Les avis de la bedetheque

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Je suis passionné de modélisme et je cherchais un site pour parier sur les compétitions de modélisme. En explorant internet, j'ai trouvé 1win. Ce site est bien organisé et propose une large gamme de paris sur divers événements. Les bonus de bienvenue et les promotions hebdomadaires sont très attrayants. Dans notre pays, la Côte d'Ivoire, un site comme celui-ci est une vraie trouvaille pour les amateurs de paris en ligne. Ce site m'a permis de parier facilement et de profiter de ma passion pour le modélisme.

Et Jodo se calme encore plus....

La boulimie a cessé mais pas la surenchère. Et il y a encore des envies de suicide (et même un suicide carrément) à cause de l'amour toujours. Il y a toujours des prophéties qui vont (forcément) se concrétiser. Il y a encore plus des rites initiatiques. Mais, alors que dans les premiers albums, il y en avait trois par planches (et j'exagère à peine), voici que Jodo construit une histoire avec son lot de surnaturel (qui permet quelques deus ex machina pas piqués des vers) mais sans trop de gloutonnerie nauséeuse que j'aimais tant dans les premiers chapitres...

Et forcément la folie s'efface pour une histoire qui vrille dans le sans queue ni tête. C'est tellement l'absurdie émotionnelle que, lorsqu'un personnage meurt, on s'en carre l'oignon.

Alors et puisque l'histoire entre dans le convenue sans enjeux véritables, ni émotions, le dessin prend la place dans de plus grandes cases et plus grands espaces, dans de plus belles illustrations. Et Arno mérite que l'on puisse le laisser s'exprimer. C'est beau graphiquement.

La régalade devient visuelle et le parti pris de la surabondance ésotérique a disparu corps et bien.

J’admets que le capitalisme financier a tordu le cou au capitalisme d’industrie, mais à force de vouloir partager les richesses, on va finir par partager la pauvreté !
Churchill ne disait rien d’autre … l’histoire lui a donné raison, le socialisme ne marche pas !
Bref, album pour les fans de moraline …

Un épisode bien différent de ce qui nous a été proposé depuis le début de la série.
On a laissé de côté le style hybride SF / Heroic fantasy pour basculer dans du détective / action.
Il faut l'admettre que c'est plutôt réussi. L'intrigue tiens la route, les personnages restent fidèles à leurs personnalités et les dessins sont fluides et captivants.
Les auteurs laissent la place pour une suite sur le même modèle de scénario.
Pourquoi pas ?

Hélas, rien de nouveau sous le soleil de Yoko. Les scénarios sont toujours aussi confus depuis pas mal d'albums. Quant aux premières pages de celui-ci, elles sont totalement inutiles et n'apportent rien d'intéressant si ce n'est d'alourdir une histoire déjà bien indigeste. Des personnages à la pelle au point qu'on devrait rebaptiser la série "Yoko Tsuno et sa smala" ! Et que dire des visages de ceux-ci qui ont l'air à certains moments difformes ! Une très belle série que j'ai adorée pendant longtemps, mais qui s'essouffle, surtout d'un point de vue scénaristique.

Ce tome n'inaugure pas "Les nouvelles aventures de Ric Hochet", malgré le titre, mais "Les aventures du nouveau Ric Hochet", qui n'a pas grand chose à voir avec l'ancien. Nuance ! Et grosse déception.

Un album collectif sur la situation actuelle en Iran et sur le mouvement de résistance "Femme Vie Liberté" face au régime des Mollahs ou plutôt celui des gardiens de la Révolution, comme nous l'apprenons dans cet album.
Un opus qui nous informe également sur l'histoire et la culture de l'Iran et surtout une plongée dans l'horreur de la répression et des violences de ce régime autoritaire, qui se montre sans pitié pour conserver ses privilèges au détriment du pays et de ses habitants.

Série amusante sans plus. Le positionnement mi-comics, mi pin-ups, mi pulps n'est pas déplaisant. Tout ça aurait quand même pu être raccourci , trois ou quatre tomes auraient été suffisants. On sent le scénario construit à vue au fil des tomes et le remplissage. Rien d'inoubliable.

Quand on entre dans le Tokyo Mystery Café, ce n'est pas seulement pour déguster un bon expresso mais surtout pour enquêter sur des affaires assez mystérieuses.

Voilà qu'un jeune apprenti mangaka d'origine française à savoir Nahel qui va être mêlé à une intrigue policière concernant la disparition de sa voisine. On est plongé dans les milieux de la capitale du Japon qui devient comme un élément du décor omniprésent. On arrive à ressentir une ambiance propre à cette ville qui fascine tant les jeunes occidentaux.

Le dessin tout en aquarelle est réellement impeccable avec un rendu graphique assez réaliste. Cela concourt à offrir une agréable lecture qui accompagne le dynamisme de toutes les situations. La colorisation est d'ailleurs assez chaleureuse et donne parfois un côté pittoresque des rues japonaises.

Le lectorat visé par cet album est plutôt jeune. Le divertissement est véritablement assuré et c'est très bien comme cela ! Robotique et intelligence artificielle seront au programme sachant que ce pays est assez doué en matière de nouvelles technologies.

Plus encore, cela nous permet de découvrir le pays du soleil levant avec tout son charme et parfois ses contradictions entre modernité et tradition. Le quartier visé est Akihabara que je ne connaissais pas. On aura droit à un petit bonus en fin d'album avec un reportage détaillé assez intéressant.

Au final, un premier tome réussi et assez prenant. Il y aura sans doute de nouvelles aventures attendues. Les amateurs de la culture japonaise vont littéralement adorés !

Une aventure allemande, pays où se passe une bonne partie des aventures de Yoko en Europe. Le dessin est au tout meilleur niveau de la série, avec des décors somptueux (cathédrale, châteaux) et le train du Rhin très beau lui aussi.
Le scénario a quelques bonnes idées, mais je l'ai trouvé trop tiré par les cheveux. Il n'y a guère que Yoko qui ait vraiment compris l'intrigue et sans son long discours final dans les dernières pages, il aurait été compliqué de comprendre toutes les motivations des antagonistes. J'ai été circonspect aussi par le robot humanoïde en tenue d'aïkido : mécaniquement époustouflant, mais cantonné à un rôle très passif.
J'ai apprécié l'ambiance retranscrite dans le train, avec sa part de mystères.
Au final, cela reste un bon album.

Le scénario est magistral, avec un séquençage d'une grande maîtrise. Le dénouement de l'intrigue policière n'est dévoilée qu'à la fin, sans que l'on soit déçu par sa résolution.
Le dessin et les couleurs sont, eux aussi, de grande qualité.
C'est une des meilleures BD policières qu'il m'ait été donné de lire.

Ce 6ème tome de Lanfeust nous plonge dans de nouvelles contrées, à savoir le Darshan et plus particulièrement les palais des dieux. Le groupe de départ est pour la première fois séparé. Nous découvrons Cixi dans une alliance inattendue (sauf pour ceux ayant lu le spin-off lui étant consacré). Un épisode peut-être un peu plus lent, mais avec de bonnes idées quand même.

J’ai encore passé un bon moment de lecture et j’ai hâte de lire la suite.

J’ai découvert cette intégrale entre les tomes 5 et 6 de Lanfeust de Troy (tel que le conseil l’ordre de lecture). Je n’avais pas de grandes attentes, simplement l’envie de passer un bon moment dans cet univers qui me plaît beaucoup. Il m’a fallu quelques pages pour m’acclimater au nouveau dessinateur. Son trait (un peu plus cartoon) peut gêner au début, mais j’ai fini par m’y faire. Je note un nouveau changement de dessinateur au troisième tome où l’on retrouve un style plus proche de celui de Tarquin. Sans être exceptionnel, le scénario est extrêmement prenant et je me suis laissé prendre dans l’histoire. Cixy est plus sexy et caractérielle que jamais ce qui ravira certainement les lecteurs.

Petit bémol (parce qu’il faut bien en citer un), c’est dommage que le design de l’épée magique de Thanos ne soit pas le même que dans la BD de base, ce choix est très étonnant et n’a pas vraiment de sens.

En résumé, j’ai dévoré cette intégrale que je recommande aux amoureux de Cixy et de l’univers de Lanfeust.

Quand j’ai démarré ma lecture, je dois dire que j’ai été un peu choqué et pourtant, j’ai l’esprit assez large et ouvert. Mais bon, ce type de lecture contribue certainement à ce type d’ouverture. Au final, on se dit « pourquoi pas ? ».

En effet, on commence par une femme de 44 ans qui décide d’abandonner sa carrière sur une chaîne de télévision afin de se consacrer à son projet à savoir avoir un enfant. Le problème est qu’elle n’a pas forcément de compagnon. Alors, elle va faire la tournée sans rien trouver malgré un physique avenant.

Elle va alors demander à un ami homo qui est déjà en couple de servir de concepteur mais il n’y aura pas de résultat escompté. Jusque-là, tout va bien pour vous ? Moi, j’avoue avoir été un peu dubitatif. C’est là qu’elle prend une décision : faire un bébé toute seule comme dirait d’ailleurs un certain Jean-Jacques Goldman. Après tout, on n’est jamais mieux servi que par soi-même. Oui mais pour faire un bébé, il faut dans l’absolu être à deux.

On vit une époque formidable où pour avoir un bébé, on peut le concevoir par éprouvette. La médecine permet de féconder au moment le plus propice en passant par ce qu’on appelle la PMA (procréation médicalement assistée). Sauf qu’en 2018, à la date de notre récit, c’était interdit en France pour une femme seule (ainsi que pour un couple de lesbienne: voir à ce sujet mon avis sur la BD « s’il suffisait qu’on s’aime »).

Bon, on peut toujours contourner cette loi stupide en allant dans un pays étranger comme en Belgique. Le TGV mène d’ailleurs assez vite de Paris à Bruxelles. Notre auteure y fera d’ailleurs de nombreux aller-retour. Là encore, cela ne marche pas forcément au premier coup.

Bref, nous avons là une BD qui insiste sur le fait que la PMA peut être un véritable parcours du combattant. On s’en serait douté. Mais bon, c’est toujours bon d’avoir un témoignage de plus sur cette expérience de vie.

Pour ma part, cela m’aura permis de me faire une idée plus précise car je suis encore de ceux qui faisait les bébés à l’ancienne. Il faut évoluer avec son temps. J’aurais sans doute fais les mêmes choix dans de tels circonstances. On n’arrête pas le progrès !

Sur le reste, j’ai trouvé la BD très agréable à la lecture avec un graphisme assez avenant qui y a contribué. J’ai trouvé également assez marrant ce ton décalé qui apporte un peu de légèreté à un sujet de société plutôt sérieux.

Pour autant, je n'ai pas trop aimé la dérive un peu ésotérique en faisant appel à des charlatans pour déterminer le moment idéal car cela va à l'encontre de la science sur des aspects purement médicaux où il ne faudrait sans doute pas transiger.

Par ailleurs, la conclusion ne m'a pas vraiment satisfait car on ne sait pas ce qu'il adviendra même si le message est bien présent à l'esprit.

Une histoire typiquement Fred-ienne qui m'a profondément ennuyé. J'ai beaucoup aimé Philémon en général, mais ici, c'est vraiment n'importe quoi. L'humour est beaucoup trop redondant.

Voilà un excellent bon 'one-shot' que je recommande ardemment !

J'ai eu l'opportunité de lire la version rééditée datant 2015, qui a bénéficié d'une nouvelle mise en couleurs et couverture par Dominique Osuch.

