autres arcs. L'alchimie entre le scénario et le graphisme est telle que l'on est déçu de voir tant d'idées qui n'ont pas le temps d'être développées. Je lirais à coup sur Jupiter's Circle par curiosité et vous invite très vivement à vous procurer les deux volumes de Legacy, que vous soyez férus de comics ou novices. Il s'agit d'un grand moment de lecture que l'on a plaisir à reprendre en attendant comme toujours chez Millar, une adaptation ciné qui promet d'être grandiose pour peu que l'équipe parvienne à reproduire ce miracle dessiné.
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Très belle édition intégrale des Arènes, avec une couverture toilée et titre gaufré au vernis sélectif sous une jaquette avec illustration originale. La quatrième est illustré par des vers de Voltaire dans la Henriade. Les trois tomes s'enchaînent comme trois chapitres (sans les couvertures originales des albums). L'ouvrage se termine par un cahier graphique de croquis de six pages. Très joli travail même si du fait du sujet et du sérieux de la BD j'aurais apprécié une préface ou un texte de contexte historique en accompagnement. L'éditeur pourra toujours prendre cette initiative dans une future réedition.
Alors que les protestants ont marqué une étape importante dans la guerre civile qui les oppose aux seigneurs catholiques, sous le regard calculateur de la Couronne, le mariage de leur chef Henri roi de Navarre (futur Henri IV) avec la sœur du roi Charles IX va donner lieu à un assassinat planifié des principaux chefs de guerre huguenots à Paris, le 24 août 1572. Ce récit nous rend témoins de ces évènements au travers des yeux d'Elie Sauveterre, un jeune noble dont la famille est impliquée des deux côtés de la religion...
Je ne suis pas très attiré par les BD historiques classiques de chez Glénat, leur préférant des œuvres plus sombres ou penchant vers la fantasy comme le Roy des Ribauds ou Servitude. Mes très bonnes relations avec l'éditeur Les Arènes (qui publie peu mais globalement de très bons albums sur des projets d'auteurs) me permettent de découvrir cette BD que je n'aurais probablement pas ouvert en librairie. Comme quoi on gagne à sortir de ses habitudes...
Si Saint-Barthélémy est sorti en trois albums, le découpage et la chronologie des évènements en fait plus un gros one-shot qui mérite grandement d'être lu d'une traite. Une lecture concentrée et rapide tant ce survival est dense et tortueux, comme les ruelles de Paris que le personnage principal parcourt dans tous les sens afin d'accomplir sa mission et échapper aux fanatiques guisards. Pour qui ne connaît pas bien cette partie de notre histoire, le complexe jeu politique entre les membres de la couronne (le roi fou Charles IX d'un côté, son frère guisard et futur Henri III ou la Reine-mère Catherine de Medicis de l'autre), les protestants (Henri de Navarre futur Henri IV) ou les rajouts narratifs du scénariste Pierre Boisserie) pourra paraître très complexe. Pourtant la construction scénaristique et l'intelligence de mettre la focale sur Elie de Sauveterre et le drame familial qu'il découvre permettent au lecteur une lecture agréable qui aide à suivre en parallèle un récit d'action dramatique entrecoupé des débats ciselés dans les chambres du Louvre.
La grande force de cette BD est de nous mettre en plein cœur d'un des évènements majeurs de l'histoire de France et de l'histoire du christianisme (les Arènes avaient déjà publié une histoire politique de l’Église que j'ai chroniqué ici). La puissance visuelle du film de Chéraud La reine Margot est dans toutes les têtes et il est toujours difficile d'aborder cet évènement sans citer le film. Les auteurs y parviennent en se concentrant sur le témoignage de Sauveterre. L'histoire peut être répartie en trois thèmes: les errements de ce dernier dans Paris et son témoignage des massacres, l'évolution presque heure par heure de cette nuit et des jours qui l'entourent ainsi que les motivations politiques des différents responsables politiques, enfin, pour cadrer le tout, le récit de la fratrie de Sauveterre, répartie entre les trois parties de la BD et dont les révélations expliqueront en partie les décisions d'assassinats. Encore une fois la subtilité des discussions politiques est vraiment remarquable! Si le fanatisme est bien sur au cœur du récit (avec quelques exagérations graphiques de Stalner dans les séquences de foules), tout est politique et l'on comprend vite que la finalité de l'affaire reste bien la prise du trône de France: dans un contexte de guerre civile qui affaiblit la couronne Valois avec un souverain fou sur le trône, dynasties protestantes comme catholiques cherchent à récupérer la dignité royale à l'aune d'une crise majeure.
Avant de commencer la lecture je ne voyais pas bien l'intérêt d'une BD sur un évènement en particulier. J'ai été détrompé en découvrant une remarquable construction aux multiples points d'intérêt, notamment graphiques. Eric Stalner propose des planches très détaillées avec notamment des visages impressionnants. La colorisation est un atout majeur des planches en apportant élégance et détails à des encrages déjà très maîtrisés du dessinateur. On pourra tiquer sur quelques tics comme ces textures sanglantes omniprésentes même sur les habits des nobles qui n'ont pas quitté le Louvre mais cela participe à une ambiance morbide de folie collective qu'avait déjà fort bien représenté Corbeyran sur son Charly 9. N'ayant rien lu de Stalner précédemment, je découvre un dessinateur confirmé et de caractère. Les quelques faiblesses des arrières-plans ou de décors seront mis à sa décharge sur la quantité de travail de l'ensemble du projet.
D'une lecture complexe, cette BD donne le sentiment d'un temps suspendu, de minutes de conciliabules politiques en même temps que du déroulement des massacres. Une sorte de théâtre dramatique en trois actes. Un ouvrage maîtrisé de bout en bout, jusque dans le travail d'édition. La portée du projet peut sembler restreinte du fait d'un cadre serré, presque documentaire, mais l'ampleur historique de l'évènement suffit à balayer ces impressions en aboutissant à une BD importante.
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Dans ce sympathique épisode de Red Sonja (l'alter ego de Conan, créée par Robert E. Howard et vue dans le film Kalidor avec Scwarzie), la guerrière vêtue d'un bikini en écailles de dragon se retrouve transportée à New-York à notre époque du fait d'un portail ouvert par le maléfique sorcier Kulan Gath. Ce dernier a en effet pris l'identité d'un magnat capitaliste et envisage très naturellement de détruire le monde... Si le scénario, simple mais très bien tenu dans un second degré léger est assez anecdotique, la qualité première de cet album réside dans les dessins de Carlos Gomez, dessinateur argentin talentueux et rare. On est dans un style graphique de l'Ecole hispanique et perso j'adore! Red Sonja est montrée sous toutes les coutures avec sa tenue très aérée, sans que les dessins ne virent dans le vulgaire (la différence entre le fan-service made in USA et le japonais comme chez Boichi). Ça combat, la donzelle est aussi fine que Conan et les interactions anachroniques entre la bourrine amatrice de bibine et les personnages du XXI° siècle souvent drôles. La série est à suivre et le scénario de fantasy, bien qu'improbable, est suffisamment travaillé pour que l'on ait envie de poursuivre... pour peu que les dessins restent à la hauteur. Cet album m'a un peu fait pensé aux albums de Frank Cho genre Shanna. Du coup je vais essayer de dénicher d'autres albums de Gomez, notamment sa série Dago, vraisemblablement introuvable. Si quelqu'un a un filon...
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Je continue ma lecture de Ninjak un peu dans le désordre (j'avais lu Shadowman intégrale et Rapture à sa sortie et commence juste à comprendre certaines choses). Une chose est certains, Valiant est monté d'un niveau graphique entre ses premières séries et les reboot récents. Ça reste très correcte mais disons que ce ne sont pas les dessins qui vous feront acheter l'album. Dans le troisième volume en forme de crossover Ninjak est envoyé avec Punk Mambo dans le monde des morts pour récupérer La Pie, la nouvelle forme de Shadowman (je ne spoil pas et vous envoie lire l'intégrale avant la nouvelle série à paraître en France en 2019). On a donc quelque chose proche de ce qui est proposé dans Rapture et qui se passe essentiellement de l'autre côté. Ninjak est toujours aussi invincible et un peu trop lisse par rapport à son inspiration (Batman) à mon goût. L'interaction avec la magicienne vaudou et les Loa est très sympa et les épisodes sont entrecoupés par la légende de la Pie. On oubliera la facilité à entrer chez les morts et à s'y promener pour profiter de la grande réussite graphique du personnage du porteur de Loa. On est donc plus dans l'esprit de Shadowman et j'avais bien aimé cette série, du coup j'ai préféré ce troisième volume aux précédents même si je ne comprend pas pourquoi l'éditeur associe aussi fréquemment le seul héros sans pouvoirs à son personnage le plus magique, les deux univers ne collant pas selon moi. Si vous attendez des combats Ninja et de l'espionnage il faudra repasser.
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Attention, accident industriel! De mémoire de lecteur je n'ai jamais lu un tel effondrement sur une série en trois tomes. Parfois on a une disparition graphique en cours de route (Aquablue, Volunteer, ...). Ici cela ne pose pas réellement de problème puisque l'on est dans un agencement d'épisodes d'un Event majeur de DC. Si Urban a généralement réussi plutôt bien à proposer aux lecteurs français une sélection d'épisodes centraux permettant de lire des Event sans se taper toutes les publications, ici cela a tenu deux volumes avant l'explosion en vol. Mes chroniques des tomes 1 et 2 étaient plutôt enthousiastes malgré et laissaient la possibilité aux lecteurs non habitués à DC de lire les albums. Ici tout devient totalement incompréhensible mais pire, les quelques WTF vus dans les deux volumes précédents semblent devenir la norme. On se pince dix fois pour être sur qu'il ne s'agisse pas d'une liberté de traduction mais la correspondance de l'image ne laisse pas de doute: c'est du grand n'importe quoi! Je ne sais pas si les personnages débiles de cet album existent de longue date dans le catalogue DC mais les auteurs (et pourtant pas des moindres) semblent avoir mis un point d'honneur à ressortir tout ce qu'il y a de plus aberrant chez cet éditeur (entre Starro l'étoile de mer, le singe-Batman ou l’œuf de plastic-man...). Bref, j'arrête ici la mise à mort mais je dois avouer que la déception alliée à l'épuisement de cette lecture m'a vaguement dégoûté de tenter d'autres Event de chez DC... Heroes in crisis me tentait bien. J'attendrais sagement les retours avant de me lancer.
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L’album s’ouvre sur un résumé du contexte historique (très pédagogique) et quelques croquis de Juillard. Je ne trouve pas la couverture particulièrement attirante mais ça reste du Juillard, donc très beau.
La guerre d’Espagne fait rage, expérimentation de la prochaine guerre mondiale où toutes les idéologies et innovations militaires se confrontent avec le peuple espagnol comme cobayes. Dans ce grand rassemblement de soviétiques, d’anarchistes, de fascistes, de mercenaires internationaux… une histoire d’amour naît entre deux jeunes héros idéalistes et naïfs. Elle est espagnole, lui est russe. Entre le devoir et la passion ils devront faire un choix…
La Guerre d’Espagne est un sujet récurrent dans la BD et revient fréquemment avec des albums à la qualité variable. Le contexte est en effet passionnant pour peu que les auteurs sachent par quel biais le prendre: simple toile de fonds ou sujet central de l’album? Yann choisit intelligemment de s’axer sur trois compères combattant pour des raisons différentes: un français, un mercenaire américain et un jeune soldat soviétique. En faisant tourner autour d’eux une brochette de personnages historiques (Hemingway), ou servant à développer l’histoire dans l’Histoire il nous emmène dans ce tourbillon complexe où compagnonnage guerrier se confronte à la froideur des calculs politiciens des grandes Nations qui jouent avec cette guerre civile. Ainsi l’intrigue centrale est bien celle de la trahison de Staline, Grand leader du monde communiste jouant à envoyer des renforts matériels aux alliés républicains espagnols pendant qu’il pille l’or de la Nation et lance une purge politique contre tout ce qui ne dépend pas de lui, au risque de renforcer les rangs de la dictature fasciste de Franco (on est trois ana avant le pacte germano-soviétique). Ce point est la principale difficulté de l’album qui est assez complexe du fait du nombre de personnages et des subtilités politiques de l’époque qui pourront noyer les lecteurs peu à l’aise avec leurs bases historiques. Le fait d’utiliser beaucoup de dialogues en espagnol ou en russe (surtout des jurons) participe à cette difficulté à suivre une histoire pourtant simple, intéressante et bien menée. On retrouve là le risque pris par les auteurs puristes comme Bourgeon et son Sang des cerises (mais dont la version album contient bien les traductions des passages en breton).