Le point fort de cette œuvre est de toute évidence son scénario. En effet, l'histoire débute avec plusieurs personnages dont les liens paraissent obscurs de prime abord, puis au fur et à mesure, les faux semblants arrivent, les révélations prennent le lecteur de court, les pièces du puzzle s'assemblent jusqu'à cette chute ahurissante.

Les personnages sont également bien écrits, même les secondaires ont le droit à leur quart d'heure de gloire ou d'échec. Jean-Michel Beuriot a apporté, d'ailleurs, beaucoup de soin aux différentes trognes patibulaires et nous plonge avec délice sur les routes du sud de l'Espagne, dans les années 90.

Une chose est sûre avec "Sang-Neuf" de Jean-Christophe Chauzy, c'est que le récit est très personnel. Sur la forme, on retrouve le style apocalyptique de sa série "Le reste du monde" ramené à sa propre personne, son corps, son état d'esprit pendant cette épreuve. L’œuvre reste sombre dans l'ensemble, le noir et le rouge sont les couleurs dominantes, face aux doutes et aux pensées noires de son auteur, c'est très bien retranscrit et les dessins appuient à merveille les sensations qui submergent le corps malade et apeuré. Malheureusement pour moi, cette œuvre a été plus informative qu'elle ne m'a transcendé sur le plan émotionnel, la faute à des idées qui sortent un peu en vrac dans un esprit tourmenté ? Peut-être pourrais-je mieux l’accueillir plus tard ? Tout dépend forcément de notre age et du contexte de notre vie. Néanmoins, c'est toujours appréciable que certains auteurs osent raconter leur vécu, leurs ressentis sur des choses aussi difficiles ; il y a toujours quelque chose d'authentique dans cette approche et qui me plait.

Le dessin est bâclé, la colorisation moche, le scénario abscons ... La série semble abandonnée, Dieu merci.

Pas du tout con vaincu par cette BD, ses raccourcis, ses ellipses narratives, ses incohérences, ses ambiguïtés carrément gênantes (quel âge a Manon ? Enfant, amante ???). Même le dessin de Frank est parfois difficile à décrypter. Il n'a plus de bleu dans sa trousse à couleurs ?

cet album est dans la ligne de ceux déjà produits par Philippe Pelaez clairement orienté SF/anticipation
il faut bien faire attention à chaque détail pour comprendre
le début est assez ardu mais une fois dan l’action tout semble plus claire et l'on rentre bien dans l'histoire
celle-ci se passe dans un futur proche ou les humains continuent à explorer le système solaire de plus en plus loin avec en point de mire l'hypothétique neuvième planète.
il est à noter que l'existence de cette planète divise encore actuellement la communauté scientifique
cet album comme, par exemple, celui de la série Parallèle du même auteur est basé sur de véritables recherches scientifiques.
J’imagine assez bien Christopher Nolan en faire un film
les dessins sont d'assez bonnes qualités at bien adaptés au récit
un gros plus sur la superbe couverture
un bon album

Quelques gags intéressants et un scénario plaisant pour une bd "à l'ancienne" adressé à un public bien différent de celui d'aujourd'hui, si on exclu les nostalgiques !

Une fin de cycle, annoncée en conclusion, qui est plutôt emballante.
Malgrés quelques invraisemblances scénaristiques, quelques manques de fluidités et de liens entre les scènes d'actions (à mon sens un des plus grands défauts des graphismes de Ceyles dans cette série), on appréciera cette aventure plutôt originale et dynamique.
Je ne l'avais pas encore évoqué mais un autre défaut, toujours graphique (toutes mes excuses au dessinateur), est le manque de régularité du visuel des personnages. Les trois protagonistes du premier cycle ont changé plusieurs fois visuellement depuis que Ceyles en dessine les traits. Même si on les reconnaît facilement, cela reste assez dérangeant au fil des tomes.

Une suite qui tient ses promesses au niveau de l'intrigue. Les éléments s'emboîtent parfaitement et le fait que le groupe soit disloqué pendant la narration apporte un supplément de tension qui n'est pas pour me déplaire.
Au niveau graphique, ça souffle le chaud et le froid. Les personnages sont très réussis, mais il y a toujours se manque de fluidité dans l'action. On a l'impression qu'il y a une contrainte, une sorte d'économie dans le nombre de cases, qui rendent les scènes d'action au mieux peu ambitieuses, au pire incompréhensibles. Interpellant.

En empruntant cette BD, je ne savais pas vraiment où je mettais les pieds. Ah, c'est une œuvre signé Jean-Christophe Chauzy, un auteur dont j'ai eu beaucoup de mal à apprécier ses différentes œuvres par le passé à de rares exceptions près (notamment « la vie secrète de Marine le Pen »). Récemment, « par la forêt » m'avait laissé de marbre.

Visiblement, j'apprends dans la préface que l'auteur a subi une terrible maladie au moment où le COVID s'est abattu sur notre monde et qu'il a dû lutter de toutes ses forces contre la mort. Bref, pour la première fois, une œuvre hautement personnelle comme un témoignage de ce qu'il a traversé.

Et là, je ne reconnais plus l'auteur de ces œuvres comiques que je trouvais trop vulgaire avec un humour douteux. J'ai droit à une autre proposition qui va se révéler la plus puissante que l'auteur n'a jamais produit comme si cette terrible épreuve qu'il a traversée l'avait complètement transformé.

En effet, il arrive à nous décrire dans le plus profond recoin de son âme toute la culpabilité qu'il a ressenti vis à vis de ses proches et surtout le combat contre cette maladie qui a nécessité une greffe de sa moelle osseuse. On va se focaliser non pas sur la maladie avec des explications médicales mais surtout sur la manière dont l'auteur a traversé cette épreuve jusqu'à sa rémission. Il ne fera pas dans la complaisance car il livrera tout avec une profonde sincérité.

Graphiquement, c'est même assez convainquant avec une audace en ce qui concerne les passages sur ce qui se passe à l'intérieur de son propre corps. Le rouge du sang sera la couleur maîtresse qui va dominer l'ensemble des pages de cette œuvre. Je me suis aperçu que l'auteur a beaucoup fait de progrès en matière de dessin pour atteindre un très bon niveau. Je crois que sa série « Le reste du monde » a été comme un déclencheur.

Oui, j'avoue que j'ai été particulièrement bluffé et évidemment assez triste à cette lecture pour avoir également vécu une expérience similaire. Le récit est totalement bouleversant et il mérite incontestablement une lecture. Cela peut arriver malheureusement à chacun de nous. Bien entendu, on essaye de n'y jamais y penser en menant sa petite vie tranquille. Cependant, il peut être utile d'avoir une piqûre, un témoignage de ce qu'est cette réalité de la maladie.

Comme les derniers albums, l'histoire est incompréhensible et les personnages sont amaigris. Une fois de plus, on a aussi droit à une arche de Noé des personnages rencontrés par Yko Tsuno.
De Gieter, l'auteur de Papyrus, avait eu l'élégance de mettre fin à sa série car il était conscient de la platitude de ses derniers scénaris, même s'il avait conservé son graphisme.
Un exemple à suivre.

Au premier regard, j’ai été happé par la couverture ensoleillée et séduit par la qualité de publication de l’Album : couverture + format + pagination. Par ailleurs, les Auteurs ont su piquer ma curiosité. Je connaissais Servain avec l’Esprit de Warren, qui m’avait bien fait flipper il y a 25 ans avec Luc Brunschwig au scénario. Xavier Dorison, on le présente plus … même si j’ai été surpris de le voir associé à un récit contemporain. Bref … des éléments suffisants pour déclencher un achat. C’est une histoire simple et touchante où un jeune homme doit choisir entre les conventions ou une rencontre culinaire. Les personnages sont attachants, le récit est entraînant, une histoire presque banale mais terriblement juste. Un bon moment de lecture pour se sortir la tête de la grisaille. Merci aux Auteurs !

"La Venin" ressemble aux premiers abords à un récit très classique de Western, mais la personnalité du personnage principal, Emily, va apporter un élan de fraicheur, du moins lors de sa découverte. Très expressive grâce aux traits de Laurent Astier, c'est avec un certain plaisir qu'on suit la revanche d'une femme devenue hors-la-loi. Les nombreux flashbacks permettent au récit de ne pas le rendre trop linéaire, même s'ils sont trop présents ; il impose le fait que le récit de l'enfance d'Emily fait partie intégrante de la femme qu'elle est aujourd'hui (en année 1900). Le dessin est très beau, les expressions et émotions des personnages sont très bien traduites en plus d'un découpage soigné et dynamique, à l'aide de paysages vastes et variés, on voyage au fil des saisons sur le continent américain. Une belle série, soignée avec une intrigue souvent remise en question et réajustée selon les twists du récit. Cependant, le récit fini par s’essouffler à partir du T4, où on ne reconnait plus vraiment la Emily battante et expressive des premiers tomes. Une sensibilité qui aurait pu lui donner une corde de plus à son arc de la personnalité, mais malheureusement, elle rentre rapidement dans un coté trop fleur bleue qui en seconde partie, la fait clairement passer en second plan. C'est terriblement affligeant de présenter les choses comme elles le sont dans le T5. L'excellente série lancé des 3 premiers tomes, nous font regretter le manque d'intensité des 2 derniers, avec un T5 qui n'en fini pas. Les dessins perdent aussi un peu en qualité sur le dernier tome : visages assez différents pour chaque dessin d'Emily, problème de morphologie, nez et yeux plats. Bref, il aurait vraiment fallu changer un bon nombre d'arcs narratifs pour rester dans la même veine que les premiers tome de la série et ne pas tomber dans le médiocre : les agents Pikerton sont des guignols qu'on balade partout, ils n'apportent dans grand chose à l'ensemble. C'est dommage pour cette série qui avait quelque chose d’intéressant, mais malheureusement trop inconstante.

Avant de me plonger dans l’adaptation en BD de Manu Larcenet, j’ai souhaité lire le roman original de Cormac McCarthy. Et bien sûr dans la magnifique édition spéciale illustrée par Manu Larcenet.

L’homme, le petit, le caddie, la route … des propos minimalistes.
Un père et son fils errent dans le monde d’après. D’après l’apocalypse, plus rien n’est vivant, tout est noir ou gris, brulé, les cendres sont omniprésentes et recouvrent tout, balayées par le vent, la pluie, la neige. Seuls quelques humains survivent encore, des « méchants » surtout, prêts à tout pour demeurer en vie, même à manger leurs semblables. La peur est permanente dans cette quête quotidienne pour trouver de quoi manger et suivre la route, dans le froid toujours, dans un monde sans soleil, en espérant atteindre la mer, le sud où peut-être ce sera mieux …
L’apocalypse comme une évidence, plus rien n’est vivant, seules les choses du passé permettent de survivre, jusqu’à quand car les réserves s’épuisent et deviennent de plus en plus rares à trouver. Les mots échangés sont rares et précieux, la mort rôde comme une évidence également. Quand les prendra t’elle ?
C’est triste, profondément triste, on pleure, on pleure sur soi, on pleure sur la fin de l’humanité … inéluctable.
L’écriture est dépouillée, les dialogues réduits à l’essentiel, sublime tout simplement sublime.

Un western qui n’a rien de classique, entre un scénario qui puise dans la psychanalyse et le mysticisme pour composer une atmosphère inquiétante, et un dessin qui affiche d’emblée son originalité et sa puissance.

Les intrigues sont complexes, les personnages torturés et aux motivations multiples, les textes nombreux et joliment rédigés, pour obtenir au final un récit d’une grande densité. Xavier Dorison et Fabien Nury joignent leurs forces pour offrir une histoire palpitante, étalée sur plusieurs cycles. Ils réservent nombre de surprises au lecteur et mettent en place des relations extrêmement changeantes entre les différents protagonistes, lesquels font preuve d’une solidarité relative et voient parfois leurs actions dictées par leurs propres intérêts et autres rancœurs.

Au dessin, Christian Rossi émerveille par un trait précis conjugué à une mise en couleurs aux contours peu définis, instaurant dans son univers réaliste une pointe d’irréel, en parfaite adéquation avec les événements surnaturels qui y ont lieu.

Je persévère avec cette série, et en relisant mes précédants avis, je vois que les tomes défiles, les années passent mais que rien ne s'améliore...
J'attends la fin, en supposant que malheureusement cela ne sera pas le prochain tome...

Un graphisme étonnant (on aime ou on deteste), une histoire originale, au fil du temps, et qui surtout laisse énormément de place à l'imagination du lecteur : à quoi sert ceci, cela a-t-il une influence sur le récit, et lui (ou elle), qu'est-ce qu'il (ou elle) devient, et elle (ou lui), où est-elle (ou il) passée ?
J'ai adoré, mais comprends qu'on puisse detester. En tous cas ça ne laisse pas indifférent.

Voir Sean Murphy s’offrir une variation sur le personnage de Zorro n’est guère surprenant. Ce très américain dessinateur trouve dans le Renard une icône du mythe américain et lui permet d’étudier (très légèrement…) à nouveau le lien entre mythe et réalité crue, après son très bon Plot Holes et bien sur la réinvention de Batman. Seuls les aveugles ne verront pas en Zorro l’ancêtre du Chevalier Noir, jusque dans sa Caverne que l’on pourra comparer avec amusement avec la Batcave de Murphy. Réalisé via un financement participatif, cet album en quatre parties (qui atterrit étrangement dans la collection Urban plutôt quand dans le format comic classique) n’a d’autre justification que l’envie d’un des cadors de l’industrie comics de se faire plaisir graphiquement.

Pour le coup on retrouve toutes les qualités du dessinateur et notamment sa capacité à proposer des pages posées à la composition marquante (on notera en comparaison la très banale illustration de couverture choisie par l’éditeur français) et la dynamique de ses cases sur une aventure qui regorge d’action. Trop sans doute. Car si l’on prend un sincère plaisir de lecture loisir on a immédiatement le sentiment, en refermant le livre, d’un petit caprice de dessinateur avec une intrigue famélique et vue mille fois. En choisissant de transposer la figure de Zorro de nos jours dans une vallée gangrénée par un cartel Murphy ne cherche pas d’autre vraisemblance que celle de lui permettre de dessiner les bagnoles dont il raffole. Le reste se bricole pour faire rentrer le tout en quatre parties et en allant piocher des personnages directement dans ses précédentes créations (comme ce guérillero dont on ne sait rien hormis qu’il semble débarquer de Punk Rock Jesus).

La bonne idée est de faire de Zorro un benêt que le traumatisme d’enfance a cantonné dans les histoires. Se prenant pour Zorro (et en ayant le talent athlétique), il jacte à l’ancienne en se croyant dans les aventures du héros masqué. Cela crée un humour en décalage avec la crudité des affrontement très sanglants contre les mafieux. Cet apport participe à la dynamique d’ensemble mais ne participe pas à construire des relations entre personnages et une histoire intéressante.

On ressort donc avec un plaisir immédiat mais le sentiment tenace que Sean Murphy s’est bien amusé mais n’a jamais tenté de créer une BD digne de ce nom. Si vous êtes amateurs du personnage de Zorro ou fana de tout ce que fait Murphy cela pourra vous contenter et justifier de conserver ce bel objet dans votre bibliothèque. Pour les autres ce Zorro s’avère un effort très dispensable et très oubliable auquel on préfèrera le Don Vega bien plus intéressant.

Lire sur le blog: https://etagereimaginaire.wordpress.com/2024/07/12/zorro-dentre-les-morts/

Je vais donner mon avis sur cette BD et cela sera sans aucun doute avec le minimum de complaisance sans tomber dans le dithyrambique.

Sur la forme, nous avons un très grand format pour le moins assez inhabituel. Celui-ci permet de donner au dessin toute sa dimension car on dirait de grandes toiles de tableau peignant des scènes de façon assez minutieuses jusque dans les détails de cette exode que nous suivons. Oui, on peut être assez époustouflé par le travail graphique de l’auteur. Il y a incontestablement un sens à toute cette esthétique.

A noter également qu’il n’y aura pas de phylactère mais un bref commentaire qui fait office de narration pour nous expliquer le contenu de ce récit. Nous avons une ville qui tombe sous le joug de l’ennemi et quelques rescapés qui partent sauver une sorte de flamme olympique afin de la préserver. Il s’en suivra un exode qui semble durer des années avec la traversée de différents paysages assez diversifiés. L’objectif est de rejoindre une ville refuge située très loin plus à l’Est.

Il s’agit de ma mythique Agartha qui est une sorte de royaume souterrain assez mythique. La thématique est celui de la survivance d’un peuple qui essaye de transmettre le savoir divin. Il faut savoir que l’Agartha est souvent présentée comme un monde idéal en paix et sans violence où l’on trouve toutes la connaissance du monde ainsi que des pouvoirs surnaturels.

Honnêtement, il n’y a rien de révolutionnaire et cela sera vite lu sauf si on s’attarde de longues minutes sur chaque page afin d’en admirer toute la beauté. Il me reste à aborder la question du prix de cette BD que je juge assez élevé (presque 30€) pour un plaisir qui reste quand même assez limité. Je pense que le changement de format apporte une inflation assez notable à cet objet. Pour ma part, c’est assez dispensable.

Que dire ? Que l’histoire est chouette et totalement immersive ? Qu’elle est parfaitement imbriquée dans l’origin story de Tex ? Que les dessins sont à tomber ? Du grand art à tous les étages.

Une aventure de Tex en solitaire car, une fois n’est pas coutume, notre héros doit se débrouiller seul face à un grand nombre de fripouille, un chef charismatique et des pécores crédules. Affrontements psychologiques et manipulations ont ici autant de poids que des plombs chauds ! Quel(s) talent(s) au service de cet album.

Chabouté excelle dans le sensible, l'insaisissable, l'impalpable. Son dessin, ses angles de vue, ses personnages n'ont pas besoin d'être accompagnés de paroles pour que l'on soit touché par eux. Ici le texte arrive à mi parcours, mais il est presque superflu. Son trait possède de la magie pour que l'on soit emporté de cette manière. Un personnage qui penche la tête, un regard, un soulèvement de sourcil, et l'histoire commence. Merci :

Album hypnotique et très profond, d'une tristesse infinie. Le trait qui s'apparente souvent à du croquis rend encore plus poignantes les émotions du père, incapable de faire le deuil de sa fille. Très beau, très humain.

Ce tome qui donne moins la part belle à l'action, se concentre plus dans une nouvelle mise en place. Une mise en place nécessaire, suite à la conclusion de l'épisode précédent où les cartes ont été redistribuées de manière inattendue et intéressante.
Graphiquement, les dessins sont agréables et les quelques défauts des tomes précédents ont été gommer.
L'intrigue et l'intérêt de la série sont bien relancé.

Une tournure intéressante dans ce chapitre des aventures de Slhoka. On parcourt sans déplaisir ce tome au scénario cohérent avec, il fait bien l'avouer, un petit manque de constance.
Au dessin, on reprochera un manque de fluidité dans les scènes d'action avec des situations pas toujours très claires. Un storyboard mieux travaillé aurait pu gommer ces petits défauts.
L'ensemble reste de bonne facture.
Avec cette conclusion, le tome suivant s'annonce vraiment passionnant.

Bon les dessins, c'est Ok (top! les filles sont belles, sexuées tout comme les mecs d'ailleurs tout plein de muscles; les décors sont exotiques et les bastons dynamiques). Y a du plaisir des yeux pour celles et ceux qui aiment le dessin comics des années 80.

Question histoire, y en a tout plein qui se chevauchent les uns après les autres sans aucune cohérence. Et c'est rigolo!
Rendez vous compte.: Warlord tombe dans une salle aux trésors ou il y a un bouclier. Bagarre. Il part avec le bouclier qui porte un être malfaisant. Bagarre. L'être malfaisant l'envoie balader aux fins fonds du pays alors qu'il était à deux doigts de retrouver sa tendre. Bagarre. Là ils tombent sur des titans. Bagarre. Puis il rencontre une nouvelle copine. Ils partent. Hommes volants. Bagarre.
Et la série est finie et tout est à refaire vu qu'il recrapahute ....Sans avoir solutionner quoi que ce soit. Il y a encore des aventures de "Démons", un magazine.

La curiosité va m'y pousser, je pense....

Album pas trop mal. On va dire le moins mauvais des albums scénarisés par Uderzo. Même si l'auteur est un génie du dessin.

Bof, sans intérêt. Long et ennuyeux. Album sans grande originalité. On est loin du style de Goscinny.

Le pire album d'Astérix. Un album sans scénario avec des personnages laids. Les noms sont à moitié compris. Cet album ne contient aucun humour. Les bagarres entre romains et gaulois sont inutiles. Les références à Aznavour m'ont à peine fait sourire.

Un très bon album. Très bien construit, drôle et original. Le travail de Ferri est meilleur dans ses propres œuvres.

Cet album est vraiment décevant. Tant par l'histoire que par le dessin. On a du mal à se repérer. Cela gâche un peu la série.

Très bon album. Un univers bien construit. Des histoires qui suivent bien. Les albums dérivés des Profs sont tout aussi bons que les originaux.

Ariane de Troïl est née le même jour, quelque part en Auvergne, que le Dauphin du Roi en sa capitale parisienne. Rien ne les rapproche, mais leurs destins se trouveront liés par les hasards de l’Histoire.

Pour cette série qui fait partie des classiques de la bande dessinée à caractère historique, Patrick Cothias situe son intrigue dans la France du début du 17e siècle. En sept tomes, il compose une œuvre qui multiplie les protagonistes et il enchaîne les révélations, fait évoluer les personnages et leurs relations réciproques, décrit avec minutie le quotidien du palais et du peuple, forcément aux antipodes, pour aboutir à une scène finale qui compte parmi les plus poignantes du 9e Art.

André Juillard, maître du genre, offre des planches d’un classicisme inflexible, mais d’une très grande classe, rehaussées de couleurs tout en délicatesse.

Le jour de l’enterrement de son père, le jeune Bernard Sambre rencontre Julie, une belle braconnière aux yeux rouges. Dès le premier regard, leurs cœurs s’enflamment, et les voilà pris d’une passion qui annonce les drames, appelle les pleurs.

Sur fond de révolution populaire, Yslaire, dans un premier temps sur un scénario de Balac puis en solo, compose une histoire d’amour impossible, contrarié tant par les hasards de l’existence que par une lutte des classes qui place les amants dans des camps opposés. Le texte, évidemment, se veut lyrique et chante les tourments des personnages dans un style parfois emprunté, mais qui évite le pathos dans sa retranscription endiablée des sentiments.

À mesure que le récit progresse, dévoilant au passage des planches d’une grande beauté, où les tons de rouge, omniprésents, rappellent le nœud de l’intrigue, le suspense se fait plus intense. Les protagonistes se multiplient, de même que les rebondissements, pour se terminer, avec ce quatrième tome, en apothéose.