Que ce soit sur ses participations à Blake et Mortimer ou dans sa collaboration avec Christin, André Juillard a déjà montré son intérêt pour l’Histoire. Il est toujours surprenant de le voir illustrer des séquences d’action assez efficaces avec sa technique « ligne claire » qui est plus favorable aux environnements contemplatifs comme ce qu’il avait réalisé sur le diptyque Léna. Sachant parfaitement représenter des véhicules, outils et les mouvements anatomiques, le dessinateur arrive donc tout naturellement à rendre les séquences d’action, qu’il s’agisse de bombardements et de la panique qu’ils entraînent parmi les civiles, les poursuites nocturnes en voitures, les combats au fusil sur les toits ou les joutes aériennes. Pour l’aviation on reste bien entendu en deçà de l’autre série de Yann, Angel Wings avec le maître es avions Romain Hugault aux manettes, à l’inverse il reste plus efficace qu’un album proche, le Mattéo tome 4 de Gibrat. Enfin, quel plaisir de voir des personnages aussi clairement repérables, aussi caractérisés et sans jamais aucune « faute de visage ». Les personnages de Juillard vivent, jusque dans le lit avec une scène de nu que l’on ne trouve pas souvent chez cet auteur.
Double 7 reste un très bon album qui plaira donc beaucoup aux férus d’histoire qui trouveront dans la multitude de références un travail documentaire pointu. Les lecteurs de BD plus classiques pourront se perdre et se raccrocheront à la double histoire d’amitié des trois héros et celle d’amour des deux jeunes gens de la couverture. La chute est du reste un peu obscure quand au message que veut passer Yann et apporte une vision assez sombre de cette guerre. Et pour ceux qui hésitent, le fait de lire un nouvel album de maître Juillard suffira à rompre ces éventuelles réticences. Plaisir des yeux comme on dit!
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Texas Jack est un album prequel au Sykes du même duo sorti en 2015. Beaucoup plus gros que son prédécesseur, il jouit d'une illustration de couverture tout aussi réussie. Pas de bonus pour l'édition classique, seulement une courte bio des auteurs en fin d'ouvrage, comme dans tout album Signé. L'édition n&b comporte un cahier graphique.
L'Ouest s'est construit sur l'aventure, mais aussi sur l'alliance de bandits et de capitalistes désireux de s'accaparer pouvoir et territoires à moindres frais. Ainsi a été lâchée la bande de Gunsmoke, terrifiants assassins, horde sauvage incontrôlable ravageant les terres des pionniers. Pour arrêter son chien, le gouvernement a besoin d'un héros, Texas Jack, plus connu pour ses aventures de feuilletons que pour le combat de sang. L'acteur de cirque va pourtant se retrouver au cœur de l'action, où il rencontrera un Marshall lui aussi lancé aux trousses de Gunsmoke...
Je n'aime pas Blueberry... je suis plus Sergio Leone et Peckinpah qu'Hawks, plus western crépusculaire ou spaghetti que classique. Du coup j'ai toujours eu un peu de mal avec le western en BD. Sans doute un effet générationnel et la technique des couleurs de l'époque qui ne permettaient pas de profiter des encrage comme il aurait fallu. Je me souviens du très beau one-shot de Guerineau, Après la nuit paru discrètement il y a quelques années, ou plus loin le diptyque mythique 500 fusils/Adios Palomita mais globalement les séries western ne m'ont jamais vraiment inspiré. En 2015 pourtant deux albums fort remarqués paraissent. Sykes à pâti de la concurrence avec l'Undertaker de Meyer et Dorison. Pourtant Dimitri Armand est de la même école que Meyer, avec peut être moins de proximités avec le maître Giraud mais des encrages tout aussi puissants.
Je me dois de rectifier tout de suite une erreur probable: non, Texas Jack n'est pas l'album des débuts du Marshal Sykes. Il s'agit bien d'un projet distinct et c'est ce qui fait toute sa force (et vaguement inspiré d'un personnage historique). Ce n'est ni le succès de leur précédente collaboration ni l'appât du gain qui les ont poussé vers ce qui aurait pu être une démarche commerciale. En fait cet album vient d'une envie de refaire un western, grand format, en prenant le temps de montrer les grands espaces, les chevauchées interminables, la nature et les relations humaines de cet alliage improbable d'artistes et de gunmen. L'existence de Sykes leur permet d'introduire quelques personnages connus mais ils ne sont aucunement au cœur de l'intrigue et restent même plutôt périphériques. Une sorte de coloration permettant de bâtir un univers étendu.
Cela permet en outre d'alléger une intrigue longue de 120 pages, un travail de forçat pour Dimitri Armand dont le trait s'affine depuis la première aventure du Marshal et dont les détails d'arrière-plans et la mise en couleur me font préférer sans hésitation la version classique au collector N&B. Du statut de jeune auteur prometteur il intègre aujourd'hui le groupe de tête des héritiers de Vatine et Lauffray, de ces dessinateurs visuels et encrés. Je le dis avec d'autant plus de plaisir que son incursion chez Bob Morane m'avait déçu, y compris graphiquement. Sa partition est absolument parfaite, et l'on passe un moment magnifique que l'on ne voudrait pas voir terminer dans ces décores du grand Ouest, dans ces nuits d'orage où la maîtrise d'Armand donne toute sa force, dans ses visages bien sur qu'il semble pouvoir manipuler à sa guise. Son trait a une élégance folle, ses teintes sont extrêmement agréables et le dessinateur se laisse parfois (sagement) aller à quelques outrances visuelles que l'on adore mais qui doivent rester discrètes et au service de l'action.
De l'action il y en a finalement peu dans Texas Jack qui reste plus une buddy story très intelligemment scénarisée et moins sombre et violent que Sykes. Démarrant dans le bruit et la fureur d'un méchant terriblement charismatique et abominable, l'on se surprend à attendre tout l'album la ou les confrontation(s)... De la même manière que Sykes est discret, Gunsmoke est absent pour que l'attention se concentre sur ce bellâtre de Texas Jack et ses amis pas si branquignoles qu'il n'y paraît. Le groupe apporte tantôt sensualité, tantôt humour et complicité en vivant sur les planches de l'album. Le lecteur est tenu en haleine de promesses qui tardent à venir, surpris tout le long d'avoir ce qu'il n'attend pas. Du coup la conclusion est un poil rapide et décevante mais se prolonge heureusement sur une sorte d'épilogue qui, encore une fois confirme où se situe le cœur de ce récit, celui du héros éponyme au cœur brisé.
Texas Jack c'est finalement plus du Howard Hawks que du Spaghetti. Et j'ai adoré cette itinérance en cinémascope, aux personnages aussi réussis graphiquement que dans leur écriture, où tout semble limpide et cohérent. La barre graphique était très haute et Pierre Dubois parvient à hisser son texte aussi loin. Vraiment merci pour ce moment de western et revenez quand vous voulez!
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Ceux qui restent part du principe du "et si...", ce que les américains appellent l'elseworld ou encore l'envers du décors (que l'on trouvait dans le plutôt réussi Fairy Quest d'Umberto Ramos): que se passe-t'il pendant que les enfants aventuriers partent en volant, la nuit, vers les pays imaginaires, emportés par des créatures magiques? Pendant qu'ils vivent des aventures qui leur font oublier leurs parents, leur quotidien? Je dois dire que l'idée est assez géniale en ce qu'elle retourne totalement le concept de Peter Pan (et son interprétation psychanalytique) et s'intéressant aux parents et en faisant des enfants à la fois des monstres d'égoïsme et des victimes de leur crédulité. Car pendant leur absence les parents se morfondent, la police enquête sur la disparition et le temps s'écoule. La vie est infernale, l'attente d'autant plus dure que le regard des autres empli est de suspicion pour expliquer l'inexplicable. Et le retour, ponctuel mais régulier, de l'enfant en joie de raconter ses passionnantes aventures contraste avec la déprime qui gagne ceux qui restent...
Cet album est techniquement très réussi, son propos essentiellement en narration fait ressentir durement l'absence et l'épreuve de l'inconnu pour les parents. Le dessin à la fois simpliste et très maîtrisé, notamment dans les cadrages en plans larges et le découpage très aéré et horizontal, fait ressentir le temps qui passe, la pesanteur. C'est pourtant toute cette pesanteur qui m'a fait décrocher. Cet album est une dépression de 120 pages, pourtant joliment coloré mais vraiment pesant et sans espoir. Il semble que les auteurs ont voulu prendre le revers des contes, atteindre une noirceur à l'échelle du merveilleux des pays des rêves. Et franchement on ne comprend pas pourquoi proposer une histoire si nihiliste. C'est la même raison qui m'a dépité sur le pourtant acclamé Ces jours qui disparaissent. J'aime les ambiances sombres, les histoires barbares, éventuellement les bad-ending. Mais une intrigue totalement tournée vers le noir, je passe mon chemin.
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Cela fait 20 ans que la première partie de l'album spécial sous forme d'enquête journalistique autour des aventures de XIII est sorti. Vingt ans que les auteurs ont échoué à clôturer magistralement en 13 tomes une des saga les plus mythiques de la BD franco-belge. Je ne reviens pas sur les raisons commerciales qui ont poussé trop loin Jean Van Hamme. Pour beaucoup les aventures de XIII se sont arrêtées avec Rouge total, voir une poignée d'albums plus loin. Après un double album en forme de chant du cygne pour le prolifique scénariste belge (avec Jean Giraud en guest) l'Enquête restait en suspens. Entre temps un nouveau cycle avec nouveau scénariste et nouveau dessinateur a été adopté par une nouvelle génération de lecteurs. La question de la parution de cette seconde partie se pose donc. D'autant plus lorsque l'on lit ce qui ressemble plus à un recueil de notes perso du scénariste originel sur ses personnages pour ne pas s'y perdre. Les quelques planches de BD semblent hors sol, sans but. Les rappels biographiques des personnages de la série sont relativement mal écrits et inintéressants. Soit on a lu la saga et c'est inutile, soit on ne l'a pas lue et on peut éventuellement avoir envie de la lire après cet album. On a ainsi la furieuse impression d'avoir droit à un dossier de presse payant, avec bien peu de matériau original, très peu d'illustrations nouvelles (surtout des vignettes prises dans les albums de la série) et aucun travail de mise en cohérence. Ce qui aurait pu être pensé comme un ultime cadeau un peu luxueux et nostalgique de maître Van Hamme à ses lecteurs échoue un peu piteusement, en ne parvenant même pas à lancer une éventuelle intrigue autour du journaliste. Au final je déconseille cet album à la plupart des lecteurs, hormis peut-être les fans hard-core qui voudront absolument rassembler les deux parties de l'Enquête...
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Joli objet aux couleurs douces et au regard tendre des auteurs sur un personnage, français moyen qui réagit le plus simplement du monde à l'arrivée des extra-terrestres. Il y a un peu du Tim Burton de Mars Attacks dans cette vision d'E.T. faits de scaphandres métalliques directement issus des visions kitsch de la SF des années 50. Sauf qu'ici les psychopathes criard laissent la place à de gentils observateurs ethnologues qui renvoient à ceux de Duval dans son Renaissance. Disquaire dépressif, le personnage principal est d'abord soupçonneux de ces gens étrangers puis entreprends de montrer la vie moyenne d'un humain moyen: les crises de couple, le sexe, la musique, l'art... On sent un esprit de court métrage animé dans ce petit album très vite lu et qui manque sans doute un peu de substance. Mais la lecture reste agréable, on sourit et profite de la jolie palette d'Obion qui maîtrise ses planches malgré un style désuet qui fait par moment penser à Colas Gutman, l'auteur de Chien pourri.
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Du premier cycle de cette nouvelle saga ressortait l'incroyable dessin de Valentin Sécher et une intrigue sympa qui laissait le grand héros galactique un peu de côté. Je craignais beaucoup le changement de dessinateur, l'écart entre Henrichon et Sécher étant assez rude.
L'univers est en fin de course, les galaxies entrent en collision, montrant à l'humanité son destin. Le nouvel empire Techno-Techno refuse de voir arriver la fin, aveuglé par sa quête de l'Epiphyte, substance primordiale qui daterait d'avant la Création... Alors que le Méta-Baron accepte avec son nihilisme habituel le sort de l'univers, un étrange néo-cardinal est envoyé en mission secrète pour éliminer l’adversaire du Techno-Pape. Mais la rencontre entre les deux personnages ne va pas se dérouler comme prévu...
Je dois dire qu'encore une fois je suis agréablement surpris par le traitement du scénariste Jerry Frissen qui parvient à développer l'intrigue générale en se raccrochant à la genèse de la Caste des Méta-Barons (jusqu'à reprendre des scènes entières redessinées par Henrichon) pour développer l'intrigue dans un univers connu mais vers un horizon à la fois logique et intéressant. Il est toujours risqué de faire évoluer un personnage aussi iconique et monolithique que le Méta-Baron et je dois dire que Frissen a le grand mérite de ne pas ressentir l'ombre du créateur et d'agir avec une grande liberté en même temps qu'une bonne connaissance de ce monde. Si le scénario se trouve débarrassé des tics de Jodorowsky (cela apporte un soupçon de subtilité), il reste très cohérent avec les personnages de cet univers immonde. Ainsi lorsque le Méta-Baron décide de renoncer à sa semi-immortalité et succombe aux plaisirs de la chaire le fait est accepté simplement par le lecteur comme une thématique crédible. La violence du premier cycle s'estompe pour plus de sensualité, bien que les dessins d'Henrichon ne s'y prêtent guère.