Perdu dans une guerre d’Algérie qui n’est pas la sienne, Messonnier aimerait passer moins de temps à combattre qu’à compter fleurette à une jolie fille du pays. Est-ce la raison de sa mystérieuse disparition ? A-t-il fini par déserter pour retrouver sa belle, ou plus simplement pour échapper aux horreurs quotidiennes commises au nom de la patrie ?

Azrayen’ raconte l’histoire de la guerre menée par la France dans sa colonie africaine, à travers le regard d’un soldat qui rêvait d’un autre avenir. Frank Giroud s’inspire de sa propre histoire familiale pour dépeindre avec crédibilité la réalité du conflit pour les différentes parties prenantes, avec pour parti pris un ancrage dans la réalité du terrain. Aux dessins, Christian Lax dépeint avec classe des paysages d’une grande beauté, dont les couleurs feutrées parviennent par instants à faire oublier la guerre, ses exécutants et leurs exactions.

Il en résulte un parfait équilibre entre réalisme pur et inspiration artistique. Ce tour de force se traduit par des planches qui donnèrent, au moment de leur réalisation, une envergure supplémentaire à leur créateur.

Emmanuel Guibert, figure majeure de la bande dessinée indépendante, fait ici équipe avec Didier Lefèvre, photographe, pour raconter le périple de ce dernier en Afghanistan, où il a accompagné une mission humanitaire.

Les auteurs décrivent avec réalisme et une réelle affection le quotidien des membres de la mission, leurs déboires autant que leurs moments de joie, ainsi que la vie et les coutumes des populations locales. Le ton se veut didactique, mais sans lourdeur, porté par des personnages captivants et une grande richesse de fond.

Ce qui surprend au premier abord, c’est la composition des planches. Les dessins de Guibert se mêlent aux photos de Lefèvre, pour donner naissance à une œuvre hybride, mais pourtant d’une grande cohérence. Les différents modes d’expression se rejoignent, se complètent à merveille et forment un ensemble parfaitement lisible, d’autant plus que les couleurs de Frédéric Lemercier brillent elles aussi par leur discrétion, leur finesse et leur parfaite intégration dans le graphisme général de la série.

J’ai été un peu perdu par la forme : le chapitre suivant explique les évènements qui ont amené ce que l’on vient de lire dans le chapitre terminé. Je m'y suis perdu au milieu de l’histoire.
Cependant il y a de superbes couleurs, des dessins caricaturaux servant à souhait ce western moderne au sein d’un Paris des années 70, des gueules comme il y en a dans les fims de Blier et des tranches de vie qui ont chez moi fait référence à des détails de ce que j’ai vécu : amour, amitié, cupidité, trahison, envie de s’évader.
Un bon moment d’évasion pour ma part.

Sans l’avis des lecteurs je n’aurais jamais acheté cette BD : merci à tous de critiquer ce que vous avez lu !
Car je ne suis ni fan du dessin: un peu trop manga pour moi, ni des couleurs: un peu trop digitales. Sur la base de ces éléments je n’aurais jamais épinglé cette BD à ma collection.
Par contre quelle idée ! Se voir priver de son corps par un autre soi. C’est génial, bien construit, cela fourmille de personnages secondaires qui ont tous leur place et au-delà du « divertir », cela fait « réfléchir » à comment on remplit les jours qu’il nous reste avant qu’ils disparaissent.

Achetée le jour de sa sortie, lue seulement hier...
Il est clair que ce n’est pas la BD la plus rigolote que j’ai lue, cependant j’ai adoré l’ambiance que les auteurs ont réussi à décrire
Les dernières pages expliquent le processus de création cette BD atypique : cela a été un ping-pong entre l’auteur et le dessinateur. Connaitre ce process n’apporte rien à l’histoire, mais montre combien la symbiose entre les deux a bien fonctionné.
Je n’aime pas trop le dessin, mais les aplats de couleur permettent de créer une ambiance et de recadrer le trait parfois fouillis et volontairement imprécis.
On sort de là triste et joyeux à la fois : sensation super bizarre, mais finalement l’art c’est faire passer des émotions et là c’est réussi.

Certains mangas ont des titres assez marquants qui peuvent attirer tout de suite l'attention. Cela sera le cas avec cette question existentielle à savoir mais qu'est-ce qui cloche avec ta vie en ligne ? Bref, vous avez vraiment envie de le savoir ? Vous ne connaissez pas la réponse ? Alors, c'est parti pour une découverte de ce manga à vos risques et périls !

Il est question de monde réel et de monde composé de réseaux sociaux où l'on ne se connaît pas vraiment, un peu comme Babélio d'ailleurs. On va observer un couple qui ne s'est jamais rencontré dans leur existence et qui vont adopter sur un forum des personnalités totalement opposés à ce qu'ils sont réellement dans la vraie vie. Cela fait peur mais c'est assez intéressant comme thématique.

A noter qu'il s'agit d'un titre coréen du sud (et non du nord où je doute qu'un couple de jeunes puissent avoir la liberté de communiquer sur un réseau social). On appelle cela un manhwa. Le graphisme est plutôt soigné et c'est paru dans une très belle édition de qualité. Il y a une réelle précision du trait et la colorisation a été effectué à bonne escient.

J'aime bien les comédies romantiques ainsi que ce thème vie réelle/vie virtuelle. Certes, mais la lecture de ce manga s'est révélé un peu décevante à cause d'un bavardage incessant qui ralentit le rythme. Bref, cela manque singulièrement de dynamisme et de piquant dans ce premier tome introductif qui ne me donne pas envie de continuer l'aventure sentimentale.

Certes, la suite sera peut-être un peu mieux dans l'exploration de leur découverte sentimentale mutuelle mais il n'y a pas (ou plus) de séances de rattrapage avec moi tant il me reste peu de temps pour la découverte de tout ce qui existe et qui est paru ces dernières années.

Une BD sympa pour ceux qui aime l'égyptologie.
Par contre, il y a un détail étrange : Thomas Reilly est brun dans la partie qui se passe à notre époque, et blond dans le flashback.

Anne et Gérald s’installent dans la campagne ardennaise. Ils y découvrent un monde à mille lieues de leur existence de citadins, où la sorcellerie dépasse le simple cadre du folklore. L’univers que dépeint Comès est celui de l’ancien temps, mis à mal par l’avènement d’une pensée plus rationaliste et d’une technologie en plein développement, mais qui garde par endroits de farouches adeptes.

Pour Anne, l’acceptation d’une nature qui dicte ses lois à l’homme, contraint de s’y plier et de vivre en harmonie avec son environnement, se fera progressivement. Enceinte de son deuxième enfant, elle trouve dans la nature et sa qualité de mère nourricière le réconfort que l’Église et ses dévots n’ont jamais pu lui apporter. Ce sera également l’occasion pour son premier fils, autiste, de s’ouvrir à un monde qui accepte sa différence.

Comme à son habitude, Comès place l’humanité et l’authenticité des relations au centre de son récit. Les contes et légendes de nos ancêtres, pour un temps, redeviennent réalité sous la plume de l’auteur, lequel nous gratifie en outre d’un dessin en noir et blanc d’une grande élégance.

À sa sortie de prison, Zoé se sent bien seule. Elle se raccroche donc à l’unique héritage qu’il lui reste, une maison que lui a léguée sa grand-mère dans le petit village de La Goule. Alors qu’elle ne pense qu’à reprendre une vie normale et rangée, elle découvre rapidement que le calme dont semble empreint cette bourgade comme il en existe tant n’est que faux-semblant. Peuplée de personnages inquiétants, la région s’avère moins accueillante qu’il n’y paraît. À part Hugo, un peu simple d’esprit mais dont l’amitié n’est pas feinte, aucun ne semble avoir trop intérêt à ce qu’un étranger vienne mettre son nez dans les affaires des villageois.

Chabouté propose depuis ses débuts une œuvre qui n’est pas sans rappeler celle de Didier Comès, non seulement en marquant une préférence pour les récits en un volume et en noir et blanc, mais aussi en traitant de thèmes similaires : sorcellerie, loi du silence dans un village isolé, difficulté de vie en société pour des êtres fondamentalement différents, lutte entre tradition et modernité, etc. L’approche est toutefois plus actuelle, avec un récitatif moins présent et une importance accrue donnée aux silences, aux cadrages. Ainsi, il n’hésite pas à offrir de longues séquences muettes, en faisant passer par le dessin des informations pour lesquelles tout texte aurait été superflu. Sa maîtrise du noir et blanc étant parfaite, le résultat est invariablement une réussite.

L’auteur offre ici une histoire au caractère très humain. Grâce aux personnages qu’il crée, à commencer par Zoé et Hugo, et à une belle mise en scène, il impose une marque qui, malgré une certaine filiation, n’appartient qu’à lui.

Un magicien pour imaginer les êtres peuplant le monde et un grand chêne aux pouvoirs divins pour leur insuffler la vie. Curieuse association entre deux êtres qui, entre collaboration et ressentiment, donnent naissance à un univers parallèle à celui des hommes. Entre furets et transparents, qui en sont tous deux issus, les relations ne sont d’ailleurs pas au beau fixe, tant le poids d’une faute passée continue à peser sur les épaules de tous. Par un pur hasard, Andréa et Elwood, deux furets, se retrouveront mêlés à cette histoire de légende.

Si le monde créé par Christophe Gibelin est un ravissement en soi, lui qui allie douceur et cruauté dans un même mouvement, la série aura surtout marqué les esprits par le dessin de Claire Wendling, dont les apparitions en bande dessinée sont aussi rares que délectables. Trait d’une rare finesse et couleurs harmonieuses se confondent pour conférer à chaque planche une grande beauté. Ce serait toutefois faire injure au travail du scénariste que d’en rester là : entre une légende dont les répercussions n’ont pas fini de nous étonner et des personnages qui sont autant de portraits minutieux et approfondis, Gibelin aura réussi le parcours sans faute.

D’une parfaite harmonie entre récit et illustration, « Les lumières de l’Amalou » est une série qui dépeint un imaginaire éblouissant.

Le monde des hommes est gagné par une violence sans cesse renouvelée et la ville de Carlotta en porte les stigmates. Un homme, pourtant, n’a pas perdu espoir et met tout son art de créateur d’automates au service d’une chimère : faire revivre le temps des fées en donnant l’œil-fée à l’un de ses pantins.

« Fée et tendres automates » est la série qui a révélé le talent de dessinatrice de Béatrice Tillier. Par son style tout en finesse et ses couleurs lumineuses, elle donne à ses planches des airs de féérie, tout en n’excluant pas une violence dépeinte avec fougue. Les textes aux accents poétiques de Téhy accordent une grande importance aux récitatifs et accompagnent le lecteur dans sa découverte d’un univers fascinant. Le troisième et ultime tome de ce triptyque marque une rupture, non seulement par une précipitation vers une fin déchirante, mais aussi par un changement de dessinateur qui, une fois la surprise passée, s’accorde finalement bien avec l’évolution du scénario. Le trait de Franck Leclercq est en effet plus brut, plus direct, tandis que les couleurs signées Le Prince portent en elles un côté beaucoup plus sombre.

C’est par un déchaînement de force brute que se ponctue cette série, laissant une impression de grand opéra baroque. L’ultime page de cette fabuleuse série constitue par ailleurs un grand moment d’émotion dont la densité perdure une fois le livre refermé.

Je n'ai pas pu aller au bout de cette série ennuyeuse à mourir. Je dois avouer que les scénarios de quêtes ésotériques à la manière de Da Vinci Code me laissent de marbre.