Le dessinateur canadien (qui avait produit l'excellent Pride of Bagdad) rends une partition très correcte, plutôt réussie pour ce qui concerne les décors, vaisseaux et environnements spatiaux (qui sont une part importante de cet univers visuel), moins pour les personnages. Là où Sécher excellait justement dans ces visages très expressifs où chaque personnage était très caractérisé, son successeur est moins à l'aise et doit "habiller" ces derniers pour les distinguer. Il n'y a pas grand chose à reprocher au dessinateur qui rends deux albums très sérieux... simplement son style est relativement banal et ne permet pas de hisser ce Space-Opera là où il pourrait être.
Ce que j'ai apprécié dans ce cycle c'est une réelle ouverture par rapport à un premier diptyque qui se contentait de proposer simplement un nouvel adversaire au Méta-guerrier. Le thème de l'amour parcourt tout le cycle de la Caste et nécessitait de revenir habiter l'univers du Méta-Baron. Le thème de l'Epiphyte également est développé, renforçant le lien déjà très fort entre le monde du Méta-Baron et Dune (et son Epice). Si le premier tome est un peu poussif, le second est très réussi en révélant de nouveaux personnages et en rendant intelligemment le héros de nouveau vulnérable, permettant de développer un "drama". Un changement dans la linéarité, un adversaire efficace, un héros vulnérable, une perspective énorme à l'échelle galactique, tout est réuni pour relancer la machine du Méta-Baron. Le format en trois cycles de deux tomes est parfait pour conclure cet univers, en espérant que l'éditeur sache refermer définitivement la saga du personnage en résistant aux sirènes des lecteurs et de l'argent.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/12/07/meta-baron-cycle-2
Du premier cycle de cette nouvelle saga ressortait l'incroyable dessin de Valentin Sécher et une intrigue sympa qui laissait le grand héros galactique un peu de côté. Je craignais beaucoup le changement de dessinateur, l'écart entre Henrichon et Sécher étant assez rude.
L'univers est en fin de course, les galaxies entrent en collision, montrant à l'humanité son destin. Le nouvel empire Techno-Techno refuse de voir arriver la fin, aveuglé par sa quête de l'Epiphyte, substance primordiale qui daterait d'avant la Création... Alors que le Méta-Baron accepte avec son nihilisme habituel le sort de l'univers, un étrange néo-cardinal est envoyé en mission secrète pour éliminer l’adversaire du Techno-Pape. Mais la rencontre entre les deux personnages ne va pas se dérouler comme prévu...
Je dois dire qu'encore une fois je suis agréablement surpris par le traitement du scénariste Jerry Frissen qui parvient à développer l'intrigue générale en se raccrochant à la genèse de la Caste des Méta-Barons (jusqu'à reprendre des scènes entières redessinées par Henrichon) pour développer l'intrigue dans un univers connu mais vers un horizon à la fois logique et intéressant. Il est toujours risqué de faire évoluer un personnage aussi iconique et monolithique que le Méta-Baron et je dois dire que Frissen a le grand mérite de ne pas ressentir l'ombre du créateur et d'agir avec une grande liberté en même temps qu'une bonne connaissance de ce monde. Si le scénario se trouve débarrassé des tics de Jodorowsky (cela apporte un soupçon de subtilité), il reste très cohérent avec les personnages de cet univers immonde. Ainsi lorsque le Méta-Baron décide de renoncer à sa semi-immortalité et succombe aux plaisirs de la chaire le fait est accepté simplement par le lecteur comme une thématique crédible. La violence du premier cycle s'estompe pour plus de sensualité, bien que les dessins d'Henrichon ne s'y prêtent guère.
Le dessinateur canadien (qui avait produit l'excellent Pride of Bagdad) rends une partition très correcte, plutôt réussie pour ce qui concerne les décors, vaisseaux et environnements spatiaux (qui sont une part importante de cet univers visuel), moins pour les personnages. Là où Sécher excellait justement dans ces visages très expressifs où chaque personnage était très caractérisé, son successeur est moins à l'aise et doit "habiller" ces derniers pour les distinguer. Il n'y a pas grand chose à reprocher au dessinateur qui rends deux albums très sérieux... simplement son style est relativement banal et ne permet pas de hisser ce Space-Opera là où il pourrait être.
Ce que j'ai apprécié dans ce cycle c'est une réelle ouverture par rapport à un premier diptyque qui se contentait de proposer simplement un nouvel adversaire au Méta-guerrier. Le thème de l'amour parcourt tout le cycle de la Caste et nécessitait de revenir habiter l'univers du Méta-Baron. Le thème de l'Epiphyte également est développé, renforçant le lien déjà très fort entre le monde du Méta-Baron et Dune (et son Epice). Si le premier tome est un peu poussif, le second est très réussi en révélant de nouveaux personnages et en rendant intelligemment le héros de nouveau vulnérable, permettant de développer un "drama". Un changement dans la linéarité, un adversaire efficace, un héros vulnérable, une perspective énorme à l'échelle galactique, tout est réuni pour relancer la machine du Méta-Baron. Le format en trois cycles de deux tomes est parfait pour conclure cet univers, en espérant que l'éditeur sache refermer définitivement la saga du personnage en résistant aux sirènes des lecteurs et de l'argent.
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Ce manga montre combien un bon travail d'édition met le lecteur dans d'excellentes conditions avant même d'entamer la lecture. Un peu comme une belle illustration de couverture... Ki-oon a sorti la grosse artillerie avec une superbe couverture simili-cuir en effet gravure. Une court bio de l'auteur et de Lovecraft, une introduction au roman original At the mountains of madness, un sommaire et quelques citations en anglais de nouvelles d'Edgar Poe (dont Arthur Pym) pour mettre dans l’ambiance. L'édition respire le respect et mérite un Calvin. Qu'en est-il du manga lui-même?
En 1930 une très importante expédition de l'Université Miskatonic part pour l'Antarctique, équipée d'avions et du matériel dernier cri. Ils vont étudier la géologie et la biologie d'un continent découvert mais pas encore exploré. Très vite les découvertes apportent des révélations improbables au niveau des datations et l'ambition de l'une des têtes de l'expédition pousse à séparer les équipes. Lorsque l'équipe Lake ne donne plus signe de vie après le passage d'une redoutable tempête le reste des hommes part à leur secours et vont découvrir l’indicible...
Gou Tanabe n'a pas une grosse bibliographie mais a commencé à se spécialiser depuis quelques temps dans les adaptations de classiques, dont Lovecraft. Il n'est pas le plus technique ni le plus impressionnant des dessinateurs japonais. Pourtant son style réaliste colle avec l'atmosphère résolument classique qui sied aux histoires d'aventures fantastiques de l'époque. La première approche est décevante tant le dessin semble avoir été vu mille fois et le récit d'expédition antarctique nécessite un plus graphique ou scénaristique pour se démarquer. Le rythme des histoires fantastiques est progressif. Celui des Montagnes hallucinées également: après une longue mise en place à la lecture difficile du fait de l'utilisation de trames grossières et du manque de précision du dessin, les premières accélérations de l'intrigue ouvertes par la découverte de strates géologiques à la datation impossible font monter la tension et le rythme cardiaque du lecteur... qui ne décroche plus jusqu'à la fin. Le prologue avait annoncé l'horreur. L'intérêt du manga repose sur l'accumulation de découvertes toutes plus improbables les unes que les autres. Le principe du hors champ et du jeu sur l'anticipation du lecteur fonctionne très bien: l'auteur déroule cliniquement les découvertes des scientifiques et le lecteur s'attend à chaque page à voir surgir un monstre...
Le mythe de Cthulhu est toujours aussi fascinant dans son jeu des impossibilités scientifiques entraînant à la folie. Dans ce premier tome il n'est pourtant pas question de déviances mentales puisque jusqu'à la découverte macabre du campement (totalement gore et horrible) nous ne faisons face qu'à des constatations rationnelles. L'équipe reste au pied des Montagnes de la folie, que l'on abordera dans un second volume.
Étrangement les limites du dessin de Tanabe, qui posent problème sur les premiers chapitres, apportent un plus dès l'arrivée des Anciens. L'impossibilité physique à représenter ces êtres indicibles (j'adore le vocabulaire hypertrophié de Lovecraft!) est très bien reprise par des dessins sombres, présentant des enchevêtrements impossibles à comprendre visuellement. C'est perturbant mais sert totalement le propos; on imagine dès les pages montrant par mirage la cité cyclopéenne ce que sera le tome deux.
Très respectueux de l'oeuvre originale (sans doute trop), Gou Tanabe sait faire tenir la tension de son scénario en montant progressivement vers l'horreur brutale. Avec un dessin plus précis et moins sombre l'on aurait gagné en qualité mais l'ouvrage réussit à être une très bonne illustration du texte de Lovecraft et fascine lorsqu'il s'agit de représenter ces Anciens.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/11/26/les-montagnes-hallucinees-1
La trilogie Divinity était un objet scénaristique fascinant, plaçant dans un cadre classique de superhéros et de création d'une mythologie des thématiques passionnantes que sont la création (du scénariste, du Divinity), le livre, le temps. Eternity, qui est la suite directe, propose une prolongation et une ouverture: aux confins de l'univers, l'Observateur gardien de l'équilibre du temps a été assassiné. L'univers court à sa perte. Dans le même temps l'enfant de Divinity et Myshka a été enlevé, obligeant le couple divin à se lancer à sa poursuite, découvrant des mondes colorés aux lois nouvelles, aux gardiens les questionnant sur leur rôle et leurs pouvoirs infinis. Si Divinity abordait la question du temps et des réalités, dans Eternity les auteurs se font plaisir à développer des mondes fantasmagoriques permettant une liberté créative totale (avec quelques idées un peu old school tout de même...), tout en restant au service d'une idée maîtresse exigeante. Il achève la réflexion lancée précédemment, sur la création (l'enfant, déjà), sur la liberté de l'individu dans un univers codifié et réglementé (l'observateur) et sur le rôle de la lecture dans l'imaginaire d'Abram, le héros divin, sage, que seul sa conscience et son imagination (son enfance passée dans les livres de science fiction comme écho au scénariste Matt Kindt) permettent d'orienter sur un chemin vertueux ou mortel.
Eternity est un magnifique album one-shot, introduit par un superbe prologue de Renato Guedes (vu sur X-O Manowar #2) permettant de se dispenser de la lecture de Divinity, puis dessiné par l'excellent et très organique Trevor Hairsine. Un ouvrage à part, intelligent qui fait s'interroger sur l'idée de création artistique.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/11/24/sushi-et-baggles-5
Ajin est définitivement l'héritier de la série mythique Akira (et publié chez le même éditeur au japon comme en France). Les influences sont nombreuses tant dans le dessin de Gamon Sakuraï, d'une précision et d'une nervosité directement issues du dessin d'Otomo que dans les thématiques et la vision très moderne d'un conflit géopolitique faisant du Japon le centre d'une crise majeure. Ce qui fait la puissance d'Ajin c'est sa radicalité, son ambition: Sakuraï dépeint rien de moins que la plus grosse attaque terroriste de l'histoire, une véritable guerre intérieure menée par l'un des méchants les plus réussis de l'histoire de la BD en la personne de Sato qui vise à bouleverser les relations entre humains et Ajin (thème des X-men...). Ce machiavélique bonhomme semble inarrêtable et l'auteur rivalise d'ingéniosité en exploitant la rupture scientifique apportée par l'apparition des Ajin pour livrer des séquences d'action et de suspens rarement vues en BD! Chaque tome s'enchaîne à une vitesse frustrante en étant autant un plaisir visuel que cérébral. Ce douzième volume (la publication française suit de très près la publication japonaise) poursuit la sidérante attaque de la base militaire par Sato et l'on jubile à chaque action de ce génie du crime. L'intrigue avance peu mais quel plaisir! Ajin est une série obligatoire pour tout amateur de Manga, tout simplement.
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L'intervention de Forever dans la guerre a été décisive mais a entraîné son incapacité à être déployée sur d'autres opérations et surtout a provoqué une rupture psychologique suite à l'arrêt des prises des drogues qui la conditionnaient. Alors que Johanna dirige les opérations d'une main de fer, l'équilibre entre les familles est bouleversé par la destruction de certaines et l'utilisation des lazares des alliés de Carlyle dans la guerre.