Un album choral, doux amer, pour apprendre à accepter la mort comme faisant partie de la vie.
Avec ce premier ouvrage, SantaMatita réussit un exercice plutôt casse-gueule: parler de la mort sans détours et surtout sans plomber l'ambiance.

Une adaptation très médiocre de Gaston leroux ; les personnages sont difficilement différentiables ; le dessin est lourd et indigeste ; le fantôme n'est pas seulement psychopathe, mais il est dénué d'humanité, ce qui n'est pas l'esprit du roman de Leroux, me semble-t-il.

Oui, Oui .... mais non !
La route, adaptation du roman de Cormac McCarthy (pas lu) par Larcenet.
Je m'attendais à un truc sombre, genre road-movie désespéré sous prozac ... ben c'est pire que ça.
Ah certes les dessins sont beaux, en noir et blanc, parfois dans des dégradés de gris, et bien déprimants à souhait. On se croirait sur la cote Normande au mois de février. L'ambiance de fin du monde avec une retombée permanente de cendres est très bien rendue. Mais ça s'arrête là.
Les personnages ne sont pas crédibles, on ne sait pas d'où ils viennent ni où ils vont, et à part croiser quelques cannibales, ben il ne se passe rien. Je me suis ennuyé du début à la fin ... lu en 30 minutes, car il n'y aucun scénario.
Franchement, 30 balles pour ça et un format "belle BD", c'est abusé et survendu.

Le célèbre Hayao Miyazaki nous fait l'honneur de découvrir une nouvelle qu'il avait publié au Japon en 1983 soit 2 ans avant lac création des studios Ghibli qui le rendront mondialement célèbre grâce à ces diverses film d'animation.

Je trouve que c'est bien de le retrouver dans un décor typiquement asiatique qui rappelle le Tibet ainsi que la route de la soie. Le récit est d'ailleurs tiré d'un ancien conte tibétain et forcément modernisé à la sauce de l'auteur.

Il est vrai que le scénario révélera pas mal de surprises assez intéressantes. J'ai dû attendre longtemps avant de pouvoir mettre la main sur ce titre dans le cadre du prêt dans ma médiathèque. Evidemment, ce manga est plutôt assez prisé par les fans de l'auteur.

Le graphisme est tout simplement magnifique dans des décors qui font rêver. Les personnages ressemblent à ceux que l'on a pu voir des œuvres comme « Princesse Mononoké » ou encore « Nausicaä ».

La thématique semble être celui d'un monde où l'on importe de la nourriture sans vouloir la produire soi-même. Or, pour pouvoir importer, il faut payer un prix assez élevé car ici, il s'agit de l'esclavage et la traite d'êtres humains. Oui, la cupidité n'est pas très loin. Cependant, notre héros Shuna semble briser cette acceptation des règles de ce monde pour pouvoir sauver son peuple qui meurt de faim.

Bref, c'est incontestablement un titre à découvrir pour ceux qui n'ont pas encore eu cette chance. Il est vrai que j'arrive assez tardivement mais il n'est jamais trop tard pour les bonnes choses.

La prémice est vraiment bonne, beaucoup de potentiel. Dans les faits, on se perd un peu dans les textes que j'ai trouvé inutilement opaques. J'ai le feeling que l'auteur a voulu nous ramener au langage de l'ouvrage original, mais ça travaille contre son récit à mon avis (et je suis loin d'être opposé au fait de devoir travailler lorsque je lis). J'ai fini ma lecture hier et je n'ai pas eu le choix que d'aller voir en ligne pour essayer de comprendre ce que je venais de lire. Un autre lecteur a très bien résumé ma pensée en disant que le récit cherche a inverser la perception du lecteur face à la Circé de l'Odyssée et, par le fait même, celle d'Ulysses et ses compagnons, beaucoup moins héroïque en fait que ce qu'Homère nous a décrit. Donner de la profondeur à un personnage mis au second plan dans l'oeuvre originale est un brillant effort, mais les discours grandiloquents m'ont empêchés de pleinement absorber la finesse de la prémice.

Petite note quand même niveau graphique, c'est très différent de ce qu'on peut habituellement retrouver dans les BD récentes et ça mérite d'être souligné. Je suis ambivalent parce que je trouve que certaines planches où on tombe dans le métaphorique et surnaturel sont très bien illustré avec le style hachuré dérangeant, mais que les planches plus posées sont exponentiellement plus complexes à lire à cause de ce même style.

Je suppose que je le recommenderais à un méga-fan de l'Odyssée, sinon passer son tour.

Junji Ito est excellent, mais en général je trouve qu'il en arrache sur ses récits plus longs. J'ai lu Uzumaki, Tomie et Gyo ainsi que deux receuils de ses histoires plus courtes. Gyo ne se situe pas au fond de la pile, mais pas loin. La prémice est intéressante, mais je pense qu'il y a beaucoup de gras dans le scénario qui aurait dû être coupé. Je m'attend à dire "what the fuck" en lisant du Junji Ito, mais ici c'était plus "what... the fuck?". La nuance est importante. Je ne comprenais pas toujours où il s'en allait avec son récit et ça se ressent comme si lui-même ne savais pas où m'amener. Certains chapitres m'ont donné l'impression d'être juste là pour lui permettre de dessiner certains trucs dont il avait envie d'explorer sans que ça ne se rattache très bien au restant du scénario.

Niveau artstyle, j'ai rien à dire. On est dans du Ito pur et c'est beau à regarder. J'ai moins eu le côté dégoutant/dérangeant qu'il s'amuse régulièrement à explorer habituellement. On est dans une partie plus soft de son oeuvre je pense.

Petit truc très frustrant, la police est en majuscule et en gras. Ça donne l'impression que les personnages crient tout le temps. C'est pas grave et on s'habitue, mais je ne comprend pas le choix de cette police-là.

Bref, une oeuvre que je recommande surtout aux puristes.

L'auteur travaille dans le storyboarding pour les jeux vidéo et les films et ça paraît. C'est vraiment bâti comme un blockbuster américain tout en ridiculisant la culture de surconsommation américaine.

Niveau art, rien à dire. C'est magnifique. Mention spéciale aux perspectives qui sont ultra bien maîtrisées (ce qui est pas évident). Les choix de couleur sont top et aident à nous situer dans les années 80 où la série se situe. 5/5

Au niveau de l'histoire, c'est très rocambolesque. Quelques passages sont légèrement plus long, mais on a pas le temps de s'ennuyer. J'ai l'impression de me faire amener en avion très très haut. J'ai un peu peur de voir comment unaussi beau voyage pourra bien se terminer. Je reste un peu plus méfiant de ce côté-là. Considérant que ça fait 4 ans que le 2ème tome est sorti et qu'on a pas de nouvelle du 3ème, j'en ai encore pour un bout à rester sur ma faim.

Ça reste une excellente lecture qui montre à quel point la BD peut être un beau medium quand c'est utilisé par quelqu'un qui sait comment l'utiliser pour raconter une histoire (jusqu'à présent, du moins).

Jeff Lemire a fait une genre de préface à la fin du comic pour donner son avis et il a mis le doigt dessus. Je vais essayer de faire ma version dans mes mots sans être trop redondant.

Ce comic a une facette horreur et une facette politique/commentaire social. C'est probablement deux des thèmes les plus difficiles à aborder correctement et efficacement sous forme de comic.

Premièrement, l'horreur. À mon avis, 99% du temps un comic d'horreur ne fait pas peur. C'est la faute du médium plus que de ses auteurs. Ce n'est pas un medium qui favorise l'horreur. Y'a quelques auteur qui sortent du lot (Junji Ito pour ne pas le nommer par exemple). Je dirais que Pornsak Pichetshote vole dans les mêmes sphères. Ce n'est pas parfait, mais c'est clairement un des comics les mieux réussi au niveau de l'horreur que j'ai eu la chance de lire.

Deuxièmement, le côté commentaire social. C'est là où l'ouvrage brille le plus. Évidemment, ça traite beaucoup de racisme à un point de vue individuel plutôt que systémique. Ça fait en sorte qu'on voit les perspectives individuelles de plusieurs personnages sur les questions raciales. Au final, on peut être plus d'accord avec certains, mais c'est pas noir ou blanc. C'est gris, ma couleur scénaristique préférée. Tous apportent des points qui méritent réflexion.

Bref, métaphoriquement Pichetshote a scénaristiquement tenté de jongler avec 3 tronçonneuses activée et malgré qu'il s'est erraflé à quelques reprises, il a donné un sacré bon spectacle. La fin m'a un peu déçu par contre, c'est particulièrement à ça que je pense lorsque je regarde les points plus faibles de l'ouvrage.

Ça c'est du Lemire que j'aime. Scénario axé principalement sur ses personnages principaux et leurs émotions. Très mélancolique, rappelant beaucoup The Underwater Welder du même auteur. On se situe dans le même genre de récit que celui du film Manchester By The Sea. Une ville col bleu et un protagoniste un peu loser au passé tragique. Il y a toujours cet espèces de nuage gris qui flotte au dessus du récit, comme une tumeur qui ne réussi jamais vraiment à partir. Les deux premiers tomes m'ont énormément plu et ont monté la table pour un récit à plusieurs facettes, avec plusieurs poursuite individuelles contradictoires. En voyant qu'il me restait juste un tome à lire, je me suis questionné à savoir comment Lemire pourrait boucler toutes ces sous-intrigues. Il a réussi, plus ou moins.

Je suis encore ambivalent à savoir quelle fin j'aurais préféré avoir. Une fin plus optimiste, qui me laisse apaisé en sachant que nos personnages sont entre bonnes mains, ou bien une fin plus pessimiste, proche de la réalité, difficile à digérer. Des fois, j'aime être tourmenté par une histoire après ma lecture. Des fois, j'aime pouvoir aller me coucher et passer une bonne nuit. Je ne sais pas encore où me situer avec ce récit. Peut-être qu'il y aurait eu moyen de balancer les deux plutôt que de pencher d'un côté plus que l'autre.

Je me perd dans les détails. Définitivement c'est le genre de récit qui me parle et je suis content de voir Lemire dans son élément. Avec Underwater Welder, Royal City rejoint la liste d'ouvrage que je vais vouloir me procurer quand j'aurai plus de place dans mes bibliothèques

On a ici du shlock gore, gratuit, violent, barbare, bon marché. L'auteur ne s'en cache pas. Il s'est inspiré des couverture de roman-chocs de son enfance pour son ouvrage. Mais est-ce que c'est si pire que ça?

Red Room imagine l'industrie qui se cacherait derrière ces fameuses Red Room sur le Dark Web. C'est en fait une collection anthologique de récits appartenant tous au même univers plus ou moins reliés ensemble et non-chronologique. Pensez à Sin City (les comics tout aussi bien que les films). Déjà là, c'est le genre de composition qui me parle naturellement.

Étonnament, j'ai trouvé le niveau de gore plutôt restreint pour ce que je m'attendais. Le focus n'est pas sur les scéances de torture en tant que tel (même si elles occupent une place de choix dans le récit), mais plutôt sur l'univers qui entoure celle-ci et qui leur permet d'exister. Quelque chose qui aurait pu être gratuit et conséquemment vide de valeur scénaristique s'en sort pas si mal finalement.

Scénaristiquement, bien entendu certaines histoire vont frapper plus que d'autres. J'ai bien apprécié l'analyse de l'auteur de ses propres récits inclus à la fin de l'édition que j'ai pu lire. Ça a dissipé certaines interrogations que j'avais à la fin de ma lecture, mais ça témoigne quand même d'une faiblesse à certains passages.