On sent qu'un cycle s'achève et que la nouvelles situation mise en place au cours de ces cinq volumes permettra de développer la suite avec des personnages plus stables. Ce que je reprochais en début de série est donc partiellement résolu et ce monde en guerre est plus passionnant que jamais avec des interactions inter et intra familiales, le chaos psychologique du personnage principal et cette SF d'anticipation tout à fait géniale. Le parallèle avec Game of Thrones est plus pertinent que jamais, ces séries incarnant notre époque au pessimiste très ancré. La suite mettra-t'elle un peu de légèreté dans l'intrigue? Rien n'est moins sur vue la conclusion barbare de ce tome...
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Traitement habituel chez Bliss: descriptif du contenu et crédits et début d'album, galerie de couvertures et analyse de la répartition du travail entre scénariste, dessinateur, encreur et coloriste en fin d'album. Très jolie couverture "sauvage" qui montre le talent de Lewis Larosa...
Il y a quinze ans un avion privé s'écrase sur une île déserte. A son bord la famille d'une célébrité du football. Et sur l'île, une faune sauvage... des dinosaures, mais pas que!
Savage n'aurait pu s'intituler autrement tant l'ensemble du projet est porté par le titre. Avec les deux talentueux dessinateurs habitués de Valiant Lewis Larosa (Bloodshot Salvation) et Clayton Henry (Harbringer wars), Bliss nous propose avec ce faux one-shot - une suite est annoncée en fin d'album - un exercice de style pour l'enfant qui subsiste dans ces dessinateurs et leurs lectures pulp d'alors... Cet album est la variation de Valiant du thème "dinofighting" ou celui de la terre intérieure qui a fait les beaux jours des BD pulp de la première moitié du XX° siècle et du Shanna de Frank Cho.
L'histoire est simple et (comme souvent chez Valiant) alternée entre maintenant et avant qui permet de changer de dessinateur. Le trait classique et élégant de Clayton Henry appuie la relative normalité du début et le sentiment de contrôle, et tranche avec les sections de son comparse, utilisant allègrement un découpage atypique pour illustrer la violence, la sauvagerie, la folie du jeune survivant devant déployer d'autant plus de rage pour compenser sa nature humaine face aux féroces reptiles. L'album Rocher Rouge critiqué récemment utilisait également cette technique classique du thème du naufragé sur une île (pas) déserte sur une d'un basculement progressif de la normalité à l'horreur. Le gros point fort de cet album est donc sa partie graphique, vraiment impressionnante, tant par le style des auteurs que par leur capacité à s'adapter pour exploiter totalement le média BD pour transcrire une ambiance qui se passe souvent de dialogues. Les scènes de combat du héros contre les dino sont réellement impressionnantes de dynamisme et de rage, notamment via des cases au détour indispensable au dessin. Je découvre Lewis Larosa après Bloodshot et je crois qu'aucun dessinateur ne m'a autant impressionné dans son découpage depuis Olivier Ledroit.. Le principal regret est que le tome soit si court et ne permette pas de développer la vie sur l'île, l'utilisation des dinosaures (certains passages rappellent le mythique Gon). La partie post-apo avec les hommes est un peu plus faible mais permet une ouverture sur la suite qui permettra de donner une vraie stature à ce projet en le sortant du seul plaisir coupable de dessinateurs qui jouent avec leurs jouets.
Cet album (un peu court) est donc une vraie réussite, sans grande ambition mais qui parvient grâce à une intrigue simple et un découpage général très talentueux à donner de l'enjeu à cette chasse continue et se paie le luxe de poursuivre le jeu, avec on l'espère, la même équipe aux manettes!
*Un colloque a eu lieu en 2015 et donné lieu à un magnifique article sur le thème du dinosaure dans l'imagerie populaire, avec des centaines d'images et références: https://dejavu.hypotheses.org/2423
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L'illustration de couverture est jolie, colorée et explicite sur le contenu de l'album. Elle est composée comme une affiche de cinéma et c'est efficace. L'album comprend un gros dossier documentaire très essentiel (comme dans toute BD documentaire) en fin de volume, permettant de tisser un lien entre la BD et l'Histoire tragique de cette île martyr.
A la moitié du XIX° siècle les premières déportations de pascuans (habitants de l'île de Pâques) ont lieu pour en faire une main d’œuvre corvéable dans l'extraction du guano sud-américain. Après cela les prêtres entament l'évangélisation d'une communauté réduite à la portion congrue. Alliance de colonisation, de conquête religieuse et d'aventures capitalistes, c'est l'histoire de la disparition d'un peuple qui nous est relatée...
Didier Quella-Guyot aime les îles et les connaît. Du Facteur pour femmes (île bretonne) à Papeete (Tahiti) ou sur le très bon Ile aux remords avec son compère Sébastien Morice, il aime à nous faire revenir dans ces terres aux cultures fortes et soumises aux soubresauts de l'Histoire, souvent coloniale. Ici c'est à une histoire largement méconnue qu'il nous convie en compagnie de Manu Cassier et son trait simple qui rappelle la BD jeunesse mais permet une grande lisibilité des planches et de superbes couleurs. De l'île de Pâques l'on connaît les Moaï, ces géants de pierre qui ne seront que très peu abordés dans l'album. Ce n'est pas le mystère de cette civilisation perdue qui intéresse les auteurs mais bien le processus brutal et semblant tellement facile d'acculturation et d’exploitation des indigènes par un système capitaliste allié de circonstance à l’Église.
L'histoire est découpée en trois parties agrémentées d'un prologue relatant les razzias sud-américaines qui ont dépeuplé l'île et d'une épilogue. Les annexes proposent un résumé de l'histoire des pascuans au XIX° siècle par Didier Quella-Guyot, une biographie rapide des protagonistes historiques et un texte sur Pierre Loti (qui apparaît dans l'album), ses carnets de voyage et des reproductions de gravures de l'époque illustrant les récits de voyage. Cette structure très didactique permet une lecture facile et de s'intéresser à un drame connu car malheureusement commun à bon nombre de peuples dits primitifs au XIX° siècle, que ce soit en Afrique ou dans les Îles. L'on comprend combien la faiblesse de ces population a permis à quelques pauvres prédicateurs de leur imposer une religion dont ils n'avaient pas besoin et comme cette petite terre n'a été pour beaucoup de blancs - dont cet aventurier qui se fit proclamer Roi de l'île - qu'une ressource gratuite pour leurs projets personnels. Le plus intéressant dans ce récit est l'histoire de cet homme, enfiévré de navigation et terrorisé à l'idée d'être enfermé dans une affaire en France avec femme et enfants et qui s'imposa par la force, se maria à une fille d'ascendance royale avant de s'autoproclamer seigneur de ce caillou perdu au cœur du Pacifique et que bien peu souhaitaient lui contester.
Le dessin accompagne cette narration de façon élégante. L'illustrateur n'est pas un virtuose mais sa maîtrise des plans et découpage est remarquable et la mise en couleur donne une lumière très agréable en évitant de sombrer dans le misérabilisme. Car cet album se veut plus un récit d'histoire qu'un pamphlet, adoptant un ton relativement neutre, factuel, ne cachant rien des exactions mais restant classique dans son propos. Le sentiment d'impuissance qui reste après cette lecture nous rappelle combien le rouleau compresseur de la colonisation a causé de ravages de par le monde et le fait de poser des images sur ces drames est salutaire en nous forçant à regarder à hauteur d'hommes ce que l'on apprend dans une Histoire souvent par trop extérieure.
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Fred Duval est le grand Manitou de la SF d'anticipation. Depuis des années il propose régulièrement des ouvrages et des séries qui sont toujours rattachées à l'histoire ou au principe même de l'anticipation et de son "et si...". Uchronies, dystopies, anticipation sont des variantes d'un principe: utiliser des variations pour parler d'aujourd'hui.
C'est ce qu'il fait dans sa nouvelle série (courte) avec le dessinateur de la saga Carmen Mac Callum, le talentueux Emem (qui a remplacé Gess, dessinateur d'origine). La couverture vraiment réussie et intrigante a beaucoup fait parler d'elle et la communication efficace (avec une couverture au texte "extra-terrestre" par exemple) donne très envie de savoir ce que sont ces extra-terrestres.
Le travail de préparation graphique est conséquent. Ce n'est jamais évident en SF tant le mauvais goût et le déjà-vu peuvent très vite pointer le bout de leur nez... Ici pas de faute de goût même si le choix assez classique d'un univers E.T. très coloré peut paraître facile. Le projet étant une BD SF grand public les auteurs n'ont vraisemblablement pas cherché à déranger mais plutôt à assurer un design classieux, aidé par la jolie patte du dessinateur. Le plus intéressant visuellement repose sur la science des visiteurs et notamment les vaisseaux asymétriques.
Le grand intérêt de cet album est de nous proposer à la fois une inversion (les humains sont colonisés en tant qu'êtres inférieurs) et une projection de l’interventionnisme onusien et occidental sur notre monde actuel. Dans une Terre dévastée par les catastrophes climatiques issues (on ne suppose) de l'action débridée du capitalisme industriel et mercantile, une civilisation supérieure vote l'intervention (dans le cadre d'un protocole très stricte), afin de sauver la civilisation humaine car elle dispose d'un élément particulier qui pourrait enrichir toutes les espèces: la capacité artistique des humains. Ce premier tome est très linéaire bien qu'il superpose l'intrigue en cours avec un long flashback expliquant comment le protagoniste extra-terrestre en est venu à participer à ce corps expéditionnaire.
Le contexte planétaire est très proche de l'univers pessimiste et cynique de Travis/Carmen Mac Callum. Deux familles humaines seront les témoins de l'intervention et aux premières loges des écueils d'une préparation naïve. Duval touche là les déboires des interventions américaines mal préparées en mode "zéro morts" et où la violence basique à l'arme blanche peut remettre en cause l'armée la plus moderne en attaquant au moral. Malgré leur supériorité scientifique et technique absolue, les envahisseurs doutent de la pertinence de leur arrivée, de l'accueil sombre qui leur est réservé malgré leur pacifisme affiché... On ne peut forcer une population malheureuse à être secourue. C'est en substance cette constante que Fred Duval nous rappelle avec cet album hautement politique qui donne envie de connaître la suite.
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A album exceptionnel travail éditorial aux petits oignons avec un nouveau bandeau pour la collection Black Label de DC (à l'origine destiné à publier des ouvrages matures selon les critères américains mais que l'affaire du Bat-zizi a montré comme aussi puritain que les autres comics...) et trois superbes couvertures pour l'édition couleur, la N&B et la spéciale FNAC. Un gros cahier graphique montrant les recherches de design affolantes de maîtrise (notamment pour la batmobile!!!!) en fin d'album et bien sur les couvertures originales des huit épisodes. On aurait voulu en avoir plus mais cela n'aurait pas été raisonnable...
Suite à une énième poursuite avec Batman, le Joker voit sa personnalité originale de Jack Napier prendre résolument le dessus sur son identité pathologique. Décidé à démontrer la violence et la folie de Batman, il se présente comme le héraut du peuple contre les élites corrompues de Gotham et la radicalité hors des lois du chevalier noir commence à ne plus être acceptée...
Il est toujours difficile de commencer une BD aussi attendue tant l'on craint d'être déçu. J'ai découvert Sean Murphy tardivement, sur l'exceptionnel Tokyo Ghost et autant apprécié la minutie de son trait que son côté bordélique. Les premier visuels du projet White Knight publiés l'an dernier m'ont scotché autant que le concept (j'ai toujours préféré les histoires de super-héros one-shot ou uchroniques (type Red Son) et depuis je suis Impatience... Une fois refermé cet album au format idéal (histoire conclue en huit parties avec une possibilité de prolongation... déjà confirmée avec Curse of the White Knight) l'on sent que l'on vient de lire un classique immédiat! C'est bien simple, tout est réussi dans ce projet, des dessins aux personnages en passant par la cerise sur le gâteau: l'insertion de Gotham dans l'actualité immédiate avec le dégagisme et la lutte contre les 1%. Ce dernier élément pose la référence avec le Dark Knight de Miller et Watchmen, deux monuments qui assumaient un message politique et proposaient une véritable vision d'auteur de personnages iconiques dans les années 80. On est ici dans la même veine et très sincèrement il est rare, des deux côtés de l'atlantique, de voir un projet aussi ambitieux et abouti.
Sur la partie graphique on retrouve quelques tics de Murphy comme ces sortes de bottes-porte-jarretelles de Batman (que l'on trouvait dans Tokyo Ghost), la fille qui sauve un héros brutal et torturé ou les références à d'autres œuvres à droite à gauche. Murphy est un fan de toute éternité du Dark Knight et l'on sent dans le Joker, présenté dans la BD comme le premier fan de Batman et dont la chambre est peuplée de jouets à effigie du héros, son alter-ego de papier. Au travers des différentes Batmobiles l'auteur rappelle la généalogie majeure de Batman, de la série des années 60 au film de Tim Burton et à ceux de Nolan. Ce sont surtout des références cinéma qui pointent et aucune allusion à la série de Snyder Capullo n'est faite, la seule attache aux BD de Batman est sur le meurtre de Robin dans le Deuil dans la famille. Le nombre d'éléments que nous propose Sean Murphy est assez impressionnant, outre ces multiples références subtiles il utilise les passages obligés du Batverse à savoir les méchants, l'arme fatale, Gotham comme personnage à part entière et ses secrets, l'ombre de Thomas Wayne et la relation avec Gordon... Tous les dialogues sont intéressants, permettent de développer une nouvelle thématique et rarement des personnages de comics auront été aussi travaillés. Jusqu'à la conclusion dans une grosse scène d'action tous azimuts comme Murphy en a le secret le scénario est maîtrisé et nous laisse stoïques avec l'envie de reprendre immédiatement la lecture.
Avec le dessin (la batmobile est la plus réussie de l'histoire de Batman!) l'inversion des rôles est un apport majeur à la bibliographie du super-héros. Outre de renouveler l'intérêt avec, me semble-t'il, une grande première que de présenter le Joker comme le gentil, cela permet de creuser très profond dans la psychologie et les motivations des deux personnages que sont Batman et le Joker et brisant le vernis manichéen qui recouvre l’œuvre depuis des décennies. Le Dark Knight de Frank Miller était un Vigilante bien dans l'ère du temps n'intéressait finalement moins l'auteur que son environnement socio-politique. Dans White Knight, les deux faces intéressent l'auteur et il est passionnant de voir défiler des réflexions qui sonnent toutes justes, qu'elles viennent de Nightwing, de Gordon, Napier ou Harley. Batman est finalement le moins présent dans l'intrigue et pour une fois n'est pas celui "qui a lu le scénar", schéma souvent agaçant.
D'une subtilité rare, White Knight sonne comme une œuvre de très grande maturité scénaristique autant qu'un magnifique bijou graphique à la gloire de toute cette mythologie. Sortie la même année qu'un autre album d'auteur (le Dark Prince Charming de Marini) cette œuvre adulte gratte les acquis en osant remettre en question beaucoup de constantes de Batman. Un album à la lecture obligatoire pour tout amateur du chevalier noir, mais aussi chaudement recommandé pour tout lecteur de BD.
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Pour la fabrication, qualité Dargaud habituelle, belle maquette extérieure et intérieur de couverture soigné. Identique aux autres tomes.
Le (déjà) troisième tome de cette étonnante série rompt quelque peu le rythme de narration adopté sur les deux précédents. D'une part le scénario nous propose une linéarité à laquelle les auteurs ne nous avaient pas accoutumés. L'objet et le titre de l'album sont ceux de la vengeance de Jay qui va entreprendre d'éliminer un à un tous ces hommes dominants qui ont scellé son sort. Alors que les manigances politiques du roquet de l'impératrice Victoria (très bien rendue en dirigeants d'une froideur aristocratique brutale) progressent en parallèle, c'est sur ce volume un développement des secrets de la famille Winterfield que nous propose Zidrou. Le découpage au hachoir de la haute société victorienne est redoutable, emplie de perversions sexuelles, de domination masculine, de mensonges destinés à masquer les dérives des membres de la famille qui en internant sa femme à l'asile, qui en donnant un enfant illégitime à l'orphelinat,... L'autre changement est pour la première fois l'absence de séquences de nos jours, ce qui est surprenant tant le lien entre les deux époques est ténu et seuls les rappels réguliers nous permettent de progresser tome par tome vers une résolution finale après plusieurs cycles comme on le suppose. Du coup cette rupture est assez dérangeante et il risque d'être compliqué de raccrocher l'intrigue au quatrième tome. C'est un détail mais que j'espère calculé.
La continuité est sur la relation des deux jeunes femmes que l'histoire rude de chacune relie et qui va entraîner une alliance que l'on peut voir dès la couverture. Le surnaturel reste très discret et (totalement absent de ce tome) l'on se demanderait presque si l'irruption du second volume n'est pas une fantasmagorie tant le déroulement ressemble plus à un récit de vengeance tout ce qu'il y a de plus classique. Le dessin de Homs comporte moins de séquences d'action aux plans audacieux que le second tome et semble plus sage, sauf quand l'illustrateur espagnol nous envoie le visage sublime de Jay...
Revenge est un album de transition, qui reste de très haut niveau mais pâtit de son positionnement dans une histoire qui reste encore bien obscure. Il reste passionnant par sa dénonciation d'une réalité très noire de la société londonienne de l'époque et est rehaussé de quelques touches d'humour assez efficaces au travers de la petite clocharde qui accompagne les vengeresses dans leur croisade. Shi est une série qui se lit d'une traite et gagnera sans doute encore un niveau de qualité lorsque le premier cycle sera clôturé.
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La série Méta-Baron (titre tout de même très feignant... et qui a du en perdre plus d'un, dont moi) est la suite directe de la Caste des Meta-Barons, série mythique aux superbes dessins de Juan Gimenez et qui a permis à Jodorowskyni plus ni moins de donner vie aux concepts développés pour son projet mort-né d'adaptation de Dune au cinéma (et dont l’excellent documentaire Jodorowsky's Dune donne une vision à faire baver tous les amateurs de SF...). Ce film et son univers hantent l'auteur chilien depuis plusieurs décennies et ce qui a été développé pour la saga du Méta-Baron (personnage apparu dans l'Incal avec Moebius) a ceci de fascinant qu'il est à la fois totalement issu de l'imaginaire de Frank Herbert mais en constitue une réinterprétation qui en projette l'essence dans des dimensions à la fois cosmiques et ésotériques. Une digestion positive en somme.
A ce titre la saga de la Caste, constituant le socle visuel de cet univers, portait les folies visuelles et parfois WTF typiques de Jodo, au risque de lasser le lecteur. Les planches de Jimenez permettaient de donner une saveur organique à ces planètes, créatures et personnages, qui convenait totalement à l'imaginaire malsain du scénariste, mais l'on finissait par se perdre dans les méandres œdipiens, psychanalytiques, primaux et sadiques de l'auteur de l'Incal. Jodorowsky possède là du matériau pour des dizaines de séries, ce dont il ne se prive pas puisque l'univers a donné naissance à Castaka (avant la Caste), les diverses séries issues de l'Incal, et les Technopères.
La série Méta-Baron propose au travers de six diptyques (qui devaient originellement être dessinés par un dessinateur différent) les aventures du Méta-Baron, le guerrier ultime, sans adversité possible, chargé par son Totem de sauver l'univers de la destruction. Bon, dit comme ça, ceux qui ont lu la Caste se diront que l'univers est un multivers et qu'il a déjà failli être détruit plein de fois...
Le Méta-Baron a vaincu l'empire et détruit Planète d'or. Dégoûté par sa destinée et la violence de l'univers, il a décidé qu'il ne tuerait plus. Or bien vite l'empire renaît de ses cendres et les péripéties de ses puissants amènes les attentions à se porter sur Sans-nom, le dernier Méta-Baron dont la disparition devient un objectif...
Le premier arc se concentre sur ce qui ressemble le plus au mal personnifié: Wilhelm-100 est un généralissime de l'armée impériale Techno-Techno, qui n'a jamais connu la défaite et n'aime rien de plus que faire souffrir et tuer. Pour le malsain à la jodo on part donc sur de bonnes bases. Heureusement les auteurs savent garder le plus violent hors champ et contrairement à nombre de scénarii de Jodorowsky, ne se complaisent pas dans le sadisme (même si la série reste très violente). Le dessin absolument sublime (que ce soit en crayonné, en encrages ou en colorisation) de Valentin Sécher donne une matière à cet univers spatial et réussi le tour de force de dépasser ses pères en faisant de son intervention sur le Méta-Baron (probablement avec celle de Travis Charest) les plus belles planches réalisées pour la saga. J'avais très fortement hésité à prendre son Khaal, première BD publiée du dessinateur tant les dessins m'avaient impressionné. Ici il confirme qu'il sait tout dessiner, le mouvement, les [removed]le visage de Wilhelm respire une telle folie qu'il n'est pas besoin des textes pour comprendre qui il est), les vaisseaux bien sur. Sécher est en train de travailler sur un tome de la série Conan chez Glénat et j'ai très hâte de voir ce que cela donne dans un univers fantasy!
Dans ces deux tomes on voit donc très peu le Meta-Baron et le personnage principal est clairement le méchant et sa créature, le nain génial Tétanus. Les auteurs sont su recréer l'univers de Jodorowsky et l'absence du maître est finalement une bonne chance car cela permet de "normaliser" un peu ces histoires qui, sans être devenues grand public, deviennent plus classiques je trouve. Du reste les ambiances space-opera nous placent dans ce qui se fait de mieux avec Star-Wars et l'on prendrait goût à toute une série de one-shot sur des personnages dérivés de cette création. Le format en double album est enfin une très bonne chose (je l'ai déjà dit souvent sur ce blog, c'est a mon sens le format idéal, permettant la construction d'arcs successifs dans une série plus large).
Je ne m'attendais clairement pas à un album de cette qualité et craignais le réchauffé. Bien sur le dessin de Sécher y est pour beaucoup, mais comme on dit, le dessin fait lire l'album, le scénario donne envie de continuer. Et c'est le cas ici!
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Concept très original, Blue note nous propose de suivre les destins croisés de deux personnages, un boxeur et un guitariste de Blues, dans les dernières heures de la Prohibition. Le premier album suit le boxeur, le second le musicien. Ils se croiseront à peine mais interagirons dans la même temporalité. On retrouve un peu l'idée de Vortex que j'avais chroniqué dans cette rubrique il y a quelques temps. A noter que pour une fois l'illustration de l'intégrale est moins belle que celles des deux albums originaux. En outre une édition de luxe n&b tirée à 260 ex chez Bruno Graff existe. Un peu chère mais les le boulot d'encrage de Mickaël Bourgoin peut justifier une petite folie sur cet album si vous le trouvez.
Blue note est une bd d'auteurs. Deux artistes inspirés par l'envie de nous faire vivre une ambiance, celle des nuits pluvieuses de la Prohibition, de ses clubs de jazz tenus par des Parrains et de ses match de boxe truqués. Ce qui saute aux yeux à l'ouverture de l'album ce sont les encrages de Mickaël Bourgoin, élément essentiel dans le visuel de ce projet (dès la page des crédits le dessinateur l'annonce). Pour sa deuxième série publiée le dessinateur a souhaité se lancer dans le grand bain, inspiré par Toppi et Breccia et on peut dire que la prise de risque s'est avérée pertinente tant l'ensemble respire la fumée, les atmosphères et livre quelques pleines pages absolument sublimes lorsqu'il s'agit d'illustrer la magie de la musique du personnage de guitariste virtuose R.J. A ce titre, il est dommage qu'une version grand format n&b n'ait pas été prévue par l'éditeur (hormis le tirage de tête en nombre limite et au coût élevé) tant ces planches auraient mérité plus de place.
On écarquille donc les yeux sur la beauté de ces petites cases très minutieuses et prends le temps d'admirer les quelques pages où les auteurs prennent leur place. Le trait peut ressembler par moment à celui de Gary Gianni, avec cet effet plume d'oie doublant les traits et surtout ces volutes incroyable qui désintègrent par moment les dessins dans une inspiration vraiment atypique et magnifique. C'est tellement réussi que l'album paraît parfois trop sage et l'on imagine un Bourgoin jouant des cadres de cases avec des débordements volontaires... J'ai vraiment découvert un illustrateur de très grand talent qui propose quelque chose de neuf que je ne saurais rattacher à une école graphique. Il n'a pour le moment rien réalisé d'autre en BD mais je guette un prochain projet!
L'intrigue (réalisée à quatre mains) aurait pu être basique, classique. Le simple fait de poser le contexte du dernier mois d'une époque bien connue permet de borner l'intrigue en densifiant la tension. L'histoire est celle de l'ambition, celle de RJ, guitariste d'exception à qui tout sourit ; celle de Jack, ancienne légende des rings contraint de reprendre les gants en fuyant la gloire. Deux destins croisés qui se croiseront effectivement tout au long de ce double album construit en miroir. La subtilité de l'imbrication des deux histoires est une vraie réussite car ce n'était pas évident d'en dire si peu tout en maintenant des révélations en deux temps tout au long du récit. Chaque album a son unité, son héros, qui rencontre brièvement l'autre, avant que tout se rejoigne en toute fin du second volume. C'est une histoire triste que l'on nous narre, celle de personnages mangés par la ville, par leur ambition et celle des autres. Des talents qui ne seront jamais réellement libres, soit car ils sont en avance sur leur époque soit car ils appartiennent au passé. C'est un peu trois périodes qui se rencontrent dans Blue note: celle d'un âge d'or d'avant la Prohibition, celle finissante de la Prohibition, la nouvelle ère ouverte par RJ.