Artistiquement, c'est du Ed Piskor tout craché. Les dessins sont sublimes, très détaillés. J'aime l'absence de couleur. Je me perd dans les illustrations quelques fois en appréciant chaque détail. Je donnerais 5 étoiles facilement basé uniquement sur ça.

Bref, après avoir lu presque l'intégralité de Crossed, je n'ai rien rencontré ici qui pouvait me retourner l'estomac. Quand même, ça reste pour un lecteur averti.

Jeff Lemire en BD Franco Belge. C'est la meilleure façon que je peux le résumer. On a ses forces et ses faiblesses ici.

Intrigue très prometteuse. La couverture et le résumé me laissaient croire que j'aurais droit à un récit de zombie tout ce qu'il y a de plus classique. Les dessins rappelant ceux de Charlie Adlard (Walking Dead) ne faisaient rien pour m'en dissuader. Sans vouloir trop spoiler: oui, mais non. Ce que je peux dire, c'est que la composante zombie a été très adroitement maniée dans un récit où elle aurait pu sembler hors sujet. J'en suis très surpris.

Malheureusement, l'intrigue a pris le dessus sur nos personnages qui sont plats et ennuyants. Malgré qu'on ait voulu que je m'attache à eux, je n'y suis pas arrivé. Un des personnages est particulièrement insupportable et lorsque vient l'exposition de son passé qui explique un peu pourquoi elle agit comme elle agit, ma haine était déjà trop ancrée pour me rendre empathique à son sort. En fait, le personnage le plus intéressant n'est même pas l'un des 7 principaux et n'est présent que très brièvement.

À lire uniquement pour le récit lui-même qui reste adroitement manié et qui m'a tenu en haleine tout le long.

La prémice me parlait même si je l'ai loué à la bibliothèque sans m'en préoccuper. Au final, on a affaire à un huis clôt d'enquête plus qu'à un drame historique, ce qui ne me déplaît pas nécéssairement.

Les dessins sont très bon avec un trait gras et des couleurs assumées. Rien à faire crier sur les toit, mais tout pour être plaisant à l'oeil.

Le scénario a beaucoup de potentiel. Nous avons 7 membres d'une fraternité semi-secrète qui ont tous (ou presque) été arrêté par les allemands durant l'occupation. Durant le récit, chacun devra raconter comment il a réussi à survivre à la guerre et prouver son innocence. C'est là où un huis clôt devient complexe à écrire. Il ne s'agit pas de cacher le coupable au lecteur jusqu'au moment fatidique, mais bien de laisser quelques miettes ici et là pour que le lecteur se sente imbécile de ne pas avoir pu deviner le dénouement à la fin de celui-ci. Personellement, j'ai trouvé que l'album ne réussi pas tout à fait à tanguer cette ligne malgré quelque essais.

Par exemple, un personnage ment sur un détail annodin à un moment. Est-ce qu'il cherche à cacher quelque chose ou bien l'a-t-il simplement oublié? A-t-il honte de ses propres actions et cherche-t-il à les embellir? On ne sait pas, et c'est génial comme ça. C'est un filon qui n'a pas été assez exploité au courant du livre. Pareil pour la personnalité propre de chacun des personnages. Certains sont hauts en couleur, d'autre très fade. Au final, aucun vraiment ne sort du lot et c'en est bien dommage.

En résumé, un bon ouvrage divertissant qui ne sera pas le premier en lice lorsque je voudrai relire certains albums de la série Sept.

Sept a tendance à sortir les prémices les plus insolites et encore une fois on y a droit ici.

En gros, on a 7 athlètes qui vont se joindre à un conflit armé et utiliser chacun leur propre talents particulier pour atteindre leurs objectifs. C'est étrange, c'est différent, c'est frais. J'aime ça. J'irais jusqu'à dire que c'est même assez bien exécuté. Les personnages sont attachants et on veut les voir réussir dans leur quête impossible. On essaie de me faire avaler une pseudo intrigue familiale dans les dernières pages et l'album s'en serait porté mieux sans.

Les dessins sont très jolis, certains des meilleurs que j'ai vu jusqu'à présent dans la série sept.

En résumé, ça a été une lecture super agréable et c'est probablement un ouvrage que je vais relire de temps à autre.

Un thriller nerveux et violent à mi chemin entre Seven et la trilogie Jason Bourne. Des méchants, des tarés, du glauque... rien ne nous est épargné, mais le scénario est solide et le dessin efficace. Un récit pour lecteur averti cependant.

D'abord, Jeannot recommence avec une superbe caméra embarquée dès les premières planches. Il l'avait déjà fait dans de précédents albums mais là elle est plus technique, plus pro. Tellement pro que Jeannot demande à Jacky Ickx jusqu'aux positionnements des aiguilles sur le tableau de bord à chaque virage, chaque trajectoires. Et c'est top. On y est.

Et après?

Rien de nouveau. Pour Gabrielle et Yves tout va bien. C'était juste un test de papa. Françoise est agaçante à être désagréable vis à vis de Jean Pierre. Elle est même pénible et dessert par son comportement agressif le propos initial de la femme inquiète pour son mari pilote. Et rien de neuf ici non plus.

Reste Steve. Peut être l'histoire la plus intéressante, peut être même le personnage le plus intéressant. Steve , depuis le début de la saga, cherche, malgré tout, l'apaisement et la construction de sa famille par le biais d'une histoire d'amour. Et malgré qu'il ait le comportement d'un fils de la guerre, il reste un idéaliste. Alors ce (nouvel) échec pèse. D'ailleurs c'est grâce à lui et son comportement exemplaire que Michel devient champion. Parce qu'il peut être un anti héros et héros tout à la fois que sa narration est la plus stimulante à suivre.

Et puis il y a Henri. Une planche, 3 répartis et il pose un propos qui a du mordant, du bonhomme et un vrai enjeu qui faits sens.

Mais à part ces moments plaisants, ce personnage qui raconte un destin malgré tout tragique et que Jean sait raconter merveilleusement les pilotes et le circuit de Monaco, la lecture, trop verbeuse, est aussi trop confortable et pépère. Je pourrais même dire ennuyeuse.

Le début de la fin?

Une aventure de Tex ultra-classique (bandits retords, soldats véreux, gros méchants, chasse au trésor et courses poursuites), mais tellement dans la maîtrise que ça en est prenant.

"L’Intégrale X-Men- 1985 (2) "(Panini comics- 2014) , des très grands scénariste Chris Claremont, du dessinateur John Romita Jr et de l’encreur Dan Green, nous offre le climax de l’année 1985 pour la série "X-Men", l épisode double # 200 :" Le procès de Magneto" ou le devoir de mémoire : Magneto, ancien leader de la Confrérie des Mauvais Mutants et ennemi juré des X-Men, est jugé comme terroriste, à Paris, par le Tribunal International.
Mais, Xavier, le fondateur des X-Men et Magneto se sont connus jeunes alors que Magneto, survivant des Camps de la Mort nazis, tous les deux mutants, ont choisi chacun deux chemins différents. Pour la cause mutante. Xavier, l’idéaliste à la Martin Luther King et Magneto par la force, tel Malcom X.
Dans cet épisode, Claremont fait reposer son récit sur la haine de l’autre, du différent comme ont été victimes les Juifs et les mutants. Cela a conduit à la Solution Finale et peut recommencer. Trois victimes sont présentes : l’avocate Juive, victime dans le passé, Rachel Summers, dans le futur possible, qui aura été dressée à chasser les Mutants pour les tuer et la Juge, dans le présent. L’Histoire se passe à Paris, la foule gronde et des terroristes en profitent pour vouloir tuer Magneto mais celui-ci a changé, accepte d’être jugé et de s’occuper des X-Men et leur relève (les Nouveaux Mutants) face à un Xavier mourant.
Quant aux dessins, le jeune Romita Jr est au sommet de son Art et fait de Magneto un être puissant et noble qui a sauvé des vies dans les Camps de la Mort et qui a perdu sa femme à cause de son origine.
À lire. Récit visionnaire en ces temps actuels où tout a failli basculer.

celui que j'ai en ma possession : ISBN : 2-07-58139-X
dépôt légal :septembre 1993
N° d'Edition : 545298

L’action se situe au début du XXe siècle, dans une ville de New York qui s’apprête à connaître des élections municipales aux enjeux importants. Alors que des bandes font régner le chaos en ville, deux candidats s’opposent. Tandis que Gedeon Sikk, le maire sortant, entend répondre à ces émeutes par une surenchère de violence, Jessica Ruppert, démocrate, prône le dialogue et l’écoute de l’autre. Les intrigues qui se mêlent autour de ce passage aux urnes sont nombreuses. C’est dans ce contexte que Joshua Logan, ancien du Viet-Nam, tente d’oublier les horreurs de la guerre aux côtés de sa femme et de son fils. Pas facile, lorsque l’actualité lui rappelle sans cesse ce passé qu’il pensait révolu.

Le pouvoir des innocents est une série qui aura marqué de nombreux lecteurs. La raison de ce succès, mérité, tient dans la profondeur des personnages et dans la façon dont le scénariste, Luc Brunschwig, entremêle les différentes destinées pour livrer un tout cohérent. À la lecture, la crainte est parfois grande de voir les auteurs se perdre dans leur propre intrigue ou décevoir par une fin qui ne serait pas à la hauteur de l’implacable montée en puissance du scénario au fil des cinq volumes. Au final, le dernier tome est sans nul doute l’un des mieux construits qu’il m’ait été donné de lire : toutes les questions trouvent réponse et le final, grandiose autant que cruel et chargé d’émotions, ponctue comme il se doit cette série haletante illustrée par Laurent Hirn avec un talent qui s’affirme à chaque parution.

Un must en matière de thriller politique, riche dans son propos et infaillible dans sa narration.

De nouveau, un album fleuve où les planches les plus sublimes les unes que les autres se succèdent.
Au fil des pages, Ledroit se rapproche de plus en plus de ce monde gothique qu'il connaît et affectionne. Si les graphismes sont irréprochables, les longues tirades qui semblent infinissables alourdissent le récit sans vraiment apporter de la profondeur.
Malgré tout, cela restera un tome de haute volée qui vaut la peine d'être lu.

La trame est extrêmement simple. Clement rencontre Tracy-Lee, quelque part sur la route, dans une Amérique où la ségrégation reste une actualité brûlante. Mais un homme noir peut-il coucher avec une femme blanche sans peur des représailles ?

Cet album est un road-movie dans la plus pure tradition du genre, où jamais le rythme ne s’élève. Tout est calme, d’un calme qui semble contenir à chaque instant une violence sourde. La qualité du récit ne tient pas dans une façon de traiter le thème du racisme qui serait exceptionnelle, mais dans l’ambiance posée par les auteurs grâce à un découpage qui accentue la lenteur de l’histoire, son côté pesant, et au dessin de Philippe Berthet qui renforce l’atmosphère sombre prévalant du début à la fin. Il fait également passer de nombreux sentiments par la mise en scène, par les silences qui s’imposent tant au lecteur qu’aux protagonistes de cette histoire déchirante.

Implacable, le scénario de Philippe Tome brille par une simplicité qui paraît de bon aloi, au service de personnages dont le destin tient à cœur jusqu’à la dernière page.

La première particularité de Nuit noire est de se dérouler en France, tandis que nombre de thrillers préfèrent prendre pour cadre les États-Unis. La deuxième est d’adopter une narration particulièrement morcelée, alternant des scènes qui se déroulent sur plusieurs trames temporelles.

Le lecteur suit le parcours de deux amis, Marc et Joey, qui doivent s’enfuir après une altercation qui tourne mal avec la police. Ce sera l’occasion pour ces jeunes hommes de revenir sur leur vie passée, leurs erreurs, mais aussi les événements qui se sont imposés à eux. Le parcours de ces personnages aux caractères dissonants a pour toile de fond une vie pas toujours rose, et la nécessité pour eux de se battre pour survivre. Le procès qui se déroule en parallèle de leur fuite en avant sera pour le scénariste, David Chauvel, le moyen de revenir sur les causes d’un drame qui apparaît comme évitable.

Au dessin, Jérôme Lereculey fait preuve d’un réalisme sobre mais efficace. Son trait brut convient parfaitement pour rendre une ambiance finalement très dure, à l’image de la vie des différents acteurs. Ensemble, les deux auteurs auront donné naissance à une série brève mais intense, qui alterne avec bonheur les moments de violence et les instants de répit, et dont la fin, attendue, atteint un sommet en termes de tension dramatique.

En règle générale, les auteurs essaient souvent de rendre leurs héros attachants d’une manière ou d’une autre. Ce ne sont pas toujours des saints, mais au moins ont-ils un vécu ou un caractère qui nous font comprendre les actes qu’ils posent. Tel n’est pas le cas du tueur qui donne son nom à cette série de Matz. Le tueur est quelqu’un qui apparaît comme extrêmement froid, détaché, sans scrupule, et qui trouve dans la violence dont est faite le monde prétexte à justifier, ou du moins à minimiser, ses propres exactions.

Le monologue est d’ailleurs la forme de narration qui prédomine, témoin de la solitude du tueur ne pouvant vraiment se lier à personne. Il est difficile de savoir quelle attitude adopter face à cet être qui a fait de son quotidien une mise à mort sans cesse renouvelée et qui passe le plus clair de son temps à s’en dédouaner : impossible de rejeter en bloc tous ses arguments ; impossible également d’y accorder un trop grand crédit, même si, comme il le dit lui-même, il ne fait qu’aider des personnes souvent peu recommandables à s’entre-tuer. Les pensées du tueur soutiennent véritablement l’histoire, surtout faite de considérations générales sur la vie et la destinée. Ainsi, ce personnage qui semble nous échapper complètement narre sa vie et expose sa vision du monde, tout en perpétrant les assassinats pour lesquels il est rétribué.

Cette façon particulière de raconter permet au dessinateur, Luc Jacomon, de faire montre d’un style très original, tourmenté, haché, et accompagné de couleurs très tranchées. Les ambiances qui en ressortent sont soit d’une profonde noirceur, soit au contraire d’une luminosité qui, par instants et par endroits, contraste avec un récit d’une grande violence.

L’intrigue en elle-même n’a qu’un intérêt limité : Griffu est conseiller juridique et il se retrouvera embrigadé dans une sombre histoire de magouilles, où les coups de feu seront aussi nombreux que les coups bas. C’est plus au style littéraire de Patrick Manchette que tient l’originalité de ce récit : le personnage, à grand renfort de voix off et de dialogues percutants, s’exprime dans un français teinté d’argot parfaitement réjouissant.

Autre particularité, les différents personnages sont tous plus ou moins des crapules, même le soi-disant héros. Ils se démènent dans un univers d’une grande noirceur, illustré par Tardi dans son style éminemment reconnaissable. L’atmosphère qui s’en dégage prend aux tripes et sert le côté sombre de l’histoire.

Au rang des maîtres du polar, le duo Tardi/Manchette tient une place de choix. Griffu en est la preuve ; un album à savourer pour ceux qui n’aiment rien tant qu’une plongée un brin sordide en milieu urbain.

Comme son nom l’indique, cette série nous emmène à la découverte des travers de la politique, autrement dit des petits et grands complots qui font et défont nos représentants. L’histoire se déroule au Royaume-Uni, à l’approche d’importantes élections. Nous suivons le parcours dans ce monde de requins de Clive Baker, proche de Sir Stuart, ancien Premier ministre qui s’apprête à révéler des informations compromettantes sur des politiciens en vue.

L’intrigue concoctée par Philippe Richelle brille par sa construction sans faille, sa représentation édifiante des luttes d’influence et des enjeux politiques. Elle présente des personnages à la psychologie approfondie et s’accompagne d’un dessin réaliste de qualité signé Jean-Yves Delitte.

Tous ces éléments ont concouru au succès de ce récit qui nous fait pénétrer dans les coulisses d’un univers où, sans cesse, hommes et femmes flirtent avec la légalité pour assouvir leur soif de pouvoir, même si, de toute évidence, ce combat peut également s’accompagner d’une certaine éthique et d’un réel sens du devoir.

Un jeu d’équilibriste, en somme.

Ne connaissant rien à cette œuvre de Moorcock (contrairement à Elric), je suis rentrée dans cette BD en espérant qu'elle soit fidèle aux livres (l'avis de thorntrop m'a rassuré sur ce point).
Ce 1er tome est un bon opus d'introduction de la situation de l'Europe et des différents protagonistes.

"L’intégrale X-Men -1985 (1)" (Panini comics-2013) , du scénariste Chris Claremont, du dessinateur John Romita Jr et de l’encreur Dan Green, nous présente la suite des aventures des "Uncanny X-Men "(Logan, Colossus, Rachel Summers …) face à la montée du sentiment de haine contre les mutants et le fait que, bien qu’ils sauvent l’humanité à chaque aventure, ils sont rejetés par l’humanité.
Chris Claremont est un humaniste. Interrogé par votre serviteur lors d’un "Paris Comics Con" sur le sentiment de haine pour les mutants dans ses scenarii, il nous prouve que les êtres rejetés par les humains, ici les mutants dotés de super-pouvoirs, sont plus droits, plus justes dans ce camp, dans ces épisodes.
Le Maître John Romita Jr fait de superbes dessins de New-York dans son œuvre et crée de nouveaux personnages : le robot Nimrod, chasseur de mutants (ce qui accentue le climat de haine contre les X-Men) ou le petit frère natif du défunt Thunderbird, mort dès la première aventure des Uncanny X-Men.
L’important dans ses dessins sont les Portraits, les personnages, l’humain. Car, malgré les costumes, les super-héros sont des humains, une famille qui pourrait être la vôtre.
À lire.

L’auteur nous prévient dans sa préface que des personnages et des faits sont réels mais que le récit est totalement imaginé. Nous avons le même concept qui a prévalu sur le film catastrophe « Titanic » réalisé par James Cameroun à savoir une histoire brodée sur un fait historique précis.

En guise de catastrophe, nous avons droit au tremblement de terre qui secoue San Francisco à 5h12 au matin du 18 avril 1906. L’épicentre se situait seulement à 12 km de la grande mégalopole de la côté Ouest : bref la fameuse faille de San Andreas. La magnitude a atteint 7,8 soit presque 8 ce qui en fait l’un des séismes les plus marquants. Il y eu près de 3000 morts et surtout d’immenses dégâts.

Si on pouvait croire qu’une fois le tremblement de terre passé, cela serait fini, on se trompait assez lourdement car les conduites de gaz éventrés ont provoqué un immense incendie qui a ravagé la ville pendant trois jours durant.

A noter également les pillages qui ont suivi cet événement majeur dans une ville qui était le fleuron de l’Ouest américain avec ses milliers d’émigrants notamment chinois. Le général Frédérick Funston chargé de protéger la ville ordonna aux militaires de tirer à vue sur les pilleurs faisant alors plus de 500 personnes blessées ou tuées.

Pour en revenir à la BD, cela se concentre sur le passage d’un chanteur d’opéra italien qui a donné un récital le soir précédant le tremblement de terre ce qui est un fait avéré. Il s’agit du célèbre ténor Enrico Caruso qui doit faire passer un tableau de Klimt en toute illégalité pour servir la maîtresse du général. Ce dernier séjourne dans un grand hôtel. Il est également question d’une femme de chambre aux compétences étendues comme un peu dans l’affaire du Sofitel impliquant Dominique Strauss-Kahn, futur candidat à l’élection présidentielle.

Bref, on suivra les aventures un peu rocambolesques de cette soubrette qui tente de protéger le tableau pour ne pas qu’il tombe dans les mains de la mafia italienne locale. Oui, les faits sont assez télescopés. Sur ce, il arrive le grand cataclysme qui est ne sorte de porte de sortie pour notre femme de charme. On n’y croit pas une seule seconde mais bon.

Grâce à un dessin assez agréable tout en aquarelle, on suit tout de même avec un certain plaisir non dissimulé ce titre sous l’angle du divertissement pur. Il est vrai que cela part un peu dans tous les sens entre l’aspect artistique avec un retour sur la période de l’Antiquité lors d’une bataille qui fut réglé par une décapitation au sommet et les règlements de compte entre mafioso utilisant une vedette internationale. Il reste à découvrir le second tome qui clôturera cette œuvre.

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Joe Haldeman est un ancien du Viêt-Nam qui a voulu raconter son expérience de la guerre sous la forme d’un récit de science-fiction. Dire qu’il s’est fortement impliqué dans l’écriture de son roman, adapté en bande dessinée avec l’aide de Marvano, est donc un doux euphémisme. L’authenticité du récit et des nombreuses émotions qui en émanent est ainsi inattaquable.

Au long des trois tomes qui composent cette série, le scénariste ne se concentre pas sur les ressorts d’une guerre qu’il présente comme inepte et sans fondement, mais bien sur le quotidien des soldats soumis aux affres du conflit armé : violence omniprésente, conditions de vie extrêmes, entraînements meurtriers, isolement total, obligation de commettre des exactions que leur propre morale réprouve. À mesure que nous suivons les personnages, nous découvrons un monde qui, inexorablement, se déshumanise jusqu’à faire des individus les simples rouages d’un système. Les soldats deviennent des machines, contraints de se défaire de leurs sentiments, de se montrer froids face à l’ennemi et de lutter contre tout sentiment d’empathie, dans un monde où l’importance de chacun se résume à ce qu’il peut apporter au système. Avec, au final, une perte de repères totale pour le combattant qui, paradoxe temporel aidant, participe littéralement à une guerre sans fin, et dont le début se perd dans un passé indéfini.

Tous ces éléments, toute cette véracité renforcée par le dessin ultra-réaliste de Marvano, font de La guerre éternelle l’une des meilleures séries de science-fiction jamais publiées, en tout cas l’une des plus poignantes, et un véritable manifeste contre la guerre, quelle qu’elle soit.

La trilogie Nikopol constitue à n’en point douter l’une des références en matière de science-fiction, mais elle revêt un caractère particulier à plus d’un titre. Ici, pas de monde ultra-futuriste, pas de conquête spatiale ou de vaisseaux interplanétaires. Non, l’action a lieu dans un Paris qui n’est plus que l’ombre de lui-même, aux mains d’un régime fasciste qui a rejeté en périphérie une plèbe qui se décompose dans la crasse et la misère. Ce monde en déliquescence, c’est celui que retrouve Alcide Nikopol après un séjour prolongé dans l’espace en état de cryogénisation, reliquat d’une technologie semble-t-il oubliée.