Les meilleures BD sont souvent celle que l'on n'attend pas, celles qui nous surprennent. Blue note en fait partie en réussissant incroyablement l'alliance du texte et de l'image, de personnages forts portés par des thèmes passionnants, iconiques (le musicien de blues noir, le boxeur irlandais) et une époque hautement visuelle et familière dans l’imaginaire collectif. C'est une très belle histoire, dure et inspirée que nous proposent Bourgoin et Mariolle, un blues à l'encre de nuit, une BD qui fait honneur à une bibliothèque et que l'on relit régulièrement.
Une interview des auteurs a été réalisée par le site Bdgest.
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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/11/02/blue-note
L'illustration de couverture est très réussie, plus pertinente que celle du premier volume), reprenant à la fois le thème et la colorimétrie de la série (j'aime toujours quand il y a une homogénéité dans une série) mais surtout proposant un sujet énigmatique et très révélateur de l'album. Un vitrail dessiné très élégant en début d'album rappelle les protagonistes. Ce tome clôt officiellement un premier cycle d'une série prévue en quatre cycles minimum.
Après avoir conquis Taormine en Sicile, Tancrède est intégré à l'armée du Strategos Maniakès. Poursuivant sa propre vengeance en enfermant le moine dans une cage, il voit les alliances se faire et se défaire, chacun jouant sa propre partition au sein de ce théâtre de reconquête militaire.
Le duo Brugeas/Toulhoat est décidément impressionnant. Non content d'une productivité hors norme (on est à une moyenne de 2 albums par an), ils parviennent à produire des BD grand public sur des sujets et traitement pour le moins risqués... Paradoxalement si leur BD la plus mainstream (Chaos Team: des barbouzes dans un contexte post-apo après l'arrivée des extra-terrestres) est leur seul semi-échec commercial, ils choisissent ensuite un polar médiéval très sombre et une épopée diplomatico-stratégique dans la méditerranée Byzantine de l'an Mille!
Le premier tome d'Ira Dei était une vraie réussite, inattendue pour ma part et qui reprenait pas mal de tics graphiques et scénaristiques du couple d'auteurs. La part du diable parvient à rehausser encore le niveau en complexifiant une intrigue déjà touffue, notamment via le ressort des aller-retour: l'album débute sur la grande bataille de Syracuse et nous montre par morceaux quelles inimitiés, quels retournements d'alliances, quels machiavélismes ont mené à ce morceau de bravoure épique qui renverrait presque le Conan des deux compères sorti au printemps au rang de bleuette Nouvelle vague... La lecture de l'album demande de la concentration même si le dessin, toujours aussi clair et précis facilite le parcours oculaire. La grande force de ce volume et le véritable changement par rapport à leurs productions précédentes est l'absence de héros et une impossibilité pour le lecteur de définir le centre de l'intrigue. La multitude de personnages secondaires, bien plus charismatiques et éclairés que les deux centres antagonistes que sont Tancrède et Etienne, crée une toile renforcée par une chute inattendue qui ressemble plus à un to be continued qu'à une fin de cycle. La série sera en effet construite sur des cycles "géographiques" changeant de théâtre des opérations à chaque diptyques, dans une trame néanmoins suivie.
Le personnage de Tancrède est un peu en retrait dans ce volume, en laissant la part belle (comme souvent chez Brugeas&Toulhoat;) aux femmes, manipulatrices, belles, intelligentes, face à une brochette de mâles violents et tous plus retors les uns que les autres qui font chercher en vain quelque chose qui se rapprocherait le plus d'un héros. Dans cet univers machiavélique où chaque acteur semble être le précepteur de Sun Tzu, très peu de manichéisme, ce qui est rare dans ce genre de BD et très agréable.
Graphiquement Ronan Toulhoat n'en finit plus à chaque album de nous régaler. Si vous lisez régulièrement ce blog vous savez que je suis adepte des encrages forts et ce que j'aime chez ce dessinateur c'est son trait très instinctif allié à une utilisation discrète du numérique, dans la colorisation notamment et dans la réalisation d'arrière-plans jamais délaissés: il y a une telle vie dans chacune des cases que l'on prolonge la lecture pour scruter chaque détail. L'autre grande force du dessinateur est son sens du mouvement, à la fois par des effets graphiques très maîtrisés (eyfish, lignes de vitesse) et par un découpage en travelings qui crée une vraie immersion.
La part du diable est peut-être l'album le plus abouti du duo (je sais, je dis ça à chacun de leurs albums...), à la fois exigeant, complexe, visuellement renversant de détails et de précision, proposant à la fois de sombres débats stratégico-conspirationistes et des scènes de bataille grandioses... On ne sais plus s'il faut souhaiter des changements d'horizons pour ces auteurs tant ils nous régalent en proposant à chaque album des créations qui respirent la passion. Personnellement je suis leurs aventures les yeux fermés et pour l'instant je n'ai jamais été déçu.
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Excellent pitch très original que celui de Beauty! Dans un futur proche un virus sexuellement transmissible contamine une bonne partie de la population, provoquant un effet étonnant: les corps rajeunissent, les traits s'affinent... les malades deviennent beaux! Dans ce contexte, un duo de flics de la section spéciale de la police chargée des affaires autour du Beauty enquête sur des décès par combustion spontanée de malades. Très vite ils constatent une conspiration au plus haut niveau, alors que leu vie privée se retrouve perturbée...
Ce premier tome est vraiment bon, alliant enquête de police, conspiration politico-pharmaceutique et action débridée. Graphiquement c'est très correcte même si la colorisation informatique classique de beaucoup de comics aplatit un peu la qualité du trait. Au-delà de l'intrigue efficace j'aime beaucoup ce qu'apportent les différents effets indésirables du Beauty sur la psychologie des personnages et sur les ambitions personnelles. Série à suivre.
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Ce second tome intercale l'enfance d'Eve faite d'entrainement très intense et d'amour filial avec son maître de combat et le projet d'attentat d'un groupe de déchets. On sort un peu de l'univers des Familles pour découvrir comment vivent (ou pas) les humains dans ce monde sauvage. La structure du récit et de la rupture attendue se mets en place, nous faisant comprendre progressivement que toute rébellion est vouée à l'échec. Hormis si un Lazare décide de rompre le ban... Vraiment dommage qu'un artiste plus esthétique ne soit pas aux dessins, la lecture donne vraiment très envie d'une adaptation ciné à laquelle cette histoire se prête absolument.
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Beaucoup entendu parler de cette série du scénariste tendance Greg Rucka, du coup je me lance: dystopie absolue où le monde est régi par des grandes familles à la tête de multinationales, qui font la loi, la police, la guerre, bref, dirigent le monde en un système proche de la féodalité. Les humains sont répartis en trois classes: les familiers (la famille élargie), les serfs, travaillant pour la Famille, et les déchets qui sont considérés comme inutiles. Ce monde est absolument terrible et le scénariste nous fait suivre les pas du Lazare de la famille Carlyle, Eve, machine de guerre invincible formée dès son plus jeune age pour assurer la sécurité de la famille. Impitoyable, elle est néanmoins humaine et s'interroge sur sa place dans la famille et sur l'amour supposé de ce père génétique, le patriarche de la Famille qui entretien une relations ambiguë avec elle.
Si les dessins sont assez difficiles pour moi (style américain fait de numérique très noir et pas toujours précis (style que pouvait avoir Bec à une époque et qui allie photoréalisme et aspect très froid), je reconnais que ce monde sorti des cauchemars de Renato Jones est passionnant en même temps que terriblement dur. On part sur un format long dans le style des séries US et l'histoire (très axée sur la psychologie des personnages) et l'univers justifient de poursuivre la lecture.
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L'aventure continue avec l'affrontement entre deux projets de civilisation, entre celle de la science et celle utopique d'un grand timonier dirigeant par la force. On découvre l'existence d'autres humains réveillés pendant que Senku projette de contrer la puissance brute de Tsukasa grâce à l'invention de la poudre à canon... Le projet de ce manga se structure autour de cette dualité intéressante de recréation de l'humanité sur de nouvelles bases. Le tout reste fortement axé autour des sciences pendant que Boichi nous régale de son trait toujours aussi élégant et de l'humour omniprésent. Manga qui ne m'intéressant pas spécialement au départ je trouve pour le moment que c'est plus construit et solide que Sun-Ken Rock, en restant un manga assez familial qui peut être lu assez tôt mais intéressera surtout les pré-ado je pense.
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J'ai découvert le très grand dessinateur Boichi sur Sun-ken Rock puis sur Wallman. Sa nouvelle série l'associe à un scénariste dans une sorte d'utopie philosophique: plusieurs milliers d'années dans le futur, après que la Terre ait été rendue à la nature suite à la pétrification soudaine des humains et d'une partie des animaux, un groupe de jeunes gens revient à la conscience et mets en oeuvre le retour à la civilisation...
Très bon démarrage pour une série écologique où assez rapidement après l'apocalypse (version très originale que cette pétrification générale) se mettre en place différentes visions de ce que devra être la nouvelle humanité, associant le personnage principal (une sorte d'Einstein du futur), une force de la nature et un combattant hors paire. L'originalité du manga, outre le fait d'aborder des scènes culinaires (comme dans tous les Boichi) est son côté pédagogique et scientifique avec plein d'explications de réactions chimiques, de fonctionnement des inventions, bref de toute la science mise en oeuvre pour recréer outils et matériaux. Un premier tome qui donne bien envie d'enchaîner!
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Ce court album contient une page explicative du projet qui inclut le Batman annual (épisode one-shot publié en fin d'année) sur la relation Batman/Catwoman et un épisode spécial crossover improbable entre Batman et les Looney Toons (!). La couverture, magnifique, est signée Olivier Coipel. Rien de particulier, ça reste un peu cher pour une petite pagination (on pourra me rétorquer que ce sont plutôt les gros volumes Urban qui sont peu chers...).
Pour être tout a fait clair, comme beaucoup j'ai été attiré par la sublime illustration d'Olivier Coipel et sur la thématique de Catwoman. J'avais juré que l'on ne reprendrait plus à acheter un comic sur la base de sa couverture... Si bien entendu la démarche est fort malhonnête commerciale, on ne peut pourtant pas dire qu'il y ait arnaque: les deux illustrateurs à l'oeuvre font un boulot super pro, très esthétique, proposant quelques très belles visions, sur des scénarii aux petits oignons. Si c'est l'histoire d'amour qui m'a tenté, c'est l'improbable version des Looney Toons en mode polar noir qui a recueilli le plus mon attention. En effet la première histoire, malgré une réalisation irréprochable, laisse un air de déjà-vu et l'on se réveille surtout sur les dernières planches nous montrant les vieux jours de Bat & Cat. C'est touchant et ressemble à un elseworld (concept que je préfère chez les super-héros). Sur un si court projet on aurait du coup apprécié d'avoir un cador de l'industrie, même si encore une fois les dessins de cet album sont plus qu'honnêtes. Pour les amateurs de la féline je vous conseille plutôt de vous tourner vers le Catwoman à Rome de Loeb et Sale, toujours indisponible en neuf (merci Pannini) mais trouvable à prix correcte en occasion.
Est-ce la surprise ou le traitement, toujours est-il que l'idée de voir les Looney Toons dans une histoire de Batman, après l'incrédulité, laisse place à une très grosse envie quand on voit le travail de transposition de ces personnages de dessin-animés passés dans l'imaginaire collectif occidental à un univers réaliste de Batman en mode policier sombre et pluvieux... Rassurez-vous, Bugs-Bunny n'est plus un lapin non plus que Titi ou le Coyotte ne sont des animaux. On a une intrigue à la Sin city - femme fatale et amant vengeur - où Elmer est un tueur venu assassiner Bugs le truand aux dents de lapin dans le bouge Chez Porky... Les deux auteurs ont du se régaler à imaginer les versions humaines de ces personnages et le plus fort c'est que c'est tellement crédible que cela nous donne envie de voir un jour une adaptation au cinéma de cet univers (dans un film pour adulte bien sur).
L'impression générale reste donc mitigée entre une réalisation objectivement sans faille pour deux projets manquant d'ambition et un montage éditorial un peu forcé. On pourra porter à la défense de l'éditeur que la culture de la BD reliée qui domine en France impose certaines aberrations... ce à quoi on rétorquera que des histoires de ce genre peuvent soit être offertes dans des packs spéciaux avec un autre album (en fin d'année?) soit vendues exclusivement en format kiosk, le format relié n'apportant rien et étant plus cher. Cet album est plutôt pour les amateurs de curiosités ou pour les fans hard-core et reste assez mineur dans la biographie du Chevalier noir.
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Comme souvent dans les éditions comics françaises après un premier tome bien chargé en bonus, la suite est pauvre, voir inexistante. Heureusement, le sérieux de suivi de maquette chez Glénat comics assure un bel album en couverture non pelliculée (j'aime bien) et une illustration de couverture intrigante et qui révèle la violence de l'album.
Les forces occultes se sont révélées à Rowan et ses amies sorcières et à mesure que son enquête de police progresse elle constate les pouvoirs inouïs de ces puissances. Que lui veulent-elles? Que recherche également l'Aira, ce groupe de chasseurs de sorcières dont les motivations ne semblent pas correspondre à ce qu'en sait Rowan? A mesure que chacun se révèle il viendra le temps pour notre héroïne d'assumer ses pouvoirs et son statut de sorcière...
Ce qui m'a plu dans le premier volume de Black Magick c'est le traitement inhabituel, tout en douceur, l'intérêt des auteurs sur les personnages, leurs relations, plus que sur le background fantastique ou l'action. Bien sur il y a de l'action, également dans cette suite qui reprend le même schéma que l'album précédent. Bien sur il y a de la magie, qui monte en puissance cette fois-ci après la révélation à la fin du précédent. Contrairement à la mise en place du "Reveil" les différentes factions sont connues et commencent à se rencontrer. Le tome est axé sur la prise de contact entre l'Aira (que nous a fait découvrir le long récit fictif de fin du premier tome) et les deux sorcières. La structure enquête policière/confrontation magique/irruption de l'Aira reste inchangée. On monte seulement d'un cran dans la connaissance de l'intrigue et des protagonistes. Cet épisode semble marquer une rupture dans l'équilibre en place en début de série alors que les tensions avec son équipier augmentent et que l'héroïne découvre que les forces du mal ont des projets pour elle...
Sur le plan graphique, on continue de se régaler devant les dessins de Nicola Scott qui use à merveille de ses tons gris-sépia avec quelques irruptions numérique de couleurs pour des effets spéciaux de flammes ou de magie très élégants. La dessinatrice est aussi à l'aise dans les nombreuses scènes intimistes que dans les séquences d'action. L'esthétique générale "côte est" faite de pull-over confortables, de thé au coin du feu et de jolies maisons enneigées participe à l'ambiance ouatée de la série.
Hormis les deux séquences introductives nous relatant l'initiation de Rowan aux vies passées et la disparition de sa mère, on est dans la droite continuité du début de la série et il faudrait que le prochain tome passe la seconde vitesse pour entrer dans l'action, au risque de finir par lasser le lecteur. Mais pour l'instant la recette fonctionne dans un confort certain, comme l'épisode hebdomadaire de la série du moment où l'on retrouve avec plaisir des personnages attachants.
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La série Travis a déjà vingt ans et clôture avec Serpent à plumes le quatrième arc narratif de la série, après les Cyberneurs (tomes 1 à 5), Le Hameau des Chênes (tomes 6 à 7) et le cycle de l’eau (8 à 10). A savoir que chaque cycle est disponible dans une intégrale, bonne formule pour apprécier la série et que tout les éditeurs devraient proposer généralement. La couverture est réalisée depuis le tome 11 par un autre que Christophe Quet, ce que je trouve dommage car ce dernier a produit dans la série de très belles couvertures et que cela trompe toujours un peu le lecteur, même si l’illustration de Nicolas Siner (que j’aimerais retrouver comme illustrateur sur une série BD…) est magnifique.
Enfermés dans un bunker de l’UNESCO où se trouve la preuve de la collusion entre une IA et les cartels de la drogue, Travis et ses compagnons vont devoir échapper à la horde de robots tueurs qui les encerclent en même temps qu)aux redoutables tueurs à gage envoyés à leurs trousses. Pendant ce temps Pacman et son puissant employeur discutent avec le Président des Etats-Unis de la réalité de la menace des cartels sur les intérêts des multinationales au Mexique… Business as usual!
Fred Duval est l’un de mes scénaristes préférés car il a su, discrètement mais avec constance, construire un univers cohérent de SF d’anticipation aux enjeux à la fois techniques et hautement politiques, de la bonne SF qui parle au futur des problèmes d’aujourd’hui. Non content d’être un très bon metteur en scène (déjà sur le cultissime duo Adios Palomita / 500 fusils avec le comparse Vatine). Si ses séries reprennent souvent les mêmes thèmes (y compris sur le récent et réussi Renaissance), l’univers partagé de Travis/Carmen MacCallum est ce qui illustre le mieux cette volonté de réalisme dans un monde où la technologie est réaliste et où les multicontinentales et l’ultra-libéralisme a gagné…
Dans l’arc mexicain qui s’achève les auteurs, à la manière d’un Lupano, parviennent à nous rappeler la rébellion du Chiapas du sous-commandant Marcos des années 90 au sein d’une BD SF d’action à grand spectacle! C’est tout l’intérêt de l’anticipation que de permettre à la fois au dessinateur de se faire plaisir par des designs futuristes tout en parlant de l’hyperactualité, la quasi totalité des inventions scientifiques de la série provenant de techniques existantes aujourd’hui et les idées thématiques prenant leurs sources dans les problématiques actuelles. Si les méchants de ce volume peuvent sembler un peu décevants, l’intrigue techno-géopolitique est toujours aussi redoutable et pointue chez Duval, les dialogues entre Pacman et le président étant le genre de choses que l’on relit pour être certain d’avoir saisi les tenants et aboutissants. A ce titre, je vous suggère de reprendre votre lecture au début de l’arc (Les enfants de Marcos), voir carrément le cycle de l’eau pour vous remémorer les influences de l’IA Dolly sur le scénario de ces derniers tomes. C’est ce que j’aime dans cette série, cette complexité d’intrigues solides qui reprennent toujours les mêmes fondamentaux et habillées par la technologie design et l’action la plus débridée.
La petite déception viens du dessin de Quet… Rassurez-vous, il est exactement au même niveau que sur les précédents albums et maîtrise toujours parfaitement les scènes d’action rapide, très lisibles malgré les angles de caméra parfois gonflés. Mais justement, son dessin n’a que peu évolué depuis le premier Travis et j’aurais aimé une progression technique ou des expérimentations chez cet auteur que je trouvais prometteur. Certaines petites faiblesses passent en début de carrière, moins après vingt ans. Il reste que j’ai toujours un faible pour ses personnages, leurs visages, le design général de cet auteur pour lequel j’ai une petite tendresse graphique.
Serpent à plume est un bon cru dans une série dont seul l’arc du Hameau des chênes était un peu faiblard par son ampleur. Travis reste une série qui maintient une qualité très élevée au fil des ans et qui ne voit aucun essoufflement tant le scénariste parvient à tisser des liens entre ses albums et à introduire de nouveaux personnages et problématiques à suivre régulièrement. Ici se termine pour notre héros l’enfer mexicain avant de rempiler dans sa chasse aux IA et aux capitalistes affreux pour encore de longues années probablement.
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Le petit éditeur réunionnais Des bulles dans l'Océan a été découvert par hasard au détour d'une pérégrination sur Facebook. Souvent les petits éditeurs tentent de se faire une place avec des auteurs semi-pro qui ont des capacité mais pas nécessairement de technique et d'expérience. Au détour d'un catalogue on peut dénicher un auteur qui sort du lot, comme ce fut le cas avec Ronan Toulhoat en 2010 chez Akiléos, jeune auteur débutant, avec beaucoup de lacunes à l'époque mais que le travail quotidien a amené à être aujourd'hui l'un des meilleurs dessinateur BD français du circuit. Pour d'autres comme Mathieu Thonon, le potentiel est là mais l'on ne voit pas de suite... Les quelques planches de Castan présentées par l'éditeur m'ont pas mal bluffé et s'en sont suivi d'un très aimable envoi SP du tome 3 sorti en début d'année.
Castan est une série d'aventure semi-historique réalisée par les frères Morellon. Elle suit le héros éponyme et ses compagnons entrés au service de l'armée du Machawari et de son généralissime Kien Long. N'ayant pas lu les deux premiers tomes je ne vais décrire que le dernier publié: Castan et ses compagnons ont été pris sous l'aile protectrice de la belle et redoutable Kien Long qui impose ses conditions au roi du Machawari, le jeune Rajanh Orcha, soumis à l'influence corruptrice de Jefta. L'heure de la bataille finale contre le roi Xiang et ses redoutables guerriers Uzunu a sonné....
Dès le premier feuilletage de l'album j'ai été soufflé par le style du dessinateur, par la maîtrise de l'outil numérique et la mise en couleur. Ce qui distingue ce jeune autodidacte c'est la maturité de son trait, bien plus élégant et précis que celui de Toulhoat à ses débuts pour reprendre l'exemple ci-dessus. Le trait des personnages est une des forces du dessin d'Alexandre Morellon ainsi que le design général des décors, des costumes, sorte de syncrétisme total de 5000 ans d'histoire de l'humanité mélangeant Inde, Extrême-orient et Arabie avec des influences de l'imaginaire collectif des mille et une nuits. Ces planches sont vraiment magnifiques et dotées d'une colorisation parfois brute de numérique, mais qui donne un éclairage superbe aux dessins. Comme pour Gung-Ho, les allergiques au dessin numérique pourront passer à côté, mais personnellement, pour peu que l'on ne regarde pas trop les détails et les plans larges j'ai pris un grand plaisir graphique à la lecture de cet album en me disant que pour un troisième ouvrage, le dessinateur a un potentiel encore assez énorme! La principale faille du dessin repose sur les fonds de plans, les personnages en pied étant parfois dessinés maladroitement et certaines cases d'action où l'outil numérique montre ses limites, dans la gestion du mouvement et la lisibilité de la page. Mais sincèrement, si l'on replace l'album dans le grand four de la BD d'héroïc-fantasy grand public, on est loin au-dessus de pas mal de productions Soleil.
Niveau scénario, c'est compliqué puisque j'ai pris la série en cours de route et que je n'ai pu que supputer les aventures précédentes. Mais le gros point est la description des personnages et leurs dialogues, très efficaces, percutants. Le personnage du général Kien Long, femme de tempérament à l'autorité indéniable est le plus réussi. Alors que ce genre de série nous à habitué au vieux général sage et ferme, qui a mené mille campagne à la tête d'hommes qui donneraient leur vie pour lui, la transposition de cet archétype dans la peau d'une magnifique jeune femme athlétique et redoutable stratège est très gonflé... et cela fonctionne! Elle vole la vedette au héros Castan qui s'appuie sur des amis peut-être un peu effacés (sans doute la constitution du groupe est-elle narrée dans les deux premiers volumes).
L'intrigue est structurée autour de la stratégie secrète menée pour vaincre le roi Xiang qui donne son titre à l'album et de la conquête de cette forteresse sous le voile des manigances du conseiller du roi, le très perfide et (encore une fois) très bien dessiné Jafta. Cet album parvient à noue faire voyager en une contrée exotique aux tentures d'azure et aux arcades dentelées, parmi les soldats d'armées épiques aux armures étincelantes... la vraie grande aventure en cinémascope!
Je vous invite donc vivement à découvrir cet éditeur et ces deux jeunes auteurs pour une série créative qui fait vraiment plaisir et dont on attend la suite avec impatience.
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Les éditions Futuropolis proposent toujours de très jolis livres, bien fabriqués et généralement dotés de couvertures percutantes. C'est le cas ici et le seul regret (pour une adaptation de roman) est qu'il n'y ait pas plus d’explication sur le travail d'adaptation et sur l'univers dans lequel se place cette BD, nécessairement plus concentrée qu'un roman.
Dans un futur indéterminé les multinationales ont pris le relais des structures étatiques et déterminent la vie des individus, de la conception à la mort: le vivant a été breveté, permettant tous les contrôles des puissances économiques. Quand un concours de circonstance aboutit à la mort d'une employée de grande surface, Jean, salarié aliéné dévoré par sa compagne, va se retrouver au cœur d'une chasse qui va remettre toute son existence en question.
Le temps des sauvages est une BD perturbante. Tout d'abord car Sebastien Goethals (qui sort justement cette semaine un nouvel album) ne nous donne que très peu d'informations (souvent délivrées de façon cryptique) sur cette société dystopique où tout est marchandisé et les seules valeurs sont celles de la concurrente et du succès. L'aboutissement absolu de l'idéal néo-libéral. Et pour cela déjà la BD vaut le coup d'être lue car c'est un gros coup de poing, de gueule ou de tout ce qu'on veut, un peu dans la même optique mais dans un autre genre que le Renato Jones de Kyle Andrews.