Le premier tome est un modèle de récit politique dans un contexte d’anticipation, agrémenté d’une touche originale de mysticisme. Le personnage de Nikopol, devenu un jouet dans les mains d’Horus, dieu égyptien qui a fui ses semblables, combat le régime en place pour rétablir un système démocratique. Le lecteur suit avec intérêt le rapport de forces entre les deux entités, l’une humaine et l’autre divine, qui se côtoient par la volonté d’Horus. Il s’établit entre eux une relation pour le moins particulière, à mi-chemin entre le partenariat et la véritable amitié. Leurs desseins, pourtant différents, se rejoindront étrangement au fil de leurs pérégrinations.

Par la suite, au cours des deux derniers tomes, Enki Bilal change de registre et de graphisme. À mesure qu’il délaisse le fond politique de son récit pour se concentrer sur le destin de ses personnages, il adopte progressivement un style plus cinématographique qui fait la part belle aux plans larges, avec un découpage moins classique et un trait certainement moins réaliste. Il s’agit par ailleurs d’un tournant important dans sa carrière, ses productions suivantes allant de plus en plus dans le sens de l’expérimentation.

Cette trilogie n’a rien d’académique et peut paraître décousue par endroits. Elle fait de la puissance graphique de l’auteur et de son originalité, parfois outrancière, ses véritables atouts.

La Fédération des terres unies assure au système solaire une paix que rien ne semble devoir remettre en question, si ce n’est l’apparition soudaine d’un mur, immense et terrifiant, quelque part entre Saturne et Jupiter. L’escadrille Purgatory, composée de fortes têtes et autres rétifs à un minimum de discipline, aura pour mission de pénétrer dans ce mur pour en découvrir la nature et, surtout, pour pister les ennemis qui se cachent forcément derrière ce mystérieux phénomène.

Pour conter cette première guerre universelle, Denis Bajram se retranche derrière une kyrielle de théories scientifiques qui, si elles ne sont pas toujours faciles à suivre et pourront éventuellement être remises en cause par des esprits pointus, confèrent tout de même au récit une grande crédibilité. Il joue notamment sur le paradoxe temporel pour procéder, au cours des six volumes, à d’incessants allers-retours dans le temps. Loin de perdre le lecteur, cette narration audacieuse donne à la série son identité et permet de multiplier les pistes de réflexion. Arrivé au dernier tome, force est de constater que la cohérence est assurée, même si d’aucuns pourront peut-être regretter la tournure quasi mystique que prend l’histoire. C’est oublier que, depuis le début, des passages entiers de la Bible s’égrènent au rythme des chapitres composant chaque opus.

Malgré la complexité apparente de l’intrigue, Bajram n’oublie pas de rythmer son récit par un grand nombre de scènes d’action et de batailles spatiales auxquelles son dessin, spectaculaire, donne une grande force. Par une mise en couleurs sombre et l’utilisation adéquate de teintes rougeâtres, l’auteur crée en outre une ambiance oppressante qui rend d’autant plus trépidante cette histoire qui ose énormément, intégrant des éléments qui font franchement froid dans le dos.

Marco est photographe. Lassé de couvrir les guerres qui déciment le monde, lassé des relations compliquées qu’il entretient avec sa famille et ses proches, il quitte la région parisienne pour s’installer à la campagne. C’est là qu’il rencontre Émilie, avec qui il tentera de construire une vie.

Dans cette série de quatre tomes, Manu Larcenet campe un jeune homme moderne qui pose un regard critique sur lui-même et sur le monde qui l’entoure, sur la façon de dépasser ses propres peurs, de se comprendre soi-même. Les thèmes abordés sont donc divers, entre la relation au père et la conscience politique de chacun, en passant par l’éducation des enfants, le poids d’une conscience meurtrie par un passé douloureux, ou encore le regard que l’on peut porter sur l’histoire parfois atroce de son propre pays.

L’auteur ne traite pas de ces sujets avec didactisme ou une volonté trop marquée d’imposer ses vues, il se contente de confronter ses personnages à des situations et, d’une certaine manière, d’en observer le résultat. Le lecteur se retrouve dans une position identique, souvent tiraillé par les choix que doit faire Marco. L’histoire alterne ainsi les moments de joie intense et les autres, plus douloureux, nous faisant passer sans ménagement du rire aux larmes, en quelques cases à peine, sans tomber dans le pathos ou la lourdeur. L’émotion passe d’ailleurs autant par les mots que par les images.

Le dessin de Larcenet, sans esbrouffe et sous des dehors de simplicité, est virtuose. Les expressions des visages, par exemple, sont très travaillées et parfaitement révélatrices des sentiments des personnages, tandis que les mises en scène, entrecoupées de silences significatifs et parfaitement dosés, sont souvent imparables.

Étienne Schréder raconte ici la descente aux enfers qui a marqué sa jeunesse. Alcoolique de son état, il perd son travail. C’est alors la rue et la clochardisation qui l’attendent, sans véritable espoir d’en sortir un jour.

Le lecteur suit son parcours avec une certaine horreur, entre pitié et impuissance, et repense à ces innombrables SDF qu’il croise dès qu’il met les pieds en ville. Portrait du monde actuel qui ne cesse de générer des exclus, le livre repose non seulement sur un propos très intéressant, mais aussi sur un dessin en noir et blanc qui happe le lecteur pour ne plus le lâcher. L’ambiance souvent très sombre qui en ressort souligne à la perfection le sort peu enviable d’un jeune homme pourtant brillant.

Émile, veuf et retraité, mène une existence paisible : seule sa passion de la pêche lui permet de s’évader parfois d’un quotidien un peu terne auquel il s’est résigné... jusqu’au jour où il décide de reprendre goût à la vie, de sortir, voir du monde, et pourquoi pas rencontrer une dame avec qui passer d’agréables moments.

Cette bande dessinée aborde un sujet délicat et peu traité dans les récits de fiction, tous médias confondus : l’amour et la sexualité chez les personnes âgées. Pascal Rabaté fait preuve de beaucoup de tact et de tendresse dans son portrait d’un homme à la recherche du plaisir, un plaisir qui consiste avant tout à trouver de la compagnie, davantage qu’un simple partenaire sexuel. Faire un tel choix de vie, pour lui, c’est aussi s’exposer au regard des autres, qui considèrent le plaisir de la chair comme réservé à la jeunesse.

Le dessin de Pascal Rabaté, qui a évolué pour tendre vers l’épure, participe grandement au sentiment de délicatesse qui émane du récit. Il réserve également une place importante au silence, au calme, à la contemplation. Comme si, privilège de la vieillesse, tout se faisait plus lentement, sans que la résolution dont peut faire preuve une personne en soit amoindrie. Au long de cette tranche de vie offerte au lecteur, Émile rencontre aussi de nombreuses personnes, toutes ayant leur rôle à jouer dans les choix qui se poseront à lui.

Le soin accordé par l’auteur à la réalisation de ces « Petits ruisseaux » est tout bonnement remarquable, tout comme son habileté à retranscrire avec sobriété un large panel d’émotions. Douceur, tel est en définitive le mot qui convient le mieux pour qualifier ces quelques instants volés à une vie faite de peines, de doutes, d’espoir... mais surtout de beaucoup d’amour.

Nouvelle édition pour deux récits signés André Juillard, dans la collection des « Chefs-d’œuvre primés à Angoulême » de Casterman.

Le premier, intitulé « Le cahier bleu », raconte une partie de la vie de Louise, une jeune femme originaire du Québec et vivant à Paris. Par le jeu du hasard, elle fera une rencontre amoureuse, puis une autre, et ce sont ces différentes relations qui servent de fil rouge au récit. Si les dialogues peuvent parfois paraître empruntés, la façon qu’a l’auteur d’imbriquer les différentes scènes en jouant avec la trame temporelle de son intrigue est quant à elle admirable. Sans parler du dessin qui, dans la veine réaliste, fait de l’auteur l’un des monuments du genre.

Le récit n’a pas pour but de tirer de grands enseignements, il se contente de mettre en scène des personnages qui se dévoilent progressivement et dont l’image pourra être altérée au fil des pages. Il ne faut donc pas voir dans « Le cahier bleu » autre chose qu’une histoire au parfum romantique, même si, il est vrai, Juillard fait de ses personnages plus que de simples marionnettes et les rend attachants par leur personnalité, leurs réactions et le passé que certains tentent d’oublier.

Une petite friandise pour un plaisir de lecture bien innocent, voilà ce qu’il faut retenir de ce qui fut, à ma connaissance, la première incursion dans le registre contemporain d’un auteur auparavant cantonné à la bande dessinée historique.

Le second récit, intitulé « Après la pluie », m’a beaucoup moins convaincu. Si le dessin reste correct, le lien avec le précédent album m’a paru plus que ténu. Et les personnages moins attachants. À noter que cette édition comprend également deux pages publiées dans (À Suivre) en 1997. Sans être indispensables, elles prolongent agréablement « Le cahier bleu ».

David Salomon, dit Soda, est flic à New York. Il vit en appartement avec sa mère cardiaque et refuse obstinément de lui avouer son vrai métier, de peur de la faire mourir d’inquiétude. Il se fait donc passer pour un pasteur, ce qui donne lieu le matin et le soir à un étrange manège : il change de vêtements dans l’ascenseur, en un temps record. Tout le monde au commissariat est au courant de sa petite combine et l’aide à entretenir le secret.

Humour omniprésent et dessin très accessible, pas de doute, Soda s’adresse à un large public. Au fil des albums, Philippe Tome aura toutefois donné à sa série une touche plus noire qu’il n’y paraît à première vue, la vie quotidienne d’un agent de police dans la Grosse Pomme n’étant pas précisément de tout repos. Lors de ses enquêtes, Soda entre donc en contact avec la lie de la société américaine. Si l’angle de vue ne manque pas de légèreté, c’est donc bien une réalité peu reluisante qui sert de toile de fond aux pérégrinations d’un héros qui ne manque pas d’attirer la sympathie. Il gagne aussi progressivement en épaisseur, aux prises avec une vocation parfois vacillante à force de coups portés et reçus au jour le jour. Il est parfois difficile de résister à l’envie de prendre la tangente avec Linda, collègue et plus si affinités...

À noter, au niveau du dessin, un passage de témoin très réussi entre Luc Warnant et Bruno Gazzotti, en plein milieu d’un album.

Voilà un détective particulier. Non seulement est-il affublé d’un patronyme pour le moins original, il a aussi appris son métier en suivant des cours par correspondance. Imperméable sur le dos et chapeau vissé sur le crâne, il aime se donner des airs de fin limier. Cette impression a toutefois tendance à s’estomper dès qu’il enfourche son solex, tousse à la moindre bouffée de cigare et semble accumuler les bévues le long de ses enquêtes. Inoffensif, c’est ainsi que le perçoivent nombre des malfaiteurs qu’il traque pourtant sans relâche. Sous ses airs de jeune homme lunatique, Jérôme n’est pourtant pas dénué de bon sens et d’esprit de déduction. Opiniâtre, c’est souvent avec brio qu’il résout les énigmes qui se présentent à lui.

D’abord sur des scénarios de Pierre Makyo et de Serge Le Tendre, puis en solo, cela fait plus de vingt tomes qu’Alain Dodier balade son personnage d’affaires en affaires. Et avec une qualité qui ne se dément pas ! Dans la grande tradition des romans policiers, il offre aux aficionados une série taillée à leur mesure, pleine d’humour et de gaieté malgré des destins qui, parfois, tendent vers le tragique. L’auteur propose ainsi des enquêtes qui ne manquent pas de surprises et reposent invariablement sur des personnages d’une remarquable consistance.

Le dessin, simple et élégant, est parfait pour cette série qui s’adresse à tous les publics.