On peine à rentrer dans cette histoire à la construction un peu compliquée, passant sans que l'on sache si c'est une volonté ou non d'une séquence à l'autre, souvent aux tons très différents. La temporalité est parfois dure à suivre, comme ces quelques pages qui nous relatent de façon quasi muette la vie du personnage principal. Les images doivent nous donner les clés mais restent parfois obscures. De même, les personnages sont assez nombreux, présentés de façon très progressive au fil de la lecture (l'album est assez épais) si bien que l'on tarde à comprendre qui est au cœur de l'action. Sans doute l'auteur a souhaité exprimer une société déstructurée, mais cela ne facilite pas forcément la lecture. L'album commence par une remarquable séquence d'action, proche d'une mise en scène manga, avec ces personnages de loups humanoïdes donnant l'assaut à un fourgon bancaire. Puis le rythme se rompt pour entrer dans des séquences d'illustration de ce futur affreux. Si l'évolution sociétale est comprise rapidement, le thème de la manipulation générique permettant des croisements entre humains et animaux n'est abordé que factuellement, à mesure de l'exposition des scènes qui nous font comprendre cette réalité pourtant fondamentale. Cela explique des séquences sinon improbable dans un monde cartésien et seulement humain.
Je ne veux pas dresser un tableau trop négatif de cet album qui est doté de beaucoup de qualités, notamment graphiques, mais dont la structure est souvent bancale. Les thématiques sont riches, assumées et souvent originales. Ainsi le thème de l’addiction aux jeux vidéo, aux mondes virtuels, qui se transforme à mesure que l'on comprend mieux l'intrigue en un choix de vie contestataire, de reprise en main paradoxale de sa vie dans un univers où vous ne vous appartenez plus. Bien sur également la critique d'une société ultra-libérale extrapolée plus loin encore que ce que Fred Duval, le grand scénariste de l'anticipation à la sauce Delcourt produit formidablement depuis des années. La thématique de la famille est pour moi l'élément le plus faible car à la fois central et trop peu exploré. La meute des hommes loups est au cœur du récit face à un Jean insipide, creux, faible et auquel on se demande bien ce que les femmes peuvent trouver. Le décalage est cruel entre ces deux antagonistes (les loups veulent se venger en tuant Jean) et l'auteur laisse le lecteur seul pour juger de quel côté il veut se placer. Les femmes sont finalement les seules à même de garder le contrôle et de prendre des décisions dans cette histoire, comme la mère des loups assumant sa liaison, la compagne de Jean, otage volontaire de la meute ou Blanche de Castille (sic) à la fois instrument du système et totalement indépendante.
L'impression finale est celle d'un univers très riche, débordant d'idées, de sujets, lancés de façon un peu chaotique sans clé de lecture, sans fil de fer. Selon le lecteur, cela pourra déranger ou plaire comme une liberté de participer à la construction mentale de cette dystopie. Personnellement j'ai trouvé cela frustrant tout en me donnant bien envie de lire le roman à l'origine de l'ouvrage, qui permet probablement de structurer ce projet aussi rageur et sauvage que les hommes-loups qui en sont le cœur.
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En BD plus la couverture est géniale plus le risque est grand d'avoir une tromperie sur la marchandise, surtout chez les éditeurs américains! Pour "SBF" on a un chef d’œuvre pulp de Paolo Rivera, l'illustrateur de l'excellent The Valiant, qui non content d'en mettre plein la vue reflète absolument et l'histoire et l'ambiance de la BD avec cette fausse couverture incluant des sous-titres à la con. Hormis la pépée dénudée tout le concept est là: un golgoth barbu qui mets des bourre-pif, des ourses sauvages portant des couteaux, un vocabulaire original... manque plus que le côté vaguement scato pour compléter ce projet complètement barré et franchement marrant. A noter que parmi les couvertures alternatives en fin d'album on trouve logiquement Kaar Andrews et même un certain Jerome Opena...
Cet album (qui laisse envisager une suite) a été annoncé depuis pas mal de temps par Hi Comics sur la base du visuel de couverture et est donc une vraie réussite. Pourtant le pari était casse-gueule! Le plus simple est de vous donner un résumé: un colosse barbu et à peu près invincible, qui a grandi parmi les ours de la forêt devient leur principal adversaire après avoir perdu sa dulcinée. Vivant nu et membré comme un cheval, il habite dans une cabane en peaux d'ours et se déplace autour du monde dans son avion-ours. Quand des ours sauvage attaquent Grande Ville, un lieutenant de police héros de guerres vient le chercher pour sauver le monde: le méchant Bucheron, dirigeant de la multinationale du papier toilette Cajole-fesses a décidé de raser les forêts pour étendre sa domination. Mais Cogneur est bien le protecteur des forêts...
Vous l'aurez compris, c'est un univers complètement débile, du vingtième degré, inspiré des films d'action des années 80 et qui n'oublie pas de se moquer de la société puritaine de l'Amérique profonde. Attention, contrairement à Renato Jones (un peu dans la même gamme d'humour) on aucun message politique ici. Mais la pixelisation volontaire des plans de nu de Cogneur sont d'autant plus tordants que cela n'a strictement aucun intérêt dans l'histoire hormis se moquer de l'autocensure des comics. Cette lecture m'a fait pensé à Hot Shots, le chef d’œuvre des ZAZ au cinéma par son côté décalé. Le soucis bien souvent avec ces albums What the fuck c'est la faiblesse de l'histoire. Or ici on part sur une base classique de film d'action, avec exposition tonitruante, traumatisme du héros révélé, trahison et rassemblement final. Très formaté mais cela permet de structurer la narration sur des bases éprouvées en évitant une pseudo intrigue dont le lecteur n'a que faire pour se concentrer sur les mille détails marrants: le policier black qui a participé à la guerre de sécession autant qu'à celle du Vietnam, la société Cajole-fesse et son patron qui fait sa commission sur un "trône d'or", l'avion en fourrure d'ours et bien entendu des combats bien débiles contre des ours parlant...SBF est un bon gros moment de rire décérébré proche du Skybourne de Frank Cho avec un certain côté sérieux en moins. En outre les dessins sont très correctes dans le genre. Je m'attendais à une lecture one-shot et je m'aperçois une fois l'album fini que je le relirais volontiers, avec pourquoi pas une suite encore plus débile!
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L'ouvrage édité par Mosquito reprends l'édition américaine de 2009 en supprimant la préface de Ray Bradburry et en ajoutant une nouvelle de H.G. Wells illustrée par Gianni. La très belle couverture originale est reprise avec la maquette habituelle de l'éditeur grenoblois.
Je passerais sur l'intrigue que tout le monde connaît pour m'attarder sur le travail d'adaptation de Gianni et la proximité avec le matériau d'origine. Je vous confesse que je n'ai pas poussé le zèle jusqu'à relire l'ouvrage de Jules Verne à l'occasion de cette critique, néanmoins il me semble que l'auteur de l'album a recherché plus une reprise graphique des éditions originales de l'éditeur Hetzel qu'une fidélité totale au roman. A ce titre, le style de Gianni et ses aspirations graphiques correspondent parfaitement aux illustrations des ouvrages originaux et il est assez fascinant d'imaginer que si la BD avait existé à l'époque, nulle doute qu'elle aurait ressemblé à l'adaptation aujourd'hui proposée par Mosquito. Le travail de hachures, les positions héroïques et théâtrales ainsi qu'un design résolument rétro, tout concours à faire de cette BD une adaptation plus qu'une oeuvre originale. Les visions proposées pour l'Atlantide, les forêts sous-marines, l'Antarctique ou les calamars sont saisissantes et nous replongent dans nos jeunes années.
Gary Gianni était semble-til conscient des lacunes du récit de Verne, terriblement naturaliste et linéaire, au risque de rendre la BD ennuyeuse. L'auteur américain s'est ainsi efforcé de concentrer son ouvrage sur les moments clés et les séquences d'action, plus que sur des personnages plutôt survolés. Il y a ainsi un paradoxe entre une oeuvre passée dans l'imaginaire collectif et dont on attend souvent une nouvelle version redigérée par des auteurs qui y introduiraient leurs propres visions (comme ce projet avorté de film porté par Mathieu Lauffray) et des adaptations fidèles, trop respectueuses, qu'on retrouve le plus souvent. C'est partiellement le cas ici même s'il me semble que certains éléments sont rajoutés, précisée au-delà du texte original. Nos cerveaux ont absorbés tellement d'images de films, d'illustrations, d'adaptations qu'il est difficile aujourd'hui (à moins de faire un comparatif texte en main) de distinguer ce qui vient de Verne et ce qui vient d'autres, jusque dans la personnalité de Némo.
J'ai trouvé cette version résolument agréable à lire et proposant une très bonne synthèse, au point que je la conseillerais volontiers aux CDI afin de pouvoir faire travailler les collégiens dessus. Entendons nous bien, l'intérêt n'est pas que pédagogique, à commencer par le trait classique d'un des meilleurs dessinateurs américains actuels, mais aussi une vraie fluidité de lecture de cette BD d'aventure autour du monde. Cet album respire la passion de Gianni pour cet univers, moins baroque que ce qu'il produit habituellement mais résolument élégant.
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Un des éléments clés de cet album est la maquette, qui semble avoir été une partie intégrante du projet. L'ouvrage est donc particulièrement soigné (je ne parle pas de la fabrication car je l'ai lu en numérique), avec un cahier final servant de prologue et détaillant l'origine de la passeuse. Un bien beau projet, mais qu'en est-il de la BD?
Dans une cité entourée de murs et soumise à un pouvoir autoritaire protégeant sa population des dangers d'au-delà de l'enceinte, la rébellion s'organise en dénonçant l'absence de libertés et les crimes cachés commis par le Dux. Une passeuse utilise ses pouvoirs magiques pour faire évacuer les résistants de la Cité... en échange d'années de leur vie...
La Valise est une dystopie fantastique réalisée par une équipe de novices en BD et venant du cinéma d'animation. Cela s'en ressent dans l'ambiance générale, tant graphique que dans les transitions qui sont très inspirées du cinéma d'animation. Contrairement à la relative déception Poet Anderson dont la conception est proche, l'album édité par Akileos a pour lui sa cohérence et son caractère fini. Si l'entrée en matière, très élégante, pose un contexte totalitaire connu reprenant l'esthétique des grandes dictatures des années 1930, avec son chef charismatique, ses grand messes, ses résistants et ses exécutions publiques, la fin est assez énigmatique, laissant entendre une reproduction sans fin de la même histoire dans différentes réalités. C'est comme souvent dans ce genre d'histoire, à la fois frustrant par l'absence de réponse, et dynamisant par l'ouverture réflexive que cela produit en nous faisant participer à la construction et l'analyse du dénouement. En imaginaire il est toujours gratifiant de partager quelque chose avec les auteurs au travers de leur ouvrage.
La Valise aurait pu être une énième illustration des régimes totalitaires, avec la fascination de l'esthétique tout particulière qu'ils arboraient et le rôle majeur que la communication a eu dans ces régimes, mais le côté fantastique et le personnage central qu'est la passeuse donnent une tonalité originale que l'accélération de la seconde partie accentue en surprenant le lecteur là où il ne s'y attend pas. L'exposition est en effet lente et longue dans cet album, les auteurs prenant le temps de poser leur esthétique des cases, la construction élaborée et très géométrique du découpage et cet univers très sombre. Car l'esthétique est une préoccupation de tous les instants pour l'équipe créative, jusque dans cette peau noir permettant des contrastes rouge/noir, ces grandes bannières et ces contre-plongées. Puis à compter de la rupture scénaristique du milieu d'album l'ambition devient toute autre, exposant une thématique sur le renouvellement du pouvoir, sa corruption et sur la transformation des aspirations en autojustifications, pour finir une réflexion sur le mal même. A ce stade le tempe et l'espace sont déconstruits pour nous plonger dans les dernières pages dans un vortex étonnant qui nécessite temps et relecture pour bien l'appréhender.
Sur le plan graphique, nous avons des dessins plats, très numériques, dans un style simplifié proche du cinéma d'animation. On peut tiquer au premier abord, mais l'ensemble est très maîtrisé et l'habillage général comme la mise en scène permet de compenser cet "effet plat" comme sur Warship Jolly Roger ou Gung-Ho. Je le répète, personnellement ce ne sont pas les dessins (correctes) qui donnent son cachet à l'album mais bien le travail général sur l'ambiance graphique et le jeu sur l'espace avec cette valise, cette sorcière jouant des dimensions comme sur cette case en miroir inversé où elle progresse dans son manoir ou cette séquence finale dans le non-temps, très réussie, où les auteurs peuvent laisser libre cours à leurs visions, séquence qui peut rappeler l'exceptionnelle série Divinity où les auteurs jouent pareillement du temps et de l'espace.
S'il ne s'agit pas d'un album majeur du fait notamment d'un dessin assez standard, la qualité de réalisation et le plaisir des auteurs que l'on sent à la lecture permettent à ce premier album d'être un beau projet qui vous transportera dans un monde imaginaire en procurant qui plus est une intéressante réflexion sur le pouvoir. Perspectives et limites que j'avais trouvé dans le récent Arale, sur un sujet proche et qui aurait pu gagner en profondeur avec un ou deux albums de prolongations.
